POESÍA PARA FINALES DEL VERANO 2011

A Federico Chopin

Para Alberto José Logarzo



Monarca romántico
del piano.
Déjame ingresar
a tu tristeza
y vivificar
tras la belleza
de tus obras
las tempestuosas nubes
que te alcanzan.
Déjame unirme
a tus mazurcas,
Polonesas y baladas
que destilan
el dolor por tu patria
y tu nostalgia.
Déjame tus “Estudios,”
rebelión
de tu tierra avasallada,
y el brillo de tus valses rutilantes.
Y en la onírica placidez
de tus nocturnos
y en la desolada diversidad
de tus preludios
permanecer incansablemente
al arrebato decantado
de tu alma.
Y sonreir venturosa
en el virtuosismo de tus scherzos,
para desatar
el desierto que me abraza.l

Elsa Leonor Di Santo





EXTRAÑEZA

De pronto,
hombres y mujeres se hicieron extraños,
distantes, ajenos,
incluso los de la carne y la sangre.
No sentía su humanidad,
su presencia, su cercanía...
No entendía su ajetreo, sus gestos,
sus palabras...
Me sentí seco, aislado
en el abismo de las cosas y los días,
en el universo de la indiferencia
que gira como molinillos de papel
soplados por un viento ignoto
venido de lejos,
y a los que nadie mira.
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Julia Sáez-Angulo
Madrid, 23 de agosto de 2011

"TOC TOC", éxito de la comedia en el Teatro Príncipe Gran Vía

“TOC TOC”
De Laurent Baffie
Versión española de Julián Quintanilla
Teatro Príncipe Gran Vía. Madrid
Dirección Esteve Ferrer


Actores: Fran Sariego; Ana Frau; Esteve Ferrer; África Gonzalbes; Miguel Foronda y Sara Moros.


Julia Sáez-Angulo


Una comedia chispeante, con soltura y gracejo, llevada con buen ritmo para que no se pierda uno solo de los comentarios jocosos de los que está lleno el texto, adaptado sin duda al público y gusto español, respecto a la versión francesa. En algunos momentos hilarante y con un final sorpresivo.

“TOC TOC” va ya por la tercera temporada y, al igual que sucedió en París, su éxito no se ha hecho esperar en España. Varios personajes se dan cita en la consulta de un afamado psiquiatra en busca de la solución de sus obsesiones compulsivas. El tema no es nuevo, lo hemos visto en películas. El encuentro de este tipo de pacientes psíquicos da mucho juego, pero la versión de “TOC TOC” se resuelve con ingenio y dinamismo.

Son personajes muy dispares que van desde el señor bien a la jovencita, pasando por un taxista resoluto y deslenguado (Esteve Ferrer, también director), que articula bien la trama junto a la señora beata pesada, el catalán y la obsesa de la higiene. Tipos tópicos ya conocidos, sobre todo el de no querer pisar raya, la beata latosa o la obsesiva de la limpieza, pero que mezclados en la turmix de “TOC TOC” dan un juego renovado de interrelación, picardías, juegos de palabras, malentendidos, cinismos, bromas, chistes, burlas, mofas, befas y ternura envolvente.

Nada de la sal gruesa “a la española” del mal cine o teatro grosero –ojala tuviéramos siempre como prototipo el elegante humor cervantino- sino más bien el humor fino de comedia francesa, con ligeros acentos de vodevil, y algunos ecos de astracanada. Quizás resulte un poco irreverente en algunas menciones sobre la de la Santísima Trinidad o del Papa (quien nunca habla de condones sino de castidad) en boca del personaje más zafio, el taxista). “Hay que jugar con los soldaditos de plomo y no con lo sagrado”, dicen los italianos que son un pueblo viejo y sabio. Salvo estas salvedades, el tono se lleva bien, incluidas las “groserías” escatológicas en el segundo sentido del diccionario de la RAE, del personaje interpretado por Miguel Foronda, sencillamente magistral, haciendo creíble, casi “real” su personaje de señor educado con exabruptos.

