Javier Abella, Mónica Jimeno, Héctor Delgado, Almudena Torró, Imarteko, Juan Béjar y Carlos Chacón en la Feria Artist 360 en el Hotel Ilunion

Julia Sáez-Angulo

Fotos: Peter Wall, A. Zapisek y L. Rodríguez

5/6/21.- Madrid.- Javier Abella, Mónica Jimeno, Héctor Delgado, Almudena Torró, Imarteko, Daniel Godino, Joaquín González , Fabio Hurtado, Federico Echeverría, Alonso de Sousa o Carlos Chacón en la Feria Artist 360 en el Hotel Ilunion de Madrid (Avda Pío XII, 77). En suma, 70 artistas, 5 galerías de arte y 10 países en este encuentro artístico, que viene después de las cuatro ferias anteriores recientes en la capital de España. 

La Feria, que tiene lugar del 2 al 6 de junio, por lo que se clausura hoy domingo a las 21 horas, se abre con una bellísima fotografía de Javier Abella, un nocturno sobre el Palacio de Cristal del Retiro madrileño. En su stand, Abella presenta fotografías de la Alhambra, Madrid y Barcelona.

    Entre las galerías: Santana y Mayval, con Lola Rodríguez y Elena.

“El verdadero artista tiene la capacidad de representar lo que no existe, para que empiece a existir”, es la cita de Paul Cezanne que abre el catálogo que recoge la relación e imágenes de los artistas que se exhiben.

Alonso de Sousa me explica el proceso de sus obras de arte digital en la galería Santana: “En el arte digital no todo se basa en las herramientas de retoque fotográfico; sino que abarca un campo muchísimo más amplio. 

Existen multitud de herramientas en los programas de dibujo y pintura que permiten emular el trazo y comportamiento de todo tipo de lápices, rotuladores y pinceles, y todo tipo de pigmentos o texturas como acuarelas, óleo o tinta; bien a través del ratón o trackpad del ordenador, bien a través de pinceles y lápices electrónicos de manejo más parecido al dibujo tradicional. 

En cualquier caso, yo personalmente, no me limito a la hora de realizar mis pinturas, y utilizo varias técnicas en cada una de mis obras, combinado pintura y dibujo realizados con medios digitales con elementos y herramientas de fotografía también digital, en lo que últimamente vengo denominando: técnica mixta digital”.

“Una vez creado el archivo, corresponde el presentarlo para su exposición al público, y para ello también utilizo diferentes medios, ya sea mediante impresión en papel fotográfico o lienzo; y próximamente espero probar con metacrilato o marcos de luz, que, si bien son medios bastante más costosos, resultan muy atractivos y novedosos”.

Imposible hablar de los árboles, cuando el bosque de la feria era tan tupido, quizás en exceso: Interesantes las esculturas en tela metálica de Almudena Torro, la de hierro de Héctor Delgado, las de madera, especialmente la de la entrada en lápices de colores del argentino Daniel Godino; las geometrías de Federico Echevarría; las de madera reciclada de Imarteko; tremendas por impactantes, pero algo grimosas las de Cristina Jobs… En pintura: interesante la colorista y pop de Mónica Jimeno, la obra abstracta del venezolano Carlos A. Chacón; la figuración de Juan Béjar y Fabio Hurtado…

 El arte para disfrutar la vida. El arte para no volverse loco en ella.

Béjar ante su obra

Mónica Jimeno ante su "autorretrato" moral

Adriana Zapisek, pintora

 

“Desde el principio. Claves actuales de la ciencia del desarrollo para promover la crianza sana”

Julia Sáez-Angulo

5/6/21.- Madrid.- “Desde el principio. Claves actuales de la ciencia del desarrollo para promover la crianza sana” es el libro de Marta Giménez-Dasf, publicado por la editorial Pirámide. La educación de la infancia es clave en una sociedad, pero la educación de los niños se ha transformado mucho en los últimos años. Se ha convertido en algo realmente difícil de hacer y sobre lo que hay demasiada información. Todo ello crea a veces confusión a los padres, que conviene reflexionar y clarificar.

La autora aborda los conocimientos para criar niños sanos desde un punto de vista psicológico y para prevenir futuros problemas de salud mental. La obra recorre los ámbitos más relevantes del desarrollo infantil, como el apego, el temperamento y la personalidad, los estilos educativos, los estilos comunicativos y las habilidades de regulación y propone ejercicios prácticos para que madre y padres, padres y educadores en general puedan reflexionar sobre lo que hacen con los niños teniendo claro cual es el camino que lleva a un desarrollo sano.

El índice del libro acoge los siguientes capítulos: Las implicaciones de tenr hijos; La inmadurez de la infancia; Conocer el mundo; Del temperamento a la personalidad; Las necesidades afectivas del bebé; Estilos educativos y estilos comunicativos y, El desarrollo autorregulado, la clave del desarrollo sano.

“La psicología del desarrollo es la disciplina a la que he dedicado mi vida profesional”, dice la autora Marta Giménez-Dasf en el prólogo y en él reconoce a “Ileana Enesco, la formidable profesora que marcó mi trayectoria, y lo que yo misma enseño hoy a mis alumnos”.

El Archivo Histórico Ferroviario participa en la Semana Internacional de los Archivos #IAW2021

Se celebra entre el 7 y el 11 de junio con el tema “Empoderar los archivos”.

El AHF organiza varias actividades, con visitas guiadas al Archivo y la Biblioteca Ferroviaria, publicación de un vídeo de presentación de un expediente completo y otros vídeos en los que las especialistas del AHF responden a consultas de usuarios.

Continúa la campaña “Miradas y recuerdos del ferrocarril. ¡Comparte tus fotos!”, que invita a donar fotos relacionadas con el mundo del ferrocarril para incorporarlas a los fondos del AHF y mostrarlas en una exposición virtual.

L.M.A.

    Madrid, 4 de junio de 2021. Entre el 7 y el 11 de junio se desarrollará la tercera Semana Internacional de los Archivos #IAW2021, promovida por el Consejo Internacional de los Archivos (ICA), que fue creado en 1948 en la ciudad de París como órgano asesor de la UNESCO. Este año se celebra con el tema “Empoderar los archivos” y es una valiosa oportunidad para que los profesionales y organizaciones de la archivística y la gestión documental puedan difundir los objetivos de su profesión y el importante trabajo que realizan las instituciones en que trabajan, para fomentar la colaboración entre organizaciones e invitar a los usuarios a participar en lo que hacen los archivos, el papel que desempeñan en la sociedad actual y los servicios que prestan a sus usuarios. Los archivos son la memoria de las naciones y sociedades, son los garantes de su identidad y su historia, y custodian una importante parte del patrimonio cultural mundial.

