Esteban Vicente en el Museo de Segovia y en la Galería Elvira González

L.M.A.

El Museo de Arte Contemporáneo Esteban Vicente presenta la exposición "Improvisaciones concretas": Collages y esculturas de Esteban Vicente, organizada

conjuntamente por la Grey Art Gallery, New York University, el Museo de Arte Contemporáneo Esteban Vicente y Acción Cultural Española con el apoyo de la Harriet and Esteban Vicente Foundation.

Finalmente Segovia acoge esta exposición tras su paso por la Grey Art Gallery y elMeadows Museum, Dallas. Comisariada por Lynn Gumpert, Directora de la Grey Art Gallery, Edward J. Sullivan, profesor de la Universidad de Nueva York y Ana Martínez de Aguilar, Directora del Museo de Arte Contemporáneo de Segovia, esta exposición analiza por primera vez una antología de los collages líricos y esculturas de pequeño formato del pintor expresionista abstracto Esteban Vicente, con la intención de revisar internacionalmente su obra. Es el resultado de un esfuerzo conjunto de investigación entre ambas instituciones, que responde a la estrategia de internacionalización del Museo en los últimos años.

Collages

“Improvisaciones Concretas”, expresión que empleó Esteban Vicente para describir sus

collages, es el título de esta muestra realizada a los diez años de su fallecimiento. Como

observa Lynn Gumpert “Vicente empezó haciendo collages, que denominaba

‘improvisaciones concretas’, en 1949 y siguió realizándolos a lo largo de su larga carrera

hasta su muerte más de cinco décadas después. Este medio le ofrecía una alternativa, pero

también, y no es menos importante, un medio para experimentar con colores, texturas y formas que constituyen el núcleo de su pintura”. El propio Esteban Vicente comenta “el collage no es para mí un medio distinto, limitado, sino simplemente otra forma de pintar”.

Por otra parte, la galería madrileña Elvira González también expone la obra de Esteban Vicente; con él ha iniciado la temporada artística.

Tiras recortadas de anuncios del periódico

Inicialmente Esteban Vicente empleaba tiras recortadas de anuncios del periódico, partiendo así de

una tradición modernista que se inicia con los collages cubistas de Georges Braque, Juan Gris y Pablo Picasso, y se extiende al movimiento Dada y al surrealismo. Sin embargo, a

diferencia de muchos de sus predecesores, Vicente pronto abandonó el uso de materiales

encontrados en sus collages. Normalmente componía sus obras rasgando o recortando

papeles especiales destinados a las bellas artes, pintado a mano y disponiendo las piezas

en soportes de papel o cartón. Las combinaciones resultantes ofrecen ricas interacciones de

textura y color, al fundirse los materiales visualmente y, en ocasiones, resultar prácticamente

indistinguibles uno de otro.

No es sorprendente que muchos de los primeros collages de Vicente transmitan las

señas de identidad de la pintura expresionista abstracta. La abigarrada dispersión de líneas

y tiras de papel que forman sus primeros collages de principios de los años cincuenta, por

ejemplo, recuerdan a las composiciones pintadas espontáneamente de muchos de sus

contemporáneos, como Jackson Pollock y de Kooning. En esta época Elaine de Kooning

afirma “los collages de Vicente son curiosamente fluidos y dinámicos. El color y las formas

consiguen dar una sensación de movimiento ininterrumpido, solapándose, cambiando

posiciones, prolongándose infinitamente”. A mediados de los años cincuenta, Vicente

empezó a componer collages a partir de formas planas y rectangulares que afirman con

énfasis el carácter bidimensional de las obras, un efecto que Greenberg elogia como el

máximo logro del collage modernista y la pintura abstracta. Al mismo tiempo, los bloques de

color de Vicente crean una sensación de profundidad con tonos más claros que parece

proyectarse y matices más oscuros que se alejan. De este modo, sus obras son

complementos convincentes de la pintura de Hans Hofmann y su famosa teoría del color

“push and pull ”

En collages posteriores, Vicente se inspiró en la belleza natural de su entorno. Los

tonos oliva y marrón en Bridgehampton, 1965, hacen alusión a los años que pasó en Long

Island, donde compró una casa de labranza en 1964. De forma similar, otros collages de

esa década presentan colores brillantes y formas evocadoras que remiten a la flora

característica y la topografía de Hawai, donde permaneció durante un año como artista

invitado en la Academy of Arts de Honolulu. En los años 70 primará la estructura y la

construcción, las formas rectangulares de color, influido por Mondrian, la arquitectura de la

ciudad y el minimalismo y a partir de los años 80 la entera libertad en la ejecución dará

como resultado formas más amplias, ambivalentes, geométricas y orgánicas, evanescentes,

que flotan en una atmósfera luminosa. En conjunto, los collages de Vicente revelan tanto sus

interacciones con las innovaciones artísticas que se desarrollaban en el vibrante mundo del

arte de Nueva York de mediados del siglo XX, y las profundas reflexiones personales del

artista sobre la naturaleza de la abstracción.

Toys

Vicente, en sus inicios en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de

Madrid estudió escultura. Inmediatamente después, seducido por el color, se dedicó casi

con exclusividad a la pintura, aunque siempre permaneció en él la preocupación por el

espacio. En 1951 Peridot Gallery organizó una exposición Sculpture by painters en la que

Vicente participó. No volvió a trabajar en escultura hasta finales de los años 60. Realizados

entre 1968 y finales de los años noventa, la mayoría de los divertimentos o toys de Vicente,

como así le gustaba denominarlos, con frecuencia no superan los 30 cm de altura, son

coloridos collages tridimensionales en madera. Como ha observado Elizabeth Frank,

escritora y amiga del artista, Vicente dedicaba una parte importante del tiempo que pasaba

en el estudio a la fabricación de estos divertimentos, que le permitían llevar a cabo una

experiencia práctica con el color y la superficie. Aunque una selección de sus esculturas se expuso al público por primera vez en 1995 en Glenn Horowitz Gallery, East Hampton y la

práctica totalidad de los toys formaron parte en la exposición que le dedicó el Museo de

Segovia en 2002, Improvisaciones concretas es la primera muestra en un museo que

presenta conjuntamente estos experimentos lúdicos con los collages del artista.

Vicente improvisaba a partir de trozos de madera sobrantes y desechos esparcidos

por su estudio. Estas esculturas, que no estaban concebidas para ser mostradas al público,

son fruto de improvisaciones reflexivas y sin embargo desenfadadas. De ellas emana un

sentido de inmediatez y de capricho, dando testimonio de la capacidad del artista para

trasladar los logros formales desarrollados en sus cuadros y collages a un medio

tridimensional. “Los divertimentos de Vicente abarcan desde exploraciones no figurativas de

color, textura, planos y volumen hasta figuras inteligentemente improvisadas con claras

alusiones a formas humanas y animales. La ausencia intencionada de acabado y su

naturaleza improvisada, remiten a proyectos similares de artistas como Alexander Calder y

Joaquín Torres-García”, señala Edward J. Sullivan, co-comisario de la exposición y titular dela cátedra Helen Gould Sheppard de Historia del Arte en la New York University.

La muestra presenta 63 collages, 20 esculturas y un vídeo foto-secuencial del año

64 de 12 minutos de duración. Realizado con fines educativos, en él Esteban Vicente muestra y explica el proceso de creación de un collage.

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Tertulia Poética dirigida por Benito de Diego

L.M.A.

Una serie de poetas y artistas se han reunido para una tertulia poética dirigida por el poeta Benito de Diego en Boadilla del Monte. Entre los asistentes se encontraban Pilar Aroca, Luís Hernández del Pozo, Emilio Ruiz Parra, María Rosa Calvo Manzano, Julia Sáez-Angulo y Maribel Torre Cañeque.