La gente tiene sed y necesidad de reírse; con esta comedia lo logra muy a gusto. Es curioso registrar las risas o carcajada en los distintos gags, según la sensibilidad de cada grupo que la escucha. Una lección elocuente de las diferentes procedencias de cada cual. La diversión de “TOC TOC” está asegurada. El ligero acento catalán de Esteve y, sobre todo, de Fran Sariego le confieren cierto encanto. Se adivina mucho ensayo detrás de la obra para empastar el ritmo y la rapidez de las situaciones sin que se pierda un átomo del diálogo en las risas. Un buen trabajo teatral; un buen ejemplo de comedia que sostiene el tono. El humor, la ternura y la generosidad final la hacen casi una obra maestra.

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"La reina de belleza" de Leenane, exponente del teatro de la crueldad, llega al Teatro Alcalá

L.M.A.



GL Producciones presentará el próximo 1 de septiembre “La reina de belleza de Leenane” en el Nuevo Teatro Alcalá cuyo estreno oficial esta previsto para el miércoles 7.

La pieza forma parte de la trilogía de Leenane, pequeño pueblo de la costa oeste de Irlanda, donde transcurre la cruenta historia que escribió Martin McDonagh en 1996. Las obras de este peculiar dramaturgo, laureado con numerosos premios teatrales y cinematográficos, se caracterizan por la extrema violencia que se desarrolla en las mismas. Lo trágico y lo cómico se mezclan y confunden, la realidad se manifiesta a través del juego teatral donde el personaje y la situación son el protagonista.

McDonagh es uno de los máximos exponentes del denominado «teatro de la crueldad», y en este texto destacan los aspectos más violentos y grotescos con la finalidad de captar la atención absoluta del espectador, que se siente enganchado a la acción y al desarrollo de los personajes desde el primer momento.

“La reina de belleza de Leenane” ha obtenido numerosos premios desde su creación, al igual que esta producción, dirigida por Álvaro Lavin, y protagonizada por Gloria López, Maite Brik, Orencio Ortega y Pablo Gómez-Pando, con traducción de Vicky Peña, actriz que hace diez años, ya interpretó el papel de Mauren, una de las protagonistas de la obra.

Este es el tercer montaje de la compañía a cuyo frente se encuentran Gloria López y May Pascual, ambas con una destacada trayectoria teatral. En 2004 crearon la productora con la que han puesto en pie “El tren del holandés” y “El pelo de la dehesa”, montajes con los que han realizado giras nacionales e internacionales. El mismo recorrido sigue esta nueva producción, que se estrenó en octubre de 2009 en el Teatro Lope de Vega de Sevilla, para realizar posteriormente una gira por distintas ciudades del territorio español, además de presentarlo en el Teatro Solis de Montevideo y en el Teatro Nacional Cervantes de Buenos Aires donde obtuvieron un clamoroso éxito de crítica y público.

Después de más de 150 representaciones, esta arriesgada y valiente propuesta llega ahora a Madrid, a la Sala II del Nuevo Teatro Alcalá, donde permanecerá en cartel hasta el 23 de octubre-


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Walter Benjamín y Gershon Scholem, apasionante correspondencia de dos pensadores

“Walter Benjamin/Gershon Scholem
Correspondencia 1933 – 1940”
Traducción de Rafael Lupiana
Editorial Trotta
Madrid, 2011 (277 pags)




Julia Sáez-Angulo


Dos grandes pensadores Walter Benjamin (1892 – 1940) y Gershon Scholem (1897 – 1982) mantuvieron una intensa correspondencia en los años críticos de la década de los 30, hasta finales de la segunda guerra mundial. Sus cartas revelan sus reflexiones y razonamientos, sus opiniones sobre muchos temas, entre ellos sobre el escritor Kafka (1882 – 1924).