El Archivo Histórico Ferroviario (AHF) de la Fundación de los Ferrocarriles Españoles, con sede en el Museo del Ferrocarril de Madrid, se suma a las propuestas del ICA organizando varias actividades para esta semana.

Se ofrece una visita guiada al AHF y la Biblioteca Ferroviaria para grupos los días 7 y 9 de junio, previa inscripción en archivo_historico@ffe.es, que se complementa con una visita también guiada a la exposición “Madrid-Delicias. 140 años de una estación”, dedicada a la sede del Museo del Ferrocarril de Madrid. Hay otra visita programada el 11 de junio en la que participarán los alumnos de 4º de la ESO del IB San Isidro de Madrid.

El AHF ha preparado un vídeo de presentación de una pieza destacada de sus fondos: el expediente completo del proyecto de la estación de Jerez de la Frontera, con toda la documentación preparada para la construcción de la estación andaluza. Además, con el título “Pregunta, AHF responde”, se han realizado cuatro vídeos en los que los usuarios plantean una pregunta relacionada con un tema de interés y las especialistas del AHF le responden también a través de un vídeo. Todos estos audiovisuales se difundirán a través del canal de YouTube de la Fundación de los Ferrocarriles Españoles y redes sociales.

“Miradas y recuerdos del ferrocarril ¡Comparte tus fotos!”

Esta campaña anima a compartir la memoria visual del ferrocarril y donar las fotos relacionadas con el mundo del ferrocarril para incorporarlas a la fototeca del AHF e incluirlas en una exposición virtual en la web del Museo del Ferrocarril de Madrid. Para ello, pueden acercarse directamente a la Sala de Consulta del Museo con una memoria externa, y allí se digitalizarán las fotografías, o bien tienen la opción de utilizar el formulario creado en la web para enviarlas directamente en formato digital: http://www.museodelferrocarril.org/archivoybiblioteca/fototeca.asp. 

 El Archivo Histórico Ferroviario constituye junto con la Biblioteca Ferroviaria el centro de referencia para el estudio del ferrocarril en España y el archivo más importante para la investigación de las antiguas compañías ferroviarias privadas y de la propia RENFE. Realiza una importante labor en la difusión de sus fondos, que son de lo más variado: actas de las antiguas compañías ferroviarias, sus libros de contabilidad y de presupuestos, documentos sobre tarifas, emisión de títulos y deuda pública, de relaciones con el Gobierno y otras instituciones, documentación sobre infraestructura ferroviaria, asuntos de personal, al igual que numerosos planos que ilustran los proyectos ferroviarios y una importante fototeca con más de 400.000 unidades.

Más información: www.museodelferrocarril.org

Mercedes Tirado junto a sus alumnos en el Centro Dotacional Integrado de la Arganzuela

Mercedes Tirado y Carmen Valero

Carmen Valero

Fotos: Iñaqui Arregui y Peter Wall

4/6/21.- Madrid.- La pintora Mercedes Tirado Pardo y Carmen Vicén Aznar han presentado la obra pictórica -óleos y acuarelas- de sus alumnos en el Centro Dotacional Integrado de Arganzuela, muestra que permanecerá abierta al público hasta el día 9 de junio.

    Entre los alumnos Antonio Palomo, Iñaqui Arregui, Ramón Allica, Concha del Tío, Manuela, Ángel … 

    La profesora Mercedes explicó como ella proponía en clase una serie de objetos: violín, sopera, botella, etc,  y cada alumno mostraba su estilo más o menos cercano al cubismo. El mar era otro de los temas expuesto en la muestra colectiva.

Más información

http://mercedestiradopardo.blogspot.com/

Marina cantábrica de Lope, adquirida por la poeta Berta García

Canal en Venecia y puente Perrault sobre el río Manzanares de Iñaqui Arregui

“De Troya a Ítaca. 100 herramientas de coaching para el acompañamiento educativo”

Julia Sáez-Angulo

2/6/21.- Madrid.- “la vida es como una leyenda: no importa que sea larga, sino que esté bien narrada”, decía Séneca y este libro “De Troya a Ítaca. 100 herramientas de coaching para el acompañamiento educativo”, de Diego Cuevas Gámez, psicopedagogo, con ilustraciones de Carlos Cuevas Ruiz, diseñador creativo, publicado por la editorial PPC va siguiendo hitos e islas del relato de Homero en la “Odisea”, para dar cuenta de los avatares que un largo viaje como la vida ofrece al propio protagonista y es motivo de observación y aprendizaje para los lectores.

A Ulises le costó dejar a su hijo Telémaco para acudir a la guerra de Troya, pero hay decisiones que tomar y él lo hizo. El coaching, acompañamiento personal que ayuda ante la aventura a descubrir, por un lado, a uno mismo, y por otro las propias potencialidades, aceptando la incertidumbre con la actitud apropiada para superar cualquier reto.

Son muchos los que afirman que en la vida lo importante es el viaje más que la meta, aunque sin perder esta de vista. “En la “Odisea” aparecen los códigos de honor, de la buena educación, de la comunicación, de la seducción, de la guerra y de la paz”, se dice en la introducción del libro que nos ocupa. Ciertamente, Ulises es uno de los héroes más fascinantes de la mitología.

Cada uno de los doce capítulos del libro se dedica a estudiar uno de los temas del coaching, el primero, la figura del acompañante, seguido de la estrategia para fijar metas, trabajar la identidad, sentido de la vida, gestión y control emocional, resiliencia, comportamientos, bajada a los infiernos, llamas tóxicas, palabras, pensamientos y creencias negativas, estrés negativo (distrés) por agobio mental, valores y análisis de aspectos de la persona.

Cada uno de esos asuntos se pone en paralelo con las islas que va recorriendo Ulises a lo largo de su viaje por el mar y se ofrecen las herramientas para vencer, conocidas y llevadas a la práctica en talleres por el autor, que considera su obra “tremendamente práctica”. Y nos ofrece, finalmente, un consejo de Homero en el capítulo XV de la “Illiada”:  “¡El salvarnos está en nuestras manos! ¡Luchemos con brío!

