"El Misterio de la Sábana Santa", a vueltas con el secreto que guarda la Sindone

"El misterio de la Sábana Santa"
Revelaciones y descubrimientos en el tercer Milenio,
Pierluigi Baima Bollone
Barcelona 2010

L.M.D.

"El misterio de la Sábana Santa" es un libro único en su género, que resume todos los elementos científicos relacionados con el Sudario de Jesús y nos aproxima a la certeza de que fue efectivamente la sábana que envolvió el cadáver en la tumba. Ningún otro texto ofrece una descripción tan actualizada de esta reliquia: su historia, sus condiciones de conservación y el conocimiento científico sobre ella que se ha acumulado hasta hoy.

Por primera vez se cuestiona fundamentadamente la datación por carbono-14 de 1988 y se narran las circunstancias del incendio de 1997, según la investigación judicial. Además, se examinan las influencias de la Sábana Santa en el panorama de la narrativa actual y las polémicas sobre otras reliquias.

Del 10 de abril al 23 tendrá lugar en Turín la ostensión de la Sábana Santa. La visita a la Catedral durante la ostensión supondrá una ocasión extraordinaria de contemplar la reliquia, ya que la última fue en el Jubileo del año 2000 y la siguiente se esperaba para el próximo Año Santo, en 2025, pero propio Benedicto XVI ha impulsado una nueva para esta primavera de 2010 y ya está fijada la visita del pontífice el próximo 2 de mayo.

Algaida editores publicó a finales del pasado año "El misterio de la Sábana Santa", un revelador estudio del profesor de medicina legal y presidente del Centro Internacional de Sinología, (institución oficial para el estudio de la Sábana Santa), Pierluigi Baima Bollone. Un completo estudio pluridisciplinar que abarca los últimos análisis científicos, pero también un análisis detallado de las representaciones e historia de la Sínode tanto en la historia del arte y de la cultura, las fuentes antiguas como las visiones actuales de la mano de Mel Gibson, Julia Navarro o Dan Brown.

Incendio y ostentaciones

El incendio de la capilla de Guarino Gurini en 1997 disparó las alarmas sobre la conservación de la Sábana Santa y la colocó en el primer plano de la atención mediática. Un gran esfuerzo por parte las instituciones propició que se pudiera realizar la ostensión de 1998 y la del 2000. Tanto el incendio como las ostensiones aceleran los programas de conservación y restauración y se reabre el debate sobre la autenticidad de la pieza. En este estudio, el profesor Baima Bollone rebate, entre otras, las teorías que apoyan una autoría medieval y desmonta la infalibilidad de las pruebas de carbono–14.

Profusamente documentado y muy didáctico el profesor Baima Bollone nos lleva de la mano través de este estudio que es "El misterio de la Sábana Santa"; un libro que generará, de eso estamos seguros, nuevos debates en torno a la pieza, permitiéndonos así seguir indagando en el misterio.

Este libro contribuye de nuevo a la difusión y el debate en torno a la Síndone.

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Programa del Instituto Cervantes en la Expo Shangái

L.M.A.

La Sociedad Estatal para Exposiciones Internacionales (SEEI), que construye y gestiona el Pabellón de España en Expo Shanghái, y el Instituto Cervantes han presentado este jueves el programa de actividades que llevarán a cabo en la Exposición Universal Shanghái 2010, cuyo colofón lo constituye el convenio para celebrar el “Día del español” y la “Semana del Instituto Cervantes” en el Pabellón de España en Expo Shanghái 2010.

En la firma de este convenio, han participado, por parte de la SEEI, el presidente del Consejo de Administración, José Eugenio Salarich; y la apoderada general, Concha Toquero; acompañados por María Tena, comisaria general del Pabellón de España. El Instituto Cervantes ha estado representado por su directora, Carmen Caffarel, que ha presentado los proyectos de colaboración entre la SEEI y el Instituto Cervantes.

Después de la firma del convenio, Carmen Caffarel ha destacado la “magnífica relación institucional entre el Cervantes y la SEEI” y, además, les ha agradecido “el duro trabajo llevado a cabo para que todo lo programado salga bien”. Por su parte, el presidente del Consejo de Administración, José Eugenio Salarich, ha definido el programa de actividades del Cervantes en la Expo de Shanghái como uno de “los más importantes y el que más va a durar”. “Todo lo programado se dirige a que el Cervantes tenga la mayor fuerza cultural en Shanghái”, ha afirmado Salarich a la vez que Caffarel ha terminado la firma del convenio diciendo que esta línea estratégica de colaboración con China es el “único camino intercultural para entender al otro y así frenar los estereotipos surgidos de la distancia entre países”.

Por último, durante la rueda de prensa celebrada hoy en el Instituto Cervantes se han desvelado algunas de las actividades conjuntas preparadas para llevarse a cabo tanto en Instituto Cervantes de Pekín y Biblioteca Miguel de Cervantes de Shanghái, como en el Pabellón de España:

1. Muestras informativas “Pabellón de España” en sedes de Pekín y Shanghái

Desde noviembre de 2009, el Pabellón de España está presente en el Instituto Cervantes de Pekín y en la Biblioteca Miguel de Cervantes de Shanghái mediante sendas exposiciones diseñadas por la SEEI que incluyen imágenes y textos, tanto en castellano como en chino, sobre su arquitectura, contenidos y programa de actividades. También sobre la participación de las ciudades españolas en el área de Mejores Prácticas Urbanas (UPBA por sus siglas en inglés): Barcelona, Bilbao y Madrid.

2. Guía de Shanghái y Guía de las 100 Frases en español y en chino

Con idea de que pueda ser usada por todos los hispanohablantes que visiten la Expo, la SEEI y el Cervantes han preparado juntos una Guía de Shanghái en castellano de la que se tirarán 10.000 ejemplares. El contenido de la guía propondrá recorridos culturales y turísticos, destacando los lugares de visita obligada de la ciudad y los “rincones hispanos”, al igual que sugerencias de desplazamiento, para comer, alojarse y realizar otras actividades de ocio. También se ofrecerá información práctica detallada sobre la Exposición Universal y sobre el edificio, contenidos y actividades del Pabellón de España (disponible a partir del 1 de mayo 2010)

Pensando en el público chino que se interese por el español se hará una edición especial de la Guía de las 100 frases en español y en chino, adaptando los contenidos e incluyendo información sobre Expo Shanghái 2010 y la participación española. Esta reedición contará además con una página web y un programa de becas que se concederán a través de un concurso online.

3. Exposición: Foto a foto. Un retrato de España

De mayo a diciembre de 2010, sucesivamente en las sedes del Instituto Cervantes de Pekín y en la Biblioteca Cervantes de Shanghái, la SEEI y el Instituto Cervantes presentarán la exposición Foto a foto. Un retrato de España que muestra la transformación de las ciudades españolas y sus habitantes a lo largo de los últimos 60 años.

Esta exposición está conformada por la obra de 15 fotógrafos españoles que, desde mediados del pasado siglo hasta nuestros días, han desarrollado su trabajo partiendo de ópticas y planteamientos personales, que difieren tanto en contenidos como en la forma estética de abordar la representación. Proyecto: La Fábrica. Comisario: Chema Conesa

4. Estreno en Shanghái de la adaptación de El Quijote realizada por Meng Jinghui.

Primera versión teatral del Quijote en China a cargo de la Compañía Nacional de Teatro de China (NTCC). Tras el exitoso estreno en Pekín en septiembre de 2009 con motivo de la participación española como país invitado de honor en la Feria del Libro de Pekín, la SEEI participa junto al Instituto Cervantes, la Embajada de España y Casa Asia en su estreno en Shanghái con motivo de la Expo. Fechas reservadas: 1 al 4 de julio de 2010, en el Gran Teatro de Shanghái.

