LA MIRADA ACTUAL

2013-05-21T09:30:00.001-07:00

EL ESCRITOR MANUEL MUÑOZ HIDALGO,MEDALLA

DE ORO FORO EUROPA 2001 Y EL ACADÉMICO JOSÉ

COSÍN SÁNCHEZ,CIUDADANO EUROPEO.

Muñoz Hidalgo y José Cosín

L.M.A.

En una gala celebrada recientemente en el The Westin de Valencia,

se hizo la entrega de los premios de FORO EUROPA 2001, presidido por José Luis Salaverria,fundador del Foro,con motivo del XVI Aniversario del mismo,hoy en día está considerado como uno de los Foros de debate más importantes de Europa por antigüedad,ponentes galardonados y por su gran difusión mediática.

Esta prestigiosa distinción se concede a Presidentes de Instituciones,Profesionales liberales

y Personalidades de la sociedad civil que han destacado por su profesionalidad,europeísmo y humanidad.

Manuel Muñoz Hidalgo,escritor,poeta,dramaturgo,columnista de

opinión,Orden Primer Grado Cirilo y Metodio concedida por el Consejo de Estado Búlgaro,Premio Internacional de Poesía Nikola Vaptzarov,Cruz Europea de Oro de Fomento Europeo A.E.F.E, entre otros premios y galardones,académico de la Hispanidad y de la Real Academia de Bellas Artes y Ciencias Históricas de Toledo,traducida su obra a varios idiomas,ha participado en numerosos seminarios y congresos nacionales y extranjeros,ha sido galardonado con la Medalla de Oro Foro Europa 2001 en reconocimiento a su trayectoria humana

y profesional.

José Cosín Sánchez,Profesor y Académico, recibió el premio Ciudadano Europeo y pronunció un emotivo discurso sobre la difícil situación actual de todo tipo y la carencia de soluciones por los responsables.

Manuel Muñoz Hidalgo comentó: "Este galardón lo comparto especialmente con todos los que soportan el ninguneo y la opresión de quienes impiden la identidad,la tolerancia y la inteligencia."

2013-05-21T09:22:00.001-07:00

Ceuta en el Senado, se presenta como un espacio de encuentro y de servicio a España

Ceuta

- La Fundación Ceuta Crisol de Culturas 2015 realiza su presentación oficial en el Salón de Pasos Perdidos de la Cámara Alta de la mano del presidente de la Ciudad

- Vivas: "No queremos celebrar una batalla; nos sentimos orgullosos de nuestra historia, sin complejos ni prejuicios"

- Ceuta reúne en la Cámara Alta a embajadores y diplomáticos, al secretario general de UGT, al presidente de la UCIDE, a alcaldes y a representantes de los grupos parlamentarios

- Pío García-Escudero brinda el apoyo del Senado a los objetivos de la Fundación

"Son muchas las razones que justifican la conmemoración de la llegada a Ceuta de Portugal, de la efeméride de 1415, entre otras, porque, junto con otros significados hechos históricos, constituye una irrefutable prueba de que Ceuta comparte con la península las mismas huellas, las mismas vicisitudes y los mismos avatares de un pasado común; en definitiva, la misma historia. Porque supone la entrada de nuestra ciudad en la Era Moderna, y con ello la apertura a nuevos horizontes. Y porque a Portugal debemos nuestros símbolos más queridos, y los fueros, y la planta urbana, y el carácter de una ciudad que es, a la vez, europea y africana; y la oportunidad de ser españoles". Con estas palabras el presidente de la Ciudad Autónoma, Juan Vivas, ha explicado en el acto celebrado hoy en un abarrotado Salón de Pasos Perdidos del Senado los motivos por los que Ceuta se dispone a conmemorar la llegada de los portugueses.

Vivas pronunciaba estas palabras en un acto que ha presidido el presidente de la Cámara Alta, Pío García-Escudero, y que ha contado con la presencia de los embajadores en España de Portugal, José Tadeu da Costa Soares, e Irán, Morteza Saffari, agregados y consejeros culturales de Francia e Israel, Nicolas Peyre y Jesús Arcos, el secretario general de UGT, Cándido Méndez, el presidente de la Unión de Comunidades Islámicas de España (UCIDE), Riay Tatary, la presidenta del Consejo General de Colegios Oficiales Farmacéuticos de España, Carmen Peña, 17 alcaldes de localidades madrileñas, representantes de los grupos parlamentarios en el Senado, como el portavoz y el secretario general del PP en esta Cámara, José Manuel Barreiro y Antolín Sanz, y el diputado por Melilla, Antonio Gutiérrez, entre otros. Junto al presidente de la Ciudad, intervino también la senadora Luz Elena Sanín, y el doctor en Historia y escritor Antonio Carmona, quien pronunció la conferencia 'El legado portugués de Ceuta', en un acto que contó también con la presencia del comisario de la Fundación, Jesús Fortes.

El jefe del Gobierno local recordó que cuando en 1640 prospera la sublevación del duque de Braganza y, como consecuencia, se produce la separación de los reinos de España y Portugal, los ceutíes eligieron ser españoles. "Desde entonces, el merecido título de Leal, Noble y Fiel, desde entonces un mismo estandarte con dos escudos, al que todos los años rendimos homenaje", agregó.

Pero los ceutíes "no queremos celebrar una batalla", ha asegurado el presidente. "Nos sentimos orgullosos de nuestra historia, sin complejos ni prejuicios; de toda nuestra historia: nos sentimos orgullosos del origen romano de nuestra ciudad, que le da nombre; de la presencia visigoda y bizantina; de la Ceuta medieval, califal y andalusí, convertida en potencia naval, comercial y cultural en todo el orbe mediterráneo; de haber sido uno de los primeros ayuntamientos nacidos de la Constitución de 1812; de tener interiorizado el valor de la resistencia; y de presentar una brillante hoja de servicio como atalaya, centinela y baluarte", ha añadido Vivas haciendo un somero repaso del pasado de la ciudad.

Así, del mismo modo que Ceuta se siente "orgullosa" de Enrique el Navegante, siente "el mismo aprecio por otros ilustres personajes que tuvieron Ceuta por cuna", entre los que citó a Al Idrissi, uno de los más insignes cartógrafos de la Edad Media, a Yosef Ben Yehuda, filósofo y discípulo predilecto de Maimónides, y a Jacinto Ruiz, héroe de la Independencia de 1808 y miembro del Regimiento Fijo de Ceuta, donde también sirvió Agustín Argüelles, el autor del prólogo de La Pepa y de la memorable frase: "Españoles, ya tenéis patria”, pronunciada el mismo día de la proclamación de la Carta Magna doceañista. "En definitiva, nos sentimos orgullosos de significar una constante e irrenunciable vocación de servicio a España, nuestra principal razón de ser", sentenció.

Un mensaje para no utilizar la historia

Para Vivas, la efeméride de 1415 y el crisol de culturas es "un mensaje subliminal con el que se quiere descartar y desautorizar cualquier intento de utilizar la historia como motivo o plataforma para la confrontación; un mensaje subliminal con el que se pretende significar que Ceuta es un espacio para el encuentro". Porque "así lo ha sido, así es, y lo que es más importante, así lo quiere la inmensa mayoría de los ceutíes", ha subrayado el jefe del Gobierno local.

En relación a la composición social de la ciudad, Vivas defendió que "Ceuta se enriquece siendo, al mismo tiempo, campanario, alminar, sinagoga y templo hindú" y aseguró que los ceutíes "queremos y necesitamos hacer de la convivencia una realidad cotidiana basada en la concordia y la fraternidad".

El presidente de la Ciudad reconoció ante el auditorio que Ceuta tiene problemas y recordó que demanda solidaridad al resto de los españoles para combatirlos; algo que también -dijo- es "otra constante histórica". Para acreditarlo, entre otros muchos testimonios, citó la misiva que el califa cordobés envió en septiembre del año 973 a sus representantes al otro lado del Estrecho, y en la que daba categórica cuenta de su decidido apoyo: "Hasta el límite de las arcas del tesoro y del grano almacenado, hasta el último hombre, hasta la última moneda y hasta el último aliento". Pero "Ceuta no es un problema; es un continuado esfuerzo por superar las mencionadas dificultades y hacer efectivo y real el derecho de todos los españoles a ser iguales, con independencia de cuál sea su lugar de residencia", resaltó.