OBITUARIO. Wilhelmina Cole Holladay, fundadora del Museo de Mujeres Artistas en Washington

Wilhelmina Cole Holladay, coleccionista y mecenas del arte

Julia Sáez-Angulo

4/6/21.- Fue una mujer norteamericana que ha dejado huella, sobre todo por resaltar el rol creativo de las mujeres en las artes a lo largo de los siglos, pese a haber sido oscurecidas en los museos y manuales de estudio. Esto fue lo que observó y movió a Wilhelmina Cole Hollaway que falleció el pasado mes de marzo en su casa de Washington a los 98 años. El Museo Nacional de las Mujeres en las Artes, NMWA, fundado por ella en Washington en 1986, a partir de su colección particular de 500 obras de 150 artistas es su gran logro, apoyada por un equipo de damas eficientes. Su esposo, el oficial naval Wallace Holladay, la apoyó en su empeño y esto, sin duda facilitó las cosas. No hay nada mejor que encontrar un varón colaborador en la tarea de una mujer.

Wilhelmina Cole Hollaway (1922-2021) estudió y se graduó en Historia del Arte en Estados Unidos y las universidades de Cornell y París. Trabajó en China durante la segunda guerra mundial y allí conoció a su esposo. En sus viajes por Europa conoció y se fascinó por la pintura de Clara Peeters en los museos de Historia en Viena y en el Museo del Prado, Madrid, y se sorprendió de que no figurase en los libros de Historia del Arte, junto a los nombres masculinos, pues al ser mujer, consideraban de entrada que se trataba de una pintura inferior.

Consciente de esta carencia e injustica sobre la reputación del arte de las mujeres, Wilhelmina decidió trabajar en este campo para repararla, incluso a riesgo de crear un posible gueto. Coleccionista y mecenas junto a su esposo, adquirió la sede de un antiguo gran templo masónico en Washington, para instalar en él su espléndida colección de arte de mujeres. Fue en 1981. Quiso que su proyección fuera internacional y viajó a España en los años 80 para conversar con diversas mujeres en el mundo de las artes: Elisa Mancini, Consuelo Mas, Mayte Spínola, Nati Cañada, Patricia Villalba, Maica Noïs, María Robles, Julia Sáez-Angulo, Patsy Vidal… El objetivo era fundar una Asociación Española de Amigos del NMWA.

Entre las artistas de la colección del NMWA se encuentran nombres como Clara Peeters, Artemisia Gentileschi, Angelica Kauffman, Judith Leyster, María Sibyla Merian, Marie Cassatt, Camille Claudel, Georgia O´Keeffe, Frida Khalo, Käte Kollwitz, Louise Dahal-Wolfe, Lotte Laserstein, Elisabeth-Louise Vegée-Lebrun, Dorothy Dehner, Joan Cinder, Elizabeth Catlett, Lee Krasner, Helena Frankenthaler, Hortensia Núñez-Ladeveze o Louise Bourgeois. 

El reconocimiento internacional de la labor llevada a cabo por Wilhelmina Cole Holladay en favor de la visibilidad y sonoridad de los nombres femeninos en las artes se ha manifestado en numerosos galardones y condecoraciones. El NMWA lleva a cabo una intensa tarea de exposiciones, publicaciones, investigación, conciertos, conferencias… Por sus obras los conoceréis.  

Más información

https://lamiradaactual.blogspot.com/2013/04/el-museo-nacional-de-la-mujer-en-las.html

Kike Domínguez, autor de la novela “La nobleza perdida”, inspirada en la obra pictórica naíf de Tito Lucaveche

Julia Sáez-Angulo

4/6/21.- Madrid.- Que las artes se relacionan y arraciman como las cerezas se sabe y es una realidad. En este caso, la novela de Kike Domínguez titulada “La nobleza perdida” está inspirada en la obra pictórica de Tito Lucaveche (1942), un chileno/español, residente en Andalucía, con una pintura hermosamente ingenuista y sabia. El libro ha sido publicado por el sello Talento de la editorial Caligrama, perteneciente al grupo de Penguin Random House.

Kike Domínguez (Villajoyosa, Alicante, 1971), hombre de negocios inmobiliarios se tomó un tiempo sabático a partir de 2001para viajar a la India e Hispanoamérica. En Honduras escribió su primera novela “El viaje de los mojados” (2019) y “La nobleza perdida” es su segunda novela, donde reúne a una serie de nobles en la fiesta de una finca, con un propósito secreto. Allí un cuadro del pintor Tito Lucaveche “El famoso burdel de Modigliani” atrapa las miradas y desencadena una acción. El cuadro en la imagen de la portada del libro.

El autor de la novela pide perdón al pintor “por haberme obligado a matarlo dentro de la novela. Tenía que justificar ciertos aspectos de la trama y no tuve más remedio que hacerlo”, explica Kike Domínguez. La novela “La nobleza perdida”, divida en tres actos, va ilustrada al final con las imágenes en color de varios cuadros de Tito Lucaveche.

Tito Lucaveche es una de las figuras más señeras del arte naíf, al que puede verse en los certámenes de este arte ingenuista, que convoca anualmente la galería Éboli en Madrid. Su pintura se caracteriza por su riqueza de personajes y el buen humor que rezuman sus escenas. Ha obtenido diversos galardones en su especialidad. El escritor Camilo José Cela  ha dicho de él: 

“Tito Lucaveche ama el tumulto, la historia contemporánea y el poético equívoco. En su obra late una artística impiedad y el más sutil e inaprensible aviso del amor que corre el riesgo de ser pisoteado”.

Olegario Úbeda, Medalla de Oro y Primer Premio del Salón de Primavera 2021 de la Agrupación Española de Acuarelistas, expuesto en la Casa de Cantabria

Julia Sáez-Angulo

3/6/21 .- Madrid.- El acuarelista Olegario Úbeda ha sido el ganador de la Medalla  de Oro y Primer Premio del Salón del Primavera 2021 de la Agrupación Española de Acuarelistas, AEDA, que se expone actualmente en la Casa de Cantabria de Madrid hasta el 15 de este mes de junio. El primer premio está dotado con mil euros.

La Medalla de Plata y el segundo premio, de 800 euros ha recaído en Pablo Rubén y la Medalla de Bronces y el tercer premio, con la misma cantidad para Cristina Agulló. El cuarto premio, dotado con 500 euros, para Juan Cabrero; el quinto premio para Manuel Macías, otros quinientos euros, en esta ocasión en materiales artísticos para pintura donado por la firma Sennelier.

