sábado, 23 de marzo de 2024

Día Internacional del Teatro 2024. Mónica Maffía en el Teatro Rojas de Buenos Aires

Artes Escénicas. Teatro- 2024 El Rojas, dependiente de la Secretaría de Relaciones Institucionales, Cultura y Comunicación de la UBA presenta "La anémona y el jabalí" De Mónica Maffía Foto: Santiago Bouzas . Estreno: miércoles 27 de marzo | 20 h | Buenos Aires. Argentina

Mónica Maffía, dramaturga


24.03.2024.- Buenos Aires

DíA MUNDIAL DEL TEATRO 

Funciones: jueves de abril | 20 h Sala Batato Barea | Av. Corrientes 2038/2040 Entrada: $3000. A través de www.rojas.uba.ar y en boletería PB Madrid, 1936. 

Sinopsis.- Dos locutoras de ideologías opuestas se miden y rivalizan en un programa de radio en tiempos de censura y agitación política y social. La incorporación de una misteriosa sonidista, tensa aún más la situación, pero la música, la poesía y el radioteatro abrirán caminos de sororidad y tejerán alianzas en momentos de peligro para la República Española. 

FICHA TÉCNICA Autora y directora: Mónica Maffía Elenco: María Mercedes Olivera, Eva Matarazzo, Rocío de León Asistencia de dirección: Irene Sánchez Diseño de caracterización: Elisa D'Agustini Diseño y realización de utilería: Mariela Guillén Diseño gráfico: Martín Tozer Banda de sonido: Nicolás McCormick Producción: Estudio de Artes Performativas 

DURACIÓN: 1’ 15’’ BIO 

Mónica Maffía. Premiada dramaturga y traductora con obras traducidas al inglés, francés, y árabe, publicadas y representadas en la Argentina y en el exterior. Directora de teatro y ópera, con más de 60 montajes clásicos y contemporáneos. Actriz formada en Londres. Especialista en Shakespeare y Marlowe. Fue curadora del evento SHAKESPEARE 1º FOLIO 2023 en el C.C. Rojas. Es conductora y productora de contenidos del programa de radio “Shakespeareana” en Radio UBA.

Más información

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viernes, 22 de marzo de 2024

Exposición: “GOYA, EL DESPERTAR DE LA CONCIENCIA”, en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando



Alcalá, 13-Madrid

Del 22 de marzo al 23 de junio de 2024    


        Mayca NÖIS

21/03/2024- Se presenta a los medios la gran exposición comisariada por Víctor Nieto Alcaide, académico delegado del Museo, Calcografía y exposiciones temporales, quien ha realizado una cuidadosa selección de obras en las que prevalece la voluntad de mostrar el contexto histórico y artístico de Goya. Su experiencia y actitud como artista y pensamiento.

Se compone  de veintiocho pinturas, seis dibujos, ciento ochenta láminas de cobre grabadas por Goya y sus correspondientes estampas. La práctica del grabado es el medio propicio en el que Goya se libera del encorsetamiento de los encargos pudiendo dar paso a su imperio en la expresión.

Las matrices calcográficas de Goya han sido liberadas del baño de acero y cromo que las recubría por lo que pueden contemplarse como fueron creadas. Se aprecian los matices que antes quedaban ocultos por el baño metálico cubriente.

La exposición se divide en cuatro ejes temáticos:

UNO.- El pintor, la norma y la clientela.- Inmensa es la obra de Goya y se realiza en muy diversos campos temáticos (religioso, histórico, la nobleza, el rey, la corte, amigos y él mismo), ejecutadas en distintas  técnicas y experimentando constantemente con planteamientos formales distintos. Siempre buscando lograr la identificación de la pintura con él mismo y su visión del mundo y de la vida. En los años 80 del siglo XVIII obtuvo gran prestigio. En sus últimos años impregnó su obra en la expresividad destructora de las normas correspondiendo con su estado de ánimo.

En este capítulo se exhiben: autorretrato ante el caballete (1785), Varios lienzos de niños jugando (1775-1785), Retrato de Marianito (1813), retrato de Joaquina Candado Ricarte (1802), duque de San Carlos boceto-1815, El cuaderno de Madrid (aguadas y tinta china 1794), Vista de Madrid desde la Pradera de San Isidro 1788 (lápiz y papel verjurado), “El arrastre”( oleo taurino sobre hojalata 1793), corrida de toros en un pueblo (oleo 1808)

DOS.- “El despertar de la conciencia” Un pintor con una inquietud si límites. Capacidad de percepción para captar lo que sucede alrededor. El tener que realizar obras, casi siempre por encargo, es motivo de insatisfacción. Así se lo escribe a Bernardo de Iriarte (1794- “el capricho y la invención no tienen ensanches”. Una libertad expresada en “Los Caprichos”-1799, serie que demuestra su voluntad real sin convencionalismos, con mirada severa y crítica en realidades, actitudes y comportamiento reprobables. Otra obra realizada y cometida con total libertad  y técnicas no formales los frescos de la ermita de san Antonio de la Florida en Madrid.