En este mismo sentido, puso de manifiesto que Ceuta es también "una permanente voluntad de servir a España, con la tenacidad de Hércules y la audacia de Ulises, y de contribuir al mantenimiento de unas buenas relaciones de amistad y cooperación con el país vecino".

Por último, invitó a los presentes

a visitar Ceuta para que, así, puedan comprobar que entre las dos orillas, hay "el mismo cielo, la misma luz, el mismo mar y la misma patria".

El Senado da su aliento

El presidente del Senado cerró el acto con una intervención en la que deseó "el mayor éxito" al proyecto que encarna la Fundación Ceuta Crisol de Culturas 2015, porque eso será "una valiosa contribución a ese gran objetivo de convivencia fructífera y de progreso compartido al que todas las personas de bien aspiran", razonó. Por ello, brindó, "desde este momento, el pleno apoyo del Senado para lograrlo".

Para García-Escudero, "frente a versiones interesadas, no hay mejor antídoto que la divulgación y la puesta en valor de nuestra identidad histórica, y esa tarea es siempre más eficaz cuando se realiza con franca apertura a la participación ciudadana". "Y el proyecto que hoy se ha presentado aquí -continuó- nace con esa vocación y eso le otorga una gran fortaleza, porque la cultura se engrandece con la diversidad, y Ceuta Crisol de Culturas es producto y testimonio de la diversidad, de esa capacidad de integración que está en las entrañas de su ser histórico, lo que constituye su mejor aval de futuro".

2013-05-21T01:10:00.004-07:00

Luis Hernández del Pozo, Homenaje de poetas y artistas en el Aula de Poesía “A Orillas de Ávila”

Luis Hernández del Pozo

Julia Sáez-Angulo

El poeta y crítico de arte Luis Hernández del Pozo (Ciudad Rodrigo, Salamanca, 1932) ha sido objeto de un homenaje en el Aula de Poesía “Orillas de Ávila”, dirigida por José Félix Olalla. El acto tuvo lugar en la Casa de Ávila y estuvo muy concurrido de poetas, artistas, familiares y público en general en reconocimiento al vate octogenario.

Agapito Rodríguez Añel, presidente y anfitrión de la Casa de Ávila abrió el acto para reconocer la generosidad del homenajeado a lo largo de su trayectoria profesional. Hernández del Pozo dirigió varios años la misma tertulia en la que ahora ha sido objeto del homenaje.

El poeta Emilio Parra hizo la presentación del homenajeado y señaló que como hijo de militar nació en Ciudad Rodrigo, pero era especialmente de Granada por afecto a la ciudad donde residió y viaja con frecuencia. Destacó su característica de militar y de poeta fecundo y galardonado. Se recordó a su amigo el poeta Luis López Anglada.

José Félix Olalla comenzó leyendo el poema “Puente de Alcántara” de Hernández del Pozo, referido a la ciudad de Toledo, a la que tiene dedicada el libro Toledo en el recuerdo”.

El recital de poemas corrió a cargo del vate homenajeado y los citados presentadores. Se leyeron versos de los libros Al calor de la piedra, De viajes y violaciones o de Paisajes en el valle del Cauca. Fue muy aplaudido cuando el autor leyó el poema: Golondrinas, mis manos en tu albura”, “Los silencios compartidos” o el “Yo no vengo a pedir”.

Entre los asistentes al acto: Benito de Diego, José Benito de Lucas, Alberto Infante, Teodoro Rubio, Juan Carlos Búrdalo, Linda de Sousa, Juan Jiménez, Franca López Figueroa y Maribel Torrecañeque.

2013-05-20T14:19:00.000-07:00

Intervenir la colección / Coleccionar la intervención

Fundación Lázaro Galdiano

Las III Jornadas de Coleccionismo, organizadas por la Subdirección General de Promoción de las Bellas Artes del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte, en colaboración con la Fundación Lázaro Galdiano y la Fundación ARCO, se celebraron los días 13 y 14 de mayo, con asistencia de un numeroso público, bajo el título “Intervenir la colección / Coleccionar la intervención”.

En la primera jornada se desarrollaron dos diálogos independientes sobre el proceso de colaboración entre el artista y el comisario en dos exposiciones en concreto: “Bernardí Roig. El coleccionista de obsesiones”, en la Fundación Lázaro Galdiano, entre el galerista Alberto de Juan y el comisario José Jiménez; y “Un cuerpo extraño”, en el Museo Nacional de Artes Decorativas, entre Rui Macedo y José María Parreño.

Con el denominador común de analizar la manera en que el artista se plantea su intervención en colecciones ajenas, en el primer diálogo los protagonistas reflexionaron sobre el gran reto de hacer “una intervención en una colección de maestros, que crea nuevas lecturas en la obra del artista”. En el segundo sobre “la idea de que la exposición Un cuerpo Extraño, en el Museo de Artes Decorativas, era alterar la lógica del museo”.

Desde la complicidad con un comisario o con un coleccionista, los artistas plantean propuestas que, para su desarrollo, deben tener en cuenta el contexto en el que se van a presentar y dialogar con él como parte esencial de su propia obra.

La segunda jornada contempló una mesa redonda que, moderada por Rafa Doctor y con la participación de Carlos Rosón (Fundación RAC), Han Nefkens (Fundación Han Nefkens), Javier Quilis (Colección Inelcom) y Valentín de Madariaga (Fundación Valentín de Madariaga), giró en torno a las vivencias y experiencias en sus propias colecciones, así como a la relación entre éstas y los artistas, y la colaboración que éstos establecen para el desarrollo de obras específicas.

Para Carlos Rosón, “la Fundación RAC nace con el objetivo de establecer una relación entre el artista, el contexto y la colección”. Han Nefekes afirma que “el arte puede transformar la forma en que vemos las cosas y nos vemos a nosotros mismos”.

“Fomentar la cultura es la vocación de la Fundación Inelcom. Nuestro objetivo es ampliar el espacio a 4.000 m2 en Xátiva”, señala Javier Quilis, mientras que Valentín de Madariaga dice que “la colección es un reflejo de su coleccionista, que habla no solo de la persona sino también de su propia época”.

El nexo de unión de todas las colecciones participantes en esta mesa redonda era la manera en que entienden su pasión por coleccionar como una responsabilidad hacia el mundo en que habitan. Una de las reflexiones compartida por todos los participantes fue la idea de que el arte no es un patrimonio exclusivo del propietario; el arte es de todos. Es por este motivo por el que todas estas colecciones abren sus puertas de diversos modos al público.

2013-05-20T14:15:00.000-07:00

ARCOmadrid convoca la I edición del Concurso de Ideas ARCObloggers 2014

Los blogueros y creadores de opinión de arte contemporáneo en la red volverán a tener su cita anual en ARCObloggers 2014. De esta manera, ARCOmadrid convoca la I Edición del Concurso de Ideas ARCObloggers con el objetivo de buscar nuevos diseños, colaboradores y coordinación del blog.

La calidad de los contenidos, la internacionalidad y la creación de un encuentro de creadores de opinión en Redes Sociales durante la celebración de la 33ª edición de la Feria, son requisitos fundamentales exigidos por ARCOmadrid en esta nueva edición, para lograr consolidar a ARCObloggers como el espacio de diálogo virtual y físico de referencia de estos profesionales.

El concurso de ideas, con carácter abierto, contempla dos partes. Por un lado, el diseño y coordinación del blog www.arcobloggers.com, que estará en funcionamiento de octubre de 2013 hasta febrero de 2014, y que contribuirá a potenciar la visibilidad de la Feria a través de los creadores de opinión. Por otro, la organización de un encuentro de blogueros que tendrá lugar en ARCOmadrid los días destinados al público en general (21, 22 y 23 de febrero).

