Salvador Calvo expone su Arte y Pintura Espacial en Luxembugo y Valencia

La Doctora Cristina Lisbona ante un cuadro de Salvador Calvo


Julia Sáez-Angulo

       09.12.09 .- El artista malagueño, largo tiempo residente en los Estados Unidos ha expuesto sus últimos trabajos pictóricos en Luxemburgo. Recientemente ha participado también en la muestra colectiva “Ahíllas es Arte”, en la Sala del Club del Levante en Valencia. Por otro lado, la Biblioteca Nacional de España ha adquirido un dibujo del artista para sus fondos.

Salvador Calvo (Istán. Málaga, 1948), residente en Chicago desde 1982, después de una estancia en Madrid, París y Londres, ha regresado a su tierra natal desde donde lleva a cabo su proyección internacional de pintura y escultura. La localidad de Istán le encargó recientemente una escultura para su espacio urbano que ya ha sido inaugurada.

La obra de Salvador Calvo se caracteriza por una limpieza y elegancia de formas y creaciones espaciales, en su mayoría geométricas, que se presentan en un cromatismo singular y variado, rompiendo así la gestación monocorde que se da en algunos artistas geométricos.

Luz y silencio en medio del universo

Círculos, espirales, pliegues, líneas quebradas... dan lugar a sugerencias sobre el paso del tiempo y la belleza masculina o femenina si caer nunca en lo obvio de las formas anatómicas.

Luz y silencio se dan la mano en esta pintura que tiene mucho de irreal y metafísica, de espacial más allá de la vida del hombre. Pintura conceptual, génesis de la mente y armonías para la vida
Visión cósmica dentro de la belleza que siempre es convulsa y perturbadora.

Formas que emergen con claridad del fondo del cuadro, aunque se sostengan en un mismo cromatismo. Salvador Calvo es hoy uno de los artistas más intenso y elegantes que tenemos en el circuito artístico.

Pepa Calvo, Pintora de diversos registros artísticos: murales y cuadros

Julia Sáez-Angulo

       08.12.09 .- Madrid .- La autora concibe el arte como una mirada total hacia la vida, la imaginación, los soportes y los materiales. Sabe que la Pintura viene de lejos, desde Altamira y Lascaux, desde el origen más reciente en la Grecia del mito de la caverna o del Corinto de Butades de Sición, cuando su hija perfiló el rostro del enamorado a la luz de una vela.

La pintora sabe también que las técnicas se renuevan al aire y el progreso de de los tiempos. Desde el primigenio fresco o temple de huevo, hasta el más reciente del óleo o el acrílico. Todo es médium para plasmar la caligrafía plástica de la artista, su materia y su gesto, su caligrafía cromática. En suma, sus señas de identidad.

Pepa Calvo Azcárate (Arnedo. La Rioja, 1942), residente en Madrid, trabaja indistintamente, con igual soltura la pintura mural o de caballete y, en ambas, deja su firma y su impronta. El muro o las grandes superficies le sirven para dar rienda a su dominio espacial, a su sentido ornamental para plasmar amplias escenas marinas o florales con su gran sentido ocupacional del espacio. Son numerosas las obras que, en este campo, ha llevado a cabo en la arquitectura.

En la pintura de caballete, a la autora le gusta trabajar por series para profundizar en un concepto, en un área donde puede indagar e investigar sucesivamente sobre la misma idea. El arte y su doble, que llaman algunos críticos. El arte y su aparente repetición, en la que profundiza para abarcar un ámbito donde tiene varios puntos de vista que expresar.

Dominio del dibujo y el manejo del color

“Los cosechadores de nubes” es el título de una sugerente serie que la autora comenzó en 2003 y en la que ha trabajado varios años. En este tema, la pintora implica al espectador en un relato abierto de unos personajes diminutos que se pasean por la infinitud de ámbitos casi siderales, a la caza, pesca o recogida de nubes algodonosas y gozosas.

Hay una hermosa historia narrada en estos cuadros de grande o mediano formato, que se tiñen con algunos acentos de Chagall o con ecos de ilustración fantasiosa... en definitiva de recia y sugerente pintura figurativa, en la que Pepa Calvo sigue dando muestras de maestría en el dibujo y de dominio del color.