Se acompaña a esta sección: óleo de Gaspar Melchor de Jovellanos, 1798, óleo de Leandro Fernández de Moratín, 1799, óleo de Juan de Villanueva 1803, óleo del grabador Rafael Esteve y Vilella 1815, óleo de  Jose Luis Munárriz, 1815

TRES:- “Una pintura al margen del estilo”. Su pintura siempre fue fluida y espontanea enfrentada al rigor del dibujo académico. Aunque siempre fue un magnifico dibujante se apoyó más en la expresividad de la materia. Por lo que en 1792 opina sobre la enseñanza de la pintura solicitada por la Academia  “no hay reglas en la Pintura”---“ puesto que esto actúa de impedimentos a los jóvenes creadores en un arte tan difícil” Lo que plantea es un arte libre y al margen de todo estilo. Un ejemplo de estas aseveraciones. Las pinturas negras y las estampas de los “desastres de la guerra”

Acompañan en este sección: oleo El entierro de la sardina 1808, oleo Hospital de Apestados, 1808, oleo Fusilamiento en un campo militar 1808, oleo “vagabundos descansando en una cuneta” 1808, oleo “El lazarillo de Tormes” 1808, oleo Vuelo de Brujas 1798,

IV.-“ La expresividad de la razón” a partir de los 90 del siglo XVIII se acentúa la expresividad a desfavor de la academicidad de lo que se aleja cada vez más al mismo tiempo que como su acervo interior se van oscureciendo en color, determinativo de la angustia existencial que mantiene y que están en acorde con los acontecimientos: revolución francesa (1789), guerra de la independencia (1808-14) además de su radical cambio sobre su idea en la pintura coincidente  como medio de expresión entre el estado de ánimo y la conciencia. Es una pintura que lleva la expresividad al límite en un planteamiento crítico de rebeldía de la razón.

Obras en esta sección: oleo “casa de locos”1808, oleo “escena de inquisición”1808, oleo “Procesión de disciplinantes” 1808,  dibujo “la pirámide” 1788, dibujo “Vínculo indisoluble” 1816, dibujo “Fraile muerto” 1821, oleo autorretrato 1815.

 “Los Caprichos”: censurar de los errores, denunciar el abandono de la razón desde la razón, penetran en la realidad con un lenguaje innovador de un mundo en crisis que coincide con una grave enfermedad-1703- por la que pierde el sentido del oído. Las imágenes de Los Caprichos ha sido posible contextualizar debido a que en general van acompañadas de leyendas escritas.

Durante su convalecencia solicita al consejero del rey, Bernardo de Iriarte, su interés para ejercitar libremente el capricho y la invención. Ese mismo año empieza a dibujar “El cuaderno de Madrid” con imágenes profundamente críticas y caricaturescas. Los Cuadernos de Sanlúcar, los Sueños, el culmen con las Pinturas Negras

En” Los Desastres de la guerra” trata de ofrecer la profunda huella que esta deja en el ánimo del artista en las consecuencias de una lucha cruel y sus consecuencias de enfermedad, hambre, fanatismo, terror, injusticia, miseria, muerte. La serie completa no fue estampada en vida del autor. La Academia de San Fernando compró la serie y procedió a estamparla en 1863.

La serie de “Los Disparates” es una sucesión narrativa impregnados de figuras literarias. Se conocen escasos datos sobre su intencionalidad. La serie fue adquirida dieciocho años después que Los Desastres por la Academia de Bellas Artes de San Fernando y se estampó en la Calcografía Nacional con el nombre de Proverbios Su cronología más acertada se encuentra en el periodo entre 1816 a 1824.

El resultado en esta gran exposición ha sido eliminar los baños galvánicos que se sobrepusieron a las matrices de Goya 1745-1828, que fue el objetivo de dar mayor dureza al cobre original para aumentar el número de estampaciones, se le ha practicado una nueva situación de matrices “a cobre descubierto”. Con el resultado de la actual colección de 228 planchas grabadas por Goya. Todo ello en un largo proceso de toma de decisiones por grandes profesionales y consejeros científicos que han asegurado el singular y extraordinario patrimonio de las planchas grabadas por Goya.

La exposición se celebra después de clausurarse en el Palazzo Reale de Milan bajo el título “Goya la rebelión de la razón” organizada por colaboración con el “24 Ore Cultura”. Domenico Piraina, director del Palazzo Reale de Milán y director de Cultura Cittá Di Milano,  expresa “Francisco de Goya un hombre y un artista que vivió a caballo entre los postreros destellos del mundo antiguo y las promesas llenas de incertidumbre de la modernidad….El mundo en el que había nacido y había prosperado llegaba a su fin……. Lo único que deseaba era dar rienda suelta a su imaginación de hombre libre…. André Malraux, en su ensayo sobre Goya y el Bosco, este llevo a los hombres al infierno y Goya trajo el infierno a los hombres……… su mensaje es ético y universal y es por el cual aún hoy lo celebramos”

Tomás Marco Aragón, director de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando se expresa en el libro catalogo  “en esta exposición se pueden comprobar las diferencias que existen entre sus obras iníciales y las realizadas en su madurez hasta el punto de que parecen corresponder a manos de artistas distintos. Sin embargo, esos cambios en su modo de pintar no obedecieron siempre a un deseo de trasformación formal sino a un fenómeno que este artista fue el primero en revelar. En Goya su entorno vital y sus miedos se reflejan de manera determinante en su pintura……..La exposición contiene un conjunto de obras que merecen una mención especial. Me refiero a las planchas grabadas de los Caprichos, los Desastres de la guerra y los Disparates, conservadas en la Academia, en la Calcografía Nacional, que han sido restauradas recientemente y que enriquecen el intenso e inabarcable mundo plástico del artista”

Es una exposición con un intenso trabajo previo, muy meritorio, que va a permitir adentrarse de pleno en la obra de uno de nuestros más grandes artistas plásticos. A partir del  día 4 de abril hasta el 20 de junio se abre un amplio ciclo de actividades: música, conciertos, conferencias, proyecciones.



"IDEAS QUE PEGAN", libro que explica por qué unas ideas sobreviven y otras mueren


Dan Heath y Chio Heath

        
L.M.A.