El plazo para la entrega de proyectos finaliza el viernes 21 de junio de 2013, fecha a partir de la cual se convocará al que el jurado compuesto por Roberta Bosco y Stefano Caldana (coordinadores ARCObloggers 2013), Raúl Díez (Director de Comunicación y Marketing de IFEMA) y Carlos Urroz (Director de ARCOmadrid), que nombrará el proyecto ganador.

Nacimiento de ARCObloggers

En la última edición, ARCOmadrid amplió su presencia en la red con nuevas plataformas como ARCObloggers, concebida y coordinada por Roberta Bosco y Stefano Caldana. Su repercusión fue notable, y su aportación como espacio de debate promovió el análisis y la discusión en la red, pero también en la Feria con la celebración de un foro en el que los ponentes y aficionados intercambiaron ideas.

Durante alrededor de 3 meses, ARCObloggers acumuló 163 entradas, que llegaron a una media de 3.000 personas durante la celebración de ARCOmadrid y a un total de 70.000 internautas. Los contenidos publicados motivaron debates en torno al sector del arte de carácter bidireccional, con aportaciones de los lectores que fueron aumentando hasta superar el centenar de comentarios.

CÓMO PARTICIPAR:

Los proyectos deben enviarse antes del viernes 21 de junio de 2013 a Ana Álvarez:

ana.alvarez@ifema.es

Teléfono: 91 722 50 80

2013-05-20T14:12:00.000-07:00

ROBOS, FALSIFICACIONES Y MERCADO NEGRO EN EL ARTE
Curso a cargo de Joaquín Gallego, consultor y especialista en el sector de la inversión y mercado del arte

PRESENTACIÓN

Según datos aportados por el FBI, el mercado ilícito de objetos artísticos mueve anualmente hasta 6.000 millones de dólares. La existencia de este mercado negro ha generado a lo largo de la historia el robo y desaparición de un incalculable número de obras de arte. La INTERPOL, en su informe del año 2000, contabiliza sólo en Italia 27.795 obras robadas, y el expolio sufrido por Irak durante las dos intervenciones militares es prácticamente imposible de cuantificar.

A este fenómeno hay que unir el de las falsificaciones, obras que, a lo largo de la historia, y hasta la actualidad, tratan de ser introducidas en el mercado del arte como obras de un autor, siendo realizadas con la intención del engaño y el lucro económico.

El conocimiento de esta realidad, normalmente ausente de los planes de estudio tradicionales, es fundamental para todos aquellos profesionales que se dediquen o quieran dedicar al mundo del arte y las antigüedades, bien sea desde el mercado, la legislación o la investigación.

DESTINATARIOS Y OBJETIVOS

Este Curso está orientado a profesionales del sector del mercado del arte, estudiantes que quieran desarrollar su carrera en el entorno del comercio del arte, y aficionados interesados en cuestiones legales, patrimoniales o investigadores.

El objetivo fundamental de este curso es dar a conocer a los alumnos este fenómeno, así como su repercusión en el Mercado del Arte en la actualidad. Esto hace que se trate, por tanto, de un conocimiento imprescindible para los profesionales, tanto presentes como futuros, de este sector.

METODOLOGÍA

A lo largo de las clases se irán abordando temas del mercado negro, las falsificaciones y el expolio del Patrimonio a través de casos reales, pasados y presentes, con una clara vocación didáctica y práctica, complementando la visión teórica con visitas puntuales a centros del comercio del arte, con diálogo con los principales agentes del mundo de casas de subastas o antigüedades.

PROGRAMA

1. Delitos contra el Patrimonio Histórico Español. La labor de las Fuerzas y Cuerpos de Seguridad del Estado. Dificultades de investigación.
2. El comercio ilícito y sus fases. El destinatario final del mercado negro.
3. Mercado Negro en España. Tipos de delincuentes del mercado negro.
4. El escándalo de las falsificaciones. Demanda de arte y falsificaciones. Definición de lo falso.
5. El caso Caravaggio, formas de falsificar. La restitución y los valores éticos en el arte.
6. Tres casos españoles: Dalí, Picasso y Velázquez.
7. Aproximaciones y cercanías en la autoría: las copias, las réplicas, las probabilidades, las alteraciones y retoques, las atribuciones, las dudas y modificaciones.
8. Los doce grandes falsificadores de la historia del arte. Restauradores, imitadores y estafadores.
9. Principales operaciones de recuperación patrimonial en España.
10. El pillaje nazi y las obras de arte robadas más importantes.
11. Visita a una sala de subasta.
12. Visita a un anticuario.

JOAQUÍN GALLEGO

Licenciado en Periodismo por la Universidad Complutense de Madrid, es consultor y especialista en el sector de la inversión y mercado del arte. Máster en Estética y Teoría del Arte, ha sido profesor en la Universidad S.E.K de las asignaturas Vanguardias Artísticas así como de Crítica de Arte, Museología y Medios Audiovisuales y Cine. Ha dirigido los cursos de verano Diálogos en el Arte Contemporáneo I, sobre las relaciones Fotografía-Pintura II, sobre Pintura-Arquitectura III, sobre Arte y Mass-Media. Actualmente es profesor en la Universidad Nebrija.

Periodista en varias publicaciones como "Crítica de arte", "Actualidad Económica", "El economista", ubicarte.com, arteinformado.com y Precioyarte.com. Gran conocedor de las colecciones particulares españolas de arte contemporáneo, así como de las colecciones institucionales-fundaciones y colecciones públicas.

Ha sido profesor de Investigación de Mercados, Mercado negro y tráfico ilícito, Galerías y Ferias de arte, Mercado del Arte en Europa y EEUU así como de Invertir en Arte. Sus artículos han sido publicados en "Actualidad Económica", "Crítica de Arte", "Cultura Moderna" y "El Economista". Ha colaborado en la exposición “Más allá de los límites terrestres” (Huelva, septiembre 2009) y en el "Informe para Ministerio de cultura sobre el Impacto económico del arte en España 2010". Es director de www.precioyarte.com.

INFORMACIÓN PRÁCTICA

- Duración del curso: 20 horas
- Fechas: 3, 4, 5, 6, 7, 10, 11, 12, 13 y 14 de junio de 2013
- Horario: De 19 a 20:30 horas
- Precio: 120 euros
- Lugar: Sede de la Fundación FIArt, C/ Infantas, 27, 2º Izquierdo 28004 Madrid

Se facilitará a todos los alumnos un certificado o diploma
Se facilitará gratuitamente al alumno material de apoyo
Plazas limitadas

INSCRIPCIONES

Para inscribirse en el taller los interesados deberán mandar un mail a la dirección fiartorg@gmail.com con los siguientes datos personales: nombre y apellidos, DNI y teléfono de contacto.
Una vez realizada la inscripción vía e-mail deberán abonar el importe del taller – 120 euros- antes del día 31 de mayo mediante ingreso o transferencia al siguiente número de cuenta: 2100-2359-80-0200246116 (La Caixa)

2013-05-20T14:07:00.000-07:00

ECONOMIX
CÓMO FUNCIONA LA ECONOMÍA (Y CÓMO NO)
EN IMÁGENES Y PALABRAS

Michael Goodwin y Dan E. Burr

· La historia de la economía mundial, en formato cómic con un lenguaje fresco y divertido. Una guía esencial y comprensible para entender la economía, independientemente de la ideología política de cada uno.

· "Una obra monumental que te permite, de un vistazo, entrar de lleno en lo importante de la historia de la economía. Para los que no somos economistas es un libro sensacional". Leopoldo Abadía

· “Economix es más que un cómic. Es un libro para todos los públicos, donde la historia de la economía, así como la crisis más reciente, se comprenden de una forma sencilla, amena y divertida”. Fernando Trías de Bes

· “Compra este libro y entenderás por qué compras todo lo demás”. Risto Mejide

Todo el mundo habla sobre economía, pero ¿qué sabemos realmente sobre ella? ¿Cómo podemos evaluar la situación actual? ¿Cómo podemos nosotros, la gente de a pie, entender lo que la bolsa y los mercados saben (o aseguran saber)? El autor Michael Goodwin se hizo a sí mismo estas preguntas hasta encontrar una solución: volver la vista al pasado, rebuscar en la historia de la economía, indagar en las distintas escuelas teorías y convertirlo en una novela gráfica para hacerlo comprensible para todos. En una palabra: Economix.