5. Día del español y Semana del Cervantes.

El Instituto Cervantes celebrará el “Día del español”, el 19 de junio de 2010, y la “Semana del Instituto Cervantes” en el Pabellón de España en la Exposición Universal Shanghái 2010 con una programación multidisciplinar, que tendrá lugar entre el 6 y el 12 de septiembre.

Dicha programación tendrá como línea principal el “diálogo de culturas”, uno de los argumentos más importantes del Plan de Acción Cultural del Cervantes para el año 2010. La programación prevista combinará actividades de tipo lúdico-divulgativo dirigidas al público general de la Expo Shanghái 2010 con actividades más específicas dirigidas a un público especializado

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Miguel Delibes, dos declaraciones conmovedoras en sus últimos años

Julia Sáez-Angulo

Pocas veces un escritor español ha concitado tanta simpatía y pena por su partida. Las colas de gente para dar el último adiós al escritor Miguel Delibes (Valladolid 1920 -2010) han conmovido a la opinión pública. Cierto que faltó alguien de la familia Real en su sepelio, más de uno lo hizo notar y lo comentó, máxime cuando la bonhomía de Delibes se hizo patente en toda su vida.

Académico desde 1973, premio Príncipe de Asturias en 1982 y premio Cervantes 1993, los reconocimientos honoris causa por diversas universidades se han multiplicado a lo largo de su vida. Buena parte de sus libros fue llevada al cine, entre los que destacó “Los santos inocentes”.

Dos afirmaciones importantes ha hecho Miguel Delibes en sus últimos años de vida, la primera un tanto triste: “El escritor ha muerto antes que el hombre”, refiriéndose a su deterioro físico que le impedía escribir. La segunda, más trascendente, referida a después de su muerte: “Espero llegar al encuentro con Cristo”.

Entre las lecturas de Delibes que una recuerda están: “La mortaja”, una de las más importantes colecciones de relatos de Delibes, y acaso aquella que en menos páginas proporciona una idea más completa del escritor. En los nueve cuentos, escritos entre 1948 y 1963, se hallan claramente en germen muchos de sus temas y recursos centrales: El monólogo de "Cinco horas con Mario" o la relación con la naturaleza de "Diario de un cazador".

Estos relatos hacen sentir un interés apasionadamente atento por el carácter y destino de sus criaturas, comunicando al lector afecto, humor y humanismo. El volumen recoge los siguientes textos: ‘La mortaja’, ‘El amor propio de Juanito Osuna’, ‘El patio de vecindad’, ‘El sol’, ‘La fe’, ‘El conejo’, ‘La perra’, ‘Navidad sin ambiente’ y ‘Las visiones’.

Biblioteca con su nombre en el Instituto Cervantes de Moscú

La directora del Instituto Cervantes, Carmen Caffarel, que acudió hoy a la capilla ardiente del escritor Miguel Delibes, instalada en el ayuntamiento de Valladolid declaró: “Con Miguel Delibes se nos ha ido uno de los grandes escritores en lengua castellana del siglo XX. Toda una época y sucesivas generaciones de lectores han sido testigos de una trayectoria larga, intensa y profundamente comprometida con nuestra lengua, con una ética humanista a favor de los humildes y de los pueblos de Castilla y con la defensa de la naturaleza frente a los riesgos de un progreso que tantas veces se desarrolla de forma caótica.

Desde el premio Nadal de “La sombra del ciprés es alargada”, en 1948, hasta “El hereje”, de 1998, pasando por la emotiva y profunda “Señora de rojo sobre fondo gris” (1991), elegía y homenaje a Ángeles, su mujer, o “Los santos inocentes”, su obra ha sido de una permanente complicidad con los lectores. Ha sido un gran escritor, un hombre irrepetible y, a la vez, de una gran modestia y cercanía.

Como premio Cervantes era miembro del Patronato del Instituto Cervantes. Además, la biblioteca del Instituto Cervantes de Moscú lleva el nombre del gran escritor.

José Duarte expone los dibujos anteriores a la creación del Grupo 57

José Duarte (1953 – 1956) En los orígenes del Equipo 57 Galería José de la mano Claudio Coello, 6 28001 

    Madrid Del 12 al 7 de mayo de 2010 Julia Sáez-Angulo Es una figura clave del Equipo 57 que hizo de la abstracción y cierta geometría rítmica un mundo renovador del arte en España. José Duarte (Córdoba, 1935) junto a Juan Serrano, Juan Cuenca Montilla e Agustín Ibarrola fundaron el célebre Equipo 57 en el aó que marca el guarismo, toda una declaración argumental de arquitectos y artistas de cómo veían el arte conceptual. 

     Actualmente Pepe Duarte –así se le conoce en el circuito artístico- expone en la galería madrileña José de la Mano, una serie de obras, principalmente dibujos, que preceden a la misma creación del Equipo 57. Un testimonio de sus inquietudes y planteamientos plásticos que hablan de una escritura pictórica y un sentido de aplicación del color totalmente renovados en el panorama del momento. 

     Los dibujos expuestos fueron hechos en un periodo clave de la evolución del artista, un periodo de transición en el que su autor abandonó la pintura figurativa para abrazar la abstracta”, dice Ángel Llorente en el interesante catálogo publicado para la ocasión. 

     “El dibujo más antiguo procede de 1953, año en el que Duarte asistió en el mes de agosto al Congreso Internacional de Arte Abstracto de Santander, celebrado en la Universidad Internacional Menéndez Pelayo, donde pudo visitar la Exposición Internacional de Arte Abstracto abierta en el Museo Municipal, vinculada al congreso, en la que se colgaron obras de artistas españoles, estadounidense y europeos”, añade el comentarista. 

Ruptura del academicismo 

     Romper la formación académica era un reto aquellos años y una manera nueva de enfocar el arte. La abstracción llegó a creerse reina de la pintura, fragmentada en mil maneras: Informalismo, constructivismo, machismo, soporte/superficie, suprematismo... Pero la “vuelta al orden” se produce inevitablemente. Todo movimiento deja paso a otro después de amanerarse o morir. El propio José Duarte volvió a la figuración pop en una singular muestra expuesta hace pocos años en la desparecida galería Amparo Gámir. 

     “Todo sistema estético debe ser fechado y no hay arte sin sistema estético”, dice una de las Notas para un manifiesto, escritas por José Duarte y Juan Serrano en 1957. “En el momento actual vemos la necesidad de introducir un racionalismo científico en el arte para crear una unidad de estilo que será el verdadero cociente de nuestra época. Esto será unas determinantes que piden al hombre más esfuerzo y más personalidad encauzada”.

"zZará: SMS VS. SIGNOS ARCAICOS", exposición en la Fundación FiART

zZará: SMS VS. SIGNOS ARCAICOS
Fundación FiART
Almirante, 1 Madrid
Del 25 de marzo al 25 de abril

L.M.A.


La exposición "zZará: SMS VS. SIGNOS ARCAICOS" se inaugura el proximo 25 de marzo en la Fundación FiART.El historiador de arte Carlos Delgado dice al respecto:

"zZARÁ desentierra y revela, como el arqueólogo, la memoria y los distintos planos de sedimentación del signo y nos sitúa frente al problema del significado. Su obra surge dentro de un marco teórico que valora la pluralidad del lenguaje del pasado como metáfora de la diversidad contemporánea, pues la heterogeneidad de entonces se revela como el origen de un ahora donde palabras y sonidos distintos conviven en un mismo espacio globalizado. Estos conceptos son generados plásticamente a partir del ensamblaje de materiales diversos y de la búsqueda una plasticidad vibrante: juegos de luces, sugerentes ritmos visuales, empastes matéricos y soportes inesperados".

