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viernes, 30 de mayo de 2025
jueves, 29 de mayo de 2025
XUAN CÁNDANO, autor del libro «Operación Caperucita y la película de los sueños rotos del antifranquismo»
Juan Manuel Riesgo
30.05.2025.- Madrid.- Estuve en la 5ª planta del Ateneo de Madrid, hoy 29 de mayo, en una presentación muy buena, por mi amigo el catedrático de Historia Contemporánea, Enrique Moradiellos, de un interesante libro de Xuan Cándano, «Operación Caperucita y la película de los sueños rotos del antifranquismo», explicando la verdad del asesinato por la ETA, de Carrero Blanco, la implicación de la comunista Eva Forest, que también participó en el atentado de la calle del Correo y desactivando las teorías absurdas conspiranoides que implicaban a Kissinger.
Un libro sobre cómo se fraguó con la estrategia de Eva Forest, esposa de Alfonso Sastre, tanto el asesinato de Carrero Blanco, como el atentado de la Calle del Correo.
Había poca gente, quizás los ateneistas estaban muy cansados por las elecciones de ayer. Y apenas se vendieron libros....Basilio R. Cañada y Manuel Pimentel se habrían sorprendido mucho o quizás no.
Este Cándano tiene un libro sensacional publicado en 2006 : El Pacto de Santoña (1937). La rendición del Nacionalismo vasco al fascismo. Trata de una de las muchas traiciones de los vascos, cuando quisieron hacer un pacto entre vaticanistas con los italianos. Que por supuesto el General Franco no aceptó.
Los vascos dijeron que : "ocupadas las provincias vascas por el Ejército Nacional, ningún gudari vasco derramaría su sangre por Santander o Asturias". Es decir lo mismo que le hicieron a Mariano Rajoy y lo que le harán a Pedro Sánchez. Al tiempo...
Este era un libro sensacional para presentar en los Colegios Mayores África o Guadalupe. Ya que además está escrito por un gran periodista padre de un colegial del Guadalupe.
Ocurrió que empezó la confusión en la Fundación de Colegios Mayores MAEC/AECID. El ex conserje Críspulo Julián, nombrado por los políticos Director de la Fundación, por envidia prescindió de Basilio R. Cañada y los segundos cargos, ni vivían ya en los Colegios. Una no era precisamente culta, otra decía que hacíamos demasiadas conferencias, cursos, presentaciones de libros y clases de idiomas y que ella no podía quedarse por la tarde, que tenia dos hijos malos estudiantes. Con lo cual nada mas comer a costa del Colegio claro, se iba a su casa a las tres La Extensión Universitaria de los colegiales no le importaba lo más mínimo.
Total, un libro tan importante, no se presentó en los CMU África y Guadalupe y, como está agotado, y no se ha reeditado, alcanza un precio astronómico en internet.
Sinopsis .- En los últimos años del franquismo, la conexión entre un grupo de intelectuales de izquierdas y ETA hizo posibles dos atentados que cambiaron la historia de España: el del almirante Carrero Blanco y el de la cafetería Rolando de la calle del Correo, ambos en Madrid. El grupo, el Comité Karl Marx, estaba encabezado por Eva Forest, la persona clave en los dos atentados y esposa del dramaturgo Alfonso Sastre. El brutal atentado de la calle del Correo provocó trece muertos, el encarcelamiento de los miembros del Comité y la escisión de ETA en las ramas militar y político-militar. Debido a la amnistía de 1977, nunca llegó a celebrarse el juicio.
Cincuenta años después Xuan Cándano desvela, tras una rigurosa investigación, los misterios y secretos de un atentado cuyos autores llamaron Operación Caperucita.
LUIS ENRIQUEZ, autor de la novela "József el húngaro", basada en una historia real de Fernando Campos
* Esta novela está basada en una historia real de Fernando Campos.
L.M.A.
29/5/25.- Madrid.- Luis Enríquez es el autor de la novela "József el húngaro", basada en una historia real de Fernando Campos. El libro ha sido publicado por la editorial La Esfera de los Libros.
Sinopsis.- József existe. O, al menos, ha existido. Llegó a las puertas del Irish Rover, un garito muy popular en el Madrid de los años noventa, de parte de su compañero de celda en Carabanchel. József tenía experiencia como portero de discoteca y era corpulento, lo cual resultaba conveniente como factor disuasorio en las madrugadas de Madrid, cuando el alcohol engrandece el carácter de los veinteañeros a la vez que les achica la paciencia. Era reservado del modo en que solo pueden serlo aquellos que han vivido mucho y saben que nadie nunca se metió en problemas por callar demasiado. Su cara desfigurada de boxeador, nariz rota incluida, estaba suavizada por sus ojos extrañamente azules, pero cualquier rasgo físico resultaba irrelevante si uno reparaba en sus manos: en vez de nudillos parecía que le hubieran injertado dos puños americanos.