Albos pensadores son judíos y su tradición nutre las ideas aunque el enfoque sea diferente respecto a Kafk, por ejemplo. Benjamín dice del escritor checo:
“La obra de Kafka es un eclipse, cuyos focos, muy alejados entre sí, están determinados, por un lado, por la experiencia mística (que es, sobre todo, la experiencia de la tradición), y por otro, por la experiencia del hombre moderno de la gran ciudad”.

Gershon Scholem, por su parte, dice: “¿De verdad está obra representa para ti una “enfermedad de la tradición”? Yo diría que tal enfermedad reside en la naturaleza misma de la tradición mística: el que de la trasmisibilidad de la tradición sea lo único que se conserve vivo en ella, eso es lo natural en la decadencia de la tradición”.


“Historia de una amistad”

Scholem, dice en el prólogo: “se han reproducido íntegras las cartas de ambos. Tan solo en unos pocos pasajes he modificado el orden de algunas palabras, y en cuatro he suprimido manifestaciones de naturaleza personal referidas a personas que aún viven y que podrían tener un efecto difamatorio. Asumo toda la responsabilidad al respecto. Quisiera reclamar claramente que estas supresiones no se referían al Instituto de Investigación Social ni a sus colaboradores activos en aquel momento”.

En el libro “Walter Benjamín. Historia de una amistad” (1975), Scholem dice que poseía la colección completa de cartas de Benjamín, pero no las que él mismo había dirigido al filósofo. Los documentos caídos en manos de la GESTAPO habían sido destruido en gran parte. Le incautaron los papeles que dejó en su vivienda berlinesa y en la de París, que después se recuperó. Benjamín guardaba felizmente todas las cartas, útiles para completar esta peculiar correspondencia entre dos autores de una misma tradición y puntuales discrepancias.

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Elena Asíns expone en el Museo Reina Sofía una retrospectiva de su Arte Conceptual y Normativo

“Fragmentos de la memoria” 

Elena Asíns 

Museo Nacional Centro de Arte 

Reina Sofía. Madrid 

Comisario: Manuel Borja-Villell 

15 de junio – 31 de octubre

Julia Sáez-Angulo

Aunque el Museo Reina Sofía sea global, se agradece que, de vez en cuando, se acuda a las exposiciones monográficas de un artista español, que son las que dan idea clave de su trabajo y trayectoria. El olvido, cuando no abandono de numerosos nombres de los creadores plásticos españoles, pasará factura en un futuro a la dirección y los patronatos de los museos nacionales, autonómicos y municipales, llevados de un mimetismo expositivo internacional en adquisiciones y muestras. Habrá que esperar a los “revivals” de algunos comisarios de moda para rehabilitar el buen arte de ciertos autores preteridos en diversas partes del territorio nacional.

Por todo lo dicho, se agradece poder ver la exposición de una artista como Elena Asins (Madrid, 1940), sin lugar a dudas la más conceptual del panorama actual en nuestro país. Su trabajo riguroso, constante, sin concesión a guiño oportunista alguno, se deja ver en esta muestra que abarca todo su quehacer plástico, desde sus orígenes en el Centro de Cálculo en los años 60 hasta nuestros días.

Una obra de una pureza extrema que recorre, básicamente en blanco y negro la dicción que va desde la línea sutil hasta la escultura al aire libre, como la célebre descomposición de paralelepípedos en la playa de Zarauz, en bellísimo mármol brasileño.

El sentido estético de la obra de Asíns nace de su sentido filosófico y su profunda religiosidad. El autor alemán Wittgensttein y el Antiguo y Nuevo Testamento son lecturas habituales de la artista que nutren con fundamento su obra plástica.

Mujer y artista cosmopolita

Mujer y artista cosmopolita, Elena Asíns ha recorrido diversas ciudades del mundo, en las que instaló oportunamente su estudio, como Stuttgart, Nueva York, Hamburgo (que le marcó notablemente) hasta residir hoy en día en una borda de Azpirotz (Navarra), después de dejar Madrid.