Benito de Diego, autor del libro “Poemas de Hora Nona” leyó algunos de sus versos y el dedicado a su mujer, la pintora María Isabel Torre Cañeque, fue muy aplaudido. Seguidamente Julia Sáez-Angulo (La Rioja, 1946) leyó tres poemas inéditos titulados: “Espejo manchado”, “Dos chopos” y “Olvido”.

Pilar Aroca (Madrid, 1937) leyó varios de sus poemas y sus décimas fueron muy elogiadas por los presentes. Aroca es directiva de la Asociación de Escritores y Artistas, así como miembro de número de la Academia de la Hispanidad.Pilar Aroca ha publicado una “Trilogía” poética que abarca tres de sus libros poéticos: “Elegía”, Ventanas a lo oscuro” y “Tierra erguida”. La vida y su visión del mundo a través del amor y del dolor constituyen el contenido.

Emilio Ruiz Parra, que “presumió” de octogenario, leyó el poema que escribió para recordar que “cada vez que doblo un años/ doblo una vista del tiempo”. Ruiz Parra nació en Valdepeñas y está casado con Franca Figueroa, también presente en la tertulia.

El poeta y crítico de arte Luís Hernández del Pozo, acompañado de su esposa Mari Carmen, leyó algunos de sus poemas y recordó a su amigo Luís López de Anglada. Ambos son maestros del soneto.

Isabel Torre-Cañeque mostró a los asistentes su gran dibujo sobre la santa carmelita judeo-alemana Son Teresa benecdita de la Cruz (Edith Stein, 1891 -1942) discípula de Husserl y compañera de Heidegger, dibujo realizado por encargo de los Carmelitas de Burgo de Osma. Juan Pablo II la declaró co-patrona de Europa el 12 de julio de 1999, en el marco de la apertura del Sínodo de Europa.

Por su parte, la arpista María Rosa Calvo Manzano –con una espléndida figura- comunicó su próxima actuación en San Petersburgo, donde a su vez impartirá conferencias y talleres.

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Benedicto XVI, 600 versiones de sus libros en una exposición

L.M.A.


La casa editorial Herder, en colaboración con la Libreria Editrice Vaticana, ha aprovechado la ocasión de la visita del Papa a Alemania para recoger y presentar las obras de Joseph Ratzinger-Benedicto XVI en sus múltiples traducciones, informa la publiccion digital "Zenit".

En una exposición única en su género – organizada en Castel Gandolfo en primer lugar para el Santo Padre, después para los interesados en el Vaticano, en el Campo Santo Teutónico, y finalmente en la sede de la editorial Herder en Friburgo- se expondrán casi seiscientos volúmenes representativos de más de 25 países.

Por primera vez en un mismo sitio, será posible ver la edición rumana de “Sal de la Tierra” e incluso la china de “Dios y el mundo”, junto a las grandes monografías de Joseph Ratzinger-Benedicto XVI. De este modo la editorial Herder y la Libreria Editrice Vaticana pretenden manifestar su alabanza y gratitud al autor.

“Como titular de los derechos de los escritos del Papa, es para la LEV motivo de gran satisfacción verlos recogidos en volúmenes traducidos en las lenguas más importantes del mundo”, dijo Giuseppe Costa, director de la Libreria Editrice Vaticana.

“Será para nosotros una inmensa alegría poder mostrar la exposición al mismo Papa, el 15 de septiembre en Castel Gandolfo, cerca de su residencia de verano”, afirma Manuel Herder.

La muestra se presentará en el Vaticano el 16 de septiembre, desde las 10:00 hasta las 18:00, en el Camposanto Teutónico. Y el sábado 24 de septiembre a las 21:00 en la sede de la editorial Herder (Hermann Herder Straße 4, 79104 Friburgo), con ocasión de un encuentro con la prensa durante la visita del Papa.

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Poesía: Mar Capitán y Julia Sáez-Angulo

Julia Sáez Angulo

ESPEJO MANCHADO

Prefiero el espejo
manchado,
reflejo más fiel
que azogue impoluto.
Imagen confusa
y ajada,
la efigie alterada
del tiempo pintor.

Prefiero el espejo
manchado
de sombras y luces,
con rostro alterado,
misterio velado,
del tiempo escultor.

Prefiero el espejo
manchado,
sutil y afilado,
penetra en el alma,
rompe el antifaz
del ruin impostor.

Julia Sáez Angulo

El Escorial, 30.08.11


EXTRAÑEZA
De pronto,
hombres y mujeres se hicieron extraños,
distantes, ajenos,
incluso los de la carne y la sangre.
No sentía su humanidad,
su presencia, su cercanía...
No entendía su ajetreo, ni sus gestos,
Ni aquellas palabras...

Me sentí seco y aislado
en el abismo de las cosas y los días,
en el universo de la indiferencia
que gira como molinillo de papel
soplado por un viento ignoto,
venido de lejos,
y al que nadie mira.

Julia Sáez Angulo
Madrid, 23 de agosto de 2011

CASTILLA

Un camino pedregoso
y en estío polvoriento,
un manantial rumoroso,
una colina, un desierto.

Un robledal escondido,
un pinar, un encinar,
un valle como un oasis,
una zarza y un rosal,
la amapola y el parral.

Una brisa sempiterna,
mil colores en otoño,
heladas en primavera,
en el verano, un infierno
y un frío bronco en invierno.

Olor a tierra mojada,
a un románico austero,
a salvia, a hierba cortada,
a vaca, a la leña chamuscada,
a pan recién hecho.

Cuna de santas y reinas,
de hidalgos, de cazadores
y de buenos luchadores;
de gentes recias y nobles,
personas llanas y austeras
que callan con la emoción
y con el dolor lamentan.

Mar Capitán, circa 2006

Alighiero Boetti, Gran exposición en el Museo Reina Sofía bajo el título "Estrategia de juego"

L.M.A.

“Estrategia de juego” es la mayor retrospectiva en torno a Alighiero Boetti (Turín 1940-Roma 1994) que se ha organizado hasta el momento y la primera muestra que sobre él se realiza en España. Será a partir del 4 de octubre,

Organizada conjuntamente por el Museo Reina Sofía, la Tate Modern de Londres y el Museum of Modern Art de Nueva York, alrededor de ciento cincuenta obras componen la exposición, que abarcará toda su trayectoria artística, desde 1966 hasta su temprana muerte acaecida en 1994.

Las obras reunidas en la exposición proceden de importantes colecciones internacionales: por un lado, el MoMA ha prestado cinco obras; por otro, hay que destacar también las cesiones de instituciones italianas de primera fila, como por ejemplo la Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea de Roma y los préstamos del Dallas Museum of Art o el Museum für Moderne Kunst de Frankfurt. Hay varias piezas que se exhiben al público por primera vez, como por ejemplo Senza titolo (“Sin título”, 1969), un gran panel conformado a partir de etiquetas infantiles, y algunos tapices, cruciales para tener una visión completa del trabajo de Boetti.

Con esta antología se pretende destacar la capacidad de Alighiero Boetti para transformar materiales sencillos, seriados, industriales, en una obra de arte, así como la complejidad conceptual, visual y estética de sus trabajos. Tras un largo periodo de estudio y documentación, los comisarios —Lynne Cooke, Christian Rattemeyer y Mark Godfrey—, con el apoyo del Archivio Alighiero Boetti y la Fondazione Alighiero e Boetti, han realizado una cuidada selección de trabajos, prestando especial atención en mostrar al singular creador como una de las figuras más fascinantes e influyentes en el arte de la segunda mitad del siglo XX.