    22/3/24.- Madrid .- Una buena idea puede cambiarlo todo. Si quieres tener ideas poderosas y comunicarlas de manera efectiva para conseguir un cambio de conducta o modificar las opiniones de tus empleados, compradores, hijos, lectores o alumnos, Ideas que pegan es un libro publicado por la editorial LID.

Provocativo, de amplias miras y divertido, los autores muestran los principios vitales de las ideas ganadoras a través de seis claves concretas para hacer que  .- tus mensajes sean pegadizos. Ilustrado con ejemplos de sectores muy diversos —negocios, publicidad, educción, movimientos sociales, etc.—, los hermanos Heath explican por qué algunas ideas triunfan y otras fracasan en el intento.

Traducido a más de 25 idiomas, Ideas que pegan es un éxito de ventas en todo el mundo que está ayudando a miles de profesionales del marketing, creativos, ejecutivos de cuentas del mundo de la publicidad, directores de Comunicación, directivos en general y a todas aquellas personas que quieren hacer que sus mensajes lleguen, impacten y se peguen en la memoria.

Chip Heath es profesor de comportamiento organizacional en el Graduate School of Business de la Universidad de Stanford, columnista y conferenciante. Es ingeniero industrial por la Texas A&M University y doctor en Psicología por Stanford.

Dan Heath es consultor en Duke Corporate Education, Aspen Institute e investigador en Harvard Business School. Es cofundador en Thinkwell, una compañía innovadora de libros de texto multimedia.

SALVADOR ALVA, autor del libro "Lo que un lider no debe delegar", editado por LID

 * Anticipar el futuro. Atraer y desarrollar talento. Modelar la cultura


L.M.A.

https://www.youtube.com/watch?v=YFjyx4pighQ

        22.03.2024 .- Madrid .-  Una era de cambios exponenciales y disruptivos en donde las empresas que no se adaptan rápido mueren, y en la que los liderazgos tradicionales y jerárquicos están en extinción. Por ello, las organizaciones deben prestar atención a los temas del futuro, talento, agilidad y cultura, y ajustar sus estilos de liderazgo si desean crear empresas admiradas.

    Salvador Alva Gómez aborda el liderazgo con gran profundidad, llevándonos a escudriñar los cambios que se deben hacer para romper creencias muy arraigadas o, de lo contrario, el inconsciente dirigirá nuestras vidas y lo llamaremos destino. «En este cuarto libro, Salvador comparte sus reflexiones, experiencias y aprendizajes sobre el reto que significa ser un líder. Habla de la capacidad de ser ágiles, de innovar y delegar. Es el texto indicado para quien tiene que anticiparse al futuro y navegar las disrupciones exponenciales que ya enfrentamos, y que solo se acelerarán en los siguientes años. Todo empieza con el líder», dice Daniel ServitjeDirector general y presidente del Consejo de Administración, Grupo Bimbo
    «Los líderes que más necesitamos son gente optimista porque están bien informados. Esto les permite ver todas las oportunidades que existen a nuestro alrededor, pues siempre hay algo que mejorar y eso representa, en sí mismo, una ocasión para sobresalir. Salvador es uno de ellos y en esta obra nos muestra cómo hacerlo», afirma Enrique de la Madrid.
    Líder de opinión, conferenciante y especialista en análisis político y económico «Hemos entrado a un mundo donde las empresas ya no pueden quedarse como están: deben transformarse o se extinguirán por obsolescencia. Es un hecho que demuestra Salvador en esta original y esperada publicación», dice David Konzevik Economista, pensador y conferenciante

Salvador Alva Gómez estuvo al frente de seis cambios institucionales profundos en empresas de primer nivel, impulsando una cultura de transformación organizacional enfocada en el desarrollo de talento, el empoderamiento, la innovación y el emprendimiento. Fue presidente del Tecnológico de Monterrey, institución en donde lideró la evolución que la posicionó como la universidad privada #1 de México y la #28 privada a nivel mundial. También fue presidente de PepsiCo en América Latina y miembro de su Comité Ejecutivo. Es consejero, emprendedor, mentor, autor de los libros Tu vida, tu mejor negocio y Empresa admirada: la receta, y coautor de 20/20 20 listas geniales de 20 pensadores sobresalientes y de Un México posible. Una visión disruptiva para transformar a México con José Antonio Fernández Carbajal.

Poesía, siempre Poesía. SONETO A LA POESÍA, de Rogelio Sánchez Molero


SONETO A LA POESÍA

Te busco en lo profundo de mi almario.
Allí donde la vida se silencia,
donde se acallan ruidos e impaciencias,
en donde la palabra es santuario.

Bajo un olivo gris y centenario
cuya sombra refresca mi consciencia
evoco, oh poesía, tu presencia
en medio de este mundo insolidario.

Enséñame la voz de los collados
cuando se estrelle el cielo sin medida.
Desvélame  del hombre su secreto,

tú, que tienes del alma los candados.
Y yo haré con voz, con luz y vida, 
alzar el ara eterna del soneto.

Rogelio Sánchez Molero
Marzo 2024


SANTIAGO MONTOBBIO ha presentado su libro “Días en Venecia”, sobre sus estancias en la ciudad italiana de los canales


Santiago Montobbio, escritor  y presentadora del libro



L.M.A.

        22/3/24.- Barcelona.- La presentación de “Días en Venecia”, del poeta Santiago  .- Montobbio, ha tenido lugar en el Aula Maria Mercè Marçal de la Asociación Colegial de Escritores de Cataluña en Barcelona. En el acto participaron la soprano Patricia Caicedo, directora del Barcelona Festival of Song, y Òscar Esquerda, de Ònix Editor.
    El libro se articula dos partes, “Venecia” y “Otra vez Venecia”, que corresponden a dos estancias del autor en la ciudad italiana, en 2010 y 2014. El libro se escribió en dos momentos, unidos por Venecia y por la vivencia del mismo protagonista: el autor. Un dietario observador, descriptivo y reflexivo.

