Pilar Aroca participa en el ciclo Narradoras Españolas Contemporáneas

Trilogía
Pilar Aroca
Prólogo de Jan Van-Halen
Edición de Escritores y Artistas Españoles
Madrid, 2008; (259 pags)

Pilar Aroca



Julia Sáez-Angulo

Poeta y escritora de relatos, Pilar Aroca (Madrid, 1937) ha participado en el ciclo de “Narradoras Españolas Contemporáneas”, organizado por la Asociación de Escritores y Artistas Españoles (AEAE) de Madrid, en el que han intervenido Marina Mayoral, Julia Sáez Angulo y Teresa Núñez. El acto fue presentado por el escritor José López Martínez, director general de la AEAE.

La escritora, que cuenta en su haber con el premio dos huchas de plata, leyó dos cuentos: María del Mar” y “La cana al aire”. En su exposición previa recordó que el cuento viene del mundo oral de Egipto y se compiló más adelante en Oriente, primero en la India para pasar seguidamente a Persia y Arabia.

A Europa no llegó la compilación de cuentos hasta el siglo XVIII, si bien en el Medioevo algunos narradores medievales tomaron modelos orientales en España, como fue el caso en las “Cantigas” de Alfonso X el Sabio o en “El Conde Lucanor” de Don Juan Manuel. El francés Gastón Maspero (París, 1846-1916) fue el gran recopilador de los “Cuentos del Antiguo Egipto”.


Pilar Aroca insistió en diferenciar relatos de cuentos, leyendas o consejas. Señaló que en el cuento se valora la sorpresa final. “En los antiguos cuentos bebieron también escritores como Cervantes o Moliére” señaló la autora.

“Trilogía” con una suma de tres poemarios

Por otra parte, Pilar Aroca ha publicado una “Trilogía” poética que abarca tres de sus libros poéticos: “Elegía”, Ventanas a lo oscuro” y “Tierra erguida”. La vida y su visión del mundo a través del amor y del dolor constituyen el contenido conceptual de este libro rico e intenso.

Agotados los ejemplares de los citados poemarios, la autora no quiso reeditarlo sino llevar a cabo una “Trilogía”, que diera cuenta de una unidad continuada, con “un mismo hilo conductor y un mismo latido que unen y justifican”, dice la autora que arranca el libro con dos versos suyos: “... los uno nuevamente y siguen solos, / llorando soledad a borbotones”.

Próximanente Pilar Aroca presentará en Madrid su último poemario titulado "En este corazón", con prólogo de Jorge del Arco, editado por Huerga y Fierro. Un libro con lenguaje preciso y pulcro.

Pilar Aroca es una de las pocas mujeres que ha participado en "Los miércoles de la Poesía" dirigidos por la escritora Fina de Calderón.

Solange da Costa refleja la China en su Pintura al óleo

Solange da Costa
Amador de los Ríos
Fernando El Santo, 24
Del 16 al 30 de noviembre


Julia Sáez-Angulo

14.11.09 .- MADRID .- Nacida en Brasil y residente en España, Solange da Costa presenta una amplia exposición monográfica sobre “China” en la galería madrileña Amador de los Ríos. La artista ha participado recientemente en muestras colectivas como la llevada a cabo en la galería Paz feliz donde deslumbró con sus grandes piezas figurativas y al óleo.

Da Costa ha querido centrarse en esta ocasión en la iconografía que brinda un gran país como China, que ha despertado de nuevo al contacto estrecho con occidente y la economía global, dejando atrás el comunismo radical.

La pintora, que trabaja en grande y mediano formato ha recreado el mundo de los niños ataviados con su s trajes locales, lo que proporciona un gran pretexto para el color y el testimonio de unas miradas y un futuro.

No podía faltar el paisaje con sus tres planos de tierras, montañas y celajes, armónicamente representado en sus distintas miradas. Hay escenas de rebaños y especie de mastabas, con flores o ramajes, con templos o barcos...

El mundo de las creencias en Budas y monjes

El mundo religioso o de las creencias lo interpreta Solange Da Costa por medio de bellas estatuas como la titulada “Paz”, casi de tamaño natural o los Budas ante los que se llevan a cabo contemplaciones o meditaciones.

La figura, además de en las estatuas se desarrolla en temas como la mujer del cuadro colorista titulado “Feminidad” o el “Monje”, una pieza soberbia por el juego de sol y sombra y la fuerza del personaje en su expresión y mirada.

Hablamos de pintura de técnica al óleo, que se apoya en el dibujo preciso y sabio, junto al color que evoca el origen de la representación. Hablamos de China y de Solange Da Costa como artista pintora.

"Ver Italia y Morir", exposición de la Fundación Mapfre en Madrid

Ver Italia y Morir
Fundación Mapfre
Comisarios: Guy Cogeval, Ulrich Pholmann, Françoise Heilbronn, Jöelle Bolloch
Paseo de recoletos, 23; Madrid
Del 6 de octubre al 20 de diciembre


Julia Sáez-Angulo


Patria de la gran pintura, cuna la Antigüedad, del Renacimiento, de la perspectiva, de las ruinas hermosas… Italia ha sido mito y deseo de muchos viajeros y artistas. En su suelo sufrió Stendhal el síndrome mórbido de la belleza, en Venecia exactamente. Los viajeros, románticos o no, del siglo XIX la fotografiaron en extremo; la fotografía se hizo en buena parte pictorialista y el paisaje, la arquitectura, la arquitectura y las obras de arte en pintura o escultura cobraron una nueva mirada, una nueva forma.

La Fundación Mapfre ha querido ofrecer una exposición que hable del anhelo y saturación de belleza en un recorrido por distintos lugares y ciudades de la península itálica. La muestra presenta un catálogo rico en textos, que antes se publicó por el Musée d´Orsay en París.

Para el comisario Guy Cogeval “A partir de 1840, los pintores dejan de ser los únicos depositarios de la realidad italiana. La fotografía, intrusa invasora, se lanza a las calles de Venecia, Florencia, Roma, Nápoles y Palermo. Se produce entonces una auténtica emulación entre los medios a partir de temas cotidianos, de la Antigüedad, la historia contemporánea y los propios italianos, todavía muy heterogéneos a pesar del Resorgimento”.