Alighiero Boetti es uno de los artistas más destacados de la corriente del arte povera, que surgió en su Turín natal y cuyo término fue acuñado por el crítico Germano Celant en 1967. Sin embargo, dos años más tarde se desvinculó de ese movimiento con rotundidad, criticando duramente sus excesos. Aun siendo muy reacio a las clasificaciones, se convirtió en un referente original para toda una generación de artistas contemporáneos, italianos e internacionales.

Creador curioso e inclinado a la experimentación, Boetti trabajó con una amplia gama de herramientas, técnicas y materiales: papel, plexiglás, yeso, cristal, aglomerado, madera, tela… Para su sistema de pensamiento y trabajo no constituían únicamente un medio, sino un fin en sí mismos. De este modo explotaba y valoraba las características intrínsecas de cada material y cada uno de sus procesos.

La exposición dará cuenta de toda su trayectoria, desde sus primeras producciones, cercanas al arte povera, hasta el resultado de sus múltiples trabajos colaborativos. Arranca con una muestra de su obra temprana, donde se podrán ver obras como Ping Pong (1966), compuesta de dos cajas que flanquean la puerta de acceso a la sala y se iluminan alternativamente; o Colonna (“Columna”, 1968), realizado con hierro y papel. De su frenética actividad artística en los últimos años de la década de los sesenta también surgió una de sus obras más célebres, Manifesto (1967), serie de carteles impresos que consistían en una lista de dieciséis artistas relacionados con el arte povera. Junto a cada uno de los nombres aparecen unos símbolos que parecen codificar las relaciones entre los miembros del grupo, aunque no existe un código que permita descifrarlos.

Más adelante se hallan expuestas Emme i elle elle e… Millenovecentosettanta (“Mil novecientos setenta”), de 1970, una de las varias piezas de madera lacada que Boetti realizó; incisiones y graffiti de la segunda mitad de los sesenta, como I VEDENTI (“Los Videntes”,1967) o Scrittura graffita (“Escritura esgrafiada”, 1968), realizadas sobre cemento o yeso; y los lavori biro, elaborados con bolígrafo con amigos y conocidos, con títulos como aelleigiaccaeieerreobioetitii (1973) o Mettere al mondo il mondo a Roma nella primavera dell’anno mille novecentosettantotto pensando a tutto tondo (“Traer al mundo el mundo en Roma en la primavera del año mil novecientos setenta y ocho pensando en todo”, 1978).

“El Árbol de las horas”

En una sala dedicada a la idea del tiempo en la obra del artista se podrán ver trabajos tan representativos como el evocador L’Albero delle ore (“El Árbol de las horas”), realizado en 1979 sobre tejido o el Calendario, un trabajo que se prolongó de 1974 a 1994 y se compone de 17 paneles de papel. También se mostrará otro de sus trabajos más representativos dentro de su producción povera, realizado en 1966: Lampada annuale (“Lámpara anual”), que consiste en una bombilla que, colocada en una caja de madera, se enciende únicamente durante once segundos al azar cada año.

Las siguientes salas mostrarán una selección de sus tapices y bordados, entre los que destaca la seminal Territori occupati (“Territorios ocupados”, 1969), que muestra la topografía de Israel y el monte del Sinaí durante la Guerra de los Seis Días de 1967. Este bordado es la primera incursión en una serie de trabajos en los que Boetti utiliza mapas que perfilan zonas en conflicto. Precisamente, podrá verse también una selección de su serie Mappa, realizada entre 1971 y 1994, y sin duda su trabajo más icónico. Se trata de un conjunto de bordados realizados a mano en colaboración con artesanos de Afganistán y Pakistán, países, especialmente el primero, con los que Boetti mantuvo una estrecha relación y a los cuales viajó en repetidas ocasiones. Estos bordados de gran formato — alguno llega prácticamente a los tres metros por seis— reproducen mapamundis en los que la extensión de cada uno de los países está cubierta por su propia bandera. Boetti diría, a propósito de esta serie, que el mapa bordado le parecía “la más alta forma de belleza”.

Debido a su interés por el trabajo colaborativo y no protagónico, también aseveró que, él no había hecho ni elegido “nada” con respecto al resultado final, puesto que las banderas no las había diseñado él, y que lo que emergía del trabajo “es el concepto: el resto es una cuestión de elección”. Sin embargo, Mappa muestra, como expresa Christian Rattemeyer, un extraordinario rango y diversidad en color, formato y, lo que es más importante, geografía política. Es un trabajo “profundamente marcado por el tiempo y la Historia”.

En esta misma línea se exhibirán dos tapices titulados I mille fiumi più lunghi del mondo (“Los mil ríos más largos del mundo”), de grandes dimensiones, que datan de finales de los setenta. En relación con estos tapices se podrán ver una serie de libros editados por Boetti que repasan y clasifican los ríos de la Tierra.

Las siguientes salas dan cuenta de los primeros trabajos realizados por el artista, en especial sus primeros dibujos, y otra de sus más emblemáticas contribuciones: su obra epistolar. Los Viaggi postali (“Viajes postales”), iniciados en 1969, son una serie de cartas que Boetti enviaba a amigos y conocidos utilizando direcciones inventadas, creando así una red conceptual alrededor del mundo que conectaba al artista y a sus allegados, indagando en las posibilidades del sistema postal como medio de creación.

Otra serie destacada de su producción que podrá verse es Tutto (“Todo”), dos tapices de gran formato que Boetti realizó en los últimos años de su vida (1989, 1992–93 y 1994), donde el artista diseñó campos de formas y objetos imbricados, ejecutados con gran profusión de color. Estos trabajos constituyen, en palabras de Rattemeyer, “celebraciones de la inmensa diversidad y diferencia de las cosas sobre la Tierra”, mostrando al artista en su faceta “más jubilosa”.

Aeroplanos

Otros grupos son los Aerei (“Aeroplanos”, realizados entre 1978 y 1989), grandes paneles hechos a bolígrafo o acuarela sobre papel donde pequeños aviones surcan el cielo azul; y I VEDENTI (“Los Videntes”, 1967 y 1972–73) Ordine e disordine (“Orden y desorden”), completado en 1973, es también un trabajo clave en la trayectoria de Boetti. Consiste en un centenar de tapices elaborados con letras de colores que el artista entregaba a bordadoras afganas y pakistaníes para que eligieran su composición final. Esta serie no indica únicamente la predilección del artista por los juegos de palabras, la diferencia, el azar y la probabilidad, sino que subraya que el orden y el desorden son realidades geopolíticas que estructuran el mundo de un modo que puede llegar a tener graves consecuencias.

Las últimas salas recogen los juegos y trabajos manuales; los dos trabajos titulados I VEDENTI (“Los Videntes”), una inscripción hecha sobre una superficie de yeso realizada en 1967 y un tapiz elaborado en 1973 por bordadoras afganas donde cada línea tiene un color de hilo diferente; y los kilims —tapices utilizados como alfombra—, tejidos por hombres en Afganistán y basados en un sistema numérico derivado de los dibujos que realizó el artista a mediados de los setenta.

Biografía del artista

Alighiero Boetti nació en Turín en 1940. Allí se introdujo inicialmente en la corriente del arte povera, asimiló el interés por las instalaciones simples, con materiales sencillos, la relación cambiante entre la elaboración y la presentación de la obra de arte. Poco después cambió radicalmente de estilo de trabajo y, en palabras de Christian Rattemeyer, legó una producción de obra “impredecible, altamente inventiva, lúdica y poética” que va desde el dibujo, la pintura y la escultura, hasta el mail art, prácticas conceptuales, el bordado y el tapiz.

Sus creaciones escapan de cualquier clasificación convencional, buscando una lógica y un desarrollo intrínsecos a su trabajo. Boetti fue un artista inquieto, curioso y prolífico, y abrazó la colaboración y el azar, a las que llamaba “felici coincidenze”, y que frecuentemente colorean su obra.