    Santiago Montobbio (Barcelona, 1966) inició su andadura como poeta publicando en la Revista de Occidente en 1988 y, al año siguiente, su primer libro, Hospital de inocentes. Es autor también de Ética confirmada (1990), Tierras (1996), Los versos del fantasma (2003), El anarquista de las bengalas (2005), Absurdos principios verdaderos (2011), La poesía es un fondo de agua marina (2011), Los soles por las noches esparcidos (2013), Hasta el final camina el canto (2015), Sobre el cielo imposible (2016), La lucidez del alba desvelada (2017), La antigua luz de la poesía (2017), Poesía en Roma (2018), Nicaragua por dentro (2019), Vuelta a Roma (2020), De infinito amor (Cuaderno del encierro) (2021) y Los poemas están abiertos (2023). Además, con el pintor Lluís Ribas, publicó el libro de arte Els colors del blanc (2008).
Santiago Montobbio, escritor  
Santiago Montobbio, escritor  y presentadora del libro



Santiago Montobbio, escritor  

jueves, 21 de marzo de 2024

MILY DALLACAMINÁ, poeta argentina, autora del libro "Soy la mujer extranjera", publicado por la Fundación Fernando Rielo


Milagro Dallacaminá, poeta argentina


    L.M.A.

22/3/24 .- Madrid.- Mily Dallacaminá, poeta argentina, es la autora del libro "Soy la mujer extranjera", publicado por la Fundación Fernando Rielo, que mereció la Mención de Honor XLI Premio Mundial Fernando Rielo de Poesía Mística. El libro ha sido presentado por José María López Sevillano, Marimé Arancet e Irene Mercedes Aguirre. Moderó Ascensión Escamilla, directora de la Fundación Rielo.
    SINOPSIS: “Soy la mujer extranjera” es poesía esencialmente transitiva, donde cada poema lleva por título  un topónimo extraído de los distintos puntos cardinales. De este modo el yo poético es todos los hombres y mujeres, todas las historias como en un abrazo abarcador. Es una experiencia que brota de la adhesión a Dios, de la experiencia de Dios en los caminos y encrucijadas de un mundo doliente, dando voz a la divina presencia escondida para identificarse con cada ser humano. La experiencia oracional, de testimonio y confesión que se desprende de los poemas, son rasgos denotativos de una poesía mística al estilo contemporáneo.
    María del Milagro Dallacaminá (Salta. Argentina, 1981), Mily, es una profesional de las Relaciones Internacionales y mediadora. Actualmente trabaja en el ámbito de la mediación comunitaria y en un proyecto contra la trata de seres humanos. Desde su época universitaria, se ha interesado por los derechos humanos y su relación con la interculturalidad. De hecho, el título de su tesis fue: «La universalidad de los derechos humanos: una visión desde la diversidad cultural».             Es de Salta, al norte de Argentina, y ha vivido en 9 ciudades diferentes, incluida una zona rural de Angola donde trabajó con niños y jóvenes, con los Salesianos de Don Bosco, y en Nairobi, donde estudió Innovación Social en el Instituto Amani y trabajó en la Escuela primaria de Gatoto. Estas y otras experiencias le han ayudado a desarrollar sus habilidades para la enseñanza, la formación, la escucha activa y la empatía, y a aumentar su interés por la interculturalidad y la consolidación de la paz.
        Desde 2008, es miembro activo del Movimiento de los Focolares Obra de María. Hizo voluntariado durante dos años, impulsada por su visión de unidad y entendimiento entre culturas y religiones. El diálogo que promueve este movimiento se basa en la espiritualidad y, en particular, en la importancia central del amor, y su regla de oro es: «No hagas a los demás lo que no quieras que te hagan a ti». 
            Mily Dallacaminá cree verdaderamente en esta opinión de Chiara Lubich, la fundadora. Afirma que le gusta «construir puentes, no muros», no como los ingenieros, sino como los mediadores; tender puentes entre las religiones, los pueblos, los países y las culturas.



TERESINA JORDÁ (1950-2022). Homenaje a la pianista, compositora, concertista, docente, pedagoga, investigadora, dibujante y poeta

David Jordà abrió el acto e interpretó al piano
Verónica Jordà en la apertura del homenaje. Feli Moreno, al fondo




Por Julia Sáez-Angulo

21.03.2024.- Madrid .- 21/3/24.- Madrid.- Teresina Jordá (1925-2010) ha sido objeto de un homenaje como mujer de cultura, artista pluridisciplinar y polivalente: pianista, compositora, concertista, docente, investigadora, dibujante y poeta. El acto, dirigido por la poeta Feli Moreno Romeroha tenido lugar en el Espacio Ronda y fue abierto por los hijos de la homenajeada: David y Verónica Jordà, que intervinieron también como intérpretes al piano.
Poetas y pianistas alternaron sus intervenciones. Entre los primeros: María Ángeles Fernández Jordán, Félix Martín Franco, Teresa Gancedo Dos Santos, Amelia Meco Roncero, Beatriz Campos, Rafael García Sanchez, Carlos Zapata... y, entre los segundos: Carlos Enrique Velasco, Marta Mesalles y Pablo Rueda.
De Lérida, ciudad de nacimiento de Teresina Jordà, vino un nutrido grupo de personas, entre ellos Josep Ángel Comes, presidente de los Armats, -institución cultural en la que actuó con frecuencia Teresina-, y su esposa Mercè Parés
Josep Comes recordó que Lérida era una localidad que ha dado buenos músicos e intérpretes y que respetaba y admiraba la labor realizada allí por las pianistas Pepita Cerdá. Por su parte, Julia Sáez-Angulo hizo una laudatio de la homenajeada: 