En la obra de Asíns hay series memorables, en su mayoría reciente, trabajadas en ordenador, lo que le permite seguir con exactitud el arte pautado y normativo que exige la creación plástica a partir de la geometría pura. “Paradigma for Scale” es una de las series compuesta por 272 dibujos a lápiz, tinta y esmalte sobre papel vegetal, serie que ahora se exhibe completa en la muestra del Reina Sofía.

Las 90 impresiones digitales del “I Ching”, basadas en el “libro de las mutaciones chino, es otro trabajo digno de mención por su gran visualidad. Los “Dólmenes” y “Menhires” son igualmente una serie de los 90, en las que Elena Asíns trata de buscar la esencia del arquetipo en la búsqueda constante del hombre.

Sistema y proceso son el método de creación de esta autora, primera fila del panorama artístico español. Búsqueda de un lenguaje plástico de sumo ascetismo sin perder el deseo óptico, casi monocromo y suprematista, que caracteriza buena parte de su obra.

El video mostrado en esta exposición del Museo Reina Sofía es muy informativo y elocuente del trabajo de la artista expuesta.

Junto a Palazuelo y Barbadillo, Elena Asíns constituye lo más granado del arte geométrico, normativo, sistematizado más puro y sin concesiones del panorama español. Algún día valdría la pena confrontar la obra de estos tres grandes del arte contemporáneo.

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Mónica Rodríguez y David Fernández Sifres publican sus libros ganadores de Literatura Infantil y Juvenil

“Diente de León”
Mónica Rodríguez”
Premio Ala Delta (pags. 160)
Ilustradora Ximena Maier
(A partir de 10 años)
Editorial Edelvives



“El faro de la mujer ausente”
David Fernández Sifres
Premio Alandar (pags. 208)
A partir de 12 años
Editorial Edelvives





Julia Sáez-Angulo



Célebres ya, los premio Ala Delta y Alandar en sus respectivas categorías de infantil y juvenil, Mónica Rodríguez (Oviedo, 1969) y David Fernández Sifres León, 1976), ganadores de la última edición de los galardones, han visto publicados sus libros por la editorial Edelvives.

Un niño que lee será un adulto lector y eso es lo que desean padres y educares de la lengua. Un joven lector será un ciudadano que conozca mejor el vocabulario de su idioma y por fuerza, en principio, se expresará mejor que quien no lo hace.

Un género de prestigio

La literatura Infantil y Juvenil en España goza de buena salud y la Asociación de Escritores de este género tiene su propia dinámica digna de todo elogio. Montserrat del Amo es sin duda la decana de este género, por su edad octogenaria y el bagaje de más de más de 60 libros que tiene en su haber, además de los galardones más cotizados en este campo: Premio Lazarillo y Nacional de Literatura. Ha sido igualmente finalista del famoso premio internacional Andersen, que se otorga en Noruega. El nombre de Montserrat del Amo merece estar en la Real Academia Española de la Lengua


El libro de Mónica Rodríguez, “Diente de León” versa sobre un anciano que regresa al pasado de su infancia marcado por la traición de su mejor amiga. “El faro de la mujer ausente” de David Fernández Sifres, sobre la investigación de un asesinato relacionado con la segunda guerra mundial.

La editorial Edelvives cuida con fervor la literatura juvenil e infantil, así como las ilustraciones de sus libros, algunas de las cuales han merecido un reconocimiento internacional

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Harold Bloom, autor de "La escuela de Wallace Stevens" sobre poesía estadounidense

“La escuela de Wallace Stevens” 

Harold Bloom 

Edición de Jeannette L. Clariond 

Editorial Vaso Roto. Poesía 

España –México, 2011

Julia Sáez-Angulo

      21.08.11 .- “Las auroras de otoño” de Wallace Stevens y “El puente” de Hart Crane son los libros de poemas, cabeza de fila de la poesía norteamericana del siglo XX, a juicio del conocido crítico Harold Bloom, autor entre otros de un interesante y discutido canon literario. “La escuela de Wallace Stevens”, en edición de Jeannette L. Clariond para la editorial Vaso Roto, ofrece una acertada visión del objetivo propuesto.

