ORIOL MASPONS, fotógrafo, en la Sala 54 del Museo de la Real Academia de San Fernando

Fotografía de Oriol Maspons

Del 17 de diciembre 2025 - 12 de abril de 2026

L.M.A.

        Madrid, 17 de diciembre de 2025. Ha tenido lugar en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando la presentación a los medios de la nueva exposición de fotografía, Oriol Maspons. Han participado Tomás Marco, director de la Academia y Publio López Mondéjar, académico y foto-historiador. La muestra, décima de la serie Maestros de la fotografía en la Academia de Bellas Artes de San Fernando, reúne una selección de doce obras de Oriol Maspons, miembro del grupo de fotógrafos de Barcelona.

    En esta ocasión es especialmente relevante el material bibliográfico y hemerográfico procedente de la colección Pedro Melero / Marisa Llorente, debido a la múltiple aparición de la obra de Oriol Maspons ilustrando cubiertas de libros, revistas y discos.

    La sala de fotografía se ha consolidado dentro del museo de la Academia, con la voluntad de extenderse en el futuro, si bien su tamaño es reducido, las obras que se muestran son fundamentales en la historia de la fotografía española. Iniciado por Alberto Schommer, los fondos de fotografía moderna de la Academia han seguido creciendo y conformando una colección excepcional que se muestran por autores en este espacio.

    Oriol Maspons (Barcelona, 1928-2013) fue uno de los más activos e influyentes fotógrafos de la Escuela de Barcelona, de la que fue uno de sus miembros más insignes. En 1951 ingresó en la Agrupación Fotográfica de Cataluña y dos años después comenzó su amistad con Catalá-Roca. Entre el salonismo de la Agrupación y el talento de Catalá, no tuvo dudas: eligió al maestro. En 1953 fue enviado a París por una compañía de seguros. Allí frecuentó los ambientes fotográficos y conoció a Robert Doisneau, Cartier Bresson, Brassaï, Guy Bourdin y a los miembros del influyente Grupo Los 30 x 40. Cuando en 1956 regresó a Barcelona, ya sabía que iba a ser fotógrafo, pero no un diletante aficionado como sus antiguos compañeros de la AFC, sino un fotógrafo profesional, capaz de hacer reportajes, retratos y fotografías de moda y de publicidad. 

    Desde entonces, y durante casi medio siglo, no dejó de trabajar para la prensa, las editoriales, los estudios de cine y las emergentes compañías publicitarias. En tan largos años reunió una obra importante, que comenzó a hacerse pública a partir de los años setenta. Asimismo, ha estado presente en todas las exposiciones, antologías y jornadas fotográficas importantes celebradas en España y países de Europa y América. Con el tiempo, se convirtió en uno de los ciudadanos más populares de su ciudad, que le premió en diversas ocasiones.

    “En la obra de Maspons -ha escrito Lluis Permanyer en el prólogo de uno de sus libros- conviven con toda naturalidad dos mundos bien distintos, el amable y mundano con el surrealista y denunciable. Tal dicotomía es habitual en él, ya que en el fondo no se plantea posiciones ideológicas, sino que hace en todo momento y en cada etapa lo que le pide el cuerpo y la cámara, porque casi siempre ha sido un ojo que vive tras el objetivo”.        Maspons trabajó siempre de una manera intuitiva, alejado de toda disciplina estética, mostrando siempre los aspectos más disonantes de la realidad. Así ha sido capaz de hallar la belleza en los ámbitos más variados del universo del tardofranquismo y de los umbrales de la democracia. Así fue capaz de legarnos una estampa comprensiva y deslumbrante de aquellos años de penitencia.

    Siete años después de su muerte, el Museo Nacional de Arte de Cataluña le dedicó una extraordinaria exposición antológica, significativamente titulada, La fotografía útil, que reunió sus obras más conocidas y muchas de las que habían quedado ocultas en el desorden de su archivo, dice Publio López Mondéjar, Académico. Sección de Artes de la Imagen.

SHIMAGUNI. Atlas narrado de las islas de Japón

J.S.A.

18/12/25.- Madrid.- Nórdicalibros publica el libro, en pasta dura, “Shimaguni. Atlas narrado de las islas de Japón, escrito por Francesca Scotti y Uragami Kazihisa.    Un libro que nos invita a conocer Japón a través de sus islas, su cultura y su historia. 

    Dice el mito que Japón nació por voluntad divina de una lanza sumergida en el océano: los terrones de sal, que gotearon de su punta al ser extraída, formaron la primera isla. Son fragmentos que mantienen su individualidad al mismo tiempo que forman parte de un todo más complejo. 

    El recorrido de este atlas, que va desde la nevada Hokkaido hasta la tropical Okinawa, está hecho de verdad y narración: las islas son verdaderas —historia, naturaleza, geografía, cultura—, su exploración es narrativa. Las evocadoras ilustraciones de Uragami Kazuhisa impregnan nuestra mirada con el inmenso encanto japonés.

    «Shimaguni es un Atlas poético que permite vivir Japón, un “país archipiélago” (en japonés “shimaguni”), en sus detalles, lejos de las metrópolis y de los puntos de vista mediáticos comunes. 

    La pluma de Francesca Scotti, en su atlas “hecho de tierra y mar”, acompaña al lector en una exploración maravillosa e inédita para descubrir el archipiélago del Sol Naciente», escribe Carlos Tortarolo.

CHARLES VILLENEUVE, PINTOR VIRTUOSO DEL DIBUJO Y LA ACUARELA. Visita de AMCA

        18.12.2025.- Madrid

Es uno de los nombres más brillantes de la actualidad en el campo del arte. No sólo pinta, hace arte aplicado, muebles de diseño y libros, que resultan piezas de colección. Se define a sí mismo como un artesano, comenzó trabajando la madera como ebanista, estudiando después diseño y arquitectura. Arquitecto, diseñador, ebanista y pintor. Pero cuando contemplamos su obra, asohora, vemos que se trata de un virtuoso del dibujo y la acuarela. Pareciera que pinta el rumor del agua y el bisbiseo del viento, que hace titilar la luz, que espejea como un arcano.

    En octubre de 2021 expuso en Casa de Vacas del Retiro, con un éxito descomunal: 92.193 visitantes en veinte días de exposición. Causó gran conmoción su imaginario y, sobre todo, la evidencia de su proceso de ejecución. Él diseñó y montó la exposición, así como las vitrinas y el mobiliario, diseñado y hecho todo por él mismo. ¡Es difícil olvidar el trasiego de personas y la admiración púbica que produjo!