    "Artista pluridisciplinar y polivalente, Teresina Jordà Cervera (1950-2022), fue una gran intérprete de piano, digna hija de su madre, la pianista Pepita Cervera (1925-2010). Ambas pianistas recorrieron numerosas ciudades europeas y americanas en distintos conciertos, principalmente con las partituras de Enrique Granados, pues se sentían depositarias de la obra de este autor leridano, como ellas. Ambas pianistas nacieron en Lleida y sentían un gran amor por su ciudad natal, que visitaban con frecuencia y donde conservaban amigos y una casa. Pepita Cervera cuenta con una placa con su nombre en la casa donde nació.
“Enric Granados no tuvo tiempo de terminar todas las composiciones que estaba haciendo y su hija Natalia Granados de Carreras nos puso a disposición todo lo que tenía inédito de su padre”, declaró Teresina Jordá en una entrevista que tuvo lugar en el diario Menorca al día en julio de 2016.
El piano y la música compenetraba a las dos mujeres, Pepita y Teresina, en el escenario y en la vida. Si vamos a las cifras, ambas pianistas llevaron a cabo más de 2000 conciertos en 100 ciudades.
Teresina fue, además, una excelente compositora con más de 200 obras en su opus musical, entre las que figuran sus homenajes a Granados y a Pepita Cervera. A Granados dedicó una composición titulada “Evocación a Enric Granados”. Y a Pepita Cervera la composición titulada “Quimera azul”.
Con su poder de seducción -una acababa siempre diciéndole que sí, pese a la negativa de entrada- Teresina logró que yo impartiera, en 2017, una conferencia titulada “La saga Cervera – Jordà”, en la sede de Els Armats de Lleida, acto que fue presentado por Josep Àngel Comes, presidente de la citada institución.
Y finalmente, Teresina Jordà fue una notable poeta y dibujante, como lo muestra en sus cuatro cuadernos titulados “La Espiral de la vida”, que ella quería ofrecer ex profeso, con ese gusanito metálico, esa espiral que jugaba también con el propio título de los cuadernos poéticos. 
    Junto a todo ello, hay que sumar la docencia. Pepita Cervera y Teresina han formado a más de 3000 alumnos, a lo largo de 50 años. Cinco décadas de docencia musical, de la que han granado nada menos que 300 profesionales entre solistas de piano, viento, cuerda y voz, musicólogos, críticos musicales, dirección orquestal, coral o docentes. Con alguno de esos alumnos, como Pablo Rueda, Teresina llevó a cabo una serie de conciertos al piano, por distintos auditorios y ciudades. Más de 500 conciertos por Europa y los Estados Unidos.
    Al fallecimiento de su madre, Teresina fundó el Centro de Estudios Musicales Pepita Cervera.
    Como investigadora, Teresina estudió junto a su madre, entre otros campos, la música d´Oc, la música occitana y catalana, para conocerla bien e interpretarla mejor, para inspirarse y componer sobre o en torno a ella. Ambas musicólogas investigaron también la música de tecla del XVIII español, por un lado, y la música de los países nórdicos, por otro. Igualmente han recuperado obras de antiguos maestros de capilla -músicos asalariados en las catedrales- que ellas pusieron de nuevo en circulación por los escenarios.
    Teresina cuenta con una discografía amplia e interesante, junto a Pepita Cervera, en la que podrían destacarse la obra completa de Mozart y del compositor francés Francis Poulenc, así como la del compositor vasco Padre Donostia, cuya obra estaba inédita. Esta última fue grabada en los años 90.

    Teresina Jordá ha sido una mujer entusiasta y realista al mismo tiempo, una artista que ha trabajado y creado arte. Ella responde a esa idea de los clásicos latinos cuando decían, que la vida es tempus agendi, tiempo de actuar, de hacer cosas, de dejar un legado… ella lo cumplió con creces. Ella fue una mujer con talento, energía y tenacidad. Teresina Jordà ha dejado huella. Y sus hijos  David y Verónica Jordà son los legatarios de ponerlo de manifiesto.
    Al igual que su madre, Teresina fue una gran mujer, una magistral intérprete de la música, cuyo reconocimiento internacional se debe a su excelente técnica pianística, tratamiento único de la sonoridad y del pedal, de la belleza y coloratura del sonido.
    Más información

Feli Morenom conductora del acto
Carlos Velasco y Verónica Jordà

María Ángeles Fdez. Jordán, en su recital poético 
Marta Mesalles, gran intérprete llegada de Lérida, al piano
Foto de familia de los intervinientes en el homenaje



ANTONIO DOMÍNGUEZ REY, ensayo “La voz alofónica”. Potencia poética del lenguaje, libro publicado por la UNED


Profesor Antonio Domínguez Rey, lingüista



L. M. A.

    21/3/24.- Madrid.- El catedrático de Lingüística Antonio Domínguez Rey ha escrito el  ensayo de 547 páginas, titulado “La voz alofónica”. Potencia poética del lenguaje, libro publicado por la UNED

FilosofÍa y lenguaje confluyen con el presupuesto científico en la potencia poética del pensamiento y como síntesis de naturaleza y mente (alofón de Coseriu) o correlación ontológica a priori del conocimiento, cuántico-cualitativa (queón, la denomina Domínguez Rey). Tal sinergia revive hoy con la hipótesis cuántica de la física atómica, la computación tanto biótica como lingüística y la Inteligencia Artificial. 