El libro lo explica todo, desde los inicios del pensamiento económico occidental a los éxitos, fracasos, anomalías y posibilidades futuras de la economía. Goodwin analiza nuestra economía moderna en un contexto global analizando la importancia de las guerras, del cambio climático y las limitaciones de recursos.

El libro gustará a todos los que quieran entender mejor la economía y ser capaces de hablar de ella sin tapujos, tanto estudiantes como ciudadanos inquietos.

2013-05-20T14:04:00.000-07:00

EL CARTEL DE JUAN GATTI DA LA BIENVENIDA A LA 72ª EDICIÓN DE LA FERIA DEL LIBRO DE MADRID

Fieles a la tradición no escrita que establece la presentación del cartel como línea de salida para la información de cada nueva edición de la Feria del Libro de Madrid, nos complace acompañaros (en documento adjunto) el correspondiente a esta 72ª edición, obra de Juan Gatti.

"Mi primera idea fue que EL LIBRO, el objeto libro, protagonizara el cartel: una forma de reivindicar la importancia del libro impreso, del papel, en definitiva, frente a las propuestas digitales –explica Gatti sobre su trabajo para la Feria–. Con el hombre frente al libro he querido dar la bienvenida al mundo del libro, a la aventura que es leer, representar la figura del lector que se adentra en la historia. Y enmarcar todo ello en un entorno inusual que huye de los tópicos que rodean habitualmente a sector, lo que creo que añade un toque inquietante al diseño".

Conocido diseñador y fotógrafo afincado en España desde 1980, Juan Gatti (Buenos Aires, 1950) es un artista versátil y brillante que ha desarrollado buena parte de su carrera entre cineastas y músicos. Obra suya son algunos de los carteles y créditos emblemáticos de Pedro Almodóvar, Fernando Trueba, Álex de la Iglesia, Manuel Gómez Pereira o Gerardo Vera; también portadas de discos de Alaska, Mecano, Tequila, Ana Belén, Víctor Manuel, Nacha Pop o Miguel Bosé, por citar algunos de los artistas con los que ha colaborado. En el mundo de la moda ha trabajado con Sybilla, Martine Sitbon, Clhoe, Karl Lagerfeld, Jesús del Pozo, Loewe, Elena Benarroch o Purificación García, y ha sido director de Arte de Vogue Italia.

Premio Nacional de Diseño en 2004, el jurado destacó de Juan Gatti "la personalidad que a lo largo de su carrera le ha sabido dar al ejercicio de la profesión gráfica. Su trabajo se destaca por una gran sensibilidad y por un valor cultural que trasciende a su probada solvencia profesional". A este respecto, Gatti declaraba al diario La Nación: "Me pareció una exageración. Los premios y el prestigio siempre me han parecido algo absurdo. Cuando te dan un premio te parece que se lo tendrían que dar a madame Curie, una tipa que se quema las pestañas en un tubo de ensayo. Es irrisorio haber conseguido vivir de lo que más placer me da. Nunca he trabajado en agencias de publicidad ni en nada que no me interesara. He encontrado la felicidad en mi trabajo".

Esta 72ª edición de la FERIA (del 31 de mayo al 16 de junio) contará con:

457 expositores: 20 organismos oficiales, 9 distribuidores, 61 libreros especializados, 59 libreros generales, 195 editores de Madrid y 113 editores de fuera de Madrid.

353 casetas

Organizan: Gremio de Libreros de MADRID, Asociación de Editores de Madrid, Federación de Asociaciones Nacionales de Distribuidores de Ediciones (FANDE)

Patrocinan: AYUNTAMIENTO DE MADRID, COMUNIDAD DE MADRID y BANCO SABADELL

2013-05-20T14:00:00.001-07:00

43.000 ASPIRANTES A LOS DIPLOMAS DE ESPAÑOL EN EL PRIMER SEMESTRE DE 2013

Los próximos días 24 y 25 se realizarán las pruebas en 537 centros de examen en casi un centenar de países

Cerca de 43.000 candidatos se han inscrito durante el primer semestre del año para la realización de las pruebas de obtención de los Diplomas de Español como Lengua Extranjera (DELE). Los exámenes de la convocatoria de mayo se celebrarán los próximos días 24 y 25 en 537 centros repartidos por 95 países.
Los DELE son títulos oficiales que acreditan el grado de conocimiento del español y facilitan el acceso al mundo laboral y académico. Son expedidos por el Instituto Cervantesen nombre del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte de España, tienen validez indefinida y gozan de un amplio reconocimiento internacional.
La convocatoria de mayo es la que concentra el mayor volumen de aspirantes –las dos terceras partes de los candidatos anuales-, muy por encima de las que se celebran en agosto y en noviembre.

Italia, el país con más candidatos

Distribuidos por países, el mayor número de candidatos –un 37%- se registra en Italia, que incluso aumenta en dos puntos las cifras del año pasado. Le siguen España (7,8% del total de aspirantes), Grecia (6,5%), Francia (5%), China (4%), Brasil (3,7%), Corea del Sur (3,2%), Alemania (2,7%) y Japón (2,2%).

Los países que más han incrementado el número de candidatos son China (casi un 50% más), Brasil y Corea del Sur (más de un 20% cada uno).
Existen seis niveles adaptados al Marco común europeo de referencia y siete Diplomas de Español como Lengua Extranjera: DELE A1, A2, B1 (antes Inicial), B1 escolar, B2 (antes Intermedio), C1 y C2.
Los niveles más solicitados son los intermedios: casi las dos terceras partes de los candidatos (un 64%) aspiran a obtener un diploma B, frente a los diplomas A (24%) y C (11%).

Este mes de mayo marca el final del ciclo de vida de los exámenes DELE Inicial e Intermedio, cuyo formato y características han estado vigentes durante casi 20 años. A partir de la convocatoria del próximo mes de agosto, los exámenes para los diplomas B1 y B2 tendrán nuevos formatos de pruebas y tareas. También se modificarán los sistemas de calificación.

Acceso a toda la información sobre los DELE y los centros de examen.

2013-05-20T13:50:00.001-07:00

OPEN STUDIO HA PRESENTADO LAS NOVEDADES DE LA SEGUNDA EDICIÓN QUE COMIENZA EL MIÉRCOLES 22 AL 26 DE MAYO CON LA PARTICIPACIÓN DE TREINTA Y CUATRO ESTUDIOS Y OCHENTA Y TRES ARTISTAS

· Este año ha aumentado el número de artistas que participan, serán un total de ochenta y tres entre los que se encuentran nombres conocidos como Daniel Canogar, José Manuel Ballester, Juan Ugalde o Philipp Fröhlich. Nuevos artistas jóvenes y emergentes se unen a la propuesta de este año, Ignacio Chávarri, Cristina Garrido, Juan López, Daniel Silvo y Joaquín Segura, entre otros

· Los estudios abrirán sus puertas de forma escalonada durante los cinco días de celebración, facilitando así el acceso a las diferentes rutas propuestas y poder disfrutar de todas las actividades

· Open Studio y Fundación Banco Santander en colaboración con el Ministerio de Educación, Cultura y Deporte otorgarán un premio a la producción artística dotado con 3.000 euros y una residencia en un estudio

· Un total de seis estudios han sido seleccionados para formar parte de la Ruta Absolut de artistas jóvenes y emergentes

· El programa de invitación a profesionales extranjeros (comisarios, directores de museos y de centros de arte internacionales) para asistir a OPEN STUDIO con la participación de Acción Cultural Española (AC/E) se amplía este año con la colaboración de varias instituciones extranjeras como el Goethe Institut e Institut Français, entre otras

· El Museo Thyssen-Bornemisza, y el Centro de Arte Alcobendas se incorporan a los Open Storages

Esta mañana en la sala de ideas de Tabacalera ha tenido lugar la presentación de las novedades de la segunda edición OPEN STUDIO 2013 que comienza el próximo miércoles 22, hasta el domingo 26 de mayo, durante cinco días y de forma escalonada treinta y cuatro estudios abrirán sus puertas al público.