Esta historia es su vida y es esencialmente cierta.
Luis Enríquez Nistal (Madrid, 1971) ha dedicado toda su vida profesional a la gestión de medios de comunicación. Admirador de todos los autores pertenecientes a la corriente bautizada por Tom Wolfe como «Nuevo Periodismo», su verdadera pasión es la crónica periodística. Colabora con la revista cultural digital Zenda Libros, a través de reseñas de libros, películas y series; con el programa Cowboys de medianoche y con la tertulia cultural del programa En casa de Herrero junto a Luis Herrero, José Luis Garci y Chema Alonso. ¡Ah!, y entrevistó a Gay Talese para el diario ABC en su casa del Upper East.
JORGE CAPPA, autor del poemario “La deshora”, publicado por Olélibros
L.M.A.
29/5/25 .- Madrid.- La deshora está compuesto por 42 textos (38 poemas y 4 letras de canciones), de los cuales más de la mitad han sido galardonados en certámenes y convocatorias literarias de siete países.
El poemario La deshora es el título 238 de la Colección Ites de poesía de Olé Libros.
Su título alude a ese lugar que no hace pie en el presente y que flota en el tiempo, donde uno se sitúa en el reverso de la realidad para enfrentar la verdad de su vida, para rozar aquello que perdió, para descomponer aquello que no le gusta y para dar aliento a aquello que anhela.
Las temáticas abordadas en estos textos poéticos tienen que ver esencialmente con el paso del tiempo y el peso de la ausencia, el recuerdo de un amor, el mundo de los sueños, el valor de la palabra y la crítica social.
«Así la vida se desata
en el filo de unas madrugadas
que me deslizan
entre la escarcha y el viento,
entre la nada y mis versos,
entre el puñal del olvido
y la escalera de mi tiempo».
ELVIRA GONZÁLEZ, GALERISTA Y REFERENTE DEL ARTE CONTEMPORÁNEO, RECONOCIDA CON EL PREMIO ALBERTO ANAUT IMPULSO A LA CULTURA
El galardón, que nació el pasado verano, reconoce la labor de quienes dedican su carrera profesional al desarrollo de la cultura
La Fábrica reconoce su trayectoria única en la dignificación del mercado del arte y en la proyección internacional de los artistas españoles
La gala de entrega del premio se celebrará el 24 de junio a las 19 h en el Círculo de Bellas Artes de Madrid.
El jurado ha estado integrado por Alberto Fesser, Sheila Loewe, Ángeles González-Sinde, Javier Gomá, Miguel Zugaza, Carmen Palacios, Alfonso Aijón y Óscar Becerra.
Elvira González, galerista
L.M.A.
29.05. 2025 .- Madrid.- La galerista Elvira González ha sido galardonada con el Premio Alberto Anaut. Impulso a la Cultura, en su segunda edición. Desde la fundación de la Galería Theo en 1966 junto a Fernando Mignoni, y posteriormente con la Galería Elvira González, ha contribuido decisivamente a enriquecer el panorama artístico nacional e internacional, así como a aportar una estructura, hasta hace décadas inexistente, al mercado del arte en nuestro país.
Pionera en exhibir en España la obra de artistas como Rodin, Juan Gris, Fontana, Bacon o Picasso en tiempos en que aún resultaba una apuesta arriesgada, su galería ha sido, además, plataforma para nombres clave del arte contemporáneo europeo y norteamericano como Donald Judd, Alexander Calder, Dan Flavin, Richard Serra o John Chamberlain, entre muchos otros.
Su papel como difusora, gestora y mecenas ha sido determinante para la proyección internacional del arte español, y su labor ha influido de forma directa en la consolidación de colecciones, museos y ferias de referencia mundial.
“Su audacia y valentía han alcanzado un carácter sobresaliente al apostar por el arte cuando su reconocimiento era escaso o nulo, promoviendo artistas y transformando el contexto del arte contemporáneo en nuestro país”, destaca el jurado en el acta oficial del premio.
Con este reconocimiento, La Fábrica celebra la labor de esta figura imprescindible para la historia reciente del arte contemporáneo en España. Su trayectoria ha sido fundamental para profesionalizar el sistema artístico y abrir el camino a generaciones de artistas, coleccionistas y gestores culturales.