El agua es el concepto que mueve con frecuencia la mente de la pintora a la hora de acercarse al lienzo, la tabla o el muro. Desde su admiración por el célebre cuadro “Ofelia” del prerrafaelita Millais, que representa la muerte sobre el lago del dramático personaje de Shakespeare, la autora ha seguido abundando en la idea del agua como origen, vida o causa final del hombre.

Con la figuración, la artista se hace pintora de misterios, recreadora de mitos, narradora de fábulas íntimas... con un gran poder de evocación y sugerencia, sin caer nunca en la impudicia de lo explícito. Hay que respetar el misterio del cuadro, la libertad de la mirada, el acercamiento libre y genuino del espectador al arte, sin que medie la plantilla de la interpretación definitiva.

Cultivo de la Abstracción

Junto a la figuración, la pintura de Pepa Calvo se recrea otras veces en la abstracción, para que el gesto y la geometría sean los solos parámetros de su trabajo artístico. Ella sabe que la pintura va más allá del tema, a un despliegue de mancha, trazo y color, de dibujo gestual y cromatismo definitorio, de expresividad de los materiales sobre el soporte –cada cual con su propia textura-, por eso juega con una rica paleta, para mostrar su capacidad combinatoria sin referencia alguna a un modelo real de la naturaleza aunque, como señalara Aristóteles, todo nos llega de una forma u otra a través de los sentidos.

El mundo de las "Performances" es otro capítulo digno de mención en el trabajo de esta pintora.

Pepa Calvo, tras una trayectoria artística que arranca en los 70, se revela como una artista de variados registros, con dotes para el dibujo, con talento para el color, con capacidad para llevar a cabo una obra plástica de envergadura en los distintos ámbitos donde se llama y se venera al arte.

Más información: http://www.pepacalvo.com/

Grupo por Arte y Cultura en la Biblioteca Miguel Hernández de Villalba

Tauromaquia de Mayte Spínola



Biblioteca Miguel Hernández

Espacio Expositivo

Collado-Villalba. Madrid

Diciembre 2009

Julia Sáez-Angulo


Una exposición colectiva que ofrece un panorama variado del trabajo plástico de varios de los autores que integran el Grupo por Arte y Cultura, liderado por Mayte Spínola. Una visión diversificada del arte de nuestros días. Un conjunto de piezas que integrarían una espléndida colección.

Los diecisiete artistas presentes en la sala de expsociones de la Biblioteca Miguel Hernández de Collado-Villalba constituyen un espejo del Arte. Diecisiete autores, con resultado artístico muy diferente e igualmente valioso. Todos ellos pertenecen al Grupo Pro Arte y Cultura, un equipo creativo, libre y bien consolidado; un grupo en el que las figuras consagradas apoyan a los valores noveles y emergentes.


Los artistas que exponen en esta ocasión son: Mayte Spínola, lider del Grupo por Arte y Cultura; Carlos Alcázar; Linda de Sousa; Hilario Ranera; Rosa Gallego; Álvaro Torroba; Linda de Sousa; Marta Maldonadonado; Ana Vivas; Tomás Santos; Paloma Porrero; Sebastien López; Manuela Picó, Tomás López; Marina Gómez y Raul Apausa; Liane Katsuki y Cecilia Lassaleta.

El arte, agranda los límites para enseñarnos a ver lo que antes no se podía percibir con hondura. El mundo real es más recoleto que el de la imaginación que conforma el trabajo artístico. El arte, al decir de Magritte, evoca el misterio de las cosas, sin el cual el mundo no existiría. Es lenguaje, comunicación y creación.

Sólo el arte nos abstrae en la vida cotidiana y por ello se hace cada día más necesario. El arte abre horizontes en el barbecho de lo cotidiano. Es lo único capaz de romper la uniformidad de la globalización.

Entre los asistentes a la inauguración se encontraban la gestora de Exposiciones del Ayuntamiento de Collado Villaba, Concha Sanz, el dibujante Juan Jiménez y la crítica de arte Julia Sáez-Angulo, miembro de la Junta directiva madrileña de Criticos de Arte AMCA.