"Si bien la exploración sobre el signo ha estado presente a lo largo de toda la trayectoria de zZARÁ, será a partir del año 2007 cuando el artista otorgue protagonismo a la idea de la otredad arcaica; pero si los artistas de principios de siglo bucearon en los cauces de la estética llamada “primitiva”, no occidental, la de los rasgos expresivos y antinaturales del la estatuaria africana y oceánica, zZARÁ orienta hoy su investigación hacia la materialidad del signo gráfico de las culturas ancestrales (minoica, fenicia, hebrea…); a través de esta opción el artista nos invita a repensar los diversos estratos semánticos que el signo puede llegar a generar en la obra plástica y a reflexionar sobre el fracaso del lenguaje como metáfora totalizante".

"En sus trabajos más recientes, realizados a partir de 2009, zZARÁ continúa su investigación sobre los modos de comunicación. Sin embargo, frente a la presencia recurrente de los signos arcaicos, el artista centra ahora su atención en los SMS y en el nuevo tipo de lenguaje (críptico, con errores ortográficos, ausencia de puntuación, vocabulario simple, etc.) que caracteriza la comunicación actual entre jóvenes. De este modo, el artista plantea un inesperado juego de paralelismos entre dos tiempos históricos y los asume como herramienta plástica para su proyecto artístico y sociológico".

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Ramón Gómez de la Serna, Homenaje en el Instituto Cervantes de Nápoles

L.M.A.

El Instituto Cervantes de Nápoles (Italia) recuerda la figura del escritor Ramón Gómez de la Serna (1888-1963), padre de las vanguardias literarias en español, con un ciclo de actividades del 18 al 24 de marzo. Así, conmemorará su primera visita a la ciudad italiana y el centenario del nacimiento de la greguería, un género literario inventado por él definido como metáfora más humor.

Los actos del programa comenzarán mañana jueves 18 de marzo con la colocación de una placa en el apartamento en el que vivió durante meses en 1926 en Nápoles y la presentación del libro “Escritos napolitanos de Ramón Gómez de la Serna”, en cuya publicación ha colaborado el Instituto Cervantes. El sábado 20 de marzo se representará en la Galería Príncipe de Nápoles un espectáculo teatral basado en su libro “El hombre de la galería”.

La sede del Cervantes en Nápoles acogerá dos sesiones el próximo miércoles 24 de marzo en las que se mostrarán sus múltiples facetas como creador. En la primera, titulada “Ramón y la fotografía”, el fotógrafo Chema Madoz hablará sobre su trabajo y la relación de su mirada fotográfica con la del escritor. En la segunda, titulada “Ramón y el cine”, se proyectarán los cortometrajes “El orador”, “Esencia de verbena” y “El perro andaluz”.

Ramón Gómez de la Serna consagró su vida exclusivamente a la actividad literaria, en la que se mostró como un escritor fecundo y pionero de un tipo de literatura que, dentro de la más pura vanguardia, se erige como una construcción personal original. Su vasta producción literaria incluye desde artículos y ensayos, algunos agrupados en libros, hasta dramas y obras novelísticas. Algunos de sus títulos son “Entrando en fuego”, “Prometeo”, “El laberinto”, “Tapices”, “Greguerías” y “Automoribundia”, entre otros

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El "Guernica" de Picasso ha de quedar en el Museo Reina Sofía, según comunicado del Patronato

L.M.A.


El Patronato del MNCARS en su sesión del día 16 de marzo de 2010, ha aprobado unánimemente la siguiente declaración:

"El Guernica de Pablo Picasso es una obra propiedad del Estado Español, adscrita a la Colección Permanente del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, organismo autónomo dependiente del Ministerio de Cultura, como su obra más valiosa y emblemática. Su delicadísimo estado de conservación y su gran formato impide todo tipo de traslado fuera del Museo, razón por la cual esta obra nunca ha sido prestada a institución alguna. Y esa situación no ha cambiado.

Pero, sobre todo, el Guernica es la obra central en la colección del Museo Reina Sofía.

En el Guernica y el Pabellón de la República se dan cita claves fundamentales de la historia del arte que asumimos como distintivas del Reina Sofía, no sólo en el momento actual sino desde los inicios de la historia del Museo. La década de los años 30, que culmina con el Guernica, es desde los orígenes del museo y en todos sus anteriores proyectos museográficos el núcleo central de la colección, concentrando durante los 20 años de vida del museo los mayores esfuerzos de adquisición. El Guernica marca el punto de vista que arroja perspectiva a toda esta época al testimoniar el cierre traumático de la experiencia moderna en España.

En el discurso museográfico del MNCARS el Guernica no se concibe como una obra aislada sino como integrante del Pabellón de 1937.

La extracción del Guernica del contexto del Pabellón y de la propia colección no sólo significaría una traición a su especificidad histórica, sino también el desmembramiento de un conjunto de significado excepcional dentro de la historia de la cultura universal contemporánea.

La obra de Picasso en sus distintas etapas sirve de principio articulador de nuestro discurso, desde los inicios del siglo XX hasta su muerte en 1973. El énfasis en la figura vertebral de Picasso tiene que ver directamente con el significado histórico y político del Guernica. De hecho, la colección del Museo Reina Sofía se caracteriza por incidir específicamente en el compromiso social y político del autor, lo que la hace única entre las de los grandes museos internacionales.

La división entre las colecciones del Reina Sofía y del Museo del Prado, fijada en el Real Decreto 410/1995, del 17 de marzo, establece un diálogo entre el pasado, el presente y el futuro de nuestro país marcando como punto de inflexión la recuperación de las libertades democráticas.

La quiebra de este equilibrio y de este diálogo no sólo afectaría a la definición misma del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía y al papel de la cultura contemporánea en la sociedad española, sino que implicaría dejar en suspenso el punto de inflexión que supuso la restauración de la democracia en nuestra historia reciente".

El gran temor de la comunidad científica y de los conservadores de los museos es que los políticos se pongan a manipular las colecciones públicas a su antojo, sin llevar a cabo las elementales normas de la prudencia o los códigos de buenas prácticas. Recordemos lo sucedido con el traslado de los Museos del Ejército o del Traje que pierde la capital de España por decisiones de la Moncloa, sin contar siquiera con la ciudadanía o los donantes que entregaron piezas en la creencia de que iban a permanecer siempre en Madrid. Ni siquiera las autoridades culturales de la Comunidad de Madrid "piaron" por ese doble despojamiento de dos grandes museos nacionales de gran arraigo madrileño. Zapatero a tus zapatos. Los políticos no deben entrar en materia cultural que no les compete.

El traslado del "Guernica" fuera del Reina Sofía sería agitar su fragilidad como la de las pinturas negras de Goya y sobre todo, desbaratar la piedra angular de un Museo de Arte Contemporáneo en España , máxime cuando se han adquirido numeosas piezas de Picasso articuladas en torno al conjunto que pirvota el gran cuadro sobrer los desastres de la guerra. Si ello se produjera, lo más adecuado y conveniente sería una dimisión en bloque del Patronato con su presidenta y director del museo a la cabeza. Si no están en pro del Museo Reina Sofía, ¿en favor de quien están?

Claro que el tema del traslado del "Guernica" también podría tratarse de una maniobra de distración de otros asuntos más puntuales y sangrantes, por lo que se puede resucitar de vez en cuando.

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Pierre Huyghe expone una instalación de plantas y flores en el Palacio de Cristal

"La estación de las fiestas" (Instalación)
Pierre Huyghe
Palacio de Cristal. Madrid
Comisaria: Lynne Cooke
Del 17 de marzo al 31 de mayo

Julia Sáez-Angulo

En el Palacio de Cristal del Parque de El Retiro se ha inaugurado la exposición dedicada a Pierre Huyghe, uno de los artistas franceses con mayor proyección internacional. En el acto estuvieron presentes Pilar Citoler, presidenta del Patronato del Museo Nacional Reina Sofía y su director, Manuel Borja-Villel, así como la comisaria de la muestra, Lynne Cooke.