Pintura, escultura y fotografía en la muestra

La exposición reúne pintura, escultura y fotografía en torno a la representación de Italia en el siglo XIX y principios del XX. Una perspectiva múltiple y contrastada a la que se asoman autores como el “nabi” Maurice Denis con “la pila de Villa Médicis” (1904); Pompeo Molins con el mismo tema en una fotografía de 1860; el Templo de Vesta en Roma, daguerrotipo del conde Max Perrochel (c.1840) o la misma vista de James Anderson en 1853.

El “Grand Tour” es el viaje iniciático por excelencia, que todos los nobles, aristócratas, intelectuales y artistas quieren emprender para conocer al otro y conocerse a sí mismo en la aventura del propio viaje. Italia es el gran destino. Las vedutte de Venecia, Roma, Asisi, Padova y Capri son ineludibles. La isla de San Giorgio Maggiore es retratada desde distintos puntos de vista.

La mirada costumbrista o arqueológica a través del objetivo fotográfico se alterna con la ensoñación pictorialista. Italia es una fuente permanente de arte y cultura; el país que más patrimonio histórico artístico guarda en su suelo seguido de España y Francia. Solo cabe ir, viajar por toda la península y dejarse invadir por la estética de todas las civilizaciones, culturas y formas del pasado desaparecido en la belleza de las ruinas, que el propio Miguel Ángel supo recrear y representar. Italia como vivero para el barroco y el futurismo. Italia como fascinación e imaginario total de la belleza.

“Ver Italia y Morir” es el título adecuado de la exposición en Mapfre que ilustra como se puede llegar al delirio al síndrome de Sthendall.

Donato Grima, pintor argentino, diserta sobre "La muerte del papel"

L.M.A,

Donato Grima, pintor, dibujante y diseñador nació en San Miguel de Tucumán, Argentina. Estudió Diseño. Se radicó en Caracas desde 1975 hasta 1983 donde trabajó como ilustrador para editoriales y agencias de comunicación visual, y posteriormente en Europa hasta finales del año 2000. Realizó viajes por razones profesionales y de estudio por distintos países europeos; España, Alemania, Italia, África, EEUU, y América Latina. En 1993 funda el Centro de Arte & Diseño, institución dedicada a la enseñanza de Arte y Diseño

El artista argentino opina sobre “La muerte del papel”:

“Sin duda que nuestras sociedades están en un proceso de cambio vertiginoso, pero no creo que se pueda dictaminar "La muerte del papel". También Nietzche dictaminó "la muerte de Dios" y hace un tiempo los teóricos del arte dictaminaron "la muerte de la pintura". Personalmente creo que el papel jugará "otro papel" pero no va a morir. Mientras existan intereses nada muere, además, por cuestiones lógicas, el papel es algo directo que no necesita de tecnologías para ser leído, solo basta una mirada”.


Se deberá modificar el concepto del diseño


“De todas maneras no estaría mal dejar de talar árboles un par de años para reponer el daño ecológico. Bajará el mercado del papel por una cuestión lógica (la informática avanza velozmente) pero no creo que se pueda predecir la muerte del papel. Todo es cíclico en esta vida. De lo que si estoy seguro es que los diseñadores deberán modificar el concepto del diseño y transformar la bi-dimensión en algo mas seductor, pero nunca alejado del soporte papel. Recuerdo hace unos años en Nueva York caminando por una calle transversal al Central Park, vi en 100 metros, nueve academias de caligrafía”.

“La curiosidad me llevó a preguntar si la ciudad lanzó un plan para enseñarles a escribir a los neoyorquinos. La respuesta fue que el recepcionista de la academia me preguntaba si yo tenía buena letra para escribir cartas ya que los bancos no quieren mandar más folletos impresos por la frialdad que esto representa y mandan cartas manuscritas a sus clientes que las confeccionan en las academias de caligrafía. Con el papel pasará lo mismo, cuando nos cansemos del soporte virtual., volveremos al papel. Creo que el secreto está en saber convivir con todos los soportes”.

“Quizás un buen negocio alternativo sea mandar a clientes preferenciales periódicos escritos en cuerpos de bellas mujeres (body-magazine) Allí habrá trabajo para millones de diseñadores. No matemos a nadie, usemos la creatividad. En cuanto a la pintura, abandonará la estupidez mundial y volverá a ser lo que fue. Y en relación a Dios, al mío lo tengo vivo y lo cuido para que no se muera”.

"El Corán y el futuro del Islam" de Abu Zayd

El Corán y el futuro del Islám
Nasr Hamid Abu Zayd/ Hilal Sezgin
Traducción de Gabriel Menéndez Torrellas
Editorial Herder
Barcelona, 2009-11-12

Julia Sáez-Angulo


La presencia del Islam en Occidente –islámicos e islamistas-es una realidad con sus pros y sus contras en lo que a leyes y costumbres se refiere, sobre todo en lo tocante a la mujer. No se puede habitar un territorio de otro y pretender imponer lo propio, máxime aplicando la censura de “lo políticamente correcto” o la acusación de fobia al extranjero. Algunas mujeres occidentales se impacientan en lo que se les puede venir encima si se toleran “en aras de otros usos”, conductas vejatorias o denigratorias contra la mujer. Hablemos con claridad y sin tapujos, sobre todo sin mordazas por miedo.

Los casos de apaleamiento por no llevar el velo a una mujer islámica en Socuéllanos es un índice de otros mismos casos en otros lugares de España, que se ocultan y no se denuncian incluso por vecinos que lo contemplan. El caso de las pensiones no contributivas que España ha de pagar a las diversas mujeres de una poligamia encubierta, cuando el marido islámico fallece, es otra realidad con la que se encuentran los circuitos jurídicos y sociales.

Oriana Falacci y Amin Maalouf han hablado muy claro en este sentido de no consentir en Occidente a emigrantes foráneos, lo que a hombres y sobre todo mujeres ha costado muchos siglos de obtener.

El texto y los procesos históricos
“El significado práctico y político de una religión no puede encontrarse en el texto mismo, sino en la correlación entre el texto y los procesos históricos, en la interacción entre el creyente y sus textos sagrados”, dice Abu Zayd, el autor de El Corán y el futuro del Islam, editado por Herder. El libro se presenta el 18 de noviembre, a las 19, 30 en la Casa Árabe en Madrid.