Manolo Portolés, comisario de "Ahillas es Arte", una exposición de artistas en el Club del Diario Levante

“Ahillas es Arte”
Exposición colectiva de artistas
Comisario: Manolo Portolés
Club del Diario Levante
Valencia.
Del 2 de diciembre de 2009 al 15 de enero de 2010




Julia Sáez-Angulo



“Ahillas es Arte” es el título de la exposición colectiva de artistas plásticos que se expone en el Club del Diario Levante de Valencia. Su comisario, Manolo Portolés, director de la señera revista “La Fénix Troyana” de la localidad de Chelva, ha querido llevar a la capital del Turia una muestra de los artistas que residen o visitan con frecuencia la aldea de Ahillas, una pedanía de la citada Chelva.

“Son artistas que viven, trabajan, utilizan, reciclan o recrean materiales de la zona de la serranía de Ahillas, donde no hay más que doce habitantes censados, según las últimas estadísticas oficiales”, señala Manolo Portolés.

Entre los artistas presentes se encuentra el escultor Paco Sainz, que viene a ser el cabeza de fila de todos los artistas, ya que fue el primero en instalarse en Ahillas -localidad cercana ya a la provincia de Teruel- cuando apenas si tenía un habitante. Allí instaló una fundición de bronce, donde trabaja sus esculturas moldeándolas en cera y sometiéndolas después a las altas temperaturas del bronce.

Una comunidad artística creciente en la aldea

Paulatinamente fueron acercándose los fines de semana e instalándose poco a poco otros creadores artísticos, pintores, dibujantes, fotógrafos, músicos... y formaron una comunidad que manifiesta sus trabajos conjuntamente durante la semana de Pascua –al final de la Semana Santa. Ahora de la mano de la revista cultural La Fénix Troyana, que en 2010 cumplirá 95 años, y por primera vez las obras de los artista de Ahillas se pueden contemplar en la ciudad de Valencia, capital de esta tierra.


Otros autores presentes en la exposición son Isabel Cosín, la pintora arbórea que refleja la naturaleza de la serranía entre otros lugares; el escultor de origen francés Jean-Guy Lattraye; la pintora de origen escocés Lynda Haldane, con sus escenas del mundo jurídico británico; el pintor Salvador Calvo, con su excelente pintura espacial y de volúmenes en las formas, muy interesado en “la memoria colectiva de las gentes que vivieron en la zona de Ahillas”; el escultor Héctor Delgado, con sus piezas de piedra que emulan o parten del Románico.

Completan la muestra ahillera, Sylvie Fournier, pintora de lo cotidiano con sus series “Blurred”, Stewart Lowe escocés escultor, antes ingeniero, que destaca en la muestra también por la fuerza de sus retratos al óleo “¿Y qué piensas tú?” e “Iniciación”, y Concha San Juan, paisajista del término de Chelva.

Dos piezas soberbias a base de mariposas

Paco Sainz presenta dos esculturas particularmente soberbias a base de diminutas mariposas en bronce(magnifica la “artesa de las mariposas” construidas por el escultor tan solo para el transporte de los frágiles lepidópteros): "El árbol de después”(sabina, bronce pavoneado negro, acero, acero cortén y travertino blanco como la base del árbol; 210 x 70 x 70) y“Guerrero de las mariposas” (sabina, bronce pavoneado rojo y pátina verde; 60 x 36 x 30)

En suma, una exposición hermosa y singular, que vale la pena visitar, después del hermoso proyecto de unos artistas que trabajan en soledad y ha revitalizado con su presencia una aldea abandonada y que hoy goza de prestigio a sus alrededores por su belleza pintoresca y sobre todo por los artistas que la habitan o frecuentan y que le han dado alma.

La inauguración de la muestra estuvo muy concurrida de público procedente de la serranía de Chelva, así como representantes de instituciones valencianas, como el Consell Valencia de Cultura, la Universitat de València o la Real Sociedad Económica de Amigos del País de Valencia.

Museo Nacional del Romanticismo, reabierto en Madrid

La ministra de Cultura, Ángeles González-Sinde, ha inaugurado hoy en Madrid el Museo Nacional del Romanticismo, antiguo Museo Romántico, en cuya rehabilitación el Ministerio ha invertido más de 9 millones de euros.

El pasado viernes 27, el Consejo de Ministros aprobó la nueva denominación del museo que pasa a ser nacional y se convierte en un referente cultural, emparejado con otras casas museo europeas de similares características.

El museo se ha adaptado a las necesidades del siglo XXI gracias a una rehabilitación integral tanto del edificio como del equipamiento museístico. Con el nuevo plan museológico se ha acometido una operación de remodelación de los itinerarios internos y de racionalización de los servicios.