Boetti se interesó siempre por probar materiales cada vez nuevos, cada vez distintos, y también por viajar a lugares remotos que podían abrirle nuevas posibilidades. En 1971, precisamente viajó por primera vez a Afganistán, país que seguiría visitando intermitentemente hasta 1979, hasta que la invasión soviética imposibilitó la entrada al país.

Además de la curiosidad por los lugares remotos, no es casual que fuera ése el país que eligió para sus viajes: sentía una gran fascinación por un antepasado suyo, Giovan Battista Boetti, que en siglo XVIII se convirtió al Islam en un viaje a Constantinopla. Asimismo, Alighiero Boetti veía la cultura afgana como “resistente” y mantenida a lo largo del tiempo por medio de la elección y el esfuerzo.

Para él, la creación colaboradora y no protagónista tenía una importancia cabal: valoraba y apreciaba trabajar con sus ayudantes y conocidos cercanos, así como artesanos de cualquier lugar del mundo. De este modo desarrolló un sistema de pensamiento creativo que contenía varios principios de dualidad: norma y excepción, lógica e indeterminación, orden y desorden, singularidad y multitud, similitud y diferencia, clasificación y desbordamiento, masculino y femenino, ver y no ver. El propio título de la exposición, Estrategia de Juego, tiene en cuenta estas dualidades: unos y otros cohabitan y se retroalimentan, creando la poesía que define y eleva toda su obra.

Catálogo. La muestra se completará con la producción de un catálogo, en inglés y en castellano, publicado por las tres instituciones implicadas en este proyecto. En él, se incluirán más de 140 imágenes y contará con ensayos de los comisarios —Lynne Cooke, subdirectora del Museo; Mark Godfrey (Tate Modern, Londres); y Christian Rattemeyer (MOMA, Nueva York)—, además de textos de otros autores como Claire Gilman o Jason E. Smith.

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“El Pecado Original”, tema de una exposición de arte en la Galería Freijó

“El Pecado Original”

Freijo Fine Art

Pintura y Escultura

General Castaños, 7

28004 Madrid

Julia Sáez-Angulo

“El Pecado Original” es tema de una exposición de arte en la madrileña galería Freijó para abrir la nueva temporada artística de galerías, que comienza de modo general el 15 de septiembre en la capital de España con una apertura festiva hasta las diez de la noche. Angustias y Manuel Freijo, directores de la galería, han sido los curadores de esta muestra llena de ingenio y buenas firmas.

Adán y Eva, el demonio, la serpiente y Lilita, la diablesa o mujer fatal, son los personajes fundamentales de las obras, así como El paraíso perdido de un Edén idílico. Aunque en su mayoría está compuesta por artistas clásicos contemporáneos, los curadores han querido igualmente traer piezas del XV, una bandeja plateada alemana con la representación de Adán y Eva y una serpiente de bronce, pieza castellana del XVII.

Para los organizadores, “es este pasaje bíblico –el pecado original- el que nos ocupa, en esta ocasión, por tratarse de una iconografía representada en el arte occidental durante mucho siglos”.

“Fue el cuadro de Antonio López, “El Manzano”, que forma parte de esta exposición, el que nos inspiró el recuerdo de la fruta prohibida . Este cuadro participó en su día en la exposición del MNCARS y hoy nos abre la puerta de este tema, donde obras contemporáneas como una “Eva” de Paloma Navares o una fotografía de Ana Laura Alaez, evocan la mujer desnuda como objeto del deseo. Apuntala esta idea un lienzo de Tamara de Lempicka que nos ofrece a “Susana en el baño”, así como un cuadro de Fernández Balbuena, titulado “En la ribera”, que fué ganador de la medalla del Salón de Otoño de 1925, en Madrid”.

Una sutil escultura de Lobo en mármol blanco

Otras obras son las de José Duarte , en el año 81 o Erich Heckel en 1937, que también pintaron mujeres desnudas en parques y praderas. En paraísos.

“Con corporeidad sutil, Baltasar Lobo esculpe en mármol un delicioso desnudo de mujer. Y junto a él, una obra realizada por Marc Chagall en el año 50, titulada “Amantes bajo la luna”.

En un apartado mas picante, se reúnen dos obras de Saura, un demonio de Ismael González de la Serna, y un grupo de collages eróticos y divertidos, del único artista joven de esta exposición, Jorge Rodríguez de Rivera.

Del fotógrafo colombiano Leo Matiz, se expone una obra realizada en México en 1946, que representa al muralista Siqueiros, semidesnudo, colgado de un árbol. El propio Siqueiros plagió la iconografía de las fotos de Matiz en algunas de sus pinturas, y fue objeto de una demanda en un artículo periodístico. La represalia del muralista fue incendiar el estudio del fotógrafo, que huyó de México para jamás volver.

Los muralistas mexicanos se creyeron dueños del mando estético para siempre y ejercieron una auténtica dictadura cultural en el país.

Un poema jocundo y ripioso en ocasiones de Rafael Alberti figura en una de las paredes de la galería Freijó, así como en el programa de mano sobre la cabeza de “Susana en el baño” de Tamara de Lempicka (1974).

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Ignacio González elogia la aportación cultural y economica de las galerias de arte

L.M.A.


El vicepresidente y consejero de Cultura y Deporte, Ignacio
González, presentó hoy la temporada de exposiciones de las 46 galerías
integradas en ArteMadrid, de quienes destacó su contribución a la vida
cultural de Madrid así como el impacto de su actividad en la economía
madrileña. “Con su labor –destacó González-, Madrid se convierte en una de las capitales mundiales del arte contemporáneo y del coleccionismo”.

Fruto de la enorme iniciativa de este sector se pone en marcha, por
segundo año, la celebración de Apertura, un programa específico para
empezar la temporada de exposiciones en las galerías madrileñas, que
cuenta con cerca de 50 inauguraciones simultáneas de colecciones de arte y un amplio programa de actividades en museos y centros de arte.

Este programa es, en palabras del vicepresidente, “un elocuente ejemplo del dinamismo de un sector que, en un contexto de aguda crisis económica, sigue aportando pasión y prosperidad al bienestar del país”.

En la temporada 2011-2012 ArteMadrid celebrará 230 exposiciones
dedicadas a más de 500 artistas entre los que González destacó a
creadores de reconocido prestigio como Esteban Vicente, Nicolás Munuera y Sofía Jack.

Las obras de éstos y otros muchos artistas plásticos podrán conocerse
en las galerías, que González definió como “lugares de desarrollo,
exhibición y promoción de nuevos y consolidados talentos, que deciden
apostar por enriquecer día a día la oferta cultural y fortalecer la relevancia artística madrileña”.

El impacto de la industria cultural

El vicepresidente, que estuvo acompañado del presidente de la Asociación de Galerías ArteMadrid, Guillermo de Osma, subrayó el impacto de la industria cultural en la economía española. Entre 2000 y 2008 el mercado de las artes plásticas representó un 10% del total de las actividades económicas de la Cultura. Además, según la consultora independiente "Precio y Arte", el sector de las galerías y casas de subastas en Españageneró ventas por valor de 333 millones de euros en 2010. De la facturación de galerías y marchantes de arte, alrededor de 150 millones se producen en la Comunidad de Madrid, sin contar el volumen de negocio que genera la
feria Arco. Además, el 35% de las galerías de arte en España tiene su sede en nuestra región.

Según afirmó González, en un momento de crisis como el actual la
Comunidad de Madrid quiere apoyar a los galeristas, “que son quienes
acercan las mejores obras de arte a quienes participan del coleccionismo y
permiten participar de sus exposiciones a quienes buscan disfrutar del arte”.