Se incrementa el número de artistas participantes (ochenta y tres) entre los que figuran nombres ya conocidos y consagrados como Daniel Canogar, Eugenio Marchesi, José Manuel Ballester, Juan Ugalde o Philipp Fröhlich; junto a los jóvenes y emergentes que incluye artistas como Ignacio Chávarri, Cristina Garrido, Juan Lopez e Ignacio Navas, entre otros.

La oferta de Open Studio se completa con diversas actividades gratuitas en estudios, museos y entidades colaboradoras, que durante cinco días convierten Madrid en el escaparate del arte contemporáneo actual. Hay programadas rutas específicas, talleres infantiles, visitas guiadas para profesionales, junto a nuevos e interesantes Open Storages. La Casa Encendida propone este año un taller específico para estudiantes impartido por el artista Eugenio Ampudia.

El programa de invitación a profesionales extranjeros (comisarios, directores de museos y de centros de arte internacionales) para asistir a OPEN STUDIO con la participación de AC/E se amplía este año con la colaboración de varias instituciones extranjeras como el Goethe Institut e Institut Français, entre otras. OPEN STUDIO tiene como objetivo ir ampliando año tras año la presencia internacional para dar a conocer a sus artistas fuera de nuestras fronteras.

En la pasada edición, los Open Storages con visitas a los archivos, almacenes y talleres de restauración, se convirtieron en uno de los grandes atractivos para el público de OPEN STUDIO, una oportunidad única de conocer la trastienda del arte contemporáneo. En esta ocasión dos nuevas sedes se suman a la iniciativa, El Museo Thyssen-Bornemisza, y el Centro de Arte Alcobendas.

Para poder asistir a OPEN STUDIO los visitantes deben inscribirse previamente en la web www.openstudio.es y obtener una invitación gratuita de acceso a los diferentes espacios. Además, se puede consultar un mapa de Madrid que incluye la situación de los estudios por zonas y rutas.

ABSOLUT Y OPEN STUDIO

Absolut y OPEN STUDIO crean como novedad en esta segunda edición, el Programa de Visitas Profesionales. Distintas rutas diarias para visitar estudios, que se llevan a cabo acompañados por gestores culturales españoles que servirán de presentación y enlace entre los artistas y profesionales o coleccionistas, que participen en él. Se puede acceder a este programa por invitación de OPEN STUDIO.

Además, dentro de su colaboración con OPEN STUDIO y su apoyo al arte contemporáneo y a la promoción del arte emergente en nuestro país, Absolut ha seleccionado seis estudios de artistas jóvenes: Daniel Silvo, Cristina Garrido, Estudio Beneficencia, Juan López, Ignacio Navas e Ignacio Chávarri, para crear la Ruta Absolut, en la que cada año recomendarán a un grupo de artistas que Absolut quieren destacar por su potencial artístico. Siguiendo la filosofía Absolut, esta ruta es un nuevo puente en la relación directa de los artistas con un público que, en muchas ocasiones, se siente excluido del circuito del arte.

PREMIO A LA PRODUCCIÓN ARTÍSTICA FUNDACIÓN BANCO SANTANDER

Open Studio, con el patrocinio de Fundación Banco Santander y la colaboración del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte, convocan el primer “Premio a la Producción Artística Fundación Banco Santander”. El objetivo de esta convocatoria anual es otorgar una residencia y una dotación de 3.000 euros en concepto de bolsa de producción para la realización de un proyecto. Los aspirantes a conseguir este premio tendrán que reunir los siguientes requisitos: ser artista español, tener más de 18 años y menos de 36 y carecer de estudio. Además de la citada dotación económica, el ganador obtendrá una residencia de un máximo de tres meses (entre septiembre y diciembre de 2013), en uno de los espacios de trabajo que Noestudio www.noestudio64.com tiene en Madrid. El ganador de este premio participará en Open Studio 2014 como invitado de Noestudio mostrando el resultado de su residencia.

OPEN STUDIO TAMBIÉN EN SMARTPHONE

De la mano de Fjord, los visitantes tendrán su versión móvil de Open Studio para todo tipo de smartphones. Esta versión completará la experiencia de los visitantes, ayudándoles a descubrir los distintos estudios, elegir sus favoritos y organizar sus itinerarios, con toda la información más relevante sobre Open Studio de forma rápida y sencilla.

SOBRE OPEN STUDIO

OPEN STUDIO es un evento anual, creado esencialmente para la promoción y difusión de las artes plásticas, que tiene como objetivos:

Completar la oferta cultural y artística madrileña y española.

Crear una nueva herramienta para acercar el público al arte contemporáneo y el arte contemporáneo al público, facilitando de esta manera el acceso a la cultura a través del arte, de una manera gratuita y cercana. Dar la oportunidad a los artistas, desde emergentes a consagrados, de mostrar de una manera accesible su obra, su forma de trabajar y su entorno.

Promocionar y difundir el trabajo de los artistas a través de los medios de comunicación, público y profesionales, tanto nacionales como extranjeros. Internacionalizar el arte español, impulsándolo y promocionándolo a nivel mundial.

Abrir nuevas vías de comunicación y colaboración, OPEN STUDIO es un proyecto inclusivo que trata de crear comunidad y redes de trabajo tanto dentro como fuera de nuestro país y colaborar en la activación del Mercado, creando a medio plazo una vía de comercialización complementaria.

Para más información: www.openstudio.es / prensa@openstudio.es

2013-05-19T14:55:00.002-07:00

Molina Montero expone su Pintura con collages textiles en Alfama

Julia Sáez-Angulo

Profesor y director del conocido Taller del Prado, Francisco Molina Montero (Torreperogil, Jaén, 1962) expone sus últimos trabajos en la madrileña galería Alfama hasta mediados de junio de 2013. La inauguración fue una fiesta donde se dieron concurrida cita los coleccionistas, artistas colegas y alumnos.

Bodegones y naturalezas muertas – a veces algún paísaje-constituyen en esta muestra la iconografía preferida del pintor jienense, que se presentan con un cromatismo audaz y mitigado al mismo tiempo. En esta ocasión hay una novedad en la incorporación de los textiles al soporte de los cuadros sobre tela, tabla o ambos a la vez.

En algunos casos el artista aprovecha los propios dibujos de las telas como las rayas, para seguir su juego e incorporarlas al tronco o las ramas de un árbol. El pigmento, el óleo envuelve y atrapa los materiales para ofrecer nuevas texturas al cuadro.

pintura de Molina Montero

“Homenaje a Caravaggio” es uno de los títulos, todo un guiño a la pintura del artista italiano, a su forma de hacer, a su color desde un lenguaje del siglo XXI.

Colores calientes y fríos se alternan en la obra de Molina Montero, maestro de pintores por excelencia. Muchos han seguido sus enseñanzas, su estilo hasta que han sido capaces de encontrar su propio estilo.

El lenguaje de este pintor es el de la figuración veladas, que prefigura o desfigura las formas y las envuelve en una atmósfera de bruma. Una deconstrucción de la forma que se logra a través de la pintura, como arte mágico y misterioso de la ilusión por excelencia de las cosas.

2013-05-18T01:14:00.001-07:00

740 Mujeres exponen en el Museo Reina Sofía

Por D.S.C. crítica de arte

En el día de hoy 18 de mayo de 2013 a las 22 horas la obra de 740 artistas será proyectada en la fachada del Museo Reina Sofía en Madrid esta acción orquestada por el colectivo “Yo expongo en el Reina” que sólo cuenta con los apoyos psicológicos, del MAV, del Museo Reina Sofía, y para la rueda de prensa el del Centro de Arte Vasari dirigido por Aurora Piñero García y por supuesto el de las setecientas cuarenta mujeres que han apostado por la propuesta.