El libro “El Corán y el futuro del Islam” aborda la tensión entre la tradición y el mundo moderno para los islámicos. El autor, un teólogo egipcio expulsado del país por avanzado en la interpretación del Corán, aborda el libro sagrado como un texto histórico y sus sucesivas transformaciones a lo largo de los siglos. El helenismo y la India han influido en su desarrollo histórico y es algo que no debe perderse de vista.

Los capítulos de libro se enuncian así. Comprender en lugar de defender”; Arabia antes del Islam; Los inicios de la revelación; La Meca y Medina. Mahoma como líder espiritual y político; Las muchas voces del Corán; Lo claro y lo ambiguo. Modos de interpretación… y termina con El fundamentalismo y la identidad musulmana moderna”.

Julia Sáez-Angulo diserta sobre "Narradoras de nuestro tiempo" en la Asociación de Escritores y Artistas Españoles

Julia Sáez-Angulo, escritora

Dolores Gallardo

            12.11.09 .- Madrid .- En el decimonónico salón de a Asociación de Escritores y Artistas Españoles, AEAE, dentro del ciclo “Narradoras Españolas de Nuestro Tiempo”, el martes 10 de noviembre ha intervenido la escritora Julia Sáez-Angulo. Anteriormente lo habían hecho Marina Mayoral, Ángela Valvey y Pilar Aroca. José López Martínez, director de la AEAE, hizo la presentación de la escritora recordando su trayectoria literaria.

Julia Sáez-Angulo en primer lugar ofreció una exposición sobre el arte de narrar y seguidamente leyó dos de sus cuentos titulados: “Nadador” y “El suicidio”.

La autora recordó que el cuento tiene un origen oral y viene de Oriente; que Las Mil y una noches es una recopilación de los cuentos orales del pasado y que su forma lleva aparejada la intensidad para captar la atención de una sola idea, en tanto que la novela es una narración más extensa que permite varios excursus, pero exige dosificar los materiales y el ritmo para lograr la unidad. Según la académica Ana maría Matute “la novela requiere más largo aliento”, lo cual no quiere decir que sea superior ni inferior al cuento, simplemente es diferente

Para Julia Sáez-Angulo, la aspiración de todo escritor es la de ser como Sherezade, la narradora capaz de entretener durante más de mil noches al visir con sus historias y de esta manera salvar su cabeza. Otra aspiración de los narradores es la de llegar a crear arquetipos con sus personajes, algo difícil de lograr en Literatura dado que, en el ámbito masculino, apenas existen cuatro grandes arquetipos: Don Quijote, Don Juan, Fausto y Hamlet. Para buscar grandes arquetipos femeninos hay que remontarse a la tragedia griega con personajes tan intensos como Antígona o Electra. Si se rastrea un poco más, se podrían encontrar otros como Lolita de Nabokov, la nínfula que enamora al hombre mayor o Cyrano de Bergerac del francés Edmond Rostand, el hombre que enamora por la palabra y no por la belleza.

Edgard Allan Poe, Maupassant, Catherine Mansfield

    Sáez-Angulo hizo mención de cuentistas de renombre internacional son Edgard Alan Poe, el francés Guy de Maupassant o Catherine Mansfield y recordó que, a diferencia de lo que sucede en España, el cuento goza de gran tradición en la Literatura latinoamericana, en autores tan celebrados como los argentinos Borges, Cortazar o Augusto Monteroxo, con su célebre cuento corto: “Y cuando se despertó, el dinosaurio todavía estaba allí”, que ha sido emulado por muchos escritores.

Seguidamente la conferenciante habló de la convencional división de subgéneros de la narrativa -cuento, relato, novela corta o novela larga- según el número de páginas que la componen.

A continuación recordó que en su trayectoria tenía cinco libros de relatos (Es tan fácil matar; De mi amor al arte; Amigas de Judit; Ángeles y demonios y, Soñadores y vencidos), y seis novelas (Vuelta a Orbiña; Días de internado; El vendedor de plumas; La mujer del Norte; El nieto del indiano; Memorias de un señor Bien).Julia Sáez-Angulo nos confesó que escribió su primer relato -el imposible amor entre un hombre y una mujer en pleno siglo XV- en los años 60, cuando cursaba Bachillerato y que actualmente escribe una novela titulada La lectora de la condesa, con la que intenta hacer un homenaje a los libros que más le han interesado.

Seguidamente hubo una tertulia coloquio con gran amenidad. Entre los asistentes se encontraban los escritores Pilar Aroca, Benito de Diego, Santiago Serrano, Emilia Alba y los pintores Irene Iribarren, Andrés Puig y Eugenio Hermoso entre otros.

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Antología de la Poesía Portuguesa en la VII Mostra en España

Julia Sáez-Angulo

La presencia de la cultura portuguesa se va consolidando en España como lo demuestra la VII Mostra Portuguesa que tiene lugar, durante los días 2 al 29 de noviembre, en Madrid y otras ciudades españolas de Extremadura, Galicia y Barcelona. La presentación corrió a cargo de Joao de Melo, consejero cultural de la Embajada de Portugal y director de la Mostra. Junto a él la codirectora, Concha Hernández y Luís Martín, director artístico. El Ayuntamiento de Madrid y el Ministerio de Cultura colaboran en el evento.

Entre los actos llevados a cabo figura la presentación en la Biblioteca Nacional de España de una Antología de la Poesía Portuguesa con el título de “Alma minha gentil”, un hermoso verso de Camoens, publicada por la editorial Eneida, bajo la dirección de Carlos Clementson. Seguidamente tuvo lugar un recital con los autores Manuel Alegre, Ana Luisa Amaral y Vasco Graça Moura. Al día siguiente se presentó en el Ateneo Barcelonés.

“Cultura y Medios” fue un encuentro luso-español de periodistas culturales con Jose Carlos de Vasconcelos, Jesús García Calero y Jesús Ruiz Mantilla. En las exposiciones se habló de que “lo importante es el creador y no el periodista que transmite la creación”. “Los periodistas somos solo periodistas”. La promoción de las industrias culturales entre ambos países, España y Portugal, fue objeto de debate y se recordó que la balanza numérica siempre se inclina a favor de España. La necesidad de una Casa Portuguesa que prolongue la presencia de la cultura lusa más allá de la Mostra fue otro de los temas abordados. La pintora española de origen portugués, Linda de Sousa, participó seguidamente en el coloquio.