La apertura de la temporada de las galerías es ya la primera
convocatoria del otoño artístico madrileño, como expresó el vicepresidente,
que no dudó en invitar a los madrileños y a sus visitantes a participar en sus atractivas propuestas

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Esperanza Aguirre rinde homenaje a Jesús del Pozo en la inauguración de Cibeles Fashion Week

L.M.A.

La presidenta de la Comunidad de Madrid, Esperanza Aguirre,

presentóhoy la 54 edición de la Cibeles Fashion Week en el taller de Jesús

delPozo, donde rindió hoy un homenaje a la figura de este maestro de la

modarecientemente fallecido, y de quien Aguirre ensalzó sus virtudes no

sólopara el diseño sino también para la creación de una marca, una

empresa,“y un gran equipo que, sin duda alguna, se ocupará de continuar

sulegado”.



Lapresidenta agradeció a la familia de Jesús del Pozo la posibilidad

derecordarle, precisamente, en el lugar “donde el diseñador hacía realidad

suinspiración creadora”, ya que “el mejor tributo que podemos rendira

Jesúsdel Pozo es ver y admirar su legado total. Y aquí podemos

contemplarsus geniales creaciones de diseño y también su concepto de

empresa”.Esperanza Aguirre repasó su gran trayectoria profesional desde

susinicios, en 1974, hasta su consagración.



Madrid, capital mundial de la moda


En estetributo a la figura de Del Pozo, Aguirre recordó que el próximo día

16 deseptiembre, y a lo largocinco días, Madrid se convertirá en la capital

mundialde la moda con la celebración de la Cibeles Fashion Week, que

alcalzaya su 54ª edición. Y es que, a lo largo de estos más de 25 años

desdesu puesta en marcha, “y gracias, entre otros, a Jesús del Pozo –

afirmóAguirre- Madrid se ha posicionado a la altura de Nueva York, Milán y

París”.



La que es ya la gran pasarela de lamoda de España, según la

presidentade la Comunidad, mostrará los trabajos que los maestros del

diseño,consagrados o jóvenes, han realizado para sus colecciones de

Primavera-Verano2012. Se podrán ver, entre otras, las propuestas de

RobertoVerino, que abrirá el viernes 16 el programa de Cibeles Madrid

FashionWeek, así como las nuevas creaciones de Adolfo Domínguez,

Victorio& Lucchino, Devota & Lomba o Ágatha Ruiz de la Prada. “Y sin

ningunaduda –añadió la presidenta- el momento más emotivo va a ser el

desfilede las últimas creaciones de Jesús del Pozo”.



Encuanto a EGO de Cibeles, que cumple su 12ª edición, estrena logo

y seembarca en el mundo de las últimas tecnologías, con una nueva

aplicaciónpara iPhone y iPad, con toda la información sobre la moda joven

española,sus creadores y sus pasarelas. Aguirre recordó que EGO siempre

hacontado con el apoyo del Gobierno Regional, desde su puesta en

marcha,en febrero de 2006, y en este tiempo “se ha convertido en la mejor

plataformade lanzamiento de los jóvenes creadores de España” como el

caso de Maya Hansen, que ya brilla con luz propia y participará en la

presente edición de la Pasarela Cibeles.



Otras novedades de este año será la retransmisión, en directo, de los

desfiles desde la web de Cibeles, y la ampliación de su presencia en las

redessociales. Asimismo, con el título Rusia en Cibeles y en el marco del

año España–Rusia, la pasarela española incluirá un singular desfile, en el

que 20c readores de moda rusos darán a conocer sus propuestas.



A todoello hay que sumar la celebración, este mes de septiembre, del

SalónInternacional de Moda de Madrid, la Semana Internacional del

Regalo,Joyería y Bisutería (Giftrends), Modacalzado e Iberpiel, y la

Fashion´sNight out lo que convierte a la ciudad en un “Madrid de Moda”, en

palabras de Aguirre.



Incidencia económica de la moda



La presidenta explicó la incidencia que esta intensa actividad tiene en la

economía de la región, ya que genera 5.000 millones de euros, lo que

supone el 4% del PIB regional y aporta el 5% del empleo de la región.

A ellohay que añadir el apoyo de la Comunidad a la

internacionalización de la moda de España con el doble fin de promocionar

en el exterior la marca ‘Madrid’y, por otro lado, posicionar en el mercado

Internacionalestas colecciones y que, gracias a la colaboración con la

“Asociaciónde Creadores de Moda de España” (ACME) ha permitirdo la

apertura de importantes mercados internacionales y la presencia de los

diseñadores en las principales Pasarelas de Moda del Mundo, como la de

Nueva York, Milán o Paris Fashion Week.

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“Creo en África”, Fallido proyecto de Desarrollo o de cómo viajar gratis a Malabo

L.M.A.

              13.09.11. .- Madrid En el Círculo de Bellas Artes se hizo la presentación de la primera edición de que tuvo lugar en enero de este año en Malabo (Guinea Ecuatorial), durante ocho días.

En la mesa estaban presentes los dos artistas que llevaron a cabo el taller, Juan Zamora y Tanit Plana -ambos excelentes fotógrafos con curricula importante- y la realizadora Carla Alonso, que se encargó de documentar en un excelente video el desarrollo del mismo. Debo apuntar que Carla Alonso es una extraordinaria artista y, en este caso, ha realizado una maravilla, dada la poquísima e ínfima información que podía mostrar.

Los intervinientes dijeron unas palabras introductorias alabándose mutuamente por los trabajos que vienen realizando La Fábrica, el AECID y Casa África. Ricardo Martínez, director de Casa África acaba de incorporarse al proyecto . El representante de La Fábrica se refirió en general a los proyectos que tengan valor para la sociedad en su cooperación al desarrollo y que con este proyecto buscan unir a los que crean en África y vivan en África con los españoles que crean en África, hacer un intercambio entre ellos o que se unan para realizar proyectos artísticos (¿?.

Hasta ese momento la temática era general o sea que se esperaba con impaciencia el documental, aunque sí escuchamos al director de Cultura del AECID con sus agradecimientos al Círculo, a La Fábrica, como una de las empresas más fuertes de gestión cultural en España, por la propuesta de este proyecto que entra dentro de la tarea general de Cooperación para el Desarrollo hacia el conocimiento de África. Agrega que se realiza el proyecto en el África subsahariana por ser el lugar donde hay dos centros culturales españoles que están realizando una magnífica labor, de lo que no me cabe duda porque es conocida la de muchos centros culturales españoles que funcionan con energía y profesionalidad. También tuvo palabras de agradecimiento para los artistas que fueron a Guinea Ecuatorial por su coraje y por tener la fuerza y la valentía de hacerlo.

La expectativa para ver el proyecto se hacía insoportable. Por fin, bajan las luces y comienza el documental:

Buena presentación, lo mismo la música, pero el contenido y el objetivo, decepcionantes o mejor dicho sin aclarar. Conté cuatro alumnos africanos en total con cara de “¿qué me están contado ustedes que no me interesa nada?”

En palabras del fotógrafo Juan Zamora, tenía que enseñar con elementos muy simples con los que pudieran contar los guineanos, por ejemplo un lápiz, un papel, o una botella, se podían hacer cosas. Comenzó con dibujos, uno de los temas a desarrollar era el agua que como bien se sabe es escaso en África. Todo lo que dibujaban (o lo poco que se mostró) es el agua como la conocen ellos en su ciudad: en botellas, en cántaros, en recipientes.

Hubo tomas muy rápidas de algunos dibujos pero luego una sesión alargada y repetida a lo largo del documental de una botella de agua de la que le tomaban fotos mientras la iban corriendo de lugar, para demostrar el movimiento, si se pasaban las fotos rápidamente. Lo mismo con dibujitos a los que les cambiaban algunos elementos de lugar y que pasados rápidamente creaban movimiento. Mucha tomas de lo mismo, con los mismos personajes y los mismos lugares.