    El sábado 29 de noviembre, la visita a su taller, programada por AMCA, se transformó en una mágica performance. Su taller, un edificio de tres plantas, barrio de Carabanchel, es poco común a día de hoy. En la tercera, su rincón de las ideas, rodeado de sus libros esboza, ensaya, idea, diseña el trabajo que luego lleva a cabo. En la segunda, el taller de ebanistería, cuajado de herramientas, muebles en marcha y objetos. En la primera, sus obras, el taller de pintor que celebra el epitalamio del dibujo y la acuarela.

    Charles Villeneuve, Nantes 1971, pertenece a una familia de artesanos y en ella forma el oficio. Comienza a trabajar como arquitecto, pero lo que le satisface es la pintura. Deja todo lo demás y se consagra a la acuarela a través de sus evidentes dotes de dibujante. Una estancia formadora, en la Casa de Velázquez, le ligan a Madrid y desde los inicios de siglo reside entre nosotros, exponiendo regularmente en Francia, Italia y España.

A todo esto, le precede la obtención del Premio Nacional de Arquitectura de la Academie de Beaux Arts de París, en 1997, lo que antes fuera el Prix Roma. Luego ha obtenido numerosos galardones, internet está repleto de sus referencias. Si voy a comentar su sensibilidad y osadía, su chispa creativa, su capacidad de crear nuevas sensaciones al espectador. Y su maestría para la composición, que es determinante.

    Nos ha recibido ante la obra que tiene en ejecución, una vista de París, inédita, impresionante, desde la noria de la Concorde, que permite una vista de águila, en la que el aire abraza el corazón de la ciudad exornado del misterio parigot y de la luz plateada. Y lo ha hecho analizando la luz de Seurat y de la que el proyecta para dirigir nuestra mirada en la cartografía de su icono. Ha explicado su proceso, desde los blocs de apuntes, cuajados de dibujos y su interpretación de la acuarela como una meguez, siempre utilizando el blanco del papel.

    Villeneuve es el pintor de la luz, sea el asunto cual fuere. Cuando pinta Madrid, esa luz se vuelve más cruda, más azulosa, velazqueña; cuando París, aparecen los grises y los pardos, el centelleo argénteo del Sena y las sombras nostálgicas del acordeón. El gran pensador y poeta rumano, Lucian Blaga, en un aforismo decía: “Es verdad que las sombras se parecen a la oscuridad, pero son hijas de la luz”.

    ¿Qué hace de Charles Villeneuve un artista diferente? Su composición, su dibujo, su capacidad para resolver grandes panorámicas, con una sutileza y elegancia manifiestas. Su material, el papel y la acuarela. Su procedimiento, pintura del natural. Toma infinitos apuntes in situ, en cuadernos que exhibe, y luego en el estudio, con la morosidad del tallador de diamantes, da vida a esas enormes instantáneas, que subyugan. Paisajista urbano, a modo, pero también de interiores, retratista, calígrafo y botánico. 

    No trata de poner la pintura a merced de la acuarela, sino de hacer realismo con la ductilidad de la acuarela. A menudo vemos pintura a la acuarela con carácter obsoleto, enmarañado y confuso, pero hasta la mancha debe estar definida. Con él, la acuarela se limpia, se poetiza, se atreve, vibra, aspirando a la perfección y la belleza ¿No es eso al arte? Su pulcritud, su valentía, su acierto, sus novedosas soluciones hacen de su obra un idiolecto que le distingue y le ensalza. Une al rigor de sus formas la sensación mágica de los ambientes, que transforma en vistas espectaculares seduciendo al espectador.

    Inteligente a la vista, además es un hombre culto, leído, bibliófilo, al día de las novedades. Salta de la Perspectiva pictorum del jesuita Andrea Pozzo a Who Paid the Piper? de Frances Stonor Saunders; De Re Aedificatoria de Leon Battista Alberti a los diseñadores de Oviedo, de Joachim du Bellay a Francis Vielé-Griffin, del pintor danés Vilhelm Hammershoi a la música de Satie. Del olvido a la memoria, de Homero y la Odisea a Kavafis y Borges, príncipes de Ítaca. Una obra que imbrica realidad y ficción, ensueño y referencia, emoción y misterio, cercana, seductora, deslumbrante, pulcra.

    Entre los presentes en este encuentro afortunado con un Villeneuve volcánico y feraz: Esther Plaza, Manoli Ruiz, Margarita Gámez, Fran Úbeda; Vidal Abascal y Cristina Rodríguez Sastre, con sus hijos encantadores; Ana Resler, Mª Teresa García Buey y César San Pablo, Tono Brotons, Malen Olmedilla, Emilia de Dios, Julia Roncero, Ángel Pedro Gómez, Ángel Martínez Ballesta y el abajo firmante, que le agradece su acogida en nombre de la Asociación Madrileña de Críticos de Arte.

    Tomás Paredes

JEAN PAUL LEON YOHD, escritor, presenta su libro agenda “Adagio. Aforismos 2026”

Á

Jean Paul Leon Yohd ante el gran mural que hizo para el Hospital Clínico.

Julia Sáez-Angulo

17/12/25.- Madrid.- Jugar con las palabras, los sonidos, las rimas, los conceptos… es un juego habilidoso de aquellos que dominan la lengua. Jean Paul Leon Yohd (1955), escritor franco español, (amén de artista visual) conoce bien el español y como un malabarista toma las palabras a modo de engarce de cuentas de un collar y las acerca. con un juego, trabalenguas o jeribeque, al pensamiento.Serio o lúdico, tenemos aforismo y agenda para todo el año que se nos viene encima con todas las esperanzas e incertidumbres. 

    Albert Editor ha sido el responsable de la edición, que lleva consigo algunos dibujos del propio autor. El libro fue presentado en la sede de Sin Tarima Libros, por Ángel de Frutos Salvador y el editor.     Cada frase breve y precisa transforma el instante en reflexión”, se dice en la invitación al evento.

Una dedicatoria de su libro: “Adagio, que más adelante traerá consigo el presagio, el sufragio y el consabido naufragio”. 

Para el diccionario de la Real Academia Española, RAE, adagio es:  en música, indica un movimiento lento o una pieza ejecutada así; y en sentido general, es una sentencia breve, refrán o máxima de carácter moral o aleccionador, como un proverbio.

    Aforismo lo define como máxima o sentencia reve que se propone como regla o  pauta en alguna ciencia o arte. 

