• Prerrafaelismo. Itinerarios femeninos (1850 -1914) destaca la aportación de las mujeres artistas a este movimiento británico al situarlas en el centro de su relato.
• La muestra La otra orilla de la vanguardia , toma como punto de partida el libro Expresiones de la locura (1922) de Hans Prinzhorn para explorar la
relación entre la creación artística y salud mental .
• La retrospectiva de Minor White presenta sus célebres secuencias fotográficas, concebidas por el artista como conjuntos narrativos y poéticos, dando a la vez buena muestra de los temas más recurrentes en
su obra .
• Las exposiciones pueden visitarse entre el 24 de septiembre y el 10 deenero, en Madrid.
22/9/26.- Madrid
Fundación Mapfre ha presentado hoy, 22 de septiembre , tres nuevas exposiciones :
Prerrafaelismo. Itinerarios femeninos (1850 -1914), La otra orilla de la vanguardia, y Minor White con las que presenta, por un lado, dos capítulos fundamentales de la creación artística de los siglo s XIX y XX desde un enfoque diferente y, por otro,
la retrospectiva más completa que se ha realizado en Europa, hasta la fecha, de la obra del fotógrafo americano.
La muestra Prerrafaelismo. Itinerarios femeninos (1850 -1914), propone una nueva lectura de este movimiento al destacar la contribución decisiva de las mujeres artistas. La exposición explora la estrecha relación entre el surgimiento del prerrafaelismo y la progresiva incorporación de las mujeres al ámbito artístico británico desde mediados del siglo XIX hasta comienzos del XX. Por su parte, La otra orilla de la vanguardia , toma como punto de partida el libro Expresiones de la locura (1922), de Hans Prinzhorn, elaborado a partir de la colección de trabajos de pacientes psiquiátricos reunida en el Hospital Universitario de Heidelberg.
En paralelo , se presenta una exposición retrospectiva dedicada al fotógrafo estadounidense Minor White que atraviesa las principales etapas de su producción en un recorrido cronológico dividido en cuatro secciones. Presta especial atención a sus célebres secuencias fotográficas, concebidas por el artista como conjuntos narrativos y poéticos, dando a la vez buena muestra de los temas más recurrentes en su obra: la naturaleza, el paisaje, el retrato y el desnudo masculino.
Las muestras podrán visitarse desde el 24 de septiembre y hasta el 10 de enero, en la sala de exposiciones de la Fundación , en Madrid.
PRERRAFAELISMO. ITINERARIOS FEMENINOS (1850 -1914)
La exposición , comisariada por Pamela Gerrish Nunn, propone una nueva lectura de este movimiento, surgido en Gran Bretaña a mediados del siglo XIX en oposición a las convenciones del arte académico , poniendo de relieve la aportación fundamental de las mujeres artistas, históricamente eclipsada por el protagonismo otorgado a sus representantes masculinos . Además, explora la estrecha relación entre el surgimiento del prerrafaelismo y la progresiva incorporación de las mujeres al ámbito artístico británico desde mediados del siglo XIX hasta comienzos del XX.
A través de esta doble historia, la muestra analiza cómo los cambios sociales vinculados a la denominada «cuestión femenina» coincidieron con la evolución de uno de los movimientos más innovadores del arte victoriano , y cómo las mujeres participaron activamente en su desarrollo, transformándolo desde dentro.
Lejos de ocupar un papel secundario, creadoras de diversos ámbitos contribuyeron de manera decisiva a la definición, expansión y legado del prerrafaelismo. Entre las más de cuarenta artistas expuestas destacan Elizabeth Siddal, Joanna Boyce, Julia Margaret Cameron, May Morris, Marie Spartali Stillman, Evelyn De Morgan o Eleanor Fortescue -Brickdale.
El recorrido expositivo , conformado por 130 obras , entre pintura, acuarela, grabado, fotografía, tejido, cerámica o vidriera , y reúne préstamos de 65 colecciones tanto particulares como públicas . La exposición se articula en nueve secciones temáticas que siguen también un discurso cronológico y muestran tanto la evolución de este lenguaje artístico como las transformaciones del contexto en el que trabajaron las mujeres artistas : desde unos inicios marcados por la influencia de las ideas de John Ruskin y las limitaciones de acceso a la formación y a los espacios de exhibición pública, hasta la progresiva conquista de oportunidades de aprendizaje, reconocimiento y autonomía creativa que permitió a un número cada vez mayor de ellas desarrollar una voz propia y acometer proyectos de mayor ambición artística e intelectual a finales del siglo XIX.
Exposición organizada por Fundación Mapfre con la colaboración de La Piscine – Musée d’art et d’industrie André Diligent, Roubaix.