Jose Carlos Vasconcellos habló de la continua presencia de escritores españoles en Portugal, así como de la abundante traducción en la que ha participado Tecla Portela. Luís Martín, moderador del encuentro, recordó la afirmación del escritor Saramago de que Portugal y España debieran de formar un solo país: Iberia. Ante esta afirmación, Vasconcelos comentó que al Nobel portugués siempre le ha gustado provocar. En todo caso, señaló Ruiz Mantilla, las fronteras ya están abiertas desde el momento en que ambos países forman parte de la Unión Europea.

Importancia de las lenguas española y portuguesa

La importancia del aprendizaje de las lenguas española y portuguesa fue otro capítulo abordado, para señalar que Extremadura ha optado por apoyar la opción del estudio del portugués como segunda lengua en los escolares. Argentina y Venezuela también estudian el portugués debido al vecino Brasil. R. Mantilla subrayó la creciente importancia del español en Estados Unidos.

La moda ha irrumpido con fuerza en esta Mostra y la exposición “12 trajes para Iberia” comisariada por Concha Hernández ha reunido en la Feria de Badajoz trabajos de diseñadores portugueses y españoles que dialogan con la literatura. Otras exposiciones: “El azulejo en Portugal. Lugar de encuentro de culturas”, se muestra en Cáceres, mientras que “Canto de Maia (1890 -1981) el escultor del silencio, se presenta en la delegación del Principado de Asturias en Madrid y “Art Insec Robots”, instalación sonora de Leonel Moura, en el Istituto Europeo di Desing”.

En el campo de la música participan los artistas Rodrigo Leao, Cristina Branco y María Berasarte.

El escritor Joao de Mello dejará la consejería de la Embajada de Portugal en Madrid, después de ocho años de trabajar en ella. Varios de sus libros se han traducido al castellano. Tecla Portela es una de las traductoras española al portugués más cotizadas.

Vittorio Messori explica su conversión al cristianismo con argumentos sólidos

Por qué creo
Vittorio Messori (con Andrea Tornielli)
Libros Libres, Madrid, 2009
364 pags. PVP: 20 E.



Julia Sáez-Angulo

“La razón bien empleada conduce a la fe” dice el periodista y ensayista italiano Vittorio Messori (1941), que ha publicado su último libro “Por qué creo”, editado en la editorial Libros Libres y que ha presentado recientemente en la iglesia de Nuestra Señora de Guadalupe en Madrid. Messori cuenta con la Orden de Isabel la Católica, concedida por el Rey Don Juan Carlos, por el amor a España que pone en sus escritos.

“Por qué creo” es una entrevista que un célebre vaticanista, Andrea Tornielli le hace y por la que va dando cuenta el periodista de todas sus razones que le llevan a la fe y le hacen destilar amor de Dios. Libro firme y emotivo al mismo tiempo que trae a la memoria el del francés André Frossard, hijo de un comunista y que de modo tumbativo alcanzó igualmente la fe cristiana a través de la Iglesia Católica.

Entrevistador de dos Papas, el escritor italiano que venía de una familia agnóstica y anticlerical y se convirtió al catolicismo cuando tenía 23 años. Sus libros han sido un revulsivo contracorriente en los años 60 y 70, pues sus argumentos sólidos y su prosa robusta y convincente le llevaron a difundir su posición cristiana en numerosos ámbitos. El autor lleva a cabo algunas denuncias contra la incoherencia de algunos hombres de Iglesia.

Colaborador en el “Corriere della Sera” y en la RAI, la fama le llegó con sus libros entrevistas a dos Papas, Juan Pablo II: “Cruzando el umbral de la esperanza” (1994) y Benedicto XVI cuando este era cardenal Ratzinger: “Informe sobre la fe (1985).

"Hipótesis sobre Jesús"

“Hipótesis sobre Jesús” es un libro de gran alcance traducido a 30 idiomas. Fue un best-seller en numerosos países y un libro de fondo en muchas librerías de este carácter. Otro libro importante, que parafrasea al anterior, es “Hipótesis sobre María”. Singular el titulado “El milagro de Calanda”, sobre un hombre que perdida su pierna por completo la recuperó en un célebre milagro que se cuenta en Aragón.

Vittorio Messori es hoy una referencia de intelectual creyente y activo en su manifestación cristiana sin complejos en una Europa tristemente tibia, descafeinada y cobarde. Quizás debiera escribir un libro sobre este tema y nuestra pérdida de raíces cristianas.

Gregorio Marañón, Semana sobre el Liberalismo

Julia Sáez-Angulo


“El liberalismo a examen” será el tema de la Semana Marañón que tendrá lugar en la Casa de Correos de Madrid del 16 al 19 de noviembre. Las Semanas Marañón tienen lugar cada año desde 1990 y esta será la previa al cincuentenario de su muerte, que tendrá lugar en 2010.

La presentación del acto por los directivos de la Fundación Marañón recordaron que Gregorio Marañón (Madrid 1887 - 1960) era médico, hombre de ciencia, historiador, escritor biógrafo y humanista, pero ante todo liberal, es decir hombre de comprensión y tolerancia hacia el otro.

En 2010 tendrá lugar una gran exposición, comisariada por El profesor Juan Pablo Fusi y Antonio Lopez Vega, director de la Fundación Marañón, que mostrará cuadros, mobiliario, libros, documentos y fotografías inéditas. Se dividirá en tres partes que comprenderán el liberalismo ético; los representantes de la Edad de Plata y los valores humanistas de la ciencia médica. Se expondrá el sofá donde Alcalá Zamora y Romanones pactaron la salida del rey de España, Alfonso XIII antes de la guerra civil.


Los libros de Biografías siguen vendiéndose

Tom Burns, nieto del pensador y ensayista recordó que los libros más vendidos de su abuelo seguían siendo las biografías: Antonio Pérez, Tiberio, Don Juan, el Conde Duque de Olivares, El Empecinado… y que con motivo del cincuentenario quería impulsar sus ensayos liberales.