“Presagio de hoy, adagio de mañana”, sentencia que abre el libro. Aquí van otros:  “Dame un par de textos y no cinco mil pretextos”; “El místico y el cínico, ambos esperaban muy poco de la vida terrenal””; “La fe en el futuro se halla más allá de la muerte”; “No me acuerdo si el tal acuerdo era un desacuerdo de por vida”; “Murió viendo solo el televisor. Aburrido. Solo. Envenenado; ”Te aconsejo que me prestes tu consejo. Yo te prestaré mi atención”; El se pensante sabe lo que intuye, no lo que llega a saber”; “Si el tiempo no existe, no sé qué demonios, a base de reloj, insiste”…

Y así hasta 365 aforismos y 365 días.

Más información

www.albert-editor.com

https://lamiradaactual.blogspot.com/search?q=Jean+Paul+Le%C3%B3n

ESTHER FERRER. El Museo Casa de la Moneda inaugura la exposición de la ganadora del Premio Tomás Francisco Prieto 2024

Esther Ferrer, artista visual

Isabel Valdecabres inaugura la exposición de Esther Ferrer

L.M.A.

Madrid, 16 de diciembre de 2025 .- La Fábrica Nacional de Moneda y Timbre – Real Casa de la Moneda (FNMT RCM) ha inaugurado la exposición Esther Ferrer. Pliegue y proceso, dedicada  a la artista galardonada con el Premio Tomás Francisco Prieto 2024.  

La muestra, organizada en el Museo Casa de la Moneda, ofrece un recorrido  abierto y no cronológico por su universo creativo, poniendo de relieve su  trabajo interdisciplinar en performance, instalación, pintura, escultura,  fotografía y obra conceptual; además, se exhibe por primera vez la medalla  diseñada por la artista con motivo de su galardón.  

La inauguración ha contado con la presencia de la artista y de su comisaria,  Beatriz Martínez, en un acto que ha estado presidido por la presidenta  directora-general de la FNMT-RCM, Isabel Valldecabres, quien ha destacado que en situaciones complejas como las que nos está tocando vivir “el arte siempre llega al rescate y si hay que agarrarse a algún asa hoy lo tenemos en la exposición de Esther”. 

Por su parte, Esther Ferrer a agradecido el premio y la labor de todas las  personas implicadas en el montaje, valorando la experiencia en unos  tiempos “en los que es más fácil hacer llorar que hacer reír”. 

Durante el acto, la presidenta-directora general ha anunciado oficialmente a  la persona ganadora del Premio Tomás Francisco Prieto 2025, que ha recaído en Regina Silveira una de las creadoras más influyentes del ámbito  iberoamericano.

        El Premio Tomás Francisco Prieto 

Creado en 1990 en honor al maestro grabador Tomás Francisco Prieto, este  premio promueve la medalla como soporte de arte contemporáneo y fomenta  entre el público la afición por su coleccionismo. Con más de tres décadas de  trayectoria, se ha consolidado como un galardón de referencia internacional,  destinado a artistas destacados cuya obra enriquece la tradición medallística  de la FNMT-RCM. 

Desde su primera edición, concedida a Eduardo Chillida, han sido reconocidas  figuras como Antoni Tàpies, Carmen Laffón, Susana Solano, Eva Lootz, Cristina  Iglesias o Liliana Porter. El premio incluye el encargo de diseñar una medalla  que será acuñada e incorporada a la colección del Museo. 

        Sobre la exposición 

Concebida específicamente para el Museo Casa de la Moneda, la muestra  invita al público a acercarse de manera libre y flexible a una serie de espacios  que dialogan entre sí.  

La exposición abarca desde sus primeros trabajos en la década de 1970 hasta  la actualidad, organizándose a partir de “contactos” entre series como “Poema  de los números primos”, “Pi”, “Proyectos espaciales”, “Elle était là”, “El libro de  las cabezas”, “El libro del sexo”, “El libro de las manos” y “Pavés”. De esta  manera, la muestra revela cómo estas prácticas se entrelazan sin perder su  autonomía, generando un “pliegue” de relaciones internas.  

Comisariada por Beatriz Martínez Hijazo, la muestra propone un recorrido por  conceptos clave —espacio, tiempo y presencia— y por las conexiones entre sus  diferentes lenguajes plásticos: performance, archivo, pintura, escultura,  instalación o fotografía. Una de las novedades de esta exposición es la  exploración del proceso, entendido como continuidad en series aún en  desarrollo, como principio central de su práctica, como método de trabajo a  través de maquetas, bocetos y partituras, y como condición inseparable de la  performance, donde la acción y el cuerpo constituyen una extensión de su  práctica plástica. Ferrer afirma que “el proceso es tan importante como la  obra”.

Medalla de Esther Ferrer

MAICA NÖIS. "Splendor". Simbiosis de tierra y mar. Exposición itinerante de pintura, para 2026-27

Maica Nöis, artista visual. 

Julia Sáez-Angulo

Fotos Joaquín de Thomás

    16/12/25.- Madrid.- Visitar la casa-estudio de Maica Nöis ha permitido conocer su investigación y trabajo artístico, fruto de tres años, que ha titulado como “Splendor”. Simbiosis de tierra y mar; medio centenar de obras que constituirán la exposición itinerante, durante 2026-27, por Madrid, Málaga, Benicasim, Orense…

La Naturaleza, su contemplación y admiración, en todas sus presencias de tierra y mar, ha sido la fuente de inspiración de la pintora y fotógrafa, de acendrada trayectoria. “La música tiene una calidad sonora, que me trasmite a través de la pintura, para fijar un ritmo creativo”, subraya Nöis.

La pintora confiesa que ha trabajado mucho, investigando sobre distintos materiales y soportes en busca de “la belleza y eternidad de la obra”. El resultado ha sido una técnica mixta sobre metacrilato revestido de pan de oro, y “tapices”, realizados partiendo en digital de tres fotografías de algas vertidos sobre tela-seda (140 x 80 cm). La belleza que el mar devuelve a las costas, sobre todo después de una tormenta, convierte su contenido en verdaderas joyas del mar. Lo que la cámara ha sabido captar. Mi dedicación a la fotografía también es larga, de la que ya he realizado exposiciones y obtenido, entre otros, el Primer Premio de Fotografía Ciudad de Ávila 2021”.