LA OTRA ORILLA DE LA VANGUARDIA
A comienzos del siglo XX, el psiquiatra e historiador del arte Hans Prinzhorn reunió en la Clínica Psiquiátrica de la Universidad de Heidelberg una colección de obras realizadas por personas ingresadas en estos centros . Dibujos, pinturas, esculturas, tejidos y objetos que hasta entonces se habían entendido sobre todo como material médico comenzaron a ser apreciados por su valor artístico . Esta nueva mirada fue decisiva, pues permitió reconocer en estas creaciones una gran capacidad creativa, intensidad expresiva y libertad formal. Para muchos artistas de vanguardia, estas obras abrían una vía distinta para pensar el arte, lejos de las normas académicas y de los modelos establecidos.
Las ideas de Prinzhorn se dieron a conocer en el volumen titulado en español Expresiones de la locura (1922), que difundió internacionalmente la colección y tuvo una amplia repercusión entre artistas e intelectuales. Expresionistas, dadaístas y surrealistas encontraron en aquellas obras una energía creativa que conectaba con su voluntad de renovar el arte moderno . Durante la década de 1930, esta relación fue manipulada por el régimen nazi, que utilizó la comparación entre el arte moderno y las creaciones de pacientes psiquiátricos para desacreditar las vanguardias bajo la etiqueta de Arte degenerad o. Tras la Segunda Guerra Mundial, Jean Dubuffet retomó el legado de Prinzhorn y formuló el concepto de Art Brut , con el que defendió el valor de las obras creadas fuera de los circuitos artísticos oficiales y de las convenciones culturales dominantes.
La otra orilla de la vanguardia, comisaria da por ©
, recorre esta historia a través del diálogo entre obras de la colección Prinzhorn y piezas de algunos de los principales protagonistas de la modernidad poniendo de relieve las afinidades y paralelismos estéticos que las vinculan . La muestra propone así una reflexión sobre quiénes han sido reconocidos o excluidos del relato artístico, cuestionando las fronteras tradicionales entre arte, diferencia y creatividad.
, recorre esta historia a través del diálogo entre obras de la colección Prinzhorn y piezas de algunos de los principales protagonistas de la modernidad poniendo de relieve las afinidades y paralelismos estéticos que las vinculan . La muestra propone así una reflexión sobre quiénes han sido reconocidos o excluidos del relato artístico, cuestionando las fronteras tradicionales entre arte, diferencia y creatividad.
MINOR WHITE
Minor White (Mineápolis, 1908 -Boston, 1976) es una de las figuras más complejas e influyentes de la fotografía estadounidense del siglo XX . Su legado abarca múltiples ámbitos del medio fotográfico: el académico, el museístico y el editorial.
Fue fundador y editor de la revista Aperture y profesor en algunos de los centros de enseñanza más relevantes de la escena norteamericana .
Mediante un recorrido eminentemente cronológico que atraviesa las principales etapas de la vida del fotógrafo, la muestra se articula en torno a sus principales secuencias fotográficas, el formato que consideró más adecuado para dotar de significado a sus imágenes. Esta forma de presentar su obra, que él mismo asimiló al «cine de imágenes fijas», ocupa un lugar central en el recorrido, que también recoge una nutrida selección de interesantes trabajos no escogidos por White para la conformación de sus secuencias.
La muestra arranca con sus primeras imágenes realizadas en Portland, que ya dejan entrever un estilo formalista y una fotografía de gran precisión técnica y compositiva. El recorrido presta especial atención a los temas más recurrentes en su obra —la natura leza, el paisaje, el retrato y el desnudo masculino — y a la intensa carga introspectiva y espiritual que los atraviesa. Series como Rural Cathedrals (1955) revelan una dimensión simbólica y onírica del paisaje y subrayan su interés por fotografiar «las cosas no por lo que son, sino por aquello otro que son», tal como el propio White señaló.
La exposición , comisariada por Carlos Gollonet , conmemora el cincuenta aniversario del fallecimiento del autor y le rinde homenaje poniendo de relieve el valor, la singularidad y la riqueza de su extensa producción artística. Está conformada por un total de unas 250 copias de época , magníficos ejemplos de las notables dotes de White como impresor, de las cuales unas 160 constituyen las once secuencias que se pueden contemplar. Algunas de ellas no fueron exhibidas nunca en vida del fotógrafo y la mayoría no habían sido mostradas íntegras en Europa.
Realizada principalmente a partir del legado de White conservado en el Princeton University Art Museum, el proyecto cuenta también con préstamos del Portland Art Museum, The Museum of Fine Arts de Houston y Aperture.