La exposición, “La estación de las fiestas/La saison des fêtes” que se podrá ver hasta el 31 de mayo del 2010, consiste en una instalación realizada para el Palacio de Cristal en la que, por primera vez, plantas y árboles en floración son los protagonistas de la pieza. El proyecto consiste en la colocación en círculo de diferentes especies vegetales vinculadas a distintas festividades, cada una de ellas característica de una determinada época del año, favoreciendo así una lectura a modo de reloj. Palmeras, ciruelos, jazmines, bambúes, abetos… marcan las diferentes estaciones del año y conviven en un mismo espacio y tiempo.

Por otra parte en el patio ajardinado del edificio Sabatini, el artista francés ha plantado un rosal de flores de tonalidad verdosa, la “Green romántica”, a la espera de que el florecimiento anual del mismo se convierte en una efemérides en la que se fundan realidad y ficción, historia y memoria.

Pierre Huyghe (París, 1962) en la actualidad vive y trabaja entre París y Nueva York. Importantes museos le han dedicado exposiciones individuales. Huyghe recibió una mención especial del Jurado en la Bienal de Venecia, donde el artista representó a Francia.

Entre los asistentes a la inauguración, la galerista Oliva Arauna y Tomás Paredes, presidente de la Asociación Madrileña de críticos de Arte, AMCA.

Actualmente el fotógrafo madrileño Javier Abella tiene igualmente una singular instalación floral, junto a sus fotografías de flores a gran escala, en la Sala de Exposiciones Maruja Mallo de Las Rozas

Monseñor Javier Echevarría publica “Vivir la Santa Misa”

"Vivir la Santa Misa"
Javier Echevarría
Editorial Rialp
Madrid, 2010 (196 pags)

Julia Sáez-Angulo

El rito eucarístico es el ceremonial más valorado por los cristianos católicos, en cuanto representa la ofrenda del sacrificio de la Cruz de manera incruenta por la remisión de los pecados. El autor, monseñor don javier Echevarría, hace un itinerario espiritual por las distintas partes de la misa de manera docente y ascética al mismo tiempo

Los ritos de culto litúrgico de la Iglesia vienen a ser un avance del encuentro de los hombres con Dios, señala el Papa Benedicto XVI en su conocido libro sobre la Liturgia. Monseñor Echevarría ha querido comentar, a modo de meditación, su visión, fe y sentimientos sobre la misa tanto para laicos como para el clero.

Prelado del Opus Dei desde 1994, don Javier Echevarría (Madrid, 1932) cita con frecuencia en el libro a san Josemaría Escrivá, que recomendaba amar la misa como centro de la vida de todo cristiano, para que llene el día y la jornada de trabajo de pensamiento divino, para que lleve a una continua presencia del Señor.

El libro se divide en siete capítulos que llevan por título: Preparación para la Santa Misa; Ritos iniciales; Liturgia de la Palabra; Presentación de las ofrendas; La plegaria eucarística; Rito de la Comunión, y Rito de la Conclusión.

“Publico estas páginas con el afán de secundar las recomendaciones del Romano Pontífice”, declara el autor en la presentación del libro “Vivir la Santa Misa” y recuerda que “Benedicto XVI ha manifestado innumerables veces su deseo de que dentro y fuera de la Misa, los sacerdotes y los fieles redescubran la dimensión latréutica, de adoración a Dios y a la Humanidad Santísima de Cristo, profundamente inscrita en el Misterio eucarístico”.

Consultor de la Congregación para el Clero

En el último capítulo, Monseñor Echevarría vuelve a citar a san Josemaría que escribió en su libro “Es Cristo que pasa”: “No ama a Cristo quien no ama la Santa Misa, quien no se esfuerza en vivirla con serenidad y sosiego, con devoción, con cariño (…) una Misa corta y atropellada, demuestra con esa actitud poco elegante también, que no han alcanzado a darse cuenta de lo que significa el Sacrificio del Altar”.

El libro “Vivir la Santa Misa” está escrito desde la fe compartida con el lector, con argumentación teológica profunda y con suficiente carácter divulgativo para llegar con facilidad a quien desee profundizar en la misa cristiana como el renovado sacrificio de Cristo, sin olvidar que los fines de la misa son de fe, adoración, impetración y acción de gracias.

Don Javier Echevarría, ordenado obispo por Juan Pablo II en 1995, ha escrito otros libros como: Memoria del Beato Josemaría Escrivá; Itinerarios de vida cristiana; Para servir a la Iglesia; Getsemaní; Eucaristía y vida cristiana, y Por Cristo, con Él y en Él. Actualmente es consultor de la Congregación para el Clero y miembro honorario de la Academia Pontificia de Santo Tomás de Aquino

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"La Noche de los Teatros", Nueva edición en Madrid

L.M.A.

La Comunidad de Madrid presentó hoy la nueva edición de La Noche de los Teatros, que se celebrará el próximo 27 de marzo. El Gobierno regional organiza por cuarto año consecutivo esta iniciativa, que convierte a la región madrileña en la única de Europa que durante una intensa jornada rinde tributo a las artes escénicas, coincidiendo con el Día Mundial del Teatro.

Así lo explicó el vicepresidente y consejero de Cultura y Deporte,

Ignacio González, durante la presentación de la programación, que se

desarrollará en 132 espacios de la región y con la que la Comunidad de

Madrid brinda, una vez más, todo su apoyo a este importante sector de la

cultura, que cada año atrae a millones de espectadores, tanto madrileños

como de otros lugares. Entre las 17:00 y las 00:00, teatros públicos y

privados, calles, salas de música en vivo y casas de flamenco, e

instituciones culturales de diversos países, acogerán 170 actividades

abiertas a todo el público.


El Gobierno regional mantiene una relación de colaboración y

complementariedad con los empresarios teatrales que está demostrando

ser fructífera para el teatro y para los madrileños, que pueden disfrutar del

sector teatral privado más activo de España y uno de los más potentes

circuitos de teatro público a nivel nacional.


Madrid cuenta con el mayor número de teatros y salas privadas de

España, así como teatros públicos de referencia nacional e internacional.

También destaca en número de compañías, artistas, directores y

creadores. Todo ello ha propiciado que la Comunidad de Madrid se haya

convertido en el gran escenario teatral de España, con un 25% de las

funciones, cerca de cuatro millones de espectadores y una recaudación

que supone el 40% del total de los espacios escénicos españoles.


En esta línea La Noche de los Teatros es un claro ejemplo de las

políticas de promoción cultural de la Comunidad, que tiene un claro afán

por conseguir que la cultura siga formando parte esencial del atractivo de

la región; así como que la oferta sea cada vez más amplia, variada y de

mayor calidad.

Una mirada hacia la escena internacional


A las 17:00 horas, en la Casa Museo Lope de Vega, el académico,

periodista y escritor Luis María Ansón inaugurará La Noche de los Teatros

2010 y, a partir de entonces, la Comunidad de Madrid se convertirá en un

gran escenario que incluirá una mirada hacia la escena internacional.



Hungría, que comparte la presidencia europea junto con España y

Bélgica, participa en esta velada a través de su embajada, en el Centro

Cultural Eduardo Úrculo, con el espectáculo de danza 2-1 / 16 milímetros,

a cargo de Teatro Andaxínház. El Teatro Nuevo Apolo también apuesta

por la danza húngara con NAGYDA, de ExperiDance, una prestigiosa

compañía de danza que presenta un espectáculo basado en la fusión de

la danza húngara con diferentes estilos de baile y acrobacias. Y en el

Centro Cultural Paco Rabal, también la danza contemporánea rendirá

homenaje a las artes escénicas con una propuesta de la compañía de

Budapest Mísero Próspero, Volandas de Amor, a través del baile y textos

poéticos de Miguel Hernández y Miklós Radnóti.


Por su parte el Circo Price ofrece una noche dedicada a la música

con la Fiesta balcánica, Música volcánica, a cargo del grupo Cíngaro

Drom. Será un viaje bañado de euforia, alegría, sensibilidad y humanidad

desde España hasta La India, pasando por las tierras balcánicas de

Hungría, Serbia, Rumanía y Bulgaria.