    "Mi deseo futuro es seguir investigando con los materiales, hoy los hay espléndidos y con ellos se puede experimentar hasta el infinito. Me gusta trabajar series diferentes para seguir investigando", dice la autora.     "Guardo los buenos consejos de tres profesores míos: Eduardo Peña en la Academia; Víctor Chacón, en Bellas Artes y Jaime Galdeano en la Agrupación Española de Acuarelistas".

  Para Nöis, “la Naturaleza, tierra y el mar que forman un cosmos perfecto, me ha guiado desde que fui premiada con el Primer Premio de Pintura del Colegio de Abogados de Madrid 2007, con “Son de Mar”, un óleo calificado como la mejor trasposición entre clásico y abstracción, al que le siguió “Luz de interior”, un bosque en acuarela, premiado en Primavera de las Artes en El Retiro (2000) y que figuró en la participación de la Bienal de Acuarela en Barcelona, con la Agrupación de Acuarelistas de España. La trilogía se cierra con “Raíces Profundas”, un tríptico en acuarela, dedicado a Artemisia Gentileschi”. 

    Estos tres cuadros citados estarán presentes como cabecera de exposición itinerante.

“Splendor” constituye una serie de pintura coherente en su punto de partida, la Naturaleza, nco la fusión de  figuración/abstracción y el preciosismo barroco logrado por Nöis en el medio centenar de obras que muestran esa deseada simbiosis de tierra y mar, que se besa en las playas y ofrece su abrazo, sus pecios, su resurrección tras el naufragio.

Nada más reivindicativo de la Naturaleza, que esta obra donde se metamorfosean los ritmos sucesivos, infinitos, que renuevan el hábitat de los hombres y mujeres, a través del tiempo. Se ha dicho que “la naturaleza imita al arte”, en la búsqueda estética de su presencia. El artista visual y sensible de nuestros días sigue volviendo a la Naturaleza, en busca de inspiración y diálogo, sin ser defraudado por ella.

Según la Real Academia Española (RAE), la ecología es la ciencia que estudia las relaciones de los seres vivos entre sí y con su entorno (medio ambiente), aunque también se usa para referirse a la defensa y protección de la naturaleza y el medio ambiente en un sentido más coloquial o social. 

    Nöis nos ofrece en su pintura de la serie “Splendor”, una visión de arrobo preciosista y barroca de la Naturaleza, del medio ambiente que puede encontrar el ser humano, el espectador, en aquella, como algo digno de conservación y disfrute.

        Más información

https://lamiradaactual.blogspot.com/2025/08/luz-de-interior-meditacion-en-torno-un.html

Maica Nöins, artista visual

35 personalidades y entidades de la cultura, con la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes 2025

• Entre los galardonados, a propuesta del ministro de Cultura, Ernest Urtasun, se encuentran la directora de cine y guionista Alauda Ruiz de  Azúa; los actores Luis Tosar y Emma Vilarasau; la cantautora Christina  Rosenvinge; el grupo musical Los Chichos; la cantaora Estrella  Morente; las cantantes Karina y María del Monte; la ilustradora Ana  Miralles López; y literatos como Irene Vallejo y Manuel Vicent 

• A título póstumo, se ha reconocido a la artista plástica Roberta Marrero; al periodista y dibujante Andrés Vázquez de Sola; al gestor cultural José  Luis Cienfuegos; y a la actriz Verónica Echegui 

Christina Ronsenvinge, cantante premiada

        L.M.A.

16-diciembre-2025.- El Consejo de Ministros, a propuesta del ministro de  Cultura, Ernest Urtasun, ha aprobado hoy la concesión de las Medallas de Oro  al Mérito en las Bellas Artes correspondientes al año 2025 a 35 personalidades  e instituciones del mundo de la cultura. 

Del ámbito de la música han sido galardonados la cantautora Christina  Rosenvinge; el productor y DJ Óscar Mulero; las cantantes Karina y María del  Monte; la cantaora Estrella Morente; el grupo musical Los Chichos; la entidad  músico social Fundación Vozes y el Festival de música Primavera Sound. En  cine y teatro, han sido distinguidos el actor Luis Tosar, la actriz Emma Vilarasau;  la directora y guionista Alauda Ruiz de Azúa; y la familia de cómicos Pla-Solina.  También han sido reconocidas en el ámbito de las artes escénicas las gestoras  culturales y coreógrafas Laura Kumin y Margaret Jova; y el coreógrafo Marcos  Morau. 

Las Medallas de Oro al Mérito en las Bellas Artes destacan en esta edición a  diversas personalidades de la literatura: al escritor Manuel Vicent; a la dibujante  de cómic e ilustradora Ana Miralles; y a la filóloga y escritora Irene Vallejo. En  este mismo campo ha sido galardonada la librería Rafael Alberti. Del ámbito de  las bellas artes y el patrimonio cultural se ha reconocido al grafitero y artista  multidisciplinar Suso 33; a la arqueóloga Teresa Chapa; al antropólogo forense  Francisco Etxeberría; y al arquitecto y gestor cultural Juan Miguel Hernández  León. Además, han recibido la distinción el mecenas Antonio Gallardo Ballart; la  desarrolladora de videojuegos Tatiana Delgado; el diseñador André Ricard; la  entidad cultural comunitaria Ateneu Popular 9 Barris; y los gestores culturales  Daniel Giralt-Miracle, Miren Begoña Arzalluz, Manuel Jesús Borja-Villel, y José  Manuel Garrido. 

A título póstumo, se ha reconocido a la artista plástica Roberta Marrero; al periodista y dibujante Andrés Vázquez de Sola; al gestor cultural José Luis  Cienfuegos Marcello; y a la actriz Verónica Echegui. 

La Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes es un reconocimiento que  distingue a las personas y entidades que hayan destacado en el campo de la  creación artística y cultural o hayan prestado notorios servicios en el fomento,  desarrollo o difusión del arte y la cultura o en la conservación del patrimonio  artístico. 

Sobre los galardonados 

➢ Alauda Ruiz de Azúa Arteche. Directora de cine y guionista que  destaca por su capacidad para construir relatos íntimos y universales.  Aborda temas como la familia, la identidad y las emociones cotidianas  con una mirada honesta y matizada, demostrando una gran madurez  creativa. Su obra resalta por la precisión en la dirección, la profundidad  de sus personajes y la sensibilidad estética, elementos que han  conectado con crítica y público. A través de sus películas ha contribuido  a la renovación del ecosistema cinematográfico español. 