El Premio Alberto Anaut. Impulso a la Cultura fue creado en 2024 como homenaje a la figura de Alberto Anaut, gestor cultural y fundador de La Fábrica, con el objetivo de reconocer a profesionales que, como él, hayan contribuido de forma decisiva al desarrollo y fortalecimiento de la cultura en España desde roles muchas veces invisibles: el comisariado, la programación, la producción, el mecenazgo o la gestión. La primera edición recayó en Alfonso Aijón, fundador de Ibermúsica.
El galardón se entregará en un acto el próximo 24 de junio a las 19 h en el Círculo de Bellas Artes de Madrid.
miércoles, 28 de mayo de 2025
84 FERIA DEL LIBRO DE MADRID 2025. Del 30 de mayo al 15 de junio. Escritores a la firma: Carlos S.Tárrago, Pedro Fuentes, Teresa Pacheco...
El Banco de España abrirá un museo y un centro de educación financiera para compartir su patrimonio y mejorar los conocimientos de la sociedad
Banco de España. Colección de arte L.M.A.
Madrid, 28 de mayo de 2025.- El Banco de España abrirá un museo y un centro de educación financiera para compartir su patrimonio y mejorar los conocimientos de la sociedad
El Consejo de Gobierno del Banco de España aprobó, en la sesión celebrada el pasado lunes, el nuevo Plan Estratégico, que guiará la transformación de la institución hasta el año 2030. Dicho plan incluye una iniciativa para la creación de un museo y un centro de educación financiera que permitirán mostrar su legado patrimonial, que en gran parte es desconocido, y mejorar los conocimientos de finanzas de la ciudadanía, especialmente entre los jóvenes. Esta doble iniciativa trata, además, de fomentar la transparencia y la cercanía de la institución abriendo sus puertas a la sociedad.
El museo albergaría la Colección del Banco de España, que es el reflejo de un patrimonio acumulado a lo largo de casi 250 años de historia, desde su fundación en 1782 hasta la actualidad. Se trata de un amplio conjunto de arte español e internacional, con aproximadamente 4.000 piezas clásicas y contemporáneas, y que reúne a muchos de los más destacados creadores de la historia del arte desde Goya, Van der Hamen, Vicente López o Madrazo, pasando por Sorolla, Zuloaga o artistas más recientes como Tapies, Guerrero, Chillida, Oteiza, Jesús Soto, Carmen Laffón, Soledad Sevilla, Candida Höffer o Cristina Iglesias, entre otros muchos.
A todo este conjunto hay que añadir su colección numismática, la segunda más importante del país, el Archivo Histórico y su Fondo Bibliográfico de Especial Valor, constituido por más de 16.000 volúmenes del siglo XV al XIX, que constituyen referencias indispensables para conocer la historia económica, política y social de España.
Dentro de este patrimonio, ocupa un lugar primordial la arquitectura de la propia sede de la institución en la plaza de Cibeles, obra de Eduardo de Adaro (Edificio Tradicional, 1883-1891) y José Yárnoz Larrosa (primera ampliación, 1927-1936), que conforma uno de los más importantes conjuntos de arquitectura ecléctica y art déco de España y Europa. El edificio fue declarado en 1999 Bien de Interés Cultural con la categoría de Monumento, la máxima que contempla la legislación española.
Apertura al público de la Cámara del Oro
Además, el museo no solo permitirá culminar la apertura publica de las zonas monumentales de la institución, sino también la visita a otros espacios tan emblemáticos como la Cámara del Oro, hasta ahora cerrada al público.
Reproducción permitida solo si se cita la fuente
El desarrollo del museo y el centro de educación financiera dotará de una función social, educativa y de servicio público a este conjunto de bienes culturales, cuyo principal valor es su capacidad para contar la historia del Banco de España. Ambos actuarán como vasos comunicantes, mostrando la diversidad del legado patrimonial de la institución, en el caso del museo, y en forma de experiencia formativa en el centro de educación financiera, siempre con el objetivo de promover un mayor conocimiento de la importancia de las funciones de la institución y del modo en que contribuye al bienestar de la sociedad.
Más información: https://coleccion.bde.es/wca/es/
Exposición: TORNER.Centenario en la Academia (Obra 1977-2008)
Real Academia de Bellas Artes de San Fernando,Alacalá,13
Del 27 de mayo al 27 de julio de 2025
Mayca NÖIS
27/05/2025.- En el Patio del Lucernario de la Real Academia se presenta a los medios la extraordinaria exposición sobre Gustavo Torner, académico de número desde 1993. Tomás Marco, director de la Academia abre el encuentro y motivación del acto. Acompañado de María José Barrero García, Coordinadora General del Área de Cultura, Turismo y Deporte del Ayuntamiento de Madrid, Victor Nieto, académico delegado del Museo y Arturo Sagastibelza Ruiz, comisario de la magna exposición.