Con la colaboración de la Embajada de Portugal y el Instituto

Camões, Casa de América ofrecerá una comedia visual de la Compañía

del Chapitô, basada en la pieza de Shakespeare La Tempestad. Y la Casa

Árabe acogerá una obra de teatro dirigida por Marina Bollaín, Harragas

(‘los que queman’), palabra que designa en Marruecos a quienes prenden

fuego a sus papeles de identidad antes de emprender el gran viaje.


Acrobacias, mimo… y también conferencias


Asimismo, la artista sefardí Ruth Salama apostará por un espectáculo de

calle con elementos de circo, teatro, y danza. Melodías, acordes y

acrobacia suspendida en telas inundarán de color y de sonido la Plaza de

la Villa gracias, un año más, a la colaboración de la Casa Sefarad.

En el Centro Cultural Moncloa, y con la colaboración del Centro

Checo en Madrid, el Teatro de Vojta Švejda ofrecerá un montaje basado

en el teatro de mimo, en colaboración con el destacado clown, pedagogo y

director estadounidense James Donlon.


La música y el teatro se unen en Réplika Teatro con la obra Un

verano en Nohant, de Jaroslaw Iwaszkiewicz, que cuenta con la

colaboración del Instituto Polaco de Cultura. No falta tampoco el Instituto

de Cultura Italiano en Madrid, gracias al cual el Círculo de Bellas Artes

ofrecerá una antología de textos de Jorge Luis Borges. Y el Instituto

Francés también participará con un espectáculo de la “one woman show”

Constance.


La Noche de los Teatros 2010 se servirá también de diversas

conferencias para mostrar el teatro en otras culturas: en la sede de la

Vicepresidencia, Consejería de Cultura y Deporte, lo hará en colaboración

con la Fundación Japón en Madrid; en Casa Asia, junto con la Embajada

de Corea; y en el Ateneo de Madrid, con el Instituto Cultural Rumano.


Además, la mirada hacia el teatro español estará presente en en el Centro

Cultural Julio Cortázar, donde Javier Huerta y Emilio Peral abordarán el

teatro fantástico de Jacinto Benavente y en la Casa Museo Lope de Vega

críticos de teatro debatirán sobre el tetaro en Madrid.


Importantes descuentos en los teatros


Los grandes protagonistas de la noche, 73 teatros y salas alternativas de

Madrid, ofrecerán al espectador descuentos de hasta el 50% en el precio

de sus entradas. Incluso algunos, como La Guindalera, invitarán a los

espectadores a asistir de forma gratuita o con entradas muy asequibles,

como es el caso del Teatro La Compañía, con entradas a 3 euros. Y

muchos de ellos ofrecerán actividades extraordinarias, lecturas y

encuentros entre el público y los actores –como los coloquios en los

Teatros del Canal o el Teatro de La Abadía–.


Por segundo año consecutivo, 24 locales y salas de música en vivo

y flamenco –justo el doble que en la pasada edición- se sumarán a la

celebración de La Noche de los Teatros de la Comunidad de Madrid,

ofreciendo considerables descuentos en sus conciertos y actuaciones.


La Noche de los Teatros amplía este año su oferta fuera de la

capital, en esta edición a escenarios de 15 municipios. Teatros, auditorios

y centros culturales de Arganda del Rey, Leganés, Getafe, Torrelodones,

Fuenlabrada, Pinto, Hoyo de Manzanares, Coslada, Las Rozas, San

Sebastián de los Reyes, Galapagar, Moraleja de Enmedio, La Cabrera,

San Lorenzo de El Escorial y Aranjuez, se incorporarán a la celebración

con propuestas variadas, entre las que se encuentran conciertos, danza y

emblemáticas obras de teatro.


Y, por su parte, Alcalá de Henares se volcará con esta noche. Las

calles de su centro histórico serán en sí mismas un teatro con un

sugerente espectáculo de percusión, Toom-pak street, creado en

exclusiva para celebrar esta fiesta teatral. Ópera, teatro, magia y hasta un

casting de actores serán las ofertas que harán disfrutar a los alcalaínos y

visitantes en distintos teatros e instituciones de la ciudad.


A los teatros se unen también instituciones culturales como

CaixaFórum, La Casa de los Jacintos, el Instituto Cervantes y el Teatro del

Ferrocarril, que ofrecerán representaciones teatrales y conciertos; y el

Museo Romántico que, después de su reapertura, se une por primera vez

a La Noche de los Teatros con un recital poético que hará disfrutar al

público en sus diferentes salas. Y hasta el Hospital del Niño Jesús

ofrecerá un cuentacuentos especial con música: Voces secretas que se

esconden en los libros.

Además, la Academia Nacional de las Artes y las Ciencias

Cinematográficas se suma por primera vez a esta noche con un ciclo

especial, “La Noche de los Teatros”, con cortometrajes de Mateo Gil,

David Moreno y Lluis Quíllez, y largometrajes de Pilar Miró, Cesc Gay y

José Luis Garci. El cine homenajeará al teatro en La Casa Encendida,

donde se proyectará Dogville, dirigida por Lars Von Trier y protagonizada

por Nicole Kidman, Paul Bettany, Lauren Bacall, entre otros.


El teatro se lanza a las calles

Entre las Glorietas de Quevedo y Bilbao, la calle Fuencarral acogerá seis

espectáculos de música, teatro y performances para todos los públicos.

Jóvenes creadores mostrarán diferentes propuestas del teatro más

contemporáneo. También habrá un pasacalle muy especial, a cargo de

Efímer, una gigantesca marioneta de un dragón, que buscará las caricias

del público, olerá todo lo que encuentre a su paso o intentará volar. Y,

además, los niños podrán disfrutar especialmente en los talleres infantiles

del Colectivo Légolas que, partiendo de la novela ejemplar de Cervantes

Rinconete y Cortadillo, convertirán al espectador más pequeño en pícaro.


Asimismo, en el Distrito Moncloa se montará un espectáculo de

peluquería artística a ritmo de música, para los que no se cortan un pelo.

Un espectáculo de la compañía catalana Sienta la cabeza que invita al

público a participar en una atrevida transformación estética, dando vida a

increíbles personajes. No faltará tampoco el concierto teatral de Ron Lalá,

con versiones, sketches y escenas descartadas, rarezas y, sobre todo,

muchas canciones.


Por su parte, la Plaza del Carmen, donde se encuentra instalada la

Taquilla Último Minuto, también acogerá música en directo, con el jazz de

Joseph Siankope & Spirits, de la Jazz Band en sexteto. Del mismo modo,

el Barrio de las Letras se centrará en la música con 4 plazas para 3

cuartetos, a cargo del grupo de metales de la Joven Orquesta y Coro de la

Comunidad de Madrid (JORCAM) y el Grupo de metales Disgregación.

Los músicos se repartirán entre la Plaza del Ángel, la Glorieta de Antón

Martín y la calle Huertas, para acabar, después, todos juntos en la Plaza

de Sánchez Bustillo.


La danza, el teatro, la improvisación y el impacto visual urbano

tendrán lugar en la Plaza de Santa Ana con un montaje particular, Esféric,

donde los personajes se mueven por las calles e interaccionan con el

público dentro de una burbuja transparente.



Toda la programación está disponible en la página web

www.madrid.org/lanochedelosteatros

Dolores Tomás, coleccionista del Arte Ruso del siblo XX, expone sus obras en Barcelona

Dolores Tomás en una exposición de su colección


Julia Sáez-Angulo

Dolores Tomás es una coleccionista española que ha articulado su colección en torno al arte ruso, sobre todo pintura, del siglo XX, toda ella adquirida por las distintas escuelas de Bellas Artes de aquel país, durante más de veinte años. La coleccionista lleva a cabo distintas exposiciones por diversas ciudades, estableciendo diversos conjuntos de piezas de la colección. En el último trimestre del año 2010 lo hará en Barcelona.