➢ Daniel Giralt-Miracle Rodríguez. Historiador del arte, crítico y  divulgador. A lo largo de décadas, ha contribuido a acercar la creación  artística al público, promoviendo el conocimiento, la preservación y la  proyección internacional del patrimonio cultural. Destaca su labor como  comisario, investigador y promotor del diseño, caracterizándose  siempre por el rigor intelectual, la sensibilidad estética y el compromiso  con la difusión de la creatividad contemporánea.  

➢ Roberta Lucía Marrero Gutiérrez (a título póstumo). Roberta Marrero  es una artista plástica y multidisciplinar, también reconocida como  escritora y poeta, cantante o DJ. En su trabajo ha visibilizado a  identidades históricamente marginadas y ha reescrito la memoria queer desde una perspectiva propia. Su obra combina iconografía pop con crítica social, cuestionando el género, el poder y los relatos dominantes,  lo que la convierte en una figura clave del arte queer español. 

➢ Librería Rafael Alberti. Desde su fundación en 1975, en pleno periodo  de transición en España, la Librería Rafael Alberti se convirtió en un  espacio de referencia cultural, intelectual y política. Actúa como punto  de encuentro entre autores, lectores y editoriales. Además, su fondo  editorial ofrece una diversa y cuidada selección de autores, incluidas  voces alternativas. Destaca por contribuir a mantener viva la tradición  de la librería independiente como espacio clave para la difusión del  pensamiento, la calidad literaria y la construcción de comunidad en  torno al libro. 

➢ Festival Primavera Sound. Festival de música nacido en Barcelona  en 2001 que se ha convertido en uno de los eventos culturales más  relevantes de Europa gracias a su programación ecléctica, que mezcla  indie, rock, electrónica, pop, hip hop y propuestas experimentales. En  las últimas décadas ha crecido hasta consolidarse como referencia  global, con hitos como el cartel paritario de 2019 y su expansión a  ciudades como Oporto, Los Ángeles o Buenos Aires. Primavera Pro, el  encuentro profesional paralelo al festival que reúne a agentes de la  industria musical de todo el mundo, es un espacio clave para el sector,  que fomenta el intercambio de conocimiento, visibiliza a nuevos  talentos y convierte a la ciudad en un centro estratégico para el debate  y la innovación del sector. 

➢ Teresa Chapa Brunet. Catedrática emérita de Prehistoria en la  Universidad Complutense de Madrid y arqueóloga especializada en la  cultura ibérica. Su investigación se centra en escultura zoomorfa,  iconografía, arqueología funeraria y arqueología del paisaje. Ha dirigido  y codirigido importantes excavaciones en yacimientos como Cerro de  los Santos, Los Castellones de Ceal y El Pajarillo. Autora de numerosas  publicaciones sobre arqueología ibérica y rituales funerarios, ha  contribuido al desarrollo de la arqueometría y el análisis iconográfico.  Ha ejercido la docencia, además de participar en la gestión del  patrimonio. Reconocida por su trayectoria investigadora, combina rigor  académico con difusión del conocimiento arqueológico. 

➢ Christina Rosenvinge Hepworth. Cantautora que comenzó su carrera  musical en los albores de la Movida como miembro de bandas como Ella y Los Neumáticos, Álex & Christina y más tarde Christina y Los  Subterráneos, con quienes obtuvo sus primeros éxitos. A partir de  finales de los años 90 emprendió su trayectoria en solitario,  caracterizada por la experimentación, la mezcla de estilos —pop, rock,  indie— y una atención cuidada a la letra y la emoción. Sus trabajos han  sido reconocidos tanto por crítica como por público. Ha recibido, entre  otros, el Premio Nacional de las Músicas Actuales en 2018 y el Premio  MIN al Mejor Álbum de Pop por ‘Un hombre rubio’. A lo largo de su  carrera también ha explorado otras disciplinas como el cine, la  interpretación o la literatura. 

➢ Miren Begoña Arzalluz Loroño. Historiadora del arte y gestora cultural  especializada en moda. Inició su carrera en la Fundación Cristóbal  Balenciaga. En 2018 asumió la dirección del Palais Galliera - Museo de  la Moda de París, siendo una de las pocas gestoras no francesas en  liderar esa institución. Ha recibido numerosos reconocimientos, como  la distinción de Caballera de la Orden de las Artes y las Letras de  Francia, el premio Felicidad Duce y ha sido jurado de los National  Design Awards del Cooper Hewitt Smithsonian Design Museum. Desde  2025 dirige el Museo Guggenheim Bilbao. Su trayectoria combina  investigación, conservación, divulgación y liderazgo, aportando nuevas  perspectivas al ecosistema cultural, conectando tradición, innovación y  proyección global, y reforzando el vínculo entre arte, moda y sociedad. 

➢ Familia Pla-Solina (Joaquim [Quimet] Pla i Planas, Núria Solina,  Oriol Pla Solina y Diana Pla Solina). Quimet Pla y Núria Solina conforman una de las parejas artísticas más relevantes en la evolución  del circo contemporáneo y de las artes escénicas en España. Ambos  han sido figuras fundamentales en la transición del circo tradicional  hacia lenguajes más teatrales, poéticos y multidisciplinares,  contribuyendo a su dignificación cultural y a su integración en el sistema  artístico contemporáneo. Con trayectorias sólidas y complementarias,  han desarrollado una obra marcada por la sensibilidad, la  experimentación y una profunda vocación de servicio a la cultura. Su  trabajo conjunto combina interpretación, dirección, creación musical y  escénica, y ha contribuido a enriquecer el tejido artístico  contemporáneo, siempre desde una mirada humanista, poética y  comprometida. Pla y Solina encabezan una estirpe de comediantes que  ha continuado en sus hijos Diana Pla y Oriol Pla. La familia al completo  formó compañía en 1996, el ‘Teatre Tot Terreny’.

➢ Laura Kumin. Gestora cultural, coreógrafa, docente y crítica con más  de cuatro décadas dedicadas a la danza en España. Nacida en Estados  Unidos y residente en España desde 1978, ha articulado su trabajo  entre la creación, la pedagogía y la gestión cultural. Inició su carrera  como bailarina y profesora en el Fairmount Center for the Creative and  Performing Arts (Cleveland, Ohio). En 1982 impulsó en Madrid la  Escuela de Danza y Teatro Contemporáneo y en 1987 cofundó el  Certamen Coreográfico de Madrid, que dirige desde la asociación Paso  a 2., desde donde ha promovido nuevas autorías y la profesionalización  del sector. Ha sido asesora en la Comunidad de Madrid, el Teatro  Pradillo, la Fundación ARCYL y el Ministerio de Cultura; participó en el  Plan Estratégico de la Danza y promovió proyectos como ‘Caldo de  Cultivo’ y ‘Mapamundi’. Como crítica, publica desde 1985 en ‘Dance  Magazine’ y ha colaborado con ‘The New York Times’, ‘El País’ y ‘El  Cultural’.  