            Hubo también cinco menciones de honor para Isabel Larrea, Vicente García, Javier Zorrilla, Ana María Rodríguez y Ricardo Rodríguez. Al Salón concurrieron casi un centenar de artistas, de los que se han seleccionado casi la mitad.

La entrega de premios estuvo presidida por Manuel Alpañés, presidente de AEDA , acompañado de la vicepresidenta, Aracely Caballero, acompañado de otros miembros de la junta directiva, que fueron entregando los premios y diplomas a los galardonados. El comisario del Salón ha sido Pablo Reviriego Moreno, responsable de exposiciones certámenes y relaciones exteriores de AEDA. 

El jurado estuvo compuesto por miembros de la junta directiva de AEDA y el crítico de arte Antonio Calderón.

Tanto el presidente de AEDA como el comisario del Salón destacaron el alto nivel de las acuarelas presentadas, lo que hacía de este Salón uno de los más memorables de su historia.

Más información

https://aedamadrid.org/

ART MADRID’21 RECIBE UNA GRAN ACOGIDA CON SU EDICIÓN MÁS ESPECIAL: EL REENCUENTRO CON EL ARTE EN VIVO

› Art Madrid’21 clausura su decimosexta edición con una gran asistencia de público y enorme reconocimiento del mercado nacional del arte

contemporáneo.

› La inauguración de la nueva Semana del Arte en Mayo ha despertado la ilusión y ganas de volver a disfrutar del arte en vivo.

› La crítica y el público aplauden la calidad artística y la diversidad del programa general y en especial el programa comisariado por Natalia Alonso “El arte de habitar”.

› Destaca la especial cobertura mediática alcanzada en esta edición que ha generado una asistencia masiva de medios nacionales.

L.M.A.

    Madrid, 2 de junio.- Art Madrid clausura su 16ª edición con gran satisfacción por la respuesta y acogimiento recibido en esta edición tan especial. Una feria que ha supuesto un auténtico desafío en el contexto actual y que celebramos con ilusión y agradecimiento. Art Madrid refuerza así su posición como feria de referencia internacional y nacional con una identidad imprescindible en el tejido del arte contemporáneo.

La nueva Semana del Arte se traslada a mayo recibiendo el entusiasmo del público visitante y coleccionistas por la elección de esta nueva fecha. Art Madrid ha contadocon las últimas creaciones artísticas en un año que ha permitido ahondar en los procesos creativos de investigación y elaboración de obra. Elementos como el tiempo y espacio amplios han permitido que disfrutemos de algunas obras como “Autorun”, de Kiko Miyares, la instalación performativa de Jaime Sicilia “Amapolas” o la pintura de Gorka García, “Tramboria”.

Durante cinco días, Art Madrid ha transformado la Galería de Cristal del Palacio de Cibeles en el evento de referencia para conocer las últimas tendencias del mercado del arte contemporáneo. Cumpliendo con los aforos establecidos y todos los protocolos de seguridad, corroboramos la posibilidad de realizar un evento seguro que permite disfrutar del arte en primera persona.

En opinión general de los asistentes y de los galeristas, se trata de una de las ferias más atractivas, accesibles y acogedoras en su recorrido. El público visitante confirmó con entusiasmo la posibilidad de volver a disfrutar en vivo de una gran variedad de disciplinas artísticas. También, señalan la diversidad y variedad en cuanto a estilos y recorrido de los creadores, agradeciendo a la feria la posibilidad de disfrutar del arte emergente en las generaciones más jóvenes.

Los galeristas que participaban en la feria por primera vez afirmaban que fue sorprendente ver la feria llena de gente en todo momento siendo una primera experiencia positiva que les ha permitido establecer contactos con coleccionistas e instituciones de gran renombre. Esta misma opinión es compartida por las galerías fieles a Art Madrid, que además subrayan el potencial crecimiento de de la feria año tras año y su emblemática situación en el corazón de la capital, a lo que se suma el esfuerzo constante por ofrecer la mejor oferta de arte contemporáneo del momento.

Sobresale en esta decimosexta edición la gran difusión y repercusión mediática que ha alcanzado la feria. A pesar de la especial relevancia que generó la obra “Pietà” de la artista Silvia Flechoso en la galería Inéditad, agradecemos la cobertura detallada de todos los proyectos expositivos que componían la feria.

Las visitas guiadas del recorrido comisariado llevado a cabo por Natalia Alonso Arduengo recibieron una excelente acogida. Un diálogo abierto en el que reflexionar a través de la imagen y nuestra mirada con una cuidada selección de 12 obras que dialogan en torno al concepto de vivir y de habitar. La crítica asegura haber encontrado entre las 31 galerías y más de 150 artistas participantes una propuesta diversa que de manera orgánica generaban un recorrido inspirador y único para cada observador. Entre los datos más destacados de esta decimosexta edición sobresale el cambio de paradigma social en el que nos encontramos afirmando que ocho de las diez artistas más jóvenes son mujeres.

De igual modo, Art Madrid también despunta como feria óptima para adentrarse en el coleccionismo, algo que confirma Pía Rubio, directora del programa de iniciaciónal coleccionismo dentro del proyecto “One Shot Collectors”, quien corrobora un aumento de compradores jóvenes en torno a los 40 años que se inician en el coleccionismo con piezas de pequeño o mediano formato. Además subraya el gran interés que ha suscitado para coleccionistas profesionales el servicio de asesoramiento al realizar un acompañamiento personalizado y singular en la adquisición de obra.

En efecto, en esta edición se ha constatado un aumento del respaldo prestado desde las instituciones públicas, con mayor presencia de autoridades y representantes políticos. Agradecemos la visita inaugural de la Delegada del Área de Gobierno de Cultura, Turismo y Deporte, Andrea Levy, la vicealcaldesa del ayuntamiento de Madrid, Begoña Villacís y la Asesora del Área de Gobierno de Cultura, Turismo y Deporte del Ayuntamiento de Madrid, Isabel Rosell.

Desde el gobierno de la Comunidad de Madrid asisten, Alicia Nieto Fernández, Área de Programación cultural (D.G. de Promoción Cultural) y Nieves Montero Arranz, Responsable Área de Conservación y Restauración.