-¿Qué es el arte para usted?- El aire en el que he respirado desde que nací. Para mí algo necesario y el amor a él, la mejor herencia que he recibido.

-¿Por qué decidió hacerse coleccionista?
-Fueron las circunstancias de un momento histórico irrepetible y las posibilidades que se me presentaron las que me llevaron a la obligación ética de reunir, conservar y difundir una obra escondida, que relataba la autentica vida de un pueblo , y que parecía destinada a su desaparición.

-¿Cuáles son los fondos de su colección?
-Hacia las 4.500 obras.

-¿Qué va a exponer en Barcelona?-130 obras pictóricas, 20 de ellas inéditas y parte de la Colección de iconos, huevos pintados y cajas lacadas.

-¿Qué actividades acompañan a la exposición?- Conciertos, conferencias, prácticas universitarias de Museografía y Gestión Cultural, Talleres infantiles, Visitas especiales para minusválidos, etc

-¿Qué museo ruso recomienda?- En Moscú la Galería Tretiakov (únicamente pintura rusa) y el Museo Pushkin. En San Petersburgo El Hermitage y su Museo Ruso

-¿Qué cuadro le ha fascinado más?-Fascinado, en general la obra de Repin. Impactado: “Iván el terrible con su hijo muerto”.

-¿Qué artista ruso le conmueve?- Sedov, Repin, Surikov....

-¿Qué aporta como singularidad el arte ruso?-La carga emocional

-¿Qué conoce el publico español del arte ruso?
- Muy poco, desgraciadamente. Lo convencional, no lo mejor. Lo que quedó fuera de su frontera después de la Revolución. Hay un paréntesis desconocido de varias décadas. Afortunadamente su literatura y su música fueron capaces de volar.

-¿Qué destino le gustaría que tuviera su colección?-Un centro en el que se pueda visitar y conservar. Un Centro "vivo" donde tenga cabida y encuentro con otras culturas la literatura, la danza, la música y la ciencia. Este proyecto existe sobre papel, y con acuerdos ya hechos en todos estos campos

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Idridro Blasco, Exposición retrospectiva del escultor bajo el título "Aquí Huidizo"

"

Aquí huidizo"
Isidro Blasco
Comisario: José Manuel Costa
Sala Alcalá, 31. Madrid
Del 16 de marzo al 16 de mayo de 2010

L.M.A.


La Sala Alcalá 31 de la Comunidad de Madrid exhibe desde

mañana Aquí Huidizo, la obra de Isidro Blasco, artista madrileño afincado

en Nueva York considerado uno de los principales representantes de la

escultura contemporánea. La muestra, que podrá visitarse hasta el día 16

de mayo, fue presentada hoy por la directora general de Archivos, Museos

y Bibliotecas, Isabel Rosell, que estuvo acompañada por el propio artista,

el comisario de la muestra, José Manuel Costa, y el asesor de Cultura de

la Diputación de Huesca, Juan José Javierre.


Isidro Blasco (Madrid, 1962) constituye uno de los mejores

exponentes de una nueva manera de concebir lo escultórico. El artista,

afincado desde hace años en el barrio de Queens, en Nueva York,

combina arquitectura, fotografía y escultura para mostrar su reflexión

sobre nuestra forma de mirar y contextualizar los lugares, muchas veces

determinada por la manera en la que vemos las cosas a través de la

pantalla del ordenador o del televisor. La obra de Blasco ha visitado

ciudades de todo el mundo, como Sydney, Shangay, Viena, Londres o

Atlanta.


En palabras del comisario de la exposición y presidente del Consejo

de Críticos de Artes Visuales, José Manuel Costa, la exposición que ahora

llega a la Sala Alcalá 31, “consiste en un conjunto de 46 piezas

escultóricas de madera, fotografía, cartón, material de ferretería, vídeo,

etc., exentas y de pared, realizadas entre los años 1999 y 2010, que

pretende tener al mismo tiempo, un carácter retrospectivo y actual

mostrando trabajos de todas sus épocas. El trabajo de Blasco es

básicamente una referencia al espacio que nos rodea, el vacío como algo

espiritual y fundamental”.


La exposición en su espacio: Sala Alcalá 31 de la Comunidad

A lo largo de los años, y además de sus trabajos de tamaño medio o de

pared, Isidro Blasco ha realizado obras de gran formato e incorporado la

utilización del vídeo. When I Woke Up es uno de sus trabajos primerizos y

muy significativo, cuya monumentalidad queda relativizada por lo austero

de los materiales, esto es así hasta el punto de que la obra original había

sido casi destruida, de forma que para esta ocasión el autor ha decidido

rehacerla, no de manera mimética, sino conduciendo los impulsos que le

dieron origen a través de los nuevos prismas que ha adquirido con el paso

del tiempo. Desde el principio existía una intención clara de situar When I

Woke Up en el primer espacio central, abriendo la exposición.


En el eje central se sitúa también Thinking About That Place (2004),

otra obra emblemática porque significó la entrada del vídeo en la obra de

Blasco, y tiene no sólo la importancia de su ambición, sino la de marcar de

manera muy icónica el despertar de Isidro Blasco en Nueva York.

Formando parte de la espina central de la sala, pero también

separada, se podrá ver un proyecto videográfico titulado Elusive Here

(Aquí Huidizo), creado ex profeso para esta exposición. Basado en unos

textos que el artista escribió en los años 90, el vídeo narra de forma

onírica experiencias sensoriales y fundamentalmente ópticas. En él hay

algo de casero, de íntimo y, al tiempo, mágico.


Otra producción realizada específicamente para la ocasión la

constituye la instalación “Site Specific” When The Time Comes (Cuando

llega la hora).


Relación de la escultura con la arquitectura y la fotografía


Desde sus inicios, es característica en los trabajos de Isidro la visión

fragmentada de sus obras y su relación con la arquitectura. Esto se refleja

en los dos trayectos de esta exposición: Fuera, mediante recorridos,

visiones casi cubistas de calles en Nueva York o Shanghai, y Dentro,

donde se plasman los interiores, los lugares que habitamos y a los que

aplicamos también el recuerdo de lo contemplado.

Otras piezas singulares son reflejos de otros momentos

significativos tanto en la vida como en el trabajo del artista: su viaje,

encuentro y permanencia en Nueva York o el descubrimiento de un

dinamismo diferente que transmite una ciudad como Shanghai. Una

interpretación muy parcial pero muy simbólica de Shanghai At Last (2008)

es que sus piezas se abren como abanicos (orientales) de posibilidades.

Finalmente, en la planta primera de la sala, Aquí huidizo muestra un

video sobre Arcadio Blasco, artista alicantino y padre de Isidro, sin cuya

influencia, quizá no se habría dedicado a la escultura.

En conjunto esta exposición se presenta como una macro

instalación en la que diversas piezas (cuadros, esculturas, fotografías,

etc.) nacidas en diferentes momentos y espacios, se reúnen tratando, no

solo de mostrarse a sí mismas, sino de mostrar nuestro mundo. Un mundo

en el cual, sin mucho esfuerzo, podemos imaginar nuestra propia mirada.

Como complemento, un catálogo español-inglés con textos de

Blasco, Costa, y de Mariano Navarro y Milena Z. Fisher mostrará la obra

expuesta, que viajará a la ciudad de Huesca en diciembre de 2010 fruto de

la colaboración entre el Gobierno regional y la Diputación Provincial de

Huesca.


La exposición Aquí huidizo estará abierta al público de martes a

sábado, de 11.00 a 20.30, domingos y festivos de 11:00 a 14:00. Los

lunes, el día 2 de abril y el 1 de mayo permanecerá cerrada. Asimismo, se

realizan visitas guiadas gratuitas los miércoles a las 12:00, los sábados a

las 12:00, 13:00, 18:00 y 19:00, y los domingos a las 12:00 y 13:00

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Antiguos dioses en color, una experiencia novedosa

Museo Arqueológico de la CAM

Alcalá de Henares. Madrid

Plaza de las Bernardo

Hasta el 18 de abril de 2010


Dolores Gallardo López


Quedan pocos días para poder contemplar algunas estatuas del mundo antiguo de una manera similar a como las veían sus contemporáneos.