El profesor Fusi señaló que “Marañon fue un acontecimiento, algo que le sucedió a España en el siglo XX, como Ortega, y que fue el personaje a cuyo entierro acudió más multitud de gente del siglo, en un día no precisamente bueno”. La repercusión de la figura de Marañón en diversos países de Europa y América es una realidad. Marañón fue declarado miembro de la Academia de Ciencias Políticas y Sociales de París, junto a Winston Churchill y el presidente Eisenhover y en la capital francesa se le permitió ejercer la Medicina sin necesidad de convalidación, cuando estuvo allí exiliado.

Para Fusi, el liberalismo es una cuestión de “Constitución y parlamentarismo”, sin que ello tenga que ver con la libertad de voto de los diputados, ya que cada parlamento desarrolla su propio reglamento”. “Otra cosa –añadió- es si usted me pregunta si yo creo que se deba o no practicar la libertad de voto de los diputados en el Parlamento, entonces yo le respondería que sí”.

La editorial Espasa publicó el pasado año el “Epistolario inédito Marañón-Ortega-Unamuno” en una edición crítica de Antonio López Vega, que ofrece la percepción de La Edad de Plata de la Cultura Española por los tres intelectuales.

Más información: www.fund-gregorio-maranon.com

Antonia Nieto, de la Fundación Bustamante al Ateneo Escurialense

Julia Sáez Angulo


11.11.09 .- La creación en Rota (Cádiz) de la Fundación para las Artes Plásticas Bustamante y Saltar tuvo lugar en el año 2000, Pedro Marcos Bustamante (fallecido en 2001) pintor y cofundador, junto a su esposa, también pintora, la sevillana Antonia Nieto Saltar (1947).

La artista cuenta como fue el proceso de la Fundación con el pintor Bustamante: “Como presidenta y pintora, sin olvidar el espíritu de amor a nuestro trabajo y al Arte en general, y en cumplimiento de los estatutos de la Fundación, iniciamos la andadura junto con los Patronos y colaboradores, en la tarea de conseguir el éxito en cuantas actividades se programaron. En definitiva un proyecto cargado de ilusión, pero difícil”.

“Los objetivos y fines de la Fundación, había que llevarlos a cabo, nueve años de intenso trabajo y una labor realizada que estará siempre ahí. Certámenes de pintura rápida, Premio “La Mujer en el Arte”, Premios de Primavera y Otoño, Exposiciones presencia en Ferias de Arte, Talleres y Jornadas Taurinas”.

¿Cómo olvidar la riqueza de vivencias junto artistas plásticos, toreros, escritores y amigos. Pero las ayudas de las Administraciones quedaban muy cortas, fue inevitable su extinción, esta tuvo lugar en el mes de septiembre de 2009”.

“Como esposa y compañera de Pedro, hablo de su gran amor por todo lo creado, le fascinaba la orogenia castellana reflejada admirablemente en sus obras; el recuerdo maravilloso de las charlas compartidas, su joven espíritu y sobretodo su inmensa generosidad. Nos dejó un buen número de obras, algunas en museos nacionales, otras repartidas en colecciones particulares”.


Traslado a San Lorenzo de El Escorial


“En 2008, el encuentro con el Ateneo Escurialense, y surge nuevamente inquietudes culturales; sus objetivos y actividades promueven la creación de foros relacionados con la comunicación humana, el desarrollo a la realización personal, ayudar y ser centro y foco de cultura y convivencia”.

“Colaborar con el Ateneo en su Área de Arte es participar en el proyecto. Y todo proyecto genera vida, decía el poeta: es estar vivo. Naturalmente tiene que gustar, más que por la gestión en si misma por el tema, amo y siento la pintura”.

El Ateneo Escurialense quiere conectar con los jóvenes
“Los artistas jóvenes tienen el problema de la propia competencia, son muchos y de muy distintos planteamientos. Las nuevas formas de expresión ha cambiado bastante el panorama actual del Arte. Se hace necesario la creación de nuevos espacios donde la comunicación fluya entre pintores y público en general. Incentivar a los artistas a la participación en certámenes y exposiciones, fomentar en forma de ayudas y promocionar a nuevos valores”.

“En la actualidad existe un gran mercantilismo; pero son muchas las entidades comprometidas con la Cultura y las Artes en general. Es de esperar que halla buena acogida por parte de otras entidades, interesadas igualmente por enriquecer el gran ambiente cultural del lugar emblemático en el que nos encontramos sin duda, y del que deseamos formar parte sumándonos a su crecimiento”.

Mujeres en el circuito artístico


-¿Siguen las mujeres preteridas en el circuito artístico?

-A través de los distintos movimientos y épocas en cuanto a la parcela de la plástica, la mujer tiene alguna presencia; sin embargo, tuvo un gran impulso durante el siglo XIX. Aunque mas bien simbólicamente, ya que la Academia no les daba ni voz ni voto. Ya en el XX se sitúa y “dialoga” con buen nivel”.

“En la actualidad, accede sin impedimentos a los circuitos artísticos, Academias y Facultades obteniendo papeles y puestos importantes, sin embargo, en minoría con los pintores, en los porcentajes con respecto a presencia en Museos y Colecciones, son bastante pequeños”.

¿Le quita tiempo de su arte? ¿Como definiría usted su pintura?

“El tiempo es tan importante... creo que se crece en muchos campos, son bastantes los años dedicados a pintar. No me aparto de mi trabajo, dedico algunas horas a mi pintura y también colaboro con talleres cortos. Es bueno y gratificante colaborar en algo como son los las exposiciones o convocatorias de premios y otras actividades similares”.

“Hablar de mi pintura no es difícil para mi, quizás lo es más para el receptor, sólo puedo decir que pinto aquello que siento dentro según cada momento o vivencia interior. Después de muchos años como es natural, ha ido evolucionando en el tratamiento de la materia o en su factura. El oficio llega trabajando mucho”.


Disfruto con la figura en movimiento

-¿Qué Proyecto de futuro tiene?
-Amar lo que haces, seguir trabajando y desear que no me falte la ilusión de comenzar cada día, por mucho que a veces se empeñe las circunstancias adversas.