➢ Margaret Jova. Creadora, gestora y directora artística de danza y artes  escénicas en España, con más de tres décadas de trayectoria  impulsando proyectos que vinculan tradición y vanguardia. Cofundó en  1987 el Certamen Coreográfico de Madrid, que codirigió hasta 2001.  En 1992 fundó el Certamen de Coreografía de Danza Española y  Flamenco de Madrid, que produce y dirige, consolidado como referente  internacional. Ideó ‘Dressed to Dance’, presentado en sedes como el  Guggenheim de Nueva York, el Museo del Traje, el Tchaikovsky  Concert Hall y la Torre de David. Creó Asaltos de la Danza (MNCARS,  2011–2016, con participación del Museo del Prado) y las Noches  Líricas del Palacio de Hualle (desde 2008, dentro del Festival  Internacional de Santander).  

➢ Emma Vilarasau Tomàs. Es una de las actrices más relevantes de la  escena y la pantalla en España. Su capacidad para transitar entre el  teatro, el cine y la televisión con interpretaciones de enorme intensidad  emocional, rigor técnico y sensibilidad la ha consolidado como un  referente de su generación. A lo largo de su carrera, ha dado vida a  personajes complejos, aportándoles verdad, matices y una gran  presencia escénica. Ha recibido numerosos premios, entre los que  destacan el Premio Max a la mejor actriz de teatro en 2014 por  ‘Barcelona’, y los premios Gaudí y Feroz a la mejor actriz protagonista  por ‘Casa en Flames’.

➢ Andrés Vázquez de Sola (a título póstumo). Periodista y dibujante,  destaca por su humor gráfico y su sátira política. Con un estilo  inconfundible y una mirada lúcida y crítica, sus caricaturas, cargadas  de ironía, compromiso social y profundidad intelectual, han contribuido  durante décadas a denunciar injusticias, cuestionar el poder y  promover la reflexión cívica. Su obra, reconocida dentro y fuera de  España, forma parte del imaginario cultural contemporáneo y ha  influido en varias generaciones de ilustradores y humoristas. Sus señas  de identidad son la calidad artística de su trabajo, su coherencia ética  y su significativa huella en la cultura visual. 

➢ Óscar Mulero Crecente. DJ y productor, es uno de los referentes del  techno en España. Activo desde finales de los años 80, cuando  comenzó a pinchar en clubes underground de Madrid, ha sido clave en  la difusión del techno en España y en sentar las bases de una escena  electrónica sólida. Fundó dos sellos que han publicado decenas de  referencias en el ámbito del techno y se han convertido en plataforma  de artistas nacionales e internacionales. Desde 2013 desarrolla  performances en vivo audiovisuales, explorando nuevas formas de  experiencia sonora y visual. 

➢ José Luis Cienfuegos Marcello (a título póstumo). Gestor cultural y  director de algunos de los principales festivales de cine de España.  Destacó por una visión innovadora, un gran compromiso con la cultura  cinematográfica y su capacidad para impulsar un espacio de encuentro  entre creadores y espectadores. Fue director durante más de 20 años  de los Festivales de Cine de Gijón, Sevilla y de la Seminci de Valladolid.  Durante 15 años fue colaborador y programador de la Obra Social y  Cultural de la Cajastur. Miembro del comité de expertos de la Academia  de Cine Europeo y asesor de programación del Festival de Cine  Alemán de Madrid. Además, fue jurado en varios festivales de cine  internacionales como el Festival Internacional de Cine de San  Sebastián. 

➢ Antonio Gallardo Ballart. (Fundación Palarq). Mecenas de  arqueología que financia desde hace años proyectos de investigación  impulsados en todo el territorio nacional. Ha complementado la acción  del Ministerio de Cultura en esta materia y cuenta con el reconocimiento de todo el sector. Se trata de un ejemplo destacado de colaboración  público-privada. 

➢ Tatiana Delgado Yunquera. Es una de las pioneras del desarrollo de  videojuegos en España, con más de dos décadas de experiencia como  diseñadora de juegos y de niveles. En 2017 cofundó su propio estudio,  Vertical Robot, especializado en realidad virtual. Entre sus  reconocimientos destaca el I Premio CIMA Games al Talento en la  Industria de los Videojuegos (2021), otorgado por su trayectoria como  mujer en un sector tradicionalmente dominado por hombres. Además,  ha sido nominada a un BAFTA en 2020, y ha sido reconocida con  premios profesionales como Mejor Diseñadora (2017) y Mejor  Desarrolladora (2020). En su trayectoria combina creación, producción,  innovación tecnológica y formación.  

➢ André Ricard Sala. Una de las figuras más relevantes en el diseño  industrial en España. Su trayectoria comenzó en los años 50, cuando  tras formarse en Bellas Artes y completar prácticas en Suiza e  Inglaterra, entró en contacto con los impulsores del diseño  internacional. Desde entonces ha liderado importantes instituciones del  diseño y ha impulsado la profesionalización del diseño industrial en  España. Entre sus hitos más reconocidos destaca el diseño de la  antorcha de los Juegos Olímpicos de Barcelona 1992. Ha recibido  numerosos premios como el Premio Nacional de Diseño en 1987, la  Creu de Sant Jordi, la Orden Olímpica del Comité Olímpico  Internacional, la de Caballero de la Orden de las Artes y las Letras en  Francia, así como múltiples premios Delta, Eurostars y reconocimientos  al mejor packaging europeo. En 2021 recibió el Design Europa Award  a la trayectoria profesional. 

➢ Jesús Manuel Pinto García (Suso 33). Grafitero y artista  multidisciplinar, ha desarrollado su obra partiendo del graffiti clásico y  del street art. Ha desarrollado su obra en diferentes campos como la  pintura de acción, el muralismo, la instalación, el videoarte, la  performance y la escenografía. Destaca por su papel pionero dentro del  arte urbano y por haber elevado el graffiti a un diálogo con el espacio  público, la performance y las artes visuales contemporáneas. Su  trabajo, que combina gesto, movimiento y experimentación, ha  contribuido a transformar la percepción del arte callejero, situándolo en  instituciones, festivales y circuitos artísticos internacionales. Su obra destaca por su innovación, una estética propia y una constante  reflexión sobre la presencia humana y el acto de crear. 