La voz alofónica recupera y continúa el trasfondo gramático de una reflexión milenaria en torno al lenguaje concebido como germen trópico del pensamiento y subyacente (impensado), si no reconocible o manifiesto, en muchos sistemas filosóficos y de teoría crítica del conocimiento, científico y literario. 

    El libro propone una síntesis ontopoética susceptible de afrontar los dilemas y aporías aún vigentes en estos dominios intelectuales y latencia epistemológica.

    Antonio Domínguez Rey, poeta, ensayista, filólogo y crítico literario español, nacido en Rianxo (La Coruña) en 1945. Inclinado desde su temprana juventud hacia el estudio de las disciplinas humanísticas y el cultivo de la creación literaria, cursó estudios superiores de Filosofía y Letras y obtuvo el título de doctor en Lingüística Hispánica y en Filosofía. En su faceta de investigador del hecho literario, ha escrito numerosos ensayos y artículos críticos centrados en su especialidad académica, entre los que resulta obligado recordar los titulados Antonio Machado (Madrid: Edaf, 1978); Antología de la poesía medieval española [t. 2., siglo XV] (Madrid: Narcea Ediciones S. A., 1982); Gramática pictórica (Madrid: Torre Manrique Publicaciones, S. A., 1987); y Novema versus povema (Madrid: Torre Manrique Publicaciones S. A., 1987).

En su faceta de escritor, Antonio Domínguez Rey -que también ha ejercido la crítica literaria en diferentes medios de comunicación- se dio a conocer como poeta hacia mediados de los años setenta, por medio de un volumen de versos titulado Gremor (Madrid: Libros Dante, 1974). Posteriormente, ha dado a la imprenta otros poemarios que le sitúan entre las voces más destacadas de la lírica española del último cuarto del siglo XX, escrita tanto en castellano como en su lengua vernácula gallega; entre ellos, conviene destacar los titulados Garlopa Marina (Madrid: Rialp, 1974); La voz y su vacío (Talavera de la Reina [Toledo]: Ayuntamiento, 1981); Lurido ocelo (Madrid: Molinos de agua, 1983); Gluma (Madrid: Playor, 1987); Fendas (A Coruña: Espiral maior, 1991); Eidos da mirada (A Coruña: Espiral maior, 1994); y Como rostro que surge (Devenir, 1999). Esta fructífera producción lírica del escritor de Rianxo ha sido distinguida con varios galardones, entre los que sobresale el prestigiosos premio de poesía "Jorge Manrique", que le fue otorgado en 1982.

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miércoles, 20 de marzo de 2024

Día Internacional de la Poesía en el Museo Sorolla y en el Espacio Ronda. Centenario del nacimiento del poeta Vicent Andrés Estellés






Centenario del nacimiento del poeta Vicent Andrés Estellés


    20-marzo-2024.- El ministro de Cultura, Ernest Urtasun, ha presentado en Valencia el programa de actos conmemorativos con el que el Ministerio de Cultura se une a la celebración del centenario del nacimiento del poeta Vicent Andrés Estellés (Burjassot, 1924-Valencia, 1993), considerado uno de los renovadores de la poesía en valenciano en el siglo XX. En la agenda de actos propios, que se desarrollarán en colaboración con ayuntamientos y otras entidades, destacan recitales poéticos, mesas redondas, un club de lectura y acciones de difusión en el exterior. Además, el Ministerio respaldará actividades organizadas por la plataforma Profundació Vicent Andrés Estellés, formada por una decena de entidades valencianas del ámbito cultural y lingüístico.   
 
Urtasun, que ha avanzado detalles de la celebración junto a la presidenta del centenario, Carmina Andrés, en el Centro de Cultura Contemporánea Octubre, ha destacado de la figura de Estellés “su compromiso político por la justicia social y su labor por la recuperación y la difusión de la lengua valenciana durante y después del franquismo o, como él lo llamó, “la larga noche de tu pueblo” en el grandísimo poema "Asumirás la voz de un pueblo". Asimismo, el ministro de Cultura ha señalado que el Gobierno de España “tiene claro que 

Vicent Andrés Estellés es un gran patrimonio de nuestra literatura y por eso queremos hacerle un homenaje a la altura de lo que se merece”. 
 
Además, Urtasun ha querido agradecer a la Plataforma Cent d’Estellés su capacidad de organización y la insistencia para construir este programa de actos y ha subrayado que, como diría el poeta al que muchos llaman el ‘poeta del pueblo’: ““con sólo una palabra te lo diría todo: vida”, y es que la cultura no es cultura sino es una cultura viva, arraigada y surgida de la gente que es quien debe utilizarla”.  
 
El programa de actos previstos por el Ministerio de Cultura comenzará mañana jueves 21 de marzo, Día de la Poesía, con una lectura de poemas en redes sociales tanto de Estellés, como de otros poetas cuyas vidas y obras también se celebran este año como Joan Salvat-Papasseit, Vicente Aleixandre y Rafael Alberti. El 27 de marzo, fecha en la que se cumplen 31 años del fallecimiento de Estellés, tendrá lugar la mesa redonda ‘Estellés por dentro y por fuera’ en la Biblioteca del Ateneo de Madrid. La actividad, que será difundida en streaming, contará con la participación de los escritores Paco Cerdà y Puri Mascarell, el músico y biógrafo Pau Alabajos, y los poetas Àngels Gregori, Raquel Lanseros y Mario Obrero. 
 