Deben destacarse las visitas desde el Ministerio de Cultura y Deporte con, entre otros, Santiago Asensio Merino, Subdirector General de Atención al Ciudadano, Documentación y Publicaciones (Subsecretaría del Ministerio), María Ángeles Pérez Corrales, Técnica de la División de Estadísticas y Estudios (Secretaría General), Mª Antonia González Cano, Subdirectora General de Recursos Humanos e Inspección de los Servicios (Subsecretaría del Ministerio), Pilar Barrero García, Subdirección General de Gestión y Coordinación de los Bienes Culturales (D.G. Bellas Artes) y Carlos González-Barandiarán y de Muller, Subdirección General de Registros y Documentación del Patrimonio Histórico (D.G. Bellas Artes). Todo ello da cuenta del interés mostrado desde el sector público por dar sustento al arte y la cultura.

Sobresalen las numerosas visitas de comisarias tan destacadas como Lorena Martínez de Corral y María de Corral, directores de museos e instituciones culturales de renombre como el Museo Reina Sofía, Museo Thyssen Bornemisza, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, COLECCIÓN INELCOM, Centro de Arte Dos de Mayo, Museo del Romanticismo, Museo Lázaro Galdiano, Museo Municipal de Arte Contemporáneo, Museo Tiflológico Museo Francisco Sobrino, Fundación BBVA, Fundación Botín, Fundación Caja de Burgos, Fundación Carlos de Amberes, Fundación Goethe, Fundación Manuel Benedito, Fundación Mapfre, Fundación Santander y Fundación MER.

Art Madrid ha contado en esta edición con el patrocinio de One Shot Hotels para llevar a cabo el programa “One Shot Collectors”. Una colaboración en apoyo al arte y fotografía como sello y personalidad de la joven cadena hotelera. También agradecemos la colaboración de Cultura Inquieta con su recorrido seleccionado en Art Madrid’21, el apoyo de la revista Yorokobu y el trabajo gráfico de MADPHOTO.

Art Madrid celebra así los 16 años de trayectoria con una edición inolvidable, un reencuentro con el arte en vivo que afianza su evolución y reconocimiento como espacio único de la creación actual internacional, apoyando tanto a los artistas emergentes como a los profesionales más consolidados convirtiéndose en un evento imprescindible para coleccionistas, expertos y otros agentes culturales necesarios para la dinamización del arte contemporáneo.

Un cuento de SM para dejar el pañal se convierte en líder de ventas en su categoría

Con cerca de 200 000 ejemplares vendidos en España, ¿Puedo mirar tu pañal? de SM es el libro favorito de los padres para esta etapa evolutiva.

Un entrañable y divertido álbum ilustrado con solapas para leer en familia, y con el que los niños aprenderán los primeros hábitos.

Además, durante el confinamiento, fue uno de los cinco libros infantiles más vendidos en España.

L.M.A.

    Madrid, 3 de junio de 2021.- ¡A cepillarse los dientes!, ¡Vamos a la cama!, ¡Hora del baño!..., son frases que se repiten constantemente en los hogares con niños pequeños, relacionadas con rutinas y actividades diarias que deben aprender.

Los libros son una buena herramienta para ayudar a establecer hábitos en el día a día del niño y facilitarles su adquisición. Cuando ellos ven referentes de sus iguales realizando sus mismas actividades, no se sienten solos, y no perciben como algo impuesto tener que hacer todas esas cosas, porque el resto de los niños también lo hacen. Asimismo, ven las consecuencias de no hacerlo, y la empatía con un personaje de cuento les ayuda en su aprendizaje.

¿Puedo mirar tu pañal?, publicado por SM en 2009, es un divertido libro dirigido a pequeños entre 2 y 3 años, creado por el autor e ilustrador belga Guido van Genechten.

Ratón tiene que olisquearlo todo, hasta los pañales de sus amigos. Husmea, uno por uno, en los pañales de Liebre, Cabra, Perro, Vaca, Caballo y Cerdo. Por supuesto, sus amigos también quieren mirar el pañal de Ratón. ¡Y se llevan una gran sorpresa! Al final, todos se animan a utilizar el orinal como un paso para abandonar el pañal. El álbum presenta un abanico de posibilidades con las que estimular la capacidad de aprendizaje temprano. También constituye una magnífica oportunidad para que los padres y la familia compartan con el pequeño la consecución de sus logros.

Desde la publicación del primer título, se han vendido más de un millón de ejemplares en Holanda y se ha traducido a 7 idiomas, entre ellos el inglés, el alemán, el italiano, el japonés o el sueco.

SM lanza la campaña #OperaciónPañalSM para acompañar a las familias y educadores en este paso tan importante en el crecimiento de los niños. Y relanza el título en una edición especial que va acompañada por el peluche del ratón.

Actualmente, el catálogo de SM cuenta con varios títulos para el aprendizaje de los primeros hábitos:

El orinal de Lulú El libro de los culitos

Pepe & Mila tienen mucha prisa ¡No hay nada!

Una herramienta para crecer

Durante los primeros meses de vida se desarrollan la personalidad, los sentidos, el lenguaje, la inteligencia o la motricidad. Todas las experiencias y aprendizajes que viven los niños en sus dos primeros años quedan grabadas para siempre. Por eso, desde SM se apuesta una vez más por el apoyo a los padres en esta etapa, a través de libros divertidos, pero didácticos y educativos.

Compartir con nuestros hijos un momento de lectura es abrirles un mirador a la vida, a nuevas experiencias; y, a la vez, significa consolidar los hábitos y los valores positivos que día a día nos esforzamos por inculcarles. La inigualable experiencia de la lectura tiene mucho de lúdico.

Establecer rutinas diarias que, poco a poco, se vayan convirtiendo en hábitos es fundamental para el desarrollo de la autonomía del niño y para que se sienta seguro: ir a dormir, dejar el pañal, masticar bien la comida, decir adiós al chupete... En muchas ocasiones, los libros son una buena herramienta para mostrarles estas rutinas y facilitarles su adquisición.

En la cuenta @literaturasm  en Instagram se puede acceder a más información y asesoramiento de pedagogos sobre este tema.

    Su creador: Guido van Genechten nació en Mol (Bélgica) el 19 de agosto de 1957. Estudió dibujo, pintura, diseño y fotografía en la Academia de Artes Gráficas de su ciudad natal. Creció en un entorno rural y sigue viviendo en el campo. Probablemente por esa influencia, los protagonistas de sus historias son animales con rasgos muy humanos, es decir, conejos, cerditos, tortugas u osos polares que pasan por las vivencias de un niño, provocando situaciones cómicas y entrañables.