El otro tema a cargo de la segunda fotógrafa Tania, era el dinero, Dinero en su concepto genérico y luego el concepto de de dónde viene, cómo pasa por ellos y adónde se va. Conciencia que todo al final es dinero. Uno de los ejercicios era que crearan y dibujaran una moneda ficticia. Parece ser que en los dibujos se podía captar sus necesidades (¿psicologismo elemental?). Algunas tomas de una alumna sacando fotos a los precios en una tienda de ropa interior. También visitaron un colegio y les hicieron hacer algo que no se pudo ver claramente los resultados de lo que se pedía.

¡Los africanos pedían Tecnología!

En palabras de Juan Zamora, los alumnos pedían tecnología (tecnología, no lápices) y que les enseñaran aspectos digitales para poder ellos conseguir trabajo, pero tienen tan poco medios que pedían más. Le llamó la atención las grandes ganas que tienen de aprender para poder trabajar y realizarse en sus proyectos con métodos actuales de computadoras. Les ha prometido que intentará enviarles todo lo que pueda para poder cumplir sus necesidades, aunque sean las más básicas en este área

En palabras de Nerea, directora de Proyectos de la Fábrica, en realidad fueron “sin saber lo que se iban a encontrar allí” (¡?) . Hace pensar que cuando se hace un proyecto se debería saber al menos que es lo que más necesitan los africanos, salvo que la mirada esté solamente puesta en los artistas españoles para que adquieran experiencias y conocimientos. La directora hizo una presentación caótica y patética.

Sus palabras fueron reveladoras en el sentido que se ha ido a “una aventura en la que no sabían lo que se iban a encontrar, todo eran sensaciones nuevas, colores, olores…hasta la moneda no la conocían”. Suerte que hablan español una gran mayoría, añadió. Tuvo palabras de agradecimiento para el Centro Cultural Español, que sin su ayuda les hubiera sido muy difícil desarrollar su actividad.

Dieron que pensar las palabras de una alumna que con la simpatía y sonrisa típicas de la gente del lugar, dijo que ella quería ser la mejor, que quería ser alguien, que ella iba a ser, según su abuela, una persona muy importante. No pudimos escuchar la opinión de los otros alumnos restantes.

Salimos con la sensación de que en algunas ocasiones como en éstas, se cree que los africanos se conforman con cualquier cosa porque son tercer mundistas y sirven para que algunos se pongan las medallas como los grandes contribuyentes a la cultura y el desarrollo de los países deprimidos y se gasten importantes sumas de dinero en viajes, estancias y supuestos proyectos de desarrollo que en nada revierten a los supuestamente beneficiados…

Señores, gasten su dinero enseñando lo que ellos, los africanos, realmente necesitan y déjense de fotos y documentales, por bien hechos que estén, para dar paso al verdadero desarrollo de los pueblos que lo necesitan. Muchos de los oyentes sentimos vergüenza ajena y indignación propia

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Isabel Gemio, coautora del libro “Aprende a ser feliz” publicado por Espasa

“Aprende a ser feliz”
Isabel Gemio y María Jesús Álava
Editorial Espasa
Madrid, 2011 (254 pags)
S beneficio de la Fundación Isabel Gemio


Julia Sáez-Angulo


No se trata de un libro de autoayuda más, sino una suma de experiencias de problemas, consultas y respuestas en el programa “Te doy mi palabra” de Isabel Gemio (Albuquerque, Badajoz) durante los fines de semana en Onda Cero. Los beneficios de la venta del libro irán a financiar los proyectos de investigación sobre Distrofias Musculares y otras Enfermedades Raras, de las que se ocupa la Fundación Isabel Gemio.

El libro abarca, entre otros, los capítulos: ¿Cómo detectar el sufrimiento inútil; Hijos conflictivos, agresivos, manipuladores; El amor y las relaciones de pareja; Los lazos familiares; El trabajo y el entorno laboral; El control de la ansiedad y el estrés; Reglas para poder vivir en soledad; la autoestima: sus amigos y enemigos, y Los “vampiros energéticos”: pesimistas, victimistas, manipuladores, mentirosos.

El libro va en pro de una buena causa como la distrofia muscular y las enfermedades raras que, según Isabel Gemio, afectan “a una de cada mil y pico personas”.

Cuatro proyectos en marcha

“Se investiga en dos tipos de terapia con células madre: uno a partir del transplante de médula ósea y otro a partir de unas células específicas que se pueden inyectar por vía arterial, con el fin de aumentar las células musculares distróficas. En éste último aspecto se han obtenido resultados exitosos en diferentes modelos animales. Actualmente, esta línea de investigación se encuentra en fase de prueba en niños”, dice Gemio en el prólogo.

El coste de cuatro proyectos en marcha asciende a más de un millón de euros. La autora se lamenta de que “los ricos de este país como los Botín, Lara, Amancio Ortega y otros, no colaboren en proyectos sociales como lo hacen otros ricos en distintos países, porque fuera tienen más beneficios fiscales”.

Confía en que la Ley de Dependencia no se recorte en el futuro ya que son muchas las mujeres que han de hacerse cargo a solas del cuidado y atención de los enfermos distróficos. No todas las comunidades Autónomas lo hacen de igual manera y advirtió que ella no bajará la guardia de la reivindicación si llegan los recortes en este campo.

La psicóloga María Jesús Álava (Madrid, 1954), prácticamente autora del libro, puesto que Gemio confesó que ella sólo ha puesto el nombre y el prólogo, recordó que, cada vez más, la gente se acerca a la psicología para tratar de resolver los diferentes conflictos que les atenazan, como se pone de relieve en el programa de radio “Te doy mi Palabra”, donde ella colabora.


“El libro está escrito desde las flexibilidad y sin tono autoritario” dijo Álava en la presentación del volumen. Hay que saber que existen “personas malas”, advirtió y “no tratar de justificarlas siempre por algún lado”. Conviene estar precavidos contra ellas. También dijo que en las relaciones y conflictos “regañamos mucho” y hay que hablar con más calma y firmeza. Denunció que los padres de hoy “dedican poco tiempo a sus hijos y les conceden demasiada permisividad para compensarlo, lo cual es una barbaridad”.

La psicóloga subrayó que el alcoholismo y las drogas comienzan demasiado pronto entre los niños españoles y que los padres han de detectar cuanto antes “las señales de alarma” de las que se habla en el libro.

Las autoras terminaron diciendo que “con tan solo la voz, la radio es el medio de comunicación más directo e íntimo con el ser humano”, como se demuestra en el programa que ellas llevan en Onda Cero.

Excavaciones de los restos del primer niño neandertal de la región de Madrid

L.M.A.


El vicepresidente y consejero de Cultura y Deporte, Ignacio

González,presentó hoy uno de los hallazgos paleontológicos más

importantesen la Comunidad de Madrid en los últimos años: cuatro dientes

de unmenor de unos dos años y medio que vivió hace más de 40.000 años,

lo quesupone el primer niño neandertal que aparece en la región. El

vicepresidentetambién anunció que se ha terminado el proceso de compra

de lapráctica totalidad de los terrenos del Calvero de la Higuera como

primerpaso para la creación de un yacimiento visitable en este lugar que

faciliteel conocimiento de esta zona a todos los madrileños y visitantes de la

región.