En colaboración con el Ayuntamiento de Oliva, el Ministerio de Cultura llevará a cabo entre los días 12 y 13 de abril el festival ‘Poefesta’ y un recital en torno a Estellés, comisariado por Àngels Gregori, en el que participan Miren Agur Meabe, Manuel Forcano, Jaume Pérez Montaner, Yolanda Castaño, Berta Piñán, Marc Granell y Mario Obrero, así como un concierto a cargo de Martirio, Premio Nacional de Músicas Actuales 2016. Y junto al Ayuntamiento de Gandía, se realizará el 7 de junio un recital poético dedicado al autor en todas las lenguas del Estado a cargo de mujeres (Leire Bilbao, Àngels Gregori, Yolanda Castaño, Marta Mori y Rocío Acebal), seguido de un concierto de Borja Penalba. 
 
Estellés en la Feria del Libro de Guadalajara 
    En el segundo semestre del año, las actividades continuarán el 4 de septiembre con el depósito del legado del poeta, por parte de su familia, en la Caja de las Letras del Instituto Cervantes. En el marco de la Feria Internacional del Libro de Guadalajara (México), de la que España es País Invitado de Honor, el Ministerio de Cultura y la Associació d'Editorials del País Valencià (AEPV) han programado en diciembre un recital y un concierto a cargo de Pau Abajos. Además, con el objetivo de fomentar la lectura de la obra del homenajeado, el Ministerio apoyará la creación del Club de Lectura Vicent Andrés Estellés en la Biblioteca Pública Municipal de L’Alfàs del Pi (Alicante).  
 
La promoción y difusión en el exterior de la obra de Estellés será otro de los propósitos de la colaboración del Ministerio de Cultura en el Cent d’Estellés. Por ello, dará a conocer las diferentes ediciones de su obra en otras lenguas, como es el caso de ‘L’hotel París’ en inglés y alemán, o de su antología poética en castellano; impulsará actos en ferias internacionales del libro y en universidades en el extranjero; y promoverá monográficos en publicaciones especializadas en literatura y programas culturales de televisión en colaboración con RTVE. 
 
Apoyo a la plataforma impulsora del Cent d’Estellés 
Además de los actos propios, el Ministerio de Cultura va a prestar apoyo a dos de las acciones más relevantes que organiza la plataforma Profundació Vicent Andrés Estellés. Por un lado está el concierto central del aniversario, previsto el 7 de septiembre en Burjassot; y, por otro lado, la web y las redes sociales oficiales de la conmemoración. La plataforma está formada por más de una decena de asociaciones y entidades: Associació Cultural El Bassot, Acció Cultural del País Valencià, Associació Kulturcrítics del País Valencià, Col·lectiu Ovidi Montllor de Músiques del País Valencià, Escola Valenciana i Fundació Sambori, El Tempir d’Elx, Ateneu de Bétera, 1 Entre Tants, Associació Escriptors en Llengua Catalana y PEN Català. 
 
Sobre Vicent Andrés Estellés 
Vicent Andrés Estellés (Burjasot, Valencia, 4 de septiembre de 1924-Valencia, 27 de marzo de 1993) es uno de los poetas más relevantes de la literatura en valenciano. Está considerado como el principal renovador de la poesía valenciana del siglo XX y fue uno de los intelectuales que más contribuyó a la difusión y recuperación del valenciano tras la democracia.  
 
De una sólida cultura literaria, compaginó durante gran parte de su vida su oficio de periodista con su vocación de poeta. Estellés se caracterizó por el carácter popular de su obra, que le condujo a conectar con distintas generaciones de lectores. Escribió sobre la vida cotidiana del pueblo valenciano, sobre su alegría de vivir, pero también sobre la dureza cotidiana e inclemente de la posguerra, desde una mirada impregnada de libertad.  
 
Entre sus obras destacan ‘Llibre de Meravelles’, crónica sobre el período de la posguerra en la ciudad de Valencia; y el ‘Mural del País Valencià’, dos mil páginas divididas en 27 libros y tres volúmenes que componen un canto único de la historia, el paisaje, los pueblos, la gente y la cultura del pueblo valenciano. Fue distinguido con el Premi d'Honor de les Lletres Catalanes, el Premi de les Lletres Valencianes, la Creu de Sant Jordi o la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes del Ministerio de Cultura.   

PATRICIA LARREA, escultora: “Mi espacio es el arte”. Homenaje en la Tertulia Peñaltar de Madrid

Patricia Larrea, escultora

Patricia Larrea recibe el Diploma del Homenaje, junto a la cónsul de Ecuador, la presidenta del Hogar de Ávila y el director de la Tertulia Peñaltar 