Sus ilustraciones se caracterizan por estar perfiladas en negro y por su rico colorido, mientras que las historias suelen terminar con una moraleja. Ha conseguido varios reconocimientos, como el Premio Internacional de Ilustración de la ciudad de Hasselt y el Premio Reader’s Digest al Mejor Ilustrador de Libros Infantiles de 2007. Su libro La pequeña canguro fue elegido Libro Ilustrado del año 2007 en los Países Bajos.

En su país ha publicado más de cuarenta libros infantiles (el primero en 1995), la mayoría de los cuales han llegado a España.

Rosa Serra, la Gran Dama de la Escultura con taller en Olot, celebra 50 años de su arte

Escultura de Rosa Serra

Rosa Serra, escultora

Julia Sáez-Angulo

2/6/21.- Madrid.- Rosa Serra celebra los 50 años de brillante trayectoria como escultora, en la que ha llevado a cabo una obra de gran formato y monumento públicos en España y fuera del país. Un gran libro catálogo da fe de ese medio centenar de años en los que esta mujer lo ha dado todo en su creatividad dentro de la tercera dimensión. Ha trabajado con la piedra, el mármol, el bronce y el poliéster. La escultora comenzó a exponer en la década de 1970. Su preciada obra habla de ella con elocuencia y ha merecido la Medalla de Oro Mayte Spínola, que le será entregada en breve. Galardón que sumará a la Gran Cruz de Sant Jordi de la Generalitat catalana en 2008.

En el Jardín de los Artistas de la Casa Museo El Romeral, sus palomas blancas posan lucen con elegancia en los troncos podados de los árboles que arrasó el temporal Filomena a comienzos de 2021. La Naturaleza imita al arte y el arte a la Naturaleza en una simbiosis misteriosa. Rosa Serra colabora con frecuencia en los proyectos artístico o solidarios del Grupo pro Arte y Cultura que fundó Mayte Spínola, quien elogia siempre su obra.

Rosa Serra i Puigvert (Vic, Barcelona, 1944) es hoy una dama menuda, con una fortaleza creativa que asombra. Estudió con Lluis Corot, Lluis Carbonell y en la Escuela de Bellas Artes de Olot, ciudad en la que reside. Allí rompió con la escultura imaginera olotina y adoptó un lenguaje de modernidad que le ha hecho tener encargos de numerosas sedes y entidades deportivas e incluso olímpicas para Seul en 1988, Lausanne, Kuwait… 

Actualmene, Rosa Serra trabaja en proyectos de gran formato para Valladolid, Calonge, La Haya y Nueva York. 

El buen catálogo plurilingüe e ilustrado, recordatorio de los 50 años de escultura de Rosa Serra, acoge textos de Modest Cuixart, David Moner, Juan Antonio Samaranch, Arcadi Calzada, Josep Valls, Antonio Garrido, Luis Racionero y otros, además de un bello haiku de Eusebi Puigdemunt. La introducción es de Jaume Barno, Assumpta Brugada y Aniol Barnó.

Su obra abarca fundamentalmente la figura humana, pero también el bestiario y los objetos. El estudio de Rosa Serra ha sido siempre un lugar de acogida y tertulia de numerosos amigos, coleccionistas, intelectuales y políticos.

Rosa Serra pertenece a esa pléyade de potentes escultoras españolas que nos han dejado su obra reseñable como Hortensia Núñez Ladeveze, Elena Laverón, Elena Asíns, Elvira Gutiérrez, Marga Gil Roësset, Teresa Eguibar, Pilar de la Vega, Eva Aggerholm, Esperanza D´Ors… 

Esculturas de Rosa Serra

"MIRÓ POEMA", UNA EXPOSICIÓN DE OBRAS DEL PINTOR EN LA FUNDACIÓN MAPFRE DE MADRID

Miró Poema se adentra en el papel que la poesía juega en la obra de Joan Miró al tiempo que aborda la relación de complicidad que el artista estableció con diversos poetas y escritores de su época

Mayte Spínola, Joan Punyet Miró y Julia Sáez-Angulo en la exposición

L.M.A.

Fotos: Peter Wall

    03.05.2021.- Madrid.- Fundación MAPFRE ha presentado  en Madrid la exposiciones: "Miró Poema", que podrá visitarse desde el 3 de junio hasta el 29 de agosto en la sala Recoletos, ubicadas en el Paseo de Recoletos, 23, en Madrid.

A lo largo de su trayectoria, Joan Miró (Barcelona, 1893-Palma de Mallorca, 1983) se interesó por muy diversas disciplinas artísticas. Abordó la escultura en bronce y el modelado, las diversas técnicas de estampación, y la música y la lectura ocuparon un lugar fundamental en su vida. En el ámbito literario, mostró especial preferencia por la poesía y la prosa poética.

La exposición, compuesta por 17 pinturas, 31 dibujos, 9 libros ilustrados y diversa documentación relacionada con estas disciplinas, trata de descifrar el papel que tuvo la escritura poética en la trayectoria de Miró y analiza la relación de complicidad que el artista estableció con diversos poetas como Lise Hirtz, Paul Éluard, Tristan Tzara, Jacques Dupin, Joan Brossa y Jacques Prévert.

El recorrido expositivo tiene dos polos cronológicos: el primero de esos polos lo marcan las décadas de 1920 y 1930, en las que realiza una pintura que se aleja cada vez más de las convenciones establecidas por la figuración. Influido por el surrealismo y por la práctica del dibujo, el artista, de forma parecida al modo en el que sus amigos escritores abordan la página en blanco, trabaja en obras cada vez más desnudas, despojadas de toda anécdota o narratividad y se muestra consciente de estar «en caminos peligrosos».

En estos años la palabra comienza a “salpicar” algunas de sus obras, en forma de frases, sintagmas, onomatopeyas y metáforas. Sin embargo, estos lienzos siguen siendo pinturas, todavía se resisten a dejar de serlo, tal y como el propio artista señala a través de los títulos les otorga: Peinture «Tête de fumeur» [Pintura «Cabeza de fumador», 1924], Peinture «Femme, tige, coeur» [Pintura «Mujer, tallo, corazón», 1925] o Peinture «TIC TIC» [Pintura «TIC TIC», 1927].

De forma paralela, Miró trabaja con distintos escritores y poetas ilustrando sus libros. Utiliza distintas técnicas de estampación que aprende siempre concienzudamente y no se queda en la mera ilustración, sino que va más allá y trata de ofrecer un significado más amplio del texto, “iluminándolo”.