-¿Ha dejado de hacer retratos, ese género llamado nutricio por muchos pintores?
-El Retrato lo he realizado con frecuencia, me gusta. Hubo épocas más brillante en esta modalidad (ha quedado en elites de minorías). Disfruto más con la figura en movimiento (alguien me encasilló dentro de un expresionismo moderado) y creo que es cierto, me atrapa enormemente, pienso que el expresionismo siempre tendrá campo, a pesar de los drásticos cambios y estilos de las nuevas formas tecnológicas.

-¿Qué maestros y qué museos prefiere?
-Los referentes son los Grandes Maestros, de los que siempre seguimos aprendiendo. Museos ¿ según por partes (diría obras de distintos museos, Santa Ana, la Virgen y el Niño de Leonardo, los maravillosos niños de Murillo, Velázquez, la espontaneidad de los Impresionistas, la Escuela Sevillana y, como no, Goya, quizás el gran maestro que me dejó una inmensa huella.

Pablo Reviriego, exposición y dos premios en la modalidad de Acuarela

Julia Sáez-Angulo


El pintor madrileño Pablo Reviriego (Santa María de Berrocal. Ávila, 1948) ha obtenido dos premios de pintura, en la modalidad de Acuarela:”, el premio “Excelentísimo Ayuntamiento de Madrid” por su obra “Tierras áridas, en el 76 Salón de Otoño 2009, que organiza la Asociación Española de Pintores y Escultores, y que se expone en la Casa de Vacas del parque del Retiro de Madrid; el otro, en el Certamen Nacional de Acuarela “Villa de Caudete” (Albacete), por su cuadro “Tierras áridas de Castilla” .

El artista ha expuesto también recientemente una muestra monográfica de su trabajo pictórico en la Casa de Cantabria de Madrid, donde puede apreciarse su maestría artística, fundamentalmente en el campo de la pintura al agua. La pasada temporada lo hizo en la sede de la Agrupación Nacional de Acuarelistas

Miembro de la Junta de Acuarelistas

El acuarelista, miembro de la junta directiva de la Asociación Nacional de Acuarelistas, presidida por Jaime Galdeano, trabaja la acuarela de modo suelto y abierto, donde la mancha de pigmento insinúa más que dibuja. Los dos premios obtenidos se resuelven en un cromatismo de ocres y dorados para dar cuenta de unas “tierras áridas” que reflejan el ascetismo del paisaje castellano, tema que constituye su última serie. El artista es un consumado paisajista que ha representado diversos lugares de la geografía española, entre ellos monumentos y marinas.

Pablo Reviriego ha pintado igualmente una extensa Tauromaquia, en la que representa diversas estampas de toros y suerte taurinas.

El próximo martes, día 17 de noviembre, se inaugura en la Casa de Cantabria la exposición de la pintora Mercedes Ballesteros. El acto se abrirá con un Concierto lírico a cargo de Luís González y la soprano cubana Aliemée Chirino.

Rosa Moreno de Castro, Premio de Pintura Ateneo Escurialense

Rosa Moreno de Castro


Julia Sáez-Angulo

Rosa Moreno de Castro (Jaén, 1958)), pintora andaluza residente en Madrid, ha obtenido el primer Premio de Pintura del Ateneo Escurialense 2009, por su cuadro al óleo titulado "Pueblo de la serranía". El premio está convocado por vez primera bajo la organización de Antonia Nieto. El citado Ateneo prepara una exposición de cuadros y esculturas de pequeño formato para el próximo mes de diciembre.

Moreno de Castro, que celebró recientemente sus bodas de plata con la Pintura, lleva a cabo la docencia de Arte en un Instituto madrileño al tiempo que desarrolla su carrera artística, jalonada de distintos galardones y reconocimientos. Su exposición retrospectiva de “25 Años con la Pintura” tuvo lugar en el Centro Cultural Pradillo de Madrid, donde se reunieron las mejores piezas de sus coleccionistas.

La pintora, licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense, aunque sus inicios fueron en la de Sevilla, trabaja fundamentalmente al óleo en diversos géneros como el paisaje natural o urbano; bodegones; escenas de interiores; estampas taurinas o espléndidos retratos.

Paisaje natural y urbano. Jardines

La figuración es su campo, realizada siempre con una pincelada suelta, capaz de plasmar la luz con maestría de luminosidad y acentos. Entre los paisajes representados figuran Andalucía, Madrid, Valencia... con singulares vistas de la Alambra o de la bahía de Cádiz. También pinta el paisaje natural y se recrea sobre todo en los jardines.

Sus escenas de terrazas o interiores de los cafés urbanos son un apartado digno de destacar en su obra por la capacidad de captación de los personajes y el ambiente de interior, que refleja una buena maestría en el dibujo y el trazo libre e inmediato para la representación. Los cuadros guardan la frescura e inmediatez del apunte.

Mujer interesada por el mundo cultural, es habitual ver a Rosa Moreno de Castro en los recitales poéticos, tertulias y conferencias de la vida intelectual madrileña. En su estudio tienen lugar algunos conciertos de guitarra y recitales poéticos de los propios autores.

 pintura de Rosa Moreno de Castro

Meimouna Khabou, El Hispanismo en Túnez está pujante

Julia Sáez-Angulo

La hispanista tunecina Meimouna Khabou ha dado una conferencia en la Universidad Española a Distancia, UNED, sobre las relaciones culturales entre España y Túnez en la actualidad y sobre el desarrollo del hispanismo en Túnez. Aprendió el español en el Instituto Bourguiba de Lenguas Vivas de Túnez y tiene una maestría de traducción (árabe, inglés y español) y un doctorado en estudios Ibéricos e iberoamericanos de la Universidad del Franco Condado en Francia (especialidad: historia del tiempo presente). Meimouna Khabou ha sido objeto de un homenaje en Madrid por el profesor de la UNED Victor Morales, compañeros y amigos.


-¿Por qué se hizo hispanista?
-Porque me gustan el español y los españoles. (Ésta es también la respuesta de la mayoría de los hispanistas tunecinos)


-¿Qué materias enseña y donde?
-Soy profesora titular en la Sección de Español de La Facultad de Letras, Artes y Humanidades de La Manouba, la Facultad más importante (14.000 alumnos y 700 profesores) y más prestigiosa de todo el país. Doy clases de técnicas de expresión escrita, historia y civilización española e hispanoamericana y traducción (1°, 2°, 3° cursos y Master de español fundamental y aplicado). Son varias asignaturas las que doy, porque hay una falta de profesores tunecinos de español.