Eldescubrimiento ha tenido lugar en los yacimientos del Calvero de la

Higuera,en Pinilla del Valle, donde se está desarrollando la X campaña de

excavaciones.Las piezas, perfectamente conservadas y aparentemente de

unmismo Homo neanderthalensis –tal vez una niña, a la que los

investigadoreshan bautizado como ‘Lozoya’, en homenaje al río que baña

estevalle- han sido localizadas en el yacimiento denominado Cueva Des-

Cubierta,en el que también se han encontrado diversos restos

paleontológicosy de industria lítica (herramientas fabricadas en piedra).



Gonzálezdestacó que “los resultados que hoy se dan a conocer y que

sonfruto de diez años continuados de trabajo ponen de manifiesto una vez

más elcompromiso de la Comunidad de Madrid con la investigación

científica”.“Desde el primer momento hemos respaldado el trabajo de

científico,hemos escuchado sus peticiones y atendido a las directrices de la

propiainvestigación”, señaló.



Laactual campaña de excavaciones en Pinilla del Valle está siendo

muyrica en hallazgos, tal y como se desprende del balance provisional

presentadohoy en los propios yacimientos por Ignacio González, y por los

tres directoresde las excavaciones: el paleoantropólogo y director del

Centrode Investigación UCM-ISCIII sobre Evolución y Comportamiento

Humanosy codirector de Atapuerca, Juan Luis Arsuaga; el arqueólogo,

directordel Museo Arqueológico Regional y codirector de las excavaciones

enOldupai Gorge, Enrique Baquedano, y el geólogo y vicedirector del

CENIEH,Alfredo Pérez-González. Al acto también ha asistido la alcaldesa

dePinilla del Valle, Gema Ramírez, así como otros ediles de la zona.



Antigüedad superior a 40.000 años



Losinvestigadores han explicado que aún es pronto para poder concretar la

dataciónde los dientes hallados, pero sí han avanzado que la antigüedad

serásuperior a los 40.000 años, puesto que han aparecido asociados a

restosfósiles de Stephanorhinus hemitoechus o rinoceronte de estepa, que

seextinguió hace 40.000 años. Asimismo, en esta misma cueva han

seguidoapareciendo multitud de restos de fauna pleistocena, como el uro o

Bosprimigenius, antepasado del actual toro, así como industria lítica.



Estosnuevos hallazgos convierten al Calvero de la Higuera en único

en todala Comunidad de Madrid, porque los tres yacimientos con restos

fósilesde homínidos anteriores a nuestra especie se encuentran aquí, a

escasosmetros de distancia los unos de los otros. En Cueva del Camino

aparecierondos molares en los años 80, en Cueva de la Buena Pinta se

descubrierondos molares en la campaña de excavaciones de 2007 y ahora

enCueva Des-Cubierta se acaban de encontrar los primeros restos de un

infanteneandertal. En toda España no llegan a 20 las zonas con restos de

Homoneanderthalensis.



Dos nuevos yacimientos



Enparalelo, cabe destacar que este año se han descubierto dos nuevos

yacimientos(Toconal y Carrión) en otro de los calveros del mismo complejo

kárstico,“Los Calveros”, situado en Pinilla del Valle.



Conrespecto al resto de los yacimientos ya conocidos, en el Abrigo

deNavalmaíllo, campamento que ocuparon los neandertales hace más de

70.000años, se ha continuado trabajando en la ampliación de la superficie

deexcavación y prácticamente se ha llegado al Nivel F, el mismo en el que

se hanencontrado muchos más instrumentos para sus actividades (como

lascas,denticulados o raederas) y de la fauna que consumieron

(principalmenterinoceronte de estepa, uros, caballos, etc.). Y en la Cueva

de laBuena Pinta, antiguo cubil de hienas frecuentado en ocasiones por los

mismoshomínidos, el equipo de investigación ha comprobado que el área

deactividad humana fue más extensa de lo que se pensaba.



Por losyacimientos han pasado durante toda la campaña unas 130

personas,entre arqueólogos, paleontólogos, geólogos, restauradores y

topógrafos,así como algunos estudiantes de especialidad en dichas

disciplinas.También han estado durante este mes el artista plástico

FernandoFueyo y el director Javier Trueba, para la realización de un libro y

de undocumental científico, respectivamente.



Ladécima campaña de excavaciones está financiada por la

Vicepresidenciay Consejería de Cultura y Deporte de la Comunidad de

Madridy por la Dirección General de Bellas Artes y Bienes Culturales del

Ministeriode Cultura. Asimismo, cuenta con el patrocinio de la empresa

Mahou ydel Canal de IsabelII y con la gestión económico-administrativa de

laFundación General de la Universidad de Alcalá. Además, tiene la

colaboraciónde la Consejería de Educación y Empleo; del Parque Natural

de laCumbre, Circo y las Lagunas de Peñalara, y del Ayuntamiento de

Pinilladel Valle.



A medioplazo, Pinilla del Valle se sumará a los catorce yacimientos

yavisitables: la necrópolis medieval de Sieteiglesias (Lozoyuela-Navas-

Sieteiglesias);la necrópolis visigoda de Remedios (Colmenar Viejo); el

conjuntoarqueológico de la Dehesa de la Oliva (Patones); la Calzada

romanade Galapagar; el hábitat carpetano de Miralrío (Rivas-Vaciamadrid);

laciudad romana de Complutum, que incluye el Foro, la trama urbana y la

Casa deLos Grifos (Alcalá de Henares); el yacimiento romano de El Encín

(Alcaláde Henares); la casa romana de Hippolytus (Alcalá de Henares); el

castillomedieval de Arroyomolinos (1ª Fase); Caminería histórica del Valle

de laFuenfría (Cercedilla); la Iglesia del Buen Suceso, en la estación de

Cercaníasde Sol (Madrid);la Plazuela de los Caños del Peral, en la

estaciónde Ópera de Metro de Madrid; y el Antiquarium y Paseo

Arqueológicodel Palacio Arzobispal, en el recinto amurallado de Alcalá de

Henares

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ARCOmadrid 2012 – Agenda de Actividades durante el mes de septiembre

L.M.A.

Septiembre inicia su agenda cultural con diversas actividades y convocatorias, organizadas en colaboración con ARCOmadrid, que contribuirán a profundizar en el constante interés de la Feria por difundir el arte contemporáneo, así como por incentivar y promover el coleccionismo. Con estas acciones además ARCOmadrid cumple su objetivo de dar continuidad a su actividad a lo largo del año con propuestas y colaboraciones que ayuden a dinamizar la escena del arte contemporáneo.



Presentación de ARCOmadrid en Estambul.- 16 de septiembre -

Estambul será el primer destino del circuito internacional de presentaciones que ARCOmadrid llevará a cabo en los próximos meses para promocionar la 31ª edición de la Feria, así como la ciudad de Madrid, que como cada año se convertirá durante el mes de febrero en el gran centro internacional del arte contemporáneo y polo de atracción de numerosos coleccionistas y profesionales llegados de todo el mundo.



La 12ª Bienal de Estambul, dirigida en esta edición por los prestigiosos comisarios Jens Hoffmann y Adriano Pedrosa, colaborador de ARCOmadrid, es sin duda uno de los principales eventos de la temporada que ahora se inicia. En ese marco ofreceremos una recepción en la que presentaremos las novedades de ARCOmadrid 2012.


http://bienal.iksv.org/en


Apertura –Arte Madrid-.- 15-17 de septiembre

Del 15 al 17 de septiembre, las galerías que conforman la asociación Arte Madrid inician su temporada de exposiciones con una inauguración conjunta que se desarrollará a lo largo de todo el fin de semana, en el que un gran número de coleccionistas, profesionales y amantes del arte visitarán sus espacios. Esta cita, ya consolidada en la agenda cultural de Madrid, cuenta con el apoyo de ARCOmadrid que colabora en la celebración de este evento.


www.artemadrid.com


Talking Galleries. International Gallerist Meeting – Barcelona.- 19-21 septiembre

ARCOmadrid estará presente en el primer encuentro internacional para galeristas que se celebrará en Barcelona, del 19 al 21 de septiembre. Se trata de un importante evento que contará con la presencia de profesionales de reconocido prestigio y numerosos galeristas internacionales, quienes analizarán cuestiones de interés común para todas aquellas personas relacionadas con el arte contemporáneo y su mercado.


http://www.talkinggalleries.com/cat/?section=TALKINGGALLERIES



ARCOmadrid colaborará un año más en el evento DecorAcción, que tendrá lugar en Madrid del 29 de septiembre al 1 de octubre, con su propuesta ARCO GalleryWalk, una serie de visitas guiadas gratuitas a las galerías del Barrio de las Letras. Las visitas estárán dirigidas por jóvenes profesionales y representan una magnífica ocasión para reencontrarnos con el placer de visitar las galerías, conocer sus exposiciones y conversar con sus galeristas. Esta iniciativa estará aderezada con una copa de Bombay, marca colaboradora de ARCOmadrid.