➢ Francisco Etxeberría Gabilondo. Médico especialista en Medicina  Legal y Forense y doctor en Medicina por la Universidad del País  Vasco. Su labor científica y forense se ha centrado en la exhumación  de fosas comunes, la identificación de víctimas de conflictos —como  los asesinados durante la Guerra Civil y la dictadura franquista— y en  investigaciones internacionales de derechos humanos, colaborando en  procesos como los relacionados con desaparecidos en Chile o víctimas  de represión. Entre sus reconocimientos destacan el Premio Derechos  Humanos Gipuzkoa, el Premio René Cassin del Gobierno Vasco al  equipo que él lidera, el Premio Eusko Ikaskuntza de Humanidades,  Cultura, Artes y Ciencias Sociales, así como el Premio Conchita Viera.  En 2000 encabezó la primera exhumación científica en España de  víctimas de la represión franquista en Priaranza del Bierzo. Su trabajo ha ayudado a devolver identidad, dignidad y verdad a miles de víctimas  y familias, convirtiéndose en una figura esencial para la memoria  colectiva, los derechos humanos y la cultura de la reconciliación en  España. 

➢ Manuel Jesús Borja-Villel. Historiador, gestor cultural y uno de los  principales especialistas en arte contemporáneo de España. Ha  impulsado modelos de museo más inclusivos, experimentales y  socialmente comprometidos, fortaleciendo el diálogo entre creación,  investigación y ciudadanía. Su labor como director de importantes  instituciones culturales se ha distinguido por una visión intelectual  sólida, una defensa de las prácticas artísticas críticas y una apuesta  por narrativas que amplían y cuestionan los relatos tradicionales del  arte. 

➢ Verónica Fernández de Echegaray (Verónica Echegui) (a título  póstumo). Actriz de gran versatilidad, fuerza interpretativa y fuerte  compromiso con personajes que exploran la emoción, la vulnerabilidad  y la complejidad humana. A lo largo de su carrera, ha interpretado roles  muy diversos, dotándolos siempre de autenticidad, sensibilidad y una  gran presencia en pantalla. Su trabajo, reconocido tanto por la crítica  como por el público, refleja una evolución constante y una búsqueda  artística valiente que la sitúa entre las actrices más sobresalientes desu generación. En 2022 recibió el Premio Goya al mejor cortometraje  de ficción por ‘Tótem Loba’, escrito y dirigido por ella. 

➢ María Isabel Llaudes Santiago (Karina). Una de las voces más  emblemáticas del pop español de los años 60 y 70. Tras formarse en  solfeo y piano, inició su carrera en concursos radiofónicos que la  catapultaron al panorama musical. Su estilo yeyé, fresco y cercano,  conectó con toda una generación, convirtiéndose en un icono de la  música popular. Destaca por éxitos musicales como ‘Las flechas del  amor’, ‘Romeo y Julieta’ o ‘El baúl de los recuerdos’, y por su segundo  puesto en Eurovisión 1971 con ‘En un mundo nuevo’. Su carrera  también abarca cine y televisión, reforzando su presencia en la cultura  popular. 

➢ José Manuel Garrido Guzmán. Creador y primer director del Instituto  Nacional de las Artes Escénicas y de la Música (INAEM), organismo  autónomo del Ministerio de Cultura. Lo dirigió entre 1985 y 1989, años  en los que diseñó la estructura institucional que articuló la acción del  Estado en el ámbito de la música, la danza y el teatro. Bajo su impulso  se crearon o consolidaron organismos como la Compañía Nacional de  Teatro Clásico, la Joven Orquesta Nacional de España, el Ballet  Nacional de España, la Orquesta y Coro Nacionales de España o el  Plan Nacional de Auditorios. En 1982 asumió la Dirección General de  Música y Teatro del Ministerio de Cultura, del que también fue  subsecretario (1989-1992). Posteriormente fundó la consultora Artibus  S.L., dedicada a la producción y planificación cultural, dirigiendo el  Teatro de Madrid y apoyando la danza contemporánea y la cooperación  cultural internacional. 

➢ Marcos Mora Ureña (Marcos Morau). Fundador y director artístico de  ‘La Veronal’, es un coreógrafo y artista escénico de proyección  internacional que ha renovado la danza combinando movimiento,  teatro, artes plásticas y performance. Su obra, presentada en más de  30 países y en festivales como la Biennale di Venezia, el Festival  d’Avignon o Sadler’s Wells, le ha valido reconocimientos como el  Premio Nacional de Danza (2013), el Premio FAD Sebastià Gasch, el  Time Out Mejor Creador, la distinción de Caballero de la Orden de las  Artes y las Letras en Francia y el Premio Nacional de Cultura de  Cataluña (2025). Además, ha trabajado con compañías internacionales  como Nederlands Dans Theater y Royal Danish Ballet.

➢ Estrella de la Aurora Morente Carbonell (Estrella Morente). Cantaora de flamenco con casi 30 años de trayectoria. A lo largo de su  carrera ha participado en festivales nacionales e internacionales, ha  llevado el flamenco a escenarios como el Barbican de Londres, y ha  fusionado tradición y modernidad sin perder la pureza del cante. Entre  sus reconocimientos destacan el Premio Ondas a la Mejor Creación  Flamenca, el Premio de la Música al Mejor Álbum Flamenco, el  Micrófono de Oro, la Medalla de Andalucía, y varias nominaciones a los  Premios Grammy Latinos. Su voz singular y su capacidad para renovar  el flamenco siendo fiel a sus raíces la han convertido en una de las  voces más relevante del cante flamenco contemporáneo y en un puente  entre generaciones. 

➢ Ateneu Popular 9 Barris. Entidad cultural referente de la gestión  comunitaria y de la intervención cultural de base ciudadana. Surgido en  1977 a partir de una reivindicación vecinal que recuperó una antigua  fábrica para uso público, el Ateneu ha desarrollado un modelo estable  de participación democrática aplicado a un equipamiento cultural. Su  actividad combina la creación, formación y difusión en circo y artes  escénicas con proyectos de carácter social y comunitario, manteniendo  una programación accesible y abierta a colectivos diversos. El Ateneu  destaca por su contribución sostenida al derecho de acceso a la cultura,  particularmente en un territorio marcado por desigualdades históricas,  y por su capacidad para articular procesos colectivos que fortalecen el  tejido social. 