-¿Qué relaciones tiene con profesores españoles?
-Bastante buena, son colegas y sin embargo amigos, nos llevamos bien e incluso colaboramos en la preparación de los cursos, de las actividades culturales y en la investigación científica.


-¿Cómo está el hispanismo en Túnez?
-El hispanismo en Túnez se porta de maravilla, sólo falta apoyo institucional de parte de España para animar a todos estos jóvenes hispanistas que aman tanto a España como a los españoles.

De Góngora a Juan Ramón Jiménez

-¿Qué literatura interesa más?
-La poesía española me encanta: Luís de Góngora, Quevedo, Juan Ramón Jiménez, Machado, F. García Lorca, Miguel Hernández, Rafael Alberti, León Felipe, José Agustín Goytisolo, etc. Y también la prosa y el teatro.

-¿Cómo ve las relaciones España-Túnez?
-Bastante buenas, pero se precisa, como he anticipado, la colaboración inter-univestaria y la investigación común entre tunecinos y españoles.


-¿Qué libros recomienda a sus alumnos?
-Todos los que sirven para aprender el castellano, manuales didácticos, novelas, obras de teatro, poesía, todo.


-¿Qué libro español está leyendo ahora.
-He leído muchos libros de literatura y poesía en español desde La Celestina, el Lazarillo de Tormes y el Quijote hasta Cinco horas con Mario, Historia de una escalera, La zapatera prodigiosa, Platero y yo etc. Ahora mis lecturas son más bien “funcionales” o profesionales o sea relacionadas con las asignaturas que voy dando durante el curso académico, me dedico a la lectura de libros de historia y geografía española e hispanoamericana, traducción especializada. No leo un libro en particular sino que intento consultar varias fuentes y varios documentos a partir de mi investigación personal tanto en los libros como en Internet.


-¿Qué recuerdos se lleva de su reciente viaje a España.
-Siempre tengo buenos recuerdos de mis viajes a España, la marcha y la alegría de los españoles, la amabilidad de mis colegas con quien trabajo, ahora me siento casi española porque en la calle, la gente me habla en castellano y no se da cuenta de que soy extranjera, puedo decir que domino la lengua y asimilo bastante bien la cultura española. Sólo tengo un problema, el control un poco exagerado de la aduana y la policía en el aeropuerto, sobre todo cuando las colas son largas y que coincidimos con aviones que llegan de América Latina. Una vez me tocó esperar en la cola una hora y media o dos horas, y esto me cansa. Pienso que como hispanista merecería algún trato especial aunque no me gusta la discriminación de ningún tipo que sea.

Isabel la Católica da nombre a una Cátedra de Historia en la Universidad de Ávila

Julia Sáez-Angulo

El Capítulo de Nobles Caballeros y Damas de Isabel la Católica ha firmado un convenio con la Universidad Católica de Ávila, UCAV, para la creación y colaboración de ambas entidades en una nueva cátedra universitaria denominada Isabel la Católica, que llevará a cabo estudios históricos sobre la citada Reina y su periodo histórico.


El acto tuvo lugar el 4 de noviembre pasado y en él estuvieron presentes el Gran Maestre del Capítulo, José María Gómez; la rectora de la UCAV, Rosario Sáez Yubero y el presidente de la Academia de la Hispanidad, Jesús Sevilla.


Tras la firma del convenio, se llevó a cabo una mesa redonda denominada “Isabel la Católica y su tiempo”, organizada por la Academia de la Hispanidad en el Palacio de los Serranos, perteneciente a la Obra Social Caja de Ávila. En ella participaron, además de las citadas personalidades, el catedrático y director de la Real Academia de la Historia, Gonzalo Anes y el fundador y director honorario de la Academia de la Hispanidad, Fernando Delgado Mesoneros. La mesa estuvo presidida por el alcalde de Ávila, Miguel Ángel García Nieto.


Gonzalo Anes disertó sobre la Inteligencia de la Mujer en la Historia

Todos los intervinientes glosaron la figura egregia de Isabel I de Castilla, como mujer inteligente, aguda y sagaz en el gobierno de sus territorios, así como su figura de santa por sus notables virtudes. La conferencia magistral –muy elogiada por los asistentes- corrió a cargo del profesor Gonzalo Anes que habló de “Isabel la Católica y la equiparación de inteligencia entre mujeres y hombres en la Historia”.


El acto cultural terminó con un concierto de arpa de María Rosa Calvo Manzano, Dama del Capítulo de Isabel la Católica, que interpretó música del siglo XV, así como algunas composiciones propias.


Entre los asistentes se encontraban los duques de Veragua, los profesores Alfredo Pastor Ugena, y Arturo Vinuesa, los escritores Manuel Muñoz Hidalgo, Julia Sáez-Angulo, Claudio Becerro de Bengoa; José María Carnero y Carmen de Pastrana.

Jorge Rando, "Pintarradas", libro presentado en el hospital Noble de Málaga

Pintarradas
Jorge Rando
Editorial Trea

Julia Sáez-Angulo


El artista Jorge Rando presenta su libro de óleos sobre papel titulado “Pintarradas”, una abstracción de gesto automático resuelta en sus colores más característicos: verdes, negros y rojo magenta. En el acto, que tendrá lugar el día 11 de noviembre en el Hospital Noble de Granada, interviene el profesor Enrique Castaños para glosar la obra del artista malagueño.


Para el presentador: “Las Pintarradas de Jorge Rando sólo aparentemente son un divertimento, una recreación lúdica con la que el pintor descansa y se relaja después de horas de reflexión y de trabajo al realizar sus grandes series temáticas. Estas pequeñas pinceladas libérrimas en realidad constituyen un auténtico microcosmos del macrocosmos que es la pintura de Rando en su conjunto. Un microcosmos por su capacidad de síntesis, pero sobre todo porque encierran los rasgos esenciales de su Dichtung, de su poética creativa: la soltura del trazo, la fluida comunicación entre las distintas zonas de la superficie, la expresión del sentimiento, la simbología del color. No se olvide que Rando es un pintor neoexpresionista, un heredero directo del Expresionismo alemán y centroeuropeo, al que ha estudiado con dedicación constante”.