La mayoría de la gente cree que las estatuas, frontones de templos y similares originariamente eran sin color, como actualmente vemos los restos que de ellos nos quedan.

La distorsión que representa esta creencia es semejante a la que se produciría si pensáramos en nuestros los hermosos desfiles procesionales de pasos de Semana Santa, que ya se acerca, o en las imágenes que vemos en nuestra Iglesias en el color de la materia prima con la que se realizan. Evidentemente la impresión que tendríamos sería muy diferente a la realidad. Lo mismo ocurre con la estatuaria grecorromana.Al fin y al cabo la imaginería actual deriva –como tantas cosas de nuestro mundo actual- de la tradición anterior.

Sólo los expertos en el mundo clásico conocían que las imágenes tenían colores, además fuertes. Esta exposición, que acaba el 18 de abril, ha popularizado este dato.

Gracias a estas trazas de color ha sido posible estudiar como sería el total de cada obra y reconstruir el color original con muchísima aproximación.

El grueso de la estatuaria que nos ha llegado esta realizada en mármol, que en el transcurso del tiempo perdieron los colores originarios con los que fueron terminadas. Las esculturas en bronce prácticamente se perdieron, por el reciclado de la materia original; a las realizadas con otros materiales– madera, marfil, metales preciosos- por diversas razones sucedió lo mismo.

El Renacimiento, el Barroco y el Neoclasicismo miraron con delectación esa estatuaria en blanco como muestra perfecta de un clasicismo idealizado. Pero, como la realidad es tozuda, algunas estatuas recién desenterradas presentaban restos de policromía.

Estatuas en color

Algunos científicos prestaron atención al tema e hicieron ver que la estatuaria en blanco era una simple ilusión. Nuevos descubrimientos durante el siglo XIX llamaron definitivamente la atención sobre este tema, entre ellos el de las esculturas arcaicas de la acrópolis de Atenas.

Los estudios realizados modernamente con luz ultravioleta, la medición y valoración de los pigmentos en la epidermis del mármol y en general la aplicación de los métodos de las actuales tecnologías han acabado por evidenciar lo que ya se sabía en realidad hacía tiempo: las esculturas griegas y romanas estaban acabadas en colores, como ocurre con las imágenes de nuestras iglesias.

Esa misma tecnología moderna permite hoy día reproducir el aspecto originario de las estatuas.

Es lo que presenta las 40 reproducciones de famosas esculturas y relieves clásicos de esta exposición. Muestran la policromía que debieron tener hace siglos, cuando estaban recién acabadas.

Las reproducciones han sido realizadas por un equipo multidisciplinar dirigido por el Profesor Vinzenz Brinkmann, profesor de la Universidades de Frankfurt y Bochum. También es Director de la Stiftung Archäologie, que ha promovido esta hermosa muestra.

La muestra ha visitado, entre otros museos, la Glyptoteca de Munich, los Museos Vaticanos, la Glyptoteca de Copenhague, el Museo Nacional de Arqueología de Atenas, el Museo J. Paul Getty de Villa Malibú, o el Museo Arthur M. Sackler de la Universidad de Harvard.

En todas las sedes la exposición originaria se ha complementado con piezas propias del museo o país receptor. En el caso de España las piezas originales han sido cedidas por el Museo Arqueológico Nacional, el Museo Nacional de Arte Romano de Mérida, los Arqueológicos de Sevilla, Córdoba y Cádiz entre otros.

Buena idea, para los que aún no hayan visto esta irrepetible exposición, sería aprovechar alguno de los días vacacionales que se acercan para visitar Alcalá de Henares y tener esta experiencia en el Museo Arqueológico Regional de la comunidad de Madrid, Plza de las Bernardas.

La Baronesa Thyssen abrió sus puertas al Arte en pro Haiti

Julia Sáez-Angulo

La Infanta Pilar, presidenta de honor de “Ayuda en Acción”, ha llevado a cabo un acto cultural solidario pro Haiti, junto al Grupo Pro Arte y Cultura, que ha donado sus obras de arte para su venta, cuya recaudación va a favor de los proyectos de restauración del citado país americano castigado por el terremoto.

El acto, que tuvo lugar en la Fundación Thyssen-Bornemisza y contó con la baronesa, Carmen Thyssen como anfitriona, ha tenido diversos patrocinadores empresariales como la revista “Hola”, Coca Cola, Porcelanosa, Aquilea, The Cook, ORCA, Pernod Ricard y Heineken.

El presidente de “Ayuda en Acción” Jaime Montalvo, acompañado de la embajadora de Haiti en España, agradeció a los presentes y coleccionistas que se interesaron por la adquisición de las obras artísticas.

Los artistas que expusieron y cedieron sus obras a favor de la causa fueron Mayte Spínola, líder del Grupo por Arte y Cultura; Ana de Orleáns, presidenta honaria del mismo; Carmen Zulueta, Pedro Sandoval, Aracely Alarcón, Álvaro Torroba, Peñuca de la Serna, Rocío Baez, Romeral, Hilario Ranera, Carmen Spínola, Carlos Alcázar, Mayte Barreiros, Juan Gómez Acebo, Nati Cañada, Fernando Garrido, Mercedes Lasarte, Paloma Porrero de Chavarri, Soler-Miret, Noel Vanososte, Manuela Picó y Rosa Gallego. Estas dos últimas hicieron de coordinadoras y directoras del montaje de la muestra junto a pedro Sandoval.

La duquesa de Alba, la baronesa Thyssen, buenas aficionadas a la pintura, además d coleccionista, presentaron dos pequeños cuadros en la exposición, que se vendieron de inmediato. Eduardo Guijarro, coordinador de "Ayuda en Acción" y Elena Benarroch, coodinadora del Museo Thyssen ha participado activamente en la organización dl acto, en el que también estuvo presente Guillermo Solana, conservador jefe de la pinacoteca.

Velada concurrida de celebridades

La velada estuvo muy concurrida de invitados célebres y famosos como el conde Orgaz; Gonzalo Anes, presidente de la Real Academia de la Historia; Pilar Citoler, presidenta del patronato del Museo Reina Sofía; Carmen Posadas, escritora y autora de un texto del catálogo; Simoneta Gómez Acebo; Sebastián Palomo Linares y su esposa Marina Danko; el galerista David Bardía y su esposa Marta; la diseñadora María Lafuente; el marchante de arte Christian Prevost; el abogado Mohedano; la procuradora de Tribunales, Elisa Sáez; el empresario Graciliano Barreiros; los directores de los Museos del Traje y de América, Rafael Serrano y Concha Sáinz respectivamente; la periodista Nieves Herrero; Miguel Báez, El Litri y su esposa Conchita Spínola...

Entre los adquirentes de obras se encontraban: Gonzalo Anes, presidente de la Real Academia de la Historia, que compró la acuarela de doña Ana de Orleans; la Fundación Coca Cola, que adquirió el cuadro de la baronesa Thyssen; Samuel Flores y su esposa, la pintura de Rocío Baez; El Litri que compró el de Mayte Barreiros; la señora de Colantes, un retrato de Nati Cañada; José María Gea, consejero delegado de Isla Marina Valdecañas; Hoteles Santos, el dibujo de J. Gómez Acebo; la Duquesa de Badajoz, el de Paloma Porrero de Chávarri; Encarna y Antonio Meneses, el tondo de Rosa Gallego; Ricardo Cisneros, el de Noel Vanososte; Íñigo López de la Osa, el de Carmen Spínola; la duquesa de Alba, el de Mercedes Lasarte, etc. Algunos coleccionistas se han interesado por algunas de las piezas no vendidas en la velada.