Se conmemora el aniversario del nacimiento de su académico de número Gustavo Torner (Cuenca 1925). Para tan significativo evento conmemorativo se han reunido trece pinturas de gran formato realizadas entre 1977 y 2008, en muy variado en su temática formal y conceptual. En su mayoría nunca antes expuestas al público. Pertenecen a una etapa de madurez artística, procedentes de colecciones particulares que han cedido la obra para esta única ocasión excepto una que forma parte de la propia colección del Museo de la Academia.
Todas son una buena representación de síntesis culturales, civilizaciones y tiempos. Se expresan utilizando diversos recursos técnicos y procedimientos que son los significativos en la obra del artista coincidiendo con un tiempo de esplendor en su pintura.
En la presentación el comisario de la exposición ha resaltado cómo fue su insistencia para que otro gran artista Fernando Zobel instalara en las Casas Colgadas de Cuenca su colección de arte en lo que sería el Museo de Arte Abstracto Español en Cuenca inaugurado en 1966. Se marcó un hito de único museo privado creado, dirigido y mantenido en exclusividad por artistas. Recibió, entre otros testimonios, la consideración de “pequeño museo más bello del mundo” , El pequeño grupo de artistas que lo constituyeron denominado “Grupo de Cuenca” integrado por los fundadores: Fernando Zobel, Gustavo Torner y Gerardo Rueda, con una actividad en común y afinidad que constituyó el reconocimiento de “estética de Cuenca” para atraer a otros artistas en el arte contemporáneo y difundir el arte español.
En el caso de Torner (Cuenca 13 de julio de 1925), Ingeniero de Montes de formación profesional. Artista autodidacta con una trayectoria de más de ochenta años. Artista multidisciplinar: lienzos, grabados, collages, esculturas, fotografía. Estuvo interesado desde muy joven por el arte. Su habilidad con el dibujo, realizó, entre otros y por encargo, una serie de láminas de botánica a la acuarela. Insertándose en las corrientes renovadoras de los años cincuenta su pintura se deviene abstracta de la que evoluciona en los sesenta en una nueva complejidad mental en construcción y ensamblajes con atribución en homenajes a figuras de la cultura, el arte o la ciencia.
En la década de los setenta se dedica con gran intensidad a la escultura, dando importancia a la monumental, donde deja más de treinta obras repartidas en el territorio español. Una de ellas “Reflexiones I”1972 se encuentra en la plaza que usualmente se denomina Plaza de los Cubos en Madrid. Pasada esta etapa retoma su trabajo en la pintura dotándola de un nuevo carácter en una obra considerada más subjetiva con un carácter empático, romántico, menos irónico y distante. Y cómo explicó el crítico Calvo Serraller reflejaban una segunda juventud con más entusiasmo y vitalidad a lo que se añadía el artista consumado con sabiduría y dominio. Son obras de grandes dimensiones con un gran impacto visual dotadas de complejidad compositiva.
Realiza una gran labor socio cultural en el campo de la museografía- En el 2004 dona más de quinientas obras al Museo Reina Sofía. El diseño de pabellones feriales, muesos privados y numerosas exposiciones.
En el bello catalogo editado sobre la exposición Tomás Marco resalta “Sin duda los cien años del nacimiento de un artista son dignos de recuerdo, pero mucho más si esos cien años se cumplen en vida como ocurrirá el 13 de julio de 2025 con Gustavo Torner, pintor, escultor, académico numerario de esta institución y, sobre todo, figura clave en el desarrollo del arte español de la segunda mitad del siglo XX y lo que llevamos del XXI” …….. “El discurso que pronunció con motivo de su ingreso en la Real Academia es tanto una gran pieza oratoria como un lapidario reflejo de lo que el arte es mucho más allá de sus teorías, de su historia, de sus técnicas mismas, y yo me atrevería a decir, más allá de sus propias obras físicas”
Refrendan tan importantes líneas el poder contemplar obras de exclusividad privada en una única ocasión.
MOISÉS SALAMA. “No sea tu falta”, documental de su familia judía en Melilla
Julia Sáez-Angulo
Fotos: Adriana Zapisek
28/5/25 .- Madrid.- “No sea tu falta” es el documental de la familia judía en Melilla del director de cine Moisés Salama, que fue presentado en el cine Verdi por el presidente de la Academia de Cine Fernando Méndez-Leite. El documental ha sido presentado anteriormente en Melilla y Málaga.