“Sin embargo, junto a la herencia artística alemana de la vanguardia histórica, también está la del Expresionismo Abstracto americano, en concreto su polo gestual, el de Pollock y Motherwell, es decir, el gusto por el dripping, por la intervención del azar, por un azar controlado que en última instancia deriva del automatismo gráfico del surrealismo, especialmente de André Masson. Y no se olvide que fue precisamente un alemán, Hans Hofmann, quien aclimató el expresionismo germánico en los Estados Unidos a través de una escuela que fundó en Nueva York en los años treinta, por la que pasaron Pollock y Still como alumnos, y que fue él uno de los inventores del dripping. De hecho a estas pintarradas de Rando se les puede aplicar una finísima observación de Hofmann: «La esencia de la pintura es el plano. El plano es sinónimo de la bidimensionalidad».


“El propio Rando se refería en un texto escrito en París en 2002 al carácter expresivo de su obra, perfectamente aplicable a estos trabajos que comentamos: «Pintor unido a su instinto. Expresión, movimiento y fuerza. Pinceladas enérgicas. Pinceladas ágiles que no se cierran en sí mismas, sino que cada una tiene su propia autonomía. Pinceladas muy sueltas que producen unos movimientos rutilantes. En el trazo del pincel es donde se observa el ritmo del cuadro». Complementariamente a estas declaraciones, también se ha referido al hondo carácter espiritual de su obra abstracta, que no es más que una transfiguración de la materia”.


Conexión con los “Cuadernos de Hamburgo”


“Pero también hay obra con evocaciones figurativas en estas pintarradas, como esas masas arbóreas con una densa copa negra, o esas cabezas de caballos con el texto Existiert Kaum (casi no existe), que sin embargo parecen desarrollarse en otras hojas y convertirse en auténticos caballos semiocultos en la maleza de pinceladas de óleo y de tinta sobre el papel”, continuó diciendo el profesor Castaños.


“Hay una pintarrada espléndida que conecta directamente con algunos dibujos de uno de los llamados Cuadernos de Hamburgo. Se ven en ella dos grandes manchas negras flotando en la superficie del papel, aunque también parecen sostenerse en una suerte como de tallos verdosos muy ramificados. Es una evocación abstracta, sin duda, del célebre cuadro de Caspar David Friedrich Dos hombres contemplando la luna, una de las obras emblemáticas del Romanticismo alemán. Al igual que esos hombres que parecen rendir un culto panteísta a la Naturaleza, Rando quiere, y lo hace de manera inmejorable, que exploremos el interior del hombre, para así elevarnos al auténtico reino del Espíritu”.

Linda de Sousa, Proyecto sobre "La Erótica de la Materia"

Julia Sáez-Angulo


La artista española de origen portugués Linda de Sousa prepara el proyecto “La Erótica de la Materia” , en el que plantea una mirada hacia la utilización de la imagen erótica de y por la mujer, desde una plástica matérica, con especial interés por la diferencia existente entre la mirada del hombre y la de la mujer, como un reencuentro implícito entre deseo y plástica que transciende nuestra memoria, convirtiéndose en presencia cotidiana en la actualidad metropolitana: véanse anuncios televisivos, vallas publicitarias...

De Sousa que ha llevado a cabo en la serie anterior una serie de trabajos plásticos denominados “Trasparentes”, en los que hacía una llamada a la visión de ancianos, niños o mujeres que merecen una atención en una sociedad no siempre propicia a los más desvalidos. Un arte conceptual de fuerte contenido social y político, que presentó en París el verano pasado.

En el Centro Cultural de Guadarrama la artista presentó un transparente titulado “Existen”, con numerosas siluetas de ancianos y niños dibujados y recortados en material de acetato transparente que colgaban del techo en una especie de círculo móvil y permeable al paso. “Los niños y los ancianos son los seres más débiles de la sociedad”, decía una cartela junto a la obra. En otra, continuaba: “La sociedad que no protege a su niños y no cuida de sus ancianos es una sociedad en decadencia”. Junto a esta pieza un video de proyección en pantalla.

Linda de Sousa pretende seguir la línea de denuncia en La nueva serie sobre “La Erótica de la Materia” al querer a desarrollar obras que denuncian la utilización de la imagen de la mujer como objeto sexual. La exposición permite los siguientes apartados:

“Fetichismo”. Según la psicología: “desviación sexual que consiste en fijar alguna parte del cuerpo humano o alguna prenda relacionada con él como objeto de la excitación y el deseo: su fetichismo le lleva a coleccionar prendas interiores femeninas.
“Sadismo” Práctica o tendencia sexual en que se recibe placer cometiendo actos de crueldad contra otra persona: la palabra "sadismo" se debe al marqués de Sade.
“Masoquismo”. “Perversión sexual del que encuentra placer en verse maltratado y humillado”.

Pintura erótica y pintura mitológica con resonancia

Para la autora del proyecto, “los géneros iconográficos como la pintura erótica y la pintura mitológica han gozado de amplia resonancia en la historia del arte, tanto oriental como occidental, hasta nuestros días. Su desarrollo se ha visto cargado de encuentros y desencuentros que señalan especialmente este periodo dialéctico e interdisciplinario en el que nos situamos en cuanto a lenguajes plásticos. Si intrigante puede resultar rastrear diferentes posturas eróticas abordadas desde la pintura a lo largo de los siglos, no menos lo será si se plantea desde la influencia de los medios de comunicación bajo el prisma del artista del siglo XXI. Todo esto, por no hablar de Internet, herramienta decisiva en la creación artística de nuestra época”
“El erotismo será, por lo tanto, el punto de llegada y de partida de esta reflexión pictórica. A través de él, y utilizando prendas cedidas gentilmente por diversas firmas de ropa interior, crearé obras de diferente contenido erótico vistas desde la perspectiva femenina, reflejando el principio de esta exposición, que es el de denunciar la utilización de las mujeres en contra de sus intereses, y su finalidad, que es dignificar a la mujer y hacerla participe del juego erótico y no mero objeto de deseo, pues el erotismo no es patrimonio del hombre sino de ambos”, concluye Linda de Sousa.

Más información: www.lindadesousa.com