Más información e inscripción para las visitas en arcogallerywalk@gmail.com

Casa de la Moneda en Madrid: II Bienal Iberoamericana de Acuarela

L.M.A.


El Museo Casa de la Moneda acoge del 15 al 28 de septiembre la II Bienal Iberoamericana de Acuarela, que reúne obras de artistas españoles y de 8 países de la otra orilla del Atlántico (Colombia, Ecuador, México, Perú, Puerto Rico, Uruguay, Estados Unidos y Venezuela). Esta segunda edición, que tiene como novedad la presencia de artistas de Estados Unidos, ha sido organizada por la Agrupación Española de Acuarelistas (AEDA), al igual que la primera. De temática libre, la muestra reúne retratos, paisajes, marinas y bodegones hasta un total de 98 obras (33 de los países anteriormente citados, 26 de artistas de la AEDA y 39 de las agrupaciones de acuarelistas de Aragón, Asturias, Baleares, Canarias, Castilla y León, Cataluña, Galicia, País Vasco y Valencia).

Como actividad complementaria y con el fin de dar a conocer la técnica de la acuarela al público, el sábado 17 y el domingo 18 de septiembre de 12 a 14 horas, se realizarán demostraciones de pintura a la acuarela. La entrada será libre hasta completar aforo.


La Acuarela, un arte con mayúsculas

Esta segunda edición mantiene los objetivos de la primera. Especialmente el de reivindicar, ante el público y la crítica, la acuarela como un arte pictórico al mismo nivel que cualquier otra técnica. Más antigua que el óleo, pues empezó a utilizarse en China en una fecha próxima al año 100 antes de Cristo, la acuarela, bajo diferentes variantes, se fue extendiendo por todo el orbe y ha sido cultivada por artistas de la talla de Fortuny y Turner.


La Agrupación Española de Acuarelistas

Fundada en 1945 por Francisco Esteve Botey con el fin de difundir esta técnica pictórica, la Agrupación Española de Acuarelistas tiene como precedente histórico a “La Peña de Acuarelistas”, que fue fundada en 1878 por el pintor Plácido Francés y que los cronistas suponen quedó diluida en el seno del Círculo de Bellas Artes, contó con miembros de la talla de Casado del Alisal y Cosme de Algarra. En la actualidad la AEDA está presidida por Ricardo de Arce Bilbao y, a través de las múltiples actividades que realiza, tiene como fines la enseñanza y la promoción de la acuarela.

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Museo López Berrón de Gotarrendura: Entrega de los Adobes de Oro

Avila, Pintura de López Berrón

L.M.A.

         11.09.11 .- Gotarrendura. Ávila .- David Casillas, Julia Sáez-Angulo y Faustino Hernández, Nino, han sido galardonados con los Adobes de Oro que otorga el Museo de Etnografía y Pintura Eugenio López Berrón, a personas que se hayan destacado por su aportación a la Cultura. El acto tuvo lugar en la sede del museo, sito en Gotarrendura (Avila) y contó con la presencia del alcalde del pueblo, Fernando Martín y el teniente alcalde de Ávila, José Francisco Hernández Herrero, que elogiaron la labor cultural de la familia López Berrón.

Gladys López Manzanares condujo el ceremonial de la entrega con estilo y humor. Después de las palabras finales de Rosa María Manzanares, anfitriona del museo junto a Eugenio López-Berrón, el guitarrista Jaime Maíz coronó el final de esta VI edición de los Adobes de Oro con un concierto muy aplaudido.

David Casilla es periodista y jefe de sección de Cultura del “Diario de Ávila”; Julia Sáez-Angulo es crítica de arte y novelista, y Nino es comentarista literario y agudo en la prensa.

Gotarrendura es un pequeño pueblo de doscientos habitantes en la comarca abulense de La Moraña, que aumenta su población en verano y durante los fines de semana. Se trata de un pueblo con vestigios y ecos históricos, que van desde el palomar de Santa Teresa de Jesús, al que menciona la Santa en sus obras, a la bella iglesia porticada de san Miguel, porque fue Camino de Santiago y lugar del cortejo fúnebre de Isabel la Católica, como figura en documentos del Archivo de Simancas. Muchas de las casas y tapiales de Gotarrendura están hechos de adobe -el gran aislante del frío y el calor-, de ahí que sea el objeto elegido como galardón.

El alcalde de Gotarrendura informó de que el pueblo ha sido seleccionado internacionalmente para participar en el los premios Livcom de Seul, porque ha quedado como finalista uno de sus proyectos, cultural y ecológico, en favor de la promoción de Gotarrendura. También recordó que este año, a principios de agosto se representó por personas del pueblo, el “Cortejo Fúnebre de Isabel la Católica”, con gran respuesta de visitantes espectadores, por lo que va a repetirse en sucesivos años.

Poetas, pintores, escultores y críticos de arte

Gotarrendura tiene dedicada una calle a la escritora irlandesa Kate O´Brien, que publicó a mediados del XX un libro sobre santa Teresa en el que menciona, por derecho propio a Gotarrendura. Recientemente ha sido la capital, Ávila, quien también le ha dedicado una calle a su nombre. Sólo queda hacer lo mismo con la escritora francesa Marcelle Auclair, que ha escrito sin lugar la dudas la mejor biografía de la reformadora del Carmelo y que también menciona la importancia de Gotarrendura en la vida de la doctora de la Iglesia en su magnífico libro.

Entre los numerosos asistentes a la entrega de los Adobes de Oro – galardón compuesto de un pequeño cuadro del pintor Eugenio López Berrón en la parte inferior un auténtico adobe de barro y paja recubierto de pan de oro, realizado por Juan Antonio Martín López- se encontraban algunos alcaldes de La Moraña como los de Las Berlanas, Avelino Fernández; El Oso, Santo Domingo de las Posadas o el de Madrigal de las Altas Torres y el presidente de la Cámara de Comercio de Arévalo, Florentino Cuesta.

También estuvieron presentes personas del mundo de la cultura y el periodismo como Pedro Serrano, director del “Diario de Ávila”, los poetas Luís del Pozo o Benito de Diego y el rapsoda Félix Sánchez; los pintores Mercedes Ballesteros, Maribel Torre-Cañeque, Pablo Reviriego, Inga Ivanova, Héctor Delgado o la experta en arte sacro Elisa Sáez de Slöcker.

La fiesta de los Adobes de Oro tuvo de fondo la música del trío local, compuesto de dulzaina, tambor y tamboril. Algunos vecinos del pueblo no dudaron en bailar al son de la música tradicional, mientras otros disfrutaban del ágape junto a la fachada del Museo López Berrón. El catering fue obra de la casa Manzanares. 

Más información 
http://www.museolopezberronarte.org/p_interior_museo.htm