➢ Manuel Vicent Recatalá. Escritor y periodista que cuenta con una  producción literaria y periodística extensa y constante. Su obra incluye  numerosas novelas, así como colecciones de relatos, crónicas,  artículos y libros de viajes, críticos o de memorias. En su trayectoria  destacan el Premio Alfaguara en 1966 por ‘Pascua y naranjas’; el  Premio Nadal en 1986 por ‘Balada de Caín’ y el Premio Alfaguara en  1999 por ‘Son de mar’. Además, ha sido condecorado con la Medalla  de Oro de la Universidad de Almería, la Doctor honoris causa por la  Universitat Jaume I de Castelló, Medalla de Oro del Círculo de Bellas  Artes de Madrid y el Premio de las Letras Valencianas. En 2025 fue  premiado con el Premio Fira del Llibre de València a la trayectoria  literaria en castellano. Su obra combina estilo literario, memoria personal y mirada crítica sobre la realidad y es esencial para entender  la transformación cultural y social de España en las últimas décadas. 

➢ Los Chichos. Grupo musical formado en 1973 por los hermanos Julio  y Emilio González Gabarre junto a Juan Antonio Jiménez “Jeros”. Son  los pioneros de la rumba flamenca mezclada con pop y rock, creando  un sonido inmediato, popular y cargado de realismo social. Durante  décadas mantuvieron una presencia constante en escenarios, con una  discografía de más de 20 álbumes de estudio y recopilatorios,  acumulando numerosas distinciones comerciales como discos de oro,  platino y numerosos éxitos de ventas. En 2024 fueron homenajeados  con el Premio Ondas de la Música: Premio a la Trayectoria por sus más  de 50 años de carrera. Son un grupo clave en la dignificación de la  rumba flamenca como forma de expresión popular, en dar voz a las  realidades de los marginados y en construir un legado musical que  trasciende generaciones. 

➢ Ana Miralles López. Dibujante de cómic e ilustradora, comenzó a  publicar sus primeras historietas en 1982 en la revista Rambla. Ha  trabajado como ilustradora en diversas revistas y editoriales antes de  lanzarse al cómic con su primer álbum en 1990, ‘El brillo de una mirada’,  con guion de Emilio Ruiz. Ha sido galardonada con el Gran Premio del  Salón del Cómic de Barcelona en 2009, siendo la primera mujer que lo  recibió; Premio Haxtur a la Mejor Historia Larga por ‘Eva Medusa’ en 1993; Haxtur a la Mejor Portada por el primer volumen de ‘Djinn’ en  2003. Además, su obra ‘Ava’ fue elegida como Mejor Cómic Nacional  en 2024 por el colectivo de librerías especializadas (CEGAL). Su estilo  realista y su dominio de la narrativa visual han contribuido a dignificar  el cómic adulto y a colocar el cómic español en el panorama europeo e  internacional. 

➢ Fundación Vozes. Proyecto músico-social con más de 20 años de  experiencia que trabaja en favor de la cohesión y la integración social  a través de la música. Está concebido para ofrecer formación musical  de calidad de forma gratuita a niños y jóvenes de barrios vulnerables.  A través de su proyecto mejoran la integración social y las  competencias personales y académicas, repercutiendo positivamente  en su entorno afectivo y familiar y contribuyendo a la transformación  social. El proyecto de la Fundación Vozes promueve valores como la  cooperación, compañerismo, inclusión social y excelencia. Su impacto trasciende el ámbito local y contribuye a democratizar el acceso a la  cultura. 

➢ Luis López Tosar (Luis Tosar). Es uno de los actores más sólidos y  versátiles del cine español. Capaz de transitar con naturalidad entre el  drama, el thriller, la comedia o el cine de autor, ha construido una  filmografía marcada por personajes intensos, complejos y memorables,  interpretados con fuerza emocional y rigor técnico. Entre sus  galardones destacan sus tres Premios Goya, dos como Actor Principal  en 2010 por su interpretación en ‘Celda 211’ y en 2004 por su papel en  ‘Te doy mis ojos’, y como Actor de Reparto en 2003 por su papel en  ‘Los lunes al sol’. 

➢ Irene Vallejo Moreu. Filóloga clásica y escritora, cuya labor combina  la investigación académica con la divulgación literaria. A lo largo de su  carrera también ha publicado ensayos, novelas, libros para público  juvenil e infantil y recopilaciones de columnas periodísticas. Entre sus  reconocimientos más destacados están el Premio Nacional de Ensayo  en 2020 por ‘El infinito en un junco’; el Premio de Aragón en 2021; el  Premio al Líder Humanista 2022 y el Premio Internacional de Ensayo  Pedro Henríquez Ureña en 2022, otorgado por la Academia Mexicana  de la Lengua. En su obra destaca la combinación de erudición,  sensibilidad narrativa y divulgación accesible, para rescatar la herencia  del mundo clásico y fomentar el amor por la lectura y la historia del  conocimiento en un público amplio y global. 

➢ Juan Miguel Hernández León. Arquitecto y gestor cultural.  Catedrático en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid  (ETSAM), de la que fue también director. Algunos de los proyectos realizados por él son la Fundación Cultural en Salamanca (junto a  Álvaro Siza), el Palacio de Congresos en la Universidad Laboral de  Zamora (junto a Francisco Mangado), el Centro de Arte  Contemporáneo en Vélez-Málaga y el Museo y restauración de las  Murallas de Ceuta, entre otros. Es presidente del Círculo de Bellas  Artes de Madrid, institución a la que ha impulsado como uno de los  principales centros culturales del país. Como presidente del CBA, en  2014 impulsó la creación de SUR. Escuela de Profesiones Artísticas,  con el objetivo de aportar un nuevo enfoque en la compresión,  conocimiento y formación en el ámbito de las artes.

➢ María del Monte Tejado Algaba (María del Monte). Cantante que se  dio a conocer al ganar en 1982 el concurso televisivo Gente joven, lo  que le abrió las puertas para publicar su primer disco en 1985. Es una  de las voces más reconocidas de la copla y las sevillanas. A lo largo de  su carrera ha obtenido cerca de 20 discos de platino. Ha popularizado clásicos como su tema ‘Cántame’, símbolo de la música popular  española. Además de su faceta musical, desarrolló una carrera paralela  en radio y televisión. En su trayectoria ha contribuido a dignificar  géneros populares, a preservar el patrimonio tradicional y a llevar el  espíritu flamenco más allá de Andalucía.