El segundo de esos polos cronológicos lo marcan los últimos años de la década de 1960, en los que el artista avanza en su trayectoria sin olvidar lo ya realizado. Ahora aquellas obras que partían de la poesía pero que todavía conservaban en su título «pintura», se convierten literalmente en «poemas«, tal y como señalan los títulos de un grupo de lienzos en los que trabaja por estas fechas y que pueden contemplarse en «De la poesía al poema», última sección de la exposición.

Además, la muestra presenta algunos proyectos en los que tanto texto como ilustración surgen de sus propias manos, libros de artista en los que el Miró iluminador y el Miró poeta se encuentran. Ejemplo de esto son Le lézard aux plumes d’or [El lagarto de las plumas de oro, 1971], Ubu aux Baléares [Ubú en las Baleares, 1971] o L’enfance d’Ubu [La infancia de Ubú, 1975], además de un cuaderno inédito concebido como proyecto para un libro de artista, entre la poesía y la plástica, realizado entre 1936 y 1939.

Con motivo de la exposición se ofrece a los visitantes un recorrido audioguiado distinto de los habituales. Fundación MAPFRE ha encargado a diez poetas actuales en lengua española y catalana la creación de poemas inspirados en obras presentes en la exposición. De ese modo, se genera un nuevo contenido literario que actualiza el vínculo entre poesía y pintura en Miró. Los usuarios de la audioguía podrán escuchar, de boca de sus creadores, poemas de Luisa Castro, Alberto Chessa, Antonio Colinas, Miquel de Palol, Olvido García Valdés, Darío Jaramillo, Sandra Lorenzano, Juan Carlos Mestre, Julia Piera y Cristina Peri Rossi.

Exposición organizada por Fundación MAPFRE con la colaboración especial de la Fundació Joan Miró.

Mayte Spínola y Julia Sáez-Angulo en la exposición "Poema Miró"

Mayte Spínola, Joan Punyet Miró y Julia Sáez-Angulo

Rubens. Biografía artística y espiritual del pintor holandés por Jacob Burkhardt

Julia Sáez-Angulo

       31/5/21.- Madrid.- Un diálogo entre el gran pintor del Barroco flamenco, Pedro Pablo Rubens (1577-1640) y el autor del libro “Rubens”, Jacob Burkhardt. El libro ha sido publicado por la editorial Casimiro. Rubens fue un pintor que trabajo intensamente para la Corona española y que dejó una obra sensual espléndida sobre el cuerpo humano -especialmente en mitología greco-romana-, además de algunos soberbios retratos, entre ellos su Autorretrato (1623). 

        La portentosa fuerza creadora de Rubens le capacitó para unir el arte del norte y el sur de Europa. Su legado es una riqueza para la humanidad. El Museo del Prado conserva una de sus mejores colecciones y la sala de las musas es ciertamente un tesoro inigualable. Su estilo exuberante y dinamismo en el color no tienen parangón en la Historia del Arte.

El libro “Rubens” recorre, entre otros, los siguientes veinticinco capítulos: Su vida, Posición de la pintura Occidental, Los aguafuertistas; Composición y colorido; El niño desnudo, Belleza y expresión espiritual, La expresión religiosa, La composición, Sobriedad en la composición, Lo teatral en el arte, Representación del espacio, El pintor de lo animado, Los cuadros descriptivos, Imágenes milagrosas, La Asunción, La antigua mitología, Cuadros mitológicos descriptivos, Historias de la Roma antigua, Historia de María de Médici, La alegoría religiosa, Cuadros de costumbres…

En suma, un recorrido exhaustivo por la vida, historia y creatividad de unode los grandes genios de la pintura de todos los tiempos.

Walter B.L. Bose escribe en la presentación del libro un elogio del autor Jacob Burkhardt como habilitado profesor que obtuvo en 1845 una cátedra extraordinaria en Basilea destinado en un breve intervalo de tiempo a un viaje de estudio y de labor literaria a Berlín y por Italia. Se trata de uno de los historiógrafos suizos más relevantes.

“Tanto las figuras femeninas como los niños desnudos fueron la expresión más acabada de su arte (de Rubens), al cual se agregaban las numerosas interpretaciones de escenas religiosas, crucifixiones y retratos de santos y santas”, dice Bose.

Exposición: BILL BRANDT en la Fundación MAPFRE- Sala Recoletos de Madrid

Paseo de Recoletos, 23- Madrid

Del 3 de junio al 29 de agosto de 2021

Bill Brandt, fotógrafo

Maica NÖIS

    02/06/2021.- La exposición forma parte de la Sección Oficial de Photo España 2021. Comisariado por Ramón Esparza que expresa "sus fotografías pueden verse en relación con lo "umheimlich" - lo extraño, lo que produce temor-en el límite de lo bello.". Toda su trayectoria se apoya en las bases fundamentales del surrealismo.

La muestra es la primera retrospectiva en España de Bill Brandt (Hamburgo 1904 - Londres 1983). Se le considera uno de los fotógrafos  británicos  más influyentes del siglo XX. Se han reunido 186 fotos positivadas por el propio Bill Brandt, quien en sus tomas, a lo largo de casi cinco décadas, abordó con un carácter ecléctico los principales géneros de esta disciplina fotográfica: el reportaje social, el retrato, el desnudo y el paisaje. Así lo ha señalado Paul Delany, su biógrafo, en "Bill Brandt. A life" (2004)  y al que como fotógrafo siempre fue considerado como un "flâneur" (paseante). La exposición se complementa con: escritos, algunas de sus cámaras, su lupa de retoques, documentación y la proyección de una entrevista muy al final de su vida a la BBC en la que es muy emotivo contemplar a Brandt en directo y sus palabras "no suelo planear nada" "A veces hay que tener suerte en la fotografía" "Nunca he hecho otra cosa". Un hombre amable y modesto que huye de los halagos, que ha hecho por Londres lo que Brassaï y Arget hicieron por Paris.

Todo se ha podido realizar a través de la Fundación Mapfre por cortesía de Bill Brandt Archive de Londres y de la Edwynn Houk Gallery de Nueva York.

Se ha fragmentado la exposición para su recorrido en seis secciones:

Uno )Primeras Fotografías.- 

Brandt descendía de familia rica de origen ruso. Los miembros de la familia Brandt se afincaron en varios países europeos donde abrieron establecimientos y ejercieron actividades mercantiles y comerciales. Su abuelo paterno había nacido en Rusia pero su padre había nacido en Londres por lo que oficialmente tenia nacionalidad británica.