Este grupo de seis mujeres ilusionadas ha conseguido motivar a 740 artistas para que participaran en el proyecto, todas han enviado la imagen de su obra y para todas hay una postal - dado que este es el formato elegido para presentar la obra de las artistas participantes - como apuntaba Concha Mayordomo durante la rueda de prensa, esta es una de las más antiguas forma de comunicación- hay que felicitar al colectivo por la extraordinaria labor que está llevando a cabo y esperamos ver esta noche el resultado del mismo, durante la proyección podremos ver obra de artistas de la categoría de Mayte Spínola, que cuenta con un museo con su nombre y obra en Marmolejo, se puede decir que es de las pocas artistas vivas que tienen un reconocimiento de este calibre en nuestro país.

Basta entrar en la página del MAV (Mujeres en las Artes Visuales) para ver las pobres estadísticas de la representación de la mujer en los museos españoles, gracias a las redes sociales el colectivo ha tenido tanto éxito que hay artistas de todos los continentes por citar una, la brasileña Cleusa Rossetto, la italo/venezolana, Natha Piña, también las universidades están representadas por ejemplo del CES de Aranjuez, María Jesús Abad Tejerina, Marta Linaza, Emma García Castellano… de la Autónoma, Pilar Pérez Camarero… de Murcia, Amparo Alegría o Diana Coca quien mandó su obra desde China, Pilar V de Foronda y Linda de Sousa ambas mujeres concienciadas en la lucha por la igualdad entre sexos, en el anterior artículo que publicamos en la Mirada Actual podéis leer los nombres de todas y cada una de las participantes, María Jesús Aragoneses, nos comentaba que no habían querido seleccionar- ya llevamos muchos años discriminadas por la selección, han entrado todas las artistas que enviaron su obra y sus datos dentro del plazo exigido.

Olga Isla presentó a la prensa una pequeña muestra de cómo iban a ser las imágenes proyectadas en la fachada de la Reina que tendrán un tamaño de dos metros por tres, el colectivo hará un homenaje a Cecilia Bazaga Agudo fallecida en el 2004 quien según su familia no pudo ver cumplida su ilusión de exponer en el Museo Reina Sofía.

Todo se puede resumir en ilusiones, ilusiones, ilusiones, de muchos mujeres a las que el colectivo supo llegar desde aquí les deseamos mucho éxito.

https://www.facebook.com/media/set/?set=a.468957883188135.1073741844.100002217827722&type=1&l=e7263d6810

Fotos Juan Jiménez

2013-05-17T10:02:00.002-07:00

José Ramón Lozano expone "Esencias" en la galería Bat de Madrid

"Esencias"

Martes 21 de mayo a las 20 horas

(del 21 de mayo al 20 de julio de 2013)

Fernando Rodríguez Salas escribe en la presentación de la exposición del artista:

Lo primero que llama la atención al ver la pintura de José Ramón Lozano es la fragmentación de sus figuras, y no desde el punto de vista compositivo porque en su caso no es el encuadre el que las delimita sino el que se muestren o no a vista del espectador. Así, unas veces nos encontramos con lo que podría ser un cuerpo entero que, sin embargo, está desprovisto de cabeza y en su lugar hay un borrón, como si el espacio se hubiera, nunca mejor dicho, comido esa parte de la figura. Y digo figura porque el pintor no pinta personas humanas sino tan sólo recuerdos de ellas en un mundo donde los humanos se han extinguido y solo quedan esas imágenes borrosas que no siempre se dejan ver en su totalidad. Esa inquietud nos paraliza al contemplar sus visualizaciones y nos hace concebir sus cuadros figurativos como pinturas abstractas plagadas de contenido existencialista.

Otras veces nos encontramos con rostros de amplia magnitud en actitud pensante o ensimismada, que cruzan su mirada con la del espectador, conscientes de que están siendo observados. Incluso podemos ver lo que piensan, perdidos como estamos en la superficie del lienzo. Nos sorprende su expresión y nos preguntamos ¿por qué nos miran? Dentro de la eternidad en la que están atrapadas sentimos miedo de la sola idea de permanecer para siempre anclados en el tiempo y la leve idea de la muerte, la ruptura, el fin nos tranquiliza. En definitiva la duración, lo que empieza y lo que acaba, como esa pincelada dinámica que modela las formas pero que contradice el estatismo de las figuras transformadas en ensoñaciones, pensamientos dibujados en el lienzo del tiempo.

El espacio es neutro pero no plano, convirtiéndose en el magma del que surgen las evocaciones del artista, esas figuras que parecen nacer por iniciativa propia al mezclarse la pintura con la tela. Una atmósfera que modela las formas y decide que mostrar, concibiendo el conjunto como una unidad, como elemento orgánico, ya que es imposible pararse en los detalles. El fondo crea la figura y al mismo tiempo la abstrae de la realidad más inmediata transportándola a mundos más etéreos en una volubilidad remarcada por la débil delimitación de los bordes de las formas transparentes. Efigies de colores pálidos como los tintes del pensamiento.

2013-05-17T06:53:00.000-07:00

Edificio Jerónimos. Salas A y B Comisaria: Manuela Mena, Jefe de Conservación del siglo XVIII y Goya

El Museo del Prado presenta, gracias al patrocinio de la Fundación BBVA, “La belleza encerrada. De Fra Angelico a Fortuny”, una exposición inédita que reúne más de 280 obras de la colección del Museo que tienen como característica común su pequeño formato. Ordenadas de forma cronológica, trazan un intenso recorrido por la historia del arte que relata el Museo y la excelencia de sus grandes artistas, desde finales del siglo XIV y principios del XV con Fra Angelico hasta llegar al siglo XIX con Fortuny.

El resultado es un resumen de la colección del Museo y de los orígenes del arte de este género en todos sus soportes, que permitirá al espectador no sólo poder admirar cada obra en las mejores condiciones de proximidad y recogimiento debido al especial montaje que se ha ideado, sino también tener la oportunidad de encontrarse con piezas rara vez mostradas en sus salas. Gracias a una amplia campaña de restauración, el público podrá, además, apreciar la extraordinaria belleza que cada obra encierra, su originalidad y rareza, concentradas en sus mínimas pero singulares características.

Las salas de exposiciones temporales del Museo se han convertido en una sucesión de gabinetes ordenados a lo largo de 17 espacios de mayor o menor amplitud y de distintos formatos para dar la bienvenida a las 281 obras a través de un recorrido histórico-artístico que, por primera vez en la historia de la institución, analiza los orígenes de las obras de pequeño formato y resume la colección del Prado más íntimo.

Todos los géneros y los temas -desde la mitología, las imágenes de devoción y los retratos, a la naturaleza, a la reflexión sobre el ser humano, la exaltación del poder y la vida cotidiana-, y también, los diferentes soportes y técnicas -cristal, mármol, tabla, lienzo, pizarra, cobre y hojalata- se mezclan en esta inédita exposición para reflejar la riqueza y variedad de este resumen de la colección del Museo.

Habitualmente a la sombra de los grandes cuadros de la colección, bocetos preparatorios, pequeños retratos, cuadros de gabinete, esculturas y relieves se muestran aquí en todo su esplendor para acaparar la atención preferente del espectador en unas condiciones ideales de proximidad y reflexión que no se consiguen en las salas de la colección permanente.

Correspondiente a todo el arco temporal que abarcan las colecciones del Museo, de finales del siglo II dC –la escultura en mármol Atenea Partenos- a los umbrales del siglo XX –Fortuny, Madrazo y Rosales entre otros-, este conjunto de obras cobra un inédito protagonismo en la exposición a través de un sorprendente montaje que facilita su contemplación más íntima y su inmersión en la extraordinaria belleza que encierran, su originalidad y su rareza.

La constante invitación al público a mirar las pinturas expuestas a través de recursos expositivos diferentes a los habituales como ventanas, ‘cámaras oscuras’ o el colgado de las obras, que están a la altura de los ojos del visitante, permitirá disfrutar en “privado” y en detalle de este Prado, exquisito y concentrado, que no siempre goza de la posibilidad de exponerse o que, aún expuesto, encuentra dificultad para captar su atención. Un resumen de la excelencia contenida en las colecciones del Museo en su más mínima y particular expresión.