La Fundación Arauco, que preside Carmen Spínola, prepara una exposición monográfica del pintor Guillermo Muñoz Vera en favor de Chile, país natal del artista, cuyas ventas irán igualmente al cien por cien para los damnificados del terremoto en el país andino.



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Teresa Ahedo, Mural sobre el maltrato a la Mujer en Basauri

Julia Sáez-Angulo


La pintora bilbaína Teresa Ahedo es la autora encargada del gran mural sobre el maltrato a mas mujeres que se inaugurará en el Instituto de la Mujer de la localidad vizcaína de Basauri. El proyecto llenó de interés a la autora porque “sin ser una mujer maltratada conozco bien la situación en la sociedad por información y casos cercanos”.

En la iconografía de Teresa Ahedo (Carranza, Vizcaya, 1941) domina el tema de la mujer, reinterpretada una y otra vez en sus infinitas variantes posibles. Sus desnudos femeninos ofrecen la imagen de la mujer ubérrima y generosa que abre a quienes le rodean.

Hija, nieta y sobrina de maestros, como a ella le gusta recordar, la autora vizcaína ha hecho del dibujo una constante en su obra y lo ha trasladado al lienzo con la fuerza del gran trazo. Con una intuición audaz, desde los años 80, Ahedo ha sabido levar el dibujo a la categoría de pintura a gran escala, algo que hoy se reconoce dentro del arte contemporáneo.

En cuadros de gran formato, la autora ha representado sus “gordas” –muy distintas a las del colombiano Fernando Botero- dando una imagen rotunda de la presencia femenina, a la manera renovada de las Venus de Willendorf o Brassenpouy en el neolítico. Una suerte de reinterpretación de la escultura primitiva en la actualidad de la nueva pintura.

Fragmentación y dibujo a gran escala

La fragmentación es otra de las características del trabajo figurativo de Teresa Ahedo. Mujer incansable en el arte de dibujar y de pintar, sus series anatómicas nos ofrecen cuerpos, rostros, piernas, pubis... en un ejercicio continuo de indagación y estudio de formas.

En el expresionismo de la pintora, la mujer aparece con frecuencia sonriente o irónica en un guiño ante la vida que se impone. Códigos y mensajes se concentran en esta relación de damas exuberantes, maternidades exultantes, de vientre amplio y pechos prominentes. Una mujer que viene de lejos y se perpetua en el género humano.

En los últimos años, a partir del 2008, la figuración de Ahedo se abre a un mayor esquematismo, a una cierta interpretación más informalista de las propias referencias, en muchos casos porque es el detalle el que gana en escala. Esto mismo hizo en su día con las flores, hermanándose de alguna manera con la norteamericana Georgia O´Keeffe.

Más información: 
www.teresaahedo.com

"Mujeres de vida apasionada", libro apasionante de Pilar Queralt

        “Mujeres de vida apasionada” María Pilar Queralt del Hierro Editorial La Esfera de los Libros Madrid, 2010 (249 pags) 

Julia Sáez-Angulo 

   15.03.10.- Madrid.- Aunque los ordenamientos jurídicos masculinos pretendían dejarla atrás, ellas, las mujeres avanzaban por mor de su inteligencia y voluntad a un protagonismo intenso que se traducía con frecuencia en vidas apasionadas, al tener que utilizar los mecanismos del hombre para llegar a sus objetivos. “Mujeres de vida apasionada” es un libro que lo pone de manifiesto. 

     Desde Juana de Arco hasta Diana de Gales, por el libro desfilan los nombres de Inés de Castro, Ana Bolena, María Estuardo, Mariana Pineda, Olimpia de Gougew, Diane Fossey Grace Nelly, Astrid de Bélgica o Mata Hari. Todas han tenido una pasión en su vida, unas dificultades ante circunstancias adversas y más de una ha tenido que pagar con su vida por su osadía ante lo establecido. No todo son historias de amor, la pasión también recorría un empeño filosófico o ideológico. Algunas son reinas, casi siempre consortes, que no tenían ni siquiera derecho a escribir sus vidas, memorias o diarios, tal le sucede hoy a Letizia Ortiz como princesa de Asturias. Son mujeres que pagan un precio por amor, ambición o posición en el cargo. 

     El libro va ilustrado con bellas fotografías en papel satinado, con imágenes de Agripina la joven, santa Lucía, santa Juana de Arco, Almodís de la Marca, Leonor de Guzmán, Beatrice Cenci, Brujas de Salem, marquesa Leonor de Távora, María Antonieta, Mary Wollstonecraft, Sissi Emperatriz, o Isabel de Baviera, Draga de Servia, Rosa Luxemburgo, Isadora Duncan, Clara Petaci o Indira Gandhi. Muchas de estas ilustraciones son cuadros o fotografías, pero lamentablemente el libro no nos informa sobre su autor. 

      Las lectoras buscan espejos en las vidas Nacer mujer es un destino y las lectoras –más numerosas que los lectores- quieren saber sobre sus congéneres, por eso María Borrás, editora, encargo este libro a Pilar Queralt. Las mujeres no escapan a la eterna lucha de los sexos ni a la épica de Eros y Thánatos. En este libro ameno se pone de manifiesto. La autora focaliza sus personajes en aquellos que tuvieron una muerte trágica o violenta, siguiendo el dicho italiano de que “una muerte digna honra toda una vida”.             Todos los seres humanos somos criaturas para la muerte, las mujeres seleccionadas y narradas por Queralt no escapan a ello. Lo importante es la huella y la memoria que dejaron en su existencia, porque el vivir es un pase del testigo que ha de situarse en las generaciones siguientes. Una nueva leva de mujeres del siglo XXI vive y se prepara para tomar el relevo de las mujeres apasionadas del libro de Queralt. Están aquí y han de seguir luchando porque si bajan la guardia estarán perdidas; el campo ganado será hollado de nuevo por el más fuerte. “La vida del hombre sobre la tierra es milicia” decía el santo Job y el versículo tiene aún más validez para la mujer.

La Peña Taurina de “El 7” abre su cátedra de actos culturales

Julia Sáez-Angulo


La Peña Taurina “El 7” ha comenzado su serie de actividades culturales en su sede madrileña (c/ Doctor Esquerdo, 3), donde se llevan a cabo conferencias, debates y homenajes a personalidades del mundo de los toros. La Peña “El 7” está presidida por Emilio Morales.

El periodista José Antonio Donaire Parga ha sido el conferenciante de hoy domingo, día 4 de marzo, sobre el tema “Los toros, tradicional feria de vanidades”. El conferenciante del próximo domingo será Cesar Nuño de la Rosa y López Bravo, que hablará sobre “¿Dónde está la afición taurina?”

En el debate coloquio intervino Paco García Fuentes, aficionado torrijeño a la fiesta taurina, que habló entre otras cosas del cuestionado transporte de los toros bravos a los cosos taurinos.

El pintor Alfonso Sebastián, por su parte, ha inaugurado la exposición de su pintura de gran formato titulada “Toro en el campo”, un cuadro al óleo resuelto en ocres terrosos para la bestia y verde primavera, para la hierba del campo.

Junto a la pintura de Sebastián figuraba un soneto de Alfonso Martínez Mena, escritorr murciano recientemente desaparecido, que alude a la fuerza y nobleza del toro.

Entre los asistentes a los actos estuvieron la escritora Angelina Lamelas, que ha publicado recientemente una antología de su narrativa breve titulada “Cuentos de la vida casi entera”.

También estuvieron presentes el pintor taurino Pablo Reviriego, sobre todo acuarelista, y la artista Mercedes Ballesteros, que ha dado nombre al Certamen de Pintura Rápida al Aire Libre organizado por el Ayuntamiento que tendrá lugar en Noblezas (Toledo) el próximo 9 de mayo de 2010. Ballesteros ha realizado el retrato del diestro taurino de Albacete, José María Arenas, torero que ha sido apadrinado por la peña de El 7. (Más información: www.mercedesballesteros.com

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