Entre los autores seleccionados figuran entre otros Elisabeth Bishop, James Merril, A.R. Ammos, May Svenson, John Hollader, Amy Clampitt, John Ashbery, W.S. Merwin, Mark Strand, Charles Wright, William Wadsworth, Anne Carson, Henri Cole o Li-Young-Li.

¨ Los poetas de una tradición, en principio carecen de ella”, recuerda Jeannette L. Clariond en sus palabras introductorias al libro y continúa: La escuela de Wallace Stewens se nutre de Longino en el sentido sublime y de Ralph Waldo Emerson en su mirada a la naturaleza. Sus seguidores son lectores fuertes, ávidos, reflexivos, solitarios, han leído a los griegos, por ende pueden seguir los postulados del Romanticismo, así como los del simbolismo, el naturalismo, el surrealismo y, por lo general, se han nutrido de otras lenguas”.

Herederos de un gran poeta

Clariond señala que el libro no es una antología sino, como indica el título, la escuela de los seguidores de Wallace Stevens, “creador que camina con la vela en llamas y cuyo pensamiento se asiente en aquello que Coleridge bien pudo colegir: el poeta de talento crea grandes obras siguiendo lo pasos de sus maestros; el de genio, inventa la realidad en el poema. Inspirado en Emerson, Stevens pone su mirada en Lucrecia, Horacio y Plotino, va a la luz y viene de la luz.”

En sus agradecimientos, Clariond agradece el acercamiento al Museo Judío de Girona y en sus palabras menciona el entremezclamiento de la cábala de Girona y la cábala dd los gnósticos de Castilla..."

LA CUSTODIA DE LA CATEDRAL DE TOLEDO EN MADRID

LMA

Cada Corpus Cristi la magnífica Custodia, seguida por las numerosas cofradías toledanas, sale de la Catedral y recorre las calles de su ciudad en una procesión que está entre las más importantes de España. Lo que no es frecuente es verla fuera de Toledo.

Autor

La Custodia fue creada por Enrique de Arfe entre 1517-1524, por encargo del cardenal Cisneros. Tardó ocho años en finalizarla. El resultado de tanto esfuerzo fue la actual custodia de traza gótico arcaizante con planta hexagonal, una maravilla que carece de parangón en su género. Mide más de dos metros y medio; está estructurada en cuatro cuerpos, tiene 5.600 piezas. Leva 152 kilos de plata. Tiene 260 estatuillas y pesa más de 17 arrobas. Su costo superó los quince millones de maravedies. La plata fue sobredorada a finales del siglo XVI por orden del Cardenal Quiroga.

Tan magnífica joya suele ir colocada en una carroza de madera adornada con figuras talladas (unas de alto relieve, otras exentas otras). En cada frente un medallón representa uno de los cuatro Evangelistas. Fue construida en en 1781 por Bernardo Miquele.

Viajes

Con motivo de MJM la hermosísima Custodia toledana ha salido de la Catedral y por primera vez a podido ser vista en Madrid.

Este ha sido el tercer viaje de tan impresionante joya.

El primero fue a Barcelona, en 1952, con motivo del Congreso Eucarístico. El segundo a la Expo Universal de Sevilla, en 1992, para el pabellón de la Santa Sede.

La tercera para ser adorada en Madrid por el Papa Benedicto XVI y por miles de fieles, fundamentalmente –pero no solo- jóvenes, en la clausura de la Jornada Mundial de la Juventud, en Cuatro Vientos.