Precisamente, con el fin de asegurar la idónea apreciación de estas bellezas encerradas, el Museo ha hecho un extraordinario esfuerzo para restaurar más de setenta obras de la exposición. Algunas de estas obras, unas cincuenta no se habían visto en los últimos años y cobrarán un inusual protagonismo en esta exposición.

2013-05-17T06:44:00.000-07:00

Carmen Santos, autora de "El sueño de las Antillas"

El apasionante viaje de una mujer en busca de sus sueños en la Cuba colonial de mediados del siglo XIX. Una tierra prometida que, como ella, avanzaba inexorablemente hacia su independencia.

De la autora de Días de menta y canela

Una historia inolvidable con todos los ingredientes de las grandes sagas

A la venta en junio de 2013 en Grijalbo

Con el pulso firme y sagaz de los grandes novelistas, Carmen Santos ha tejido una historia inolvidable que tiene mucho de las grandes sagas. De las calles habaneras al prostíbulo y de allí a los fastuosos salones de la alta sociedad isleña, enriquecida hasta lo inimaginable con el cultivo de la caña de azúcar, El sueño de las Antillas nos cuenta la historia de una mujer fuerte, valiente y carismática que, en una época de intrigas políticas por la independencia de Cuba y por la abolición de la esclavitud, se debate entre la ambición, la venganza y el amor verdadero.

La Habana, 1858. Valentina se deja arrastrar por los sueños de su marido de hacer fortuna en Cuba, una isla «... donde jamás se apagaba el verano, donde crecían frutos dulces como la miel y el azúcar brotaba de la misma tierra; donde la gente se divertía bailando hasta el amanecer y un hombre trabajador podía labrarse un futuro sin importar cuán bajo fuera su origen ».

Así, deciden dejar sus empleos y se embarcan en el viaje, pero su esposo fallece durante el trayecto y Valentina llega a una isla que dista mucho de ser la tierra que soñaban, donde sin el aval de algún residente no se puede llegar a ninguna parte. Las habilidades que Valentina había aprendido durante años como doncella de una marquesa en Madrid son totalmente inútiles: en Cuba, ninguna gran dama criolla le va a pagar por algo que puede obtener totalmente gratis gracias a sus esclavas. Cuando Tomás Mendoza, un idealista y atractivo médico le propone un matrimonio de conveniencia, ella, orgullosa, lo rechaza. Sola y desamparada, a Valentina sólo le queda algo valioso: su belleza… L’Olympe es el prostíbulo más exclusivo de La Habana. Allí Valentina se convierte en Calipso, la cortesana más codiciada de la colonia. Hasta que un día, un puesto hacendado, Leopoldo Bazán, entrará en el lupanar y cambiará para siempre su vida…

El destino de Valentina ya ha empezado a entretejerse y, tal como se lo adivina una esclava en una tirada de caracoles, la fortuna le sonreirá, pero vendrá acompañada de una gran traición.

***

Situada en la Cuba colonial, El sueño de las Antillas es el apasionante viaje de una mujer desde la pérdida de la inocencia hasta la búsqueda de la venganza, desde el placer sensual hasta la humillación, desde la sumisión hasta la forja de su propio destino, desde el odio hasta el amor, desde las vastas y pesadas telas hasta el ligero lino.

2013-05-17T01:29:00.001-07:00

ROCÍO HERNÁNDEZ TRIANO, GANADORA DEL XXX PREMIO "CARMEN CONDE" DE POESÍA DE MUJERES

ROCÍO HERNÁNDEZ TRIANO, con su libro Los seres quebradizos, ha resultado ganadora del XXX Premio "Carmen Conde" de Poesía de Mujeres, convocado por Ediciones Torremozas, fallado el 16 de mayo de 2013.

La autora premiada nació en Sevilla en 1976. Obtuvo el premio extraordinario de licenciatura en Filología Hispánica por la Universiad de Sevilla. Es profesora de Lengua y Literatura y ha participado en diversas antologías y revistas literarias.

Ha sido galardonada con el premio del XXV Certamen literario "Joaquín Lobato" de relato, en 2012.

Tiene publicado los poemarios Viento de cuchillos (Sevilla, 2010) y Equilibristas (Sevilla, 2010).

El Jurado estuvo compuesto por: María del Pilar Palomo, Jesús Hilario Tundidor y Antonio Porpetta.

A esta convocatoria se presentaron un total de 115 originales de diversos países.

La obra ganadora será publicada en la Colección Torremozas de Poesía de Mujeres.

2013-05-17T00:55:00.003-07:00

Lara Almarcegui en la 55 Bienal de Venecia

Lara Almarcegui representará aEspaña en la 55ª Bienal de Arte de Venecia con una amplia instalaciónen el Pabellón de España que incluye un proyecto de investigación sobre la isla Sacca San Mattia de Murano.

La obra de Lara Almarcegui (Zaragoza, 1972) parte de la toma de conciencia dela ciudad, de sus descampados y de sus edificios como puntopara reflexionar sobre la evolución de la propia urbe y los elementosque la componen. Con proyectos comprometidoscomo sus guías de ruinas modernas y de descampados urbanos, o sus montañas de escombros, Almarcegui ha llevado su trabajo a capitales

como Londres, Beirut o Viena y ha participadoen eventos internacionales de arte contemporáneo tan importantes como Manifiesta 9 (2012) o la Bienal

de São Paulo (2006).

Bajo el comisariado de Octavio Zaya, Almarcegui lleva a la cita italiana—el mayor acontecimiento del mundo del arte contemporáneo— dos propuestas relacionadas que inciden en su línea de trabajosanteriores. Una de ellas aborda el espacio físico del Pabellón de España en los Giardini, mientras que la otra investiga

un terreno vacío junto a la isla de Murano.

En el Pabellón,una gran instalación escultórica reaccionaa la arquitectura del edificio construido por Javier de Luque en 1922, extendiéndose portodo su interior. Esta intervenciónestá formadapor montañas de diferentes materiales de construcción, los mismosy de igual cantidad que los empleados para erigir elpropio edificio en el siglo pasado.

Como eje principal, una gran montaña —formada por escombros de cemento, tejas, y ladrillosconvertidos engrava— ocupa su sala central, haciendo casi imposible acceder directamente aeste espacio. Otras montañas menores hechas, cada una, de un solo material(serrín de madera, cristal y la mezcla de escoria y ceniza de acero), estarán ubicadas en las salas perimetrales, por donde el público podrá circular rodeando el montículo de mayor tamaño.

“Los materiales provienen de restos de demoliciones que, tras ser reciclados según el proceso de tratamientode escombros de Venecia, se han transformado en grava”, explica la artista sobre su intervención.

Asu vez, junto a Murano, Almarcegui ha desarrollado “Guía de la Sacca San Mattia, la isla abandonada de Murano, Venecia” una investigaciónen torno a la Sacca San Mattia,una isla que se ha formado con escombros de cristal de la industria de Murano. El proyecto consiste en el estudio de un descampadoen dicha isla, cómo se formó, el presente geológico y medioambiental del lugar, los proyectos que se han planeado para él y por qué estos no se han llevado a cabo.

Sobre este proyecto, Almarcegui desvela: “la investigaciónprevia la he realizado a través de conversaciones con urbanistas y arquitectos deVenecia que me indicaron los planes que se van a llevar a cabo, de modo que pudiera localizar los descampados y terrenos vacíos que se van a ver afectados por estas transformaciones. Para seleccionar el más significativo realicé un recorrido por estas zonas”. Y añade, “la Sacca San Mattia me pareció el descampado

más adecuado en el contexto deVenecia debido a su compleja y extraña configuración apartir de capas de restos de la industriadel cristal y la construcción”. Setrata de un antiguo vertedero abandonado creado entre las décadas de 1930 y 1950 con rellenos de escombros y dragados de la laguna. Con 26 hectáreas de extensiónsin construir, es el espaciodisponible vacío más amplio de Venecia,lo que da lugar a toda clase de especulaciones, como el controvertido proyectode excavar un tren bajo la laguna para comunicar el

aeropuerto con la ciudad, que tendría una parada en la zona.