Vivió entre Viena y París, hasta establecerse en Londres en 1934. Trató desde el principio de borrar sus orígenes ante el horror del nazismo. Con la creación de una nueva personalidad que siempre mantuvo un halo de misterio en su vida. Sus comienzos con la foto parecen estar ligados a sus estancias en sanatorios suizos por la tuberculosis. Probando un nuevo tratamiento con el psicoanálisis se trasladó a Viena, donde en 1928 realiza, alcanzando bueno elogios, el retrato de Ezra Pound. 

Se traslada a Paris para entrar durante un breve espacio de tiempo con Man Ray como asistente. Paris podía decirse entonces era el centro del mundo y donde nació la fotografía moderna. Por lo que Brandt siempre insistió en colocar sus comienzos en la Ciudad de la Luz y estando consagrada como la capital europea de la fotografía. Realiza con su compañera en el estudio de Ray y después esposa Eva Boros de origen húngaro viajes a su Hamburgo natal y España-Madrid, Barcelona en esta ciudad el 15 de abril de 1932 se casan en el consulado británico de la capital catalana y Mallorca vacaciones. En estas visitas realizó un verdadero dosier de imágenes listas para ser usadas en la prensa, antes de instalarse definitivamente en Londres en  abril de 1934 donde además de instaurar su nueva personalidad retrata un país con sus grandes desigualdades sociales

Dos) Arriba y abajo.-

Durante veinticinco años Brandt enterró por completo sus  raíces  haciéndose pasar por ciudadano británico. En su biografía escrita por Paul Delany se afirma que "Brandt no solo quiso vivir en Inglaterra sino también volverse inglés". En la década de los 30, después de la crisis del 29, se  sucedieron grandes movimientos sociales y huelgas para protestar por la situación nefasta de crisis. Dentro de este escenario hace su primera publicación "The English at Home" con el diseño más utilizado por las publicaciones gráficas centroeuropeas: contraste significativo entre cada par de fotografías. Así ofrecía la contraposición entre dos clases sociales sin mezclarlos. Dos años después publica "A night in London".

Al comenzar la Segunda Guerra Mundial comienza a trabajar para el Ministerio de Información. Y realiza sus dos celebres series: en una las fotografías de centares de londinnenses durmiendo en estaciones de metro como improvisados refugios y en el otro la solitaria ciudad fantasmal solo iluminada por la luz de la luna para evitar ser visualizada por los bombarderos. En ambas de detectan los estragos de la contienda en la población civil.

Utilizó para algunas tomas a familiares y amigos, componiendo sus propios escenarios. La dureza de vida y cierres llevó al paro a más de dos millones y medio de personas.. Hizo el retrato social de estos años añadiendo el retrato de las ciudades del norte en el aspecto sombrío de Halifax y Newcastle.

Tres) Retratos.-

Gran parte de su producción aparecía en publicaciones y revistas desde 1943 como "Picture Post", "Lilliput" y "Harrper´s Bazaar" en su edición americana.  Explicó que "la meta del fotógrafo debe ser encontrar una semejanza que conlleve algo del futuro del sujeto. Realizar la foto cuando suceda algo interno entre el sueño y la acción" "Captar un momento suspendido entre pasado y futuro, que haga preguntar y cuestione al retratado y al espectador". En  Lilliput  se realizaron los "Young Poets of Democracy" con los retratos de los más representativos escritores y poetas de la generación.

En clara inspiración surrealista realizó una serie de ojos de artistas entre ellos Tapies, Braque y Moor representando las miradas de quienes transforman el modo de ver y representar el mundo. La amistad y relación personal y colaboraciones  con los escultores Moore y Hepword duró toda la vida . Moor dibujaba mientras Brandt fotografiaba los mismos motivos. Las formas biomorficas en la madera de Moore recuerdan los desnudos de Brandt. Las obras de ambos se expusieron en 2020 en el Museo The Hepworth Wakerfield

Cuatro) Paisajes descritos.-

No dejó nunca de practicar el retrato. Se introduce en el paisaje para completarse en lo que se considera tradición. Para Brandt "la atmosfera" era fundamental. Debía de tener una serie de referencias estéticas: entre la tradición pictórica y la literatura, para llevar al espectador a una respuesta emocional con la contemplación. Realmente quiere contener el espíritu del lugar con la imagen. Así su concepción del paisaje se engarza con la pintura, la tradición en la fotografía y la literatura. En su "Literary Britain" (1951) acompaña las imágenes con textos literarios de distintos autores británicos.

Cinco) Desnudos.-

Toma de nuevo sus trabajos en desnudos en 1944. Un tema que es clásico en la pintura. Con esta vuelta se marca la evolución desde el documentalismo a la consideración social de artista..Para realizarlos se sirve de una vieja cámara de placas con un objetivo que producía una sensación de gran espacialidad y profundidad con el fin de trasformar el espacio cotidiano.

Visita las playas del Canal de la Mancha para hacer una serie de retratos del pintos George Braque (1950). En su visión en las piedras les da un sesgo femenino. Carne y roca, calor y frio, dureza y morbidez en el mismo discurso formal. Al perder toda referencia se generan sensaciones más poéticas y más profundas.

Sin embargo sus desnudos a finales de los 70 no tienen nada que ver con los anteriores y trasmiten y reflejan un cierto sentimiento de ya no pertenencia a este mundo.

Seis) Elogio de la Imperfección.-

En la introducción a "Camera in London", libro sobre la capital británica publicado en 1948, señalaba "Considero esencial que el fotógrafo haga sus propias copias y ampliaciones. El efecto final de la imagen depende en gran medida de esas operaciones, y solo el fotógrafo sabe lo que pretende".

Le resultaba imprescindible el trabajo en el laboratorio para poder tener el control.

La visión de la obra de Brandt, que abarca cerca de medio siglo, es incuestionablemente poética unido a un concepto de "identidad" que en una primera acepción está en los orígenes geográficos y su correlativa en su filiación cultural y que en este caso es asimilado en nuestros días como uno de los más grandes, sino quizás el más grande fotógrafo británico.

En esta muestra todo el soporte en blanco y negro con el gran poder expresivo de sus valores. Estamos ante una figura fundadora de la fotografía británica contemporánea que lo ha convertido en una especie de ícono para el que a todos los jóvenes fotógrafos simboliza la tradición fotográfica inglesa del siglo XX y siempre con su halo de personaje misterioso y carismático.