Recorrido del siglo XIX (1833-1868)

El museo tiene una clara vocación didáctica que permitirá un conocimiento global del periodo romántico en España (1833-1868). Para ello, ofrece una inter¬pretación lo más rica posible del Romanticismo: el estilo de vida, las artes, la política y las ideas.

Para ampliar la accesibilidad de la colección, el museo ha aumentado los paneles de sala, las cartelas explicativas, las audio-guías y dispositivos multimedia y proporciona información bilingüe. Además, contará con nuevos espacios públicos, con área de acogida, vestíbulo, guardarropa, jardín, tienda- librería, cafetería- terraza, claustro y nuevas zonas de descanso.

Desde mañana, viernes y hasta el domingo día 6 se celebrarán unas Jornadas de Puertas Abiertas con entrada gratuita y horario continuado de 10:00 h a 21:00 h. Las particularidades del edificio obligan a admitir un máximo de 100 visitantes al mismo tiempo.

Una colección en origen del marqúés de la Vega Inclán

El museo, de titularidad y gestión estatales, tiene su sede en Madrid, en el Palacio del Marqués de Matallana. Se creó en 1921 al aceptar el Estado español la donación por parte del Marqués de la Vega-Inclán de una serie de pinturas, muebles y ajuares, procedentes en su inmensa mayoría del siglo XIX.

La colección está formada por 7.780 piezas - expuestas y almacenadas-, se caracteriza por su riqueza y heterogeneidad, lo que contribuye a enfatizar su condición de casa museo y apuesta por la recreación de ambientes. Destacan grandes piezas como el San Gregorio Magno de Francisco de Goya, la Sátira del Suicidio Romántico de Leonardo Alenza, el retrato de Mariano José de Larra de José Gutiérrez de la Vega, así como la sillería del Salón de Baile o el piano Pleyel.

Arturo Vinuesa, autor de "Crimen de Estado", novela denuncia sobre terrorismo islamista y ocultación de la verdad

Crimen de Estado
Arturo Vinuesa
Madrid, 2009


Julia Sáez-Angulo

He escrito este libro “porque el 10 de abril de 1994, un teniente del Ejército Español falleció en acto de servicio en extrañas circunstancias. La lucha familiar ante las dificultades institucionales para encontrar la verdad ha sido tan dificultosa que duda del veredicto justo en la sentencia”, explica Arturo Vinuesa (Gibraltar, 1940), autor de la novela “Crimen de Estado”, presentada en el Casino Militar de Madrid.

“Otro teniente del mismo Ejército –continuó el coronel Vinuesa, autor del libro- también encontró la muerte en los trenes de la muerte por obra de los terroristas islamistas. Un teniente que dejó mujer e hijos tras el atentado del 11-M- El libro tiene como objetivo ser un revulsivo a todas las incógnitas del 11-M, para que no se den por cerradas las últimas oportunidades de que los familiares encuentren justicia antes esas muertes”.

En el acto de presentación, abarrotado de público fundamentalmente militares y escritores, intervinieron Fernando Díez Moreno, ex Secretario de Estado del Ministerio de Defensa; Antonio Rubio, periodista y subdirector del diario “El Mundo” y Basilio Rodríguez Cañada, presidente del PEN Club de España.

Arturo Vinuesa hizo una larga disertación, no exenta de ironía, sobre el terrorismo cuando tomó la palabra al final de las intervenciones previas. Señaló que un Gobierno es tan responsable de no actuar si prevé un atentado, como el que no persigue con todos sus medios al alcance a los responsables del 11-M.

El terrorismo islamista existió en España antes y existe después del 11-M; antes y después de la presencia del presidente Aznar en las Azores, antes de ponerle nombre en última instancia, señaló el autor de “Crimen de Estado”, quien apuntó varios factores clave para la presencia terrorista en un país:

Una idea fuerza fanatizada, política o religiosa; un caldo de cultivo en la juventud políticamente radicalizada por intereses bastardos de sus supremos dirigentes o una juventud pobre y sin porvenir que se agarra a cualquier desmán de subsistencia; comandos durmientes que proporcionan pasaportes, pisos francos, etc y, finalmente, santuarios de acogida para la preparación de los actos terroristas o refugio una vez cometidos. Arturo Vinuesa indicó que ante esto sólo cabe la eficacia o ineficacia de un Estado.