Sobre la obra de Lara Almarcegui

Materiales de construcción de la sala principal, Secession. Viena, 2010

Fotografía: Wolfgang Thailer

Depósito de agua: materiales de construcción. Falsburgo, 2000

En 1995, una joven artista inicia, durante un mes, la restauración de un antiguo mercado a punto de ser demolido en San Sebastián. Aunque sabía de antemano que fracasaría en su intento de salvar el edificio, fue su primergran proyecto.

Leseguirían otros como la creación de un hotel gratuito enuna antigua estación de tren abandonada cerca de Zaragoza (1998), o su serie de 9 pósters titulada “Demoliciones, descampados, huertas urbanas” (1995-2002).

“Me interesan los descampados como espacios que no encajanen ningún diseño urbanístico. Son espaciosimportantes por sí mismos”, ha comentado la artista,

ypuntualiza “me siento muy a gustoen ellos. Me dan una sensación de libertad muy agradable”. Las guías de descampados se han convertido ensus obras más difundidas. Son un modo de conservar esos espacios —que desaparecerán con el desarrollo de la ciudad—.El solar, protegido durante la intervención de la artista, rompe momentáneamente lacadena económica de desarrollo que rige la lógica urbana, pero también su historicidad. La existencia de estos espacioscobra sentido dentro de la ciudad como resto arqueológico de su pasado, pero también comouna potencialidad de lo que el espaciovacío puede llegar a ser.

Por otra parte, sus investigaciones sobre materiales de construcción y demoliciones la han llevado a trabajar con los elementosconstructivos de

los propios edificios como materia prima. En el año 2000, junto a un depósito de agua del siglo XIX a punto de ser demolido en la localidad francesa de Phalsbourg, dispuso los mismos materiales con los que se había construido el depósito. Deconstruyó la edificación enlos elementos que se habían empleado para levantarla.

En una fase posterior de este proceso deconstructivo, Almarcegui ha llegadoa reducir una inmensa megalópolis como São Paulo, convirtiendo la suma de sus componentes (cemento, piedra, madera, asfalto...) en toneladas de peso como crítica al crecimiento acelerado de la ciudad.“Intento hablar de algo, evitando presentar una imagen. Son formas de ‘cargarme’ cualquier idealización del espacio. Presentar un edificio como 100 toneladas de hormigón, 30 de acero

y 10 de ladrillo es reducirlo asu realidad bruta y física.Además, mostrar los

‘ingredientes’ de un edificio permite imaginarse un lugar tal y como fue antes de ser construido y tal ycomo será tras ser demolido en un futuro”, declaró recientemente.

Lara Almarcegui haestado trabajando en la frontera entre la regeneración y la decandencia urbanas, y realizando proyectos expositivos que hacen visiblelo que escapa a nuestra atención o incluso a nuestro conocimiento. Desde mediados de los noventa, ha investigadoy estudiadolos espacios de transicióndonde el orden urbano se encuentra con el orden natural: los procesos de planificación urbana y de transformación delos descampados periféricosde las ciudades provocados porlos cambios y desarrollos económicos, sociales o políticos. A la vez, a través de demoliciones, excavaciones o exposiciones, Almarcegui ha venido analizando monumentos, edificios y elementos urbanosy arquitectónicos que raramente tomanos en cuenta o que apenas consideramos.

Deconstruyendo edificios y otros monumentos yconstrucciones, Almarcegui desenreda lo que entendemos como morada y residencia, mostrando los materiales, desnudos e inexpresivos, de los que están hechos los edificios, o descubriendo los productos dereciclaje que utilizan y en lo que a su vez se terminan convirtiendo, para acercarnos a la naturaleza entrópica inherente de la civilización. Así, para el Pabellón deEspaña en los Giardini, Almarcegui está creando una amplia instalación de varias montañas de la misma clase y la misma cantidad de los materiales que se utilizaron para la construcción del Pabellón mismo. Estos amontonamientosde diferentes materiales ocuparán todo el espacio principal de exposición del Pabellón.

Almarcegui documenta sus investigaciones apartir de guías, mapas o folletos, funcionando como una arqueóloga del presente que dirige una investigaciónde campo, para concentrarse enelementos o áreas marginales en la complejidad de

la realidad urbana, descubriendo las conexiones que nos informan sobre la relación entre nuestro pasadoy nuestro futuro. En el contexto de su instalación en el espacio principal del Pabellón de España, y simultáneamentecon éste, Almarcegui ha enfocado su atención sobre un descampadoen la Sacca San Mattiade Murano para investigar la historia y las circunstancias que crearon esta isla a partir de los desechos y vertidos de la industriadel cristal de Murano. El resultado de esta investigaciónse exhibirá en otra área del Pabellón y será publicado como una guía del lugar.

En definitiva, estas obras conectan los exteriores con los interiores, y el interior con

la conciencia desí mismo, en un proceso dialéctico de conocimiento. Porque la obra de Almarcegui noes solo estética,formal u ontológica, sino también social, en cuanto apunta a la naturaleza histórica, reciclante, de las construcciones materiales que utiliza, y aborda las complejasinteracciones entre los materiales, la economía

yel espacio. En efecto, también tiene una dimensión política en la medidaque entiende y emplaza la arquitectura yel urbanismo, sus desarrollos y sus dimensiones históricas, en el marco de la compleja ecología de nuestro tejidosocial y político.

Octavio Zaya

Comisario

Lara Almarcegui

Octavio Zaya

Nacida en Zaragoza, vive y trabaja en Roterdam. EstudióBellas Artes en la Universidad de Cuenca y en De Ateliers, Amsterdam. Ha realizado exposiciones individuales enimportantes museos e instituciones españolase internacionales, entre los que se incluyen MUSAC, León (2013);CA2M, Madrid (2012); Künstlerhaus, Bremen (2012); Secession, Viena, y Ludlow 38, Nueva York (2010); Gallery Ellen de BruijneProjects, Amsterdam (2008); el Centro de Arte Contemporáneo, CAC de Málaga (2007); el FRAC Bourgogne, Dijon (2004) o INDEX, Estocolmo (2003). Entre sus exposiciones colectivas más recientes se incluyen Manifesta 9, Genk; TRACK, Gante (2012); Radical Nature, Barbican Art Centre, Londres (2009); Bienal de Atenas (2009); Bienales de Taipei y Gwangju (2008); Bienal de Sharjah (2007); la 27ª Bienal de São Paulo (2006); la 2ª Seville Biennial(2006); (Public Act),Lunds Konsthal, Lund (2005); y la Bienal de Liverpool (2004). Almarcegui está representada porla Galería Parra y Romero de Madrid y por Ellen de Bruijne Projectsde Amsterdam.

Nacido en Las Palmas de Gran Canaria, Islas Canarias, es escritor, comisario y editor de arte residenteen los Estados Unidosdesde 1978. Es Director de Atlántica: Revista de Arte y Pensamiento, que publicael Centro Atlántico de Arte Moderno(CAAM), Las Palmas de Gran Canaria. Es comisario externodel Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (MUSAC), así como comisario-colaborador del CAAM. Es miembro de Comité Asesor de Performa, Nueva York, y de NKA: Journal of Contemporary African Art, Duke University Press; editor-colaborador de Flash Art; y colaborador habitual

de varias publicaciones de arte, incluyendo Art Agenda/e-flux, Nueva York, y ART-IT, Tokio. Fue uno de los comisarios de Documenta 11, bajo la direcciónde Okwui Enwezor, y comisario de la 1ª y 2ª Bienales de Johanesburgo. Ha sido comisario de más de 25 exposiciones en museos e instituciones como el Centro de Arte Reina Sofia, MNCARS, Madrid; Guggenheim Museum, Nueva York; HelsinkiCity Art Museum;MARCO, Vigo; Nordjyllands Kunstmuseum, Aalborg, Dinamarca o el Palau dela Virreina, Barcelona. Ha publicado más de una veintena de libros monográficos

ycatálogos de artistas contemporáneos,entre los que se incluyen Cerith Wyn Evans, Paul Pfeiffer, Shirin Neshat, Georges Adéagbo, Candice Breitz, Yinka Shonibare,

y Miki Kratsman, además de haber colaborado enmuchas otras publicaciones.