Julia Sáez-Angulo
Fotos: Luis Magán

20/3/24 .- Madrid.- La escultora Patricia Larrea ha sido objeto de un homenaje por su trayectoria artística en la Tertulia de Arte Peñaltar, dirigida por Pablo Reviriego, que leyó el amplio curriculum de la artista, de la que comentó que era muy trabajadora. María Anunciación Guil, Presidenta del Hogar de Ávila en Madrid, abrió el acto recordando las diversas actividades culturales de la institución que preside y elogiando el arte de la homenajeada. La Tertulia estuvo muy concurrida de asistentes y contó con la presencia de la cónsul Paula Noboa.
Patricia Larrea (Guayaquil. Ecuador, 1950), afincada en Madrid desde hace 54 años, está casada con el español Antonio de la Cuerda y tiene tres hijos. Estudió Bellas Artes en la Escuela, al de San Fernando y su intensa y prolongada carrera como artista visual se resume en 400 exposiciones colectivas, 70 individuales y cuenta con 30 galardones, entre ellos, el más reciente en la Bienal de Florencia. 
    Actualmente, la escultora trabaja en una instalación a base de piezas en las que está muy presente la geometría y prepara una gran exposición monográfica de su obra para la Fundación Pizarro en Trujillo, en 2025. También le espera una amplia exposición en el prestigioso Museo Noboa en Ecuador. Por otro lado, participa en una exposición en el Centro Paco de Lucía y estará presente en una muestra de arte iberoamericano en el Palacio de Abrantes-Cervantes de Trujillo
La escultora dijo que le interesa mucho la investigación y fusión de materiales que trabaja: madera, cerámica, vidrio, algo que lleva también a la pintura, como mostró en el tondo en azules que llevó a la Tertulia Peñaltar, con tres círculos de vidrio incorporados. “La materia recorre mi arte y el arte es mi espacio”, afirmó la autora, que se confiesa como una continua dibujante de proyectos, que fabrica su propio papel a mano y juega con los colores como animadores de la obra artística.
“Cada obra tienes su propio proceso y su propia vida”, dijo la autora. A Patricia Larrea le interesa la naturaleza y especialmente los árboles, por lo que utiliza las diversas maderas antiguas o procedentes de árboles caídos como sucedió tras el temporal de la Filomena en 2022. 
La autora recordó que siempre le interesó el barro, desde muy niña y conoció la estatuillas en barro de las distintas culturas indígenas y que cuenta con una colección de arte precolombino que le inspira con frecuencia en su obra.
        Patricia Larrea, que elabora también joyas en vidrio, mostró en la imágenes proyectadas al público su trabajo con el soplete. Con la cerámica o el vidrio, lo suyo es "dominar el fuego", como Prometeo.

        Más información


Pablo Reviriego, director de la Tertulia Peñaltar
Patricia Larrea junto a su esposo Antoniode la Cuerda y sus hijos





Patricia Larrea y M. Anunciación Guil, presidenta del Hogar de Ávila

JOSÉ MANUEL BALLESTER: EXPOSICIÓN “El sueño italiano” en la Galería “Tiempos Modernos”

Lugar para la tentación 2. Impresión sobre Dibond blanco con lacado en brillo. 45,7 x 48 cm.



L.M.A.

20/3/24.- Madrid.- Mañana, día 21 de marzo se inaugura la exposición de José Manuel Ballester. Un proyecto que pone en valor el paisaje, en las pinturas de los grandes maestros del Trecento y Quattrocento italiano, cuando quedan desprovistas de sus personajes
    Pintor y fotógrafo, Ballester es riguroso, creativo y profundo. En toda su obra queda reflejado, ya sea en sus fotografías, de espectaculares espacios urbanos o industriales, en su colección de “Ramas”, de dibujos orientales realizados con tinta china sobre papel, que expusimos en 2017, o en ésta última exposición, El sueño italiano, donde nos descubre el paisaje oculto en el fondo de las pinturas, de los grandes maestros renacentistas, despojando a la obra de toda iconografía y figuración humana, solo el paisaje.
    Composiciones en primer plano llenas de volumen, con montañas, colinas, caminos y arquitecturas, con reminiscencias del arte bizantino y de los primitivos flamencos, sobre fondos dorados o desérticos. Lugares que servían como fondo de una narrativa religiosa o mitológica, que ahora se revelan como género artístico en sí mismos. Paisajes soñados, sin personajes.
    En palabras del comisario Sema D´Acosta, “con este trabajo, Ballester escarba debajo de la epidermis para llevar de atrás hacia delante una historia emotiva que permanecía latente. En vez de viajar hasta Italia con la cámara y ponerse a tomar fotos, investiga en los museos hasta encontrar el espacio inadvertido en obras que pintaron otros. Su punto de vista es tan sorprendente como sugerente, mezcla pensamiento y ojo. Se fija en aquello que nadie ha mirado para deconstruir por capas la organización de los planos. Al extraer el primer término, se potencian aspectos estéticos que acentúan la belleza inherente de un lugar que pasaba casi desapercibido”.
    La carrera artística de Ballester comenzó́ en la pintura con especial interés por la técnica de las escuelas italiana y flamenca de los siglos XV y XVIII. A partir de 1990, empezó́ a conjugar pintura y fotografía. Después de grandes éxitos con la fotografía, se vuelve a confirmar el interés del artista por moverse en distintos territorios, sin abandonar ninguna técnica.
    De entre sus numerosas exposiciones, destacan "Lugares de Paso" (Valencia 2003), "Setting Out" (Nueva York 2003), "Habitación 523" (Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid 2005), "Fervor de Metrópolis" (Pinacoteca del Estado de Sao Paulo 2010 ), "La Abstracción en la Realidad", Sala Alcalá 31 (Comunidad de Madrid 2011), Espacios Ocultos” en la Academia de España en Roma (2012) ,"Bosques de luz" Edificio Tabacalera, Madrid (2013) y recientemente “Allumar” Museu da Electricidade (Lisboa 2015) y "Museos en Blanco" en la Galería Ivorypress (2015). Ha presentado su obra en numerosas ocasiones en ferias como ARCO, ART CHICAGO, ART FORUM BERLIN, PARISPHOTO y ART MIAMI, y otras ciudades como Nueva York, Dallas, Sao Paulo, Dubai, Pekín, Shanghai, Toronto, entre otras muchas.
  * La exposición de Tiempos Modernos se inaugura el próximo jueves 21 de marzo a las 19 horas


La cueva de San Jerónimo 2023. Impresión sobre Dibond blanco con lacado en brillo. 33 x 41,8 cm.

Paisaje Italiano al amanecer. mpresión sobre Dibond blanco con lacado en brillo. 33 x 36,6 cm
Lugar de tortura 2 2017. Impresión sobre Dibond blanco con lacado en brillo. 127 X 92 cm.