Objetivo terrorista más allá del inmediato

El objetivo terrorista inmediato es lo de menos para los autores –señaló el escritor de “Crimen de Estado”-, lo que de verdad buscan los terroristas es trasladar a los medios de comunicación social que el mundo ha de comprender la idea de que hay gente dispuesta a dar la vida y morir por una causa, la suya; no sólo que sepan de su existencia sino dar a conocer que el poder terrorista es poco menos que absoluto.

Arturo Vinuesa, de madre inglesa y padre español, prepara un nuevo libro sobre la identidad gibraltareña. Entre sus libros publicados se encuentran: “Palestina, El holocausto ignorado”; “El puzzle afgano”; “El conflicto de los Balcanes y la seguridad común europea” y otros. En ficcion escribió "Ambición de poder" (2007).

Datos biográficos

El autor ingresó en la Academia General de Zaragoza. A su salida como teniente permanece largos años en África. Ya de comandante se diploma en Estado Mayor por los ejércitos de España y el Reino Unido, en Operaciones Psicológicas en este último y en Inteligencia Superior por los de España y Estados Unidos. Tiene amplios conocimientos de inglés, francés, italiano y árabe. Durante diez años permanece en el Estado Mayor de la Defensa y es designado Agregado de Defensa en las embajadas de Bagdad e Islamabad y posteriormente jefe de Operaciones de la Misión de la Unión Europea en la guerra de los Balcanes.

Doctor en Ciencias Políticas. Cofundador y antiguo secretario general del Instituto Español de Estudios Universitarios en Seguridad Defensa y Política Exterior de la Universidad Europea, ha impartido conferencias en las Universidades Complutense, Antonio de Nebrija, Francisco de Vitoria y en el Colegio Español de la Universidad de Bolonia, como miembro de la Cofradía Internacional de Investigadores de Toledo. Frecuente colaborador en diversas cadenas de televisión y radio y comentarista en distintos periódicos y revistas sobre temas de estrategia y política exterior. Es autor de varias obras sobre Inteligencia Estratégica, los conflictos de Afganistán, la antigua R. F. de Yugoslavia, el Islamismo y Oriente Medio.

Jorge Xavier-Morato, Paisajes urbanos de España y Portugal

Jorge Xavier-Morato
Paisajes urbanos de España y Portugal
Galería EME4

Diciembre 2009

Madrid

 Jorge Xavier Morato

Julia Sáez-Angulo

El artista portugués Jorge Xavier-Morato, residente en España desde hace cuatro décadas, ha dado una vuelta de tuerca a su lenguaje pictórico y ha entrado en una etapa de figuración más suelta y desdibujada. Trazo más espontáneo. Más y mejor pintura.

Su condición de urbanita, le lleva a flanear y contemplar con ojos de artista el paisaje urbano de las ciudades que rigen su vida: Madrid, Lisboa, Ayamonte… o de las que visita como viajero más que turista: Toledo, Sevilla, Cáceres, Cuenca, Oporto, Obidos, Cascaes, Sintra, Venecia… El pintor mira y se recrea en las vedutte o los monumentos, toma apuntes y fotografías para trabajar después en su estudio con la calma y atención que requiere la pintura.

Bellos nocturnos de Lisboa y Oporto

El tema, para estar bien resuelto, requiere la inteligencia del artista: aplicación del color, composición adecuada, exploración de ritmos…Xavier-Morato tiene una pintura luminosa, de cromatismo animado incluso a la hora de representar bellos nocturnos como los de Lisboa u Oporto. Es una pintura de tonalidades alegres, a veces encendidas en rojos y otras reposadas en los fríos azules de las marinas.

Lo más singular de esta última etapa del artista es la gran soltura del trazo para interpretar, aparentemente en un gesto de apunte, el trasunto pictórico del cuadro. Una caligrafía mínima de pigmento, aplicado con el pincel, sirve para expresar una sugerencia del tema, más elocuente que la fría línea de las formas rotundas. El paisajista reproduce la esencia del original contemplado. En suma, la nueva manera de hacer de Jorge Xavier-Morato refleja la rápida conexión entre la mirada del autor y el paisaje urbano. La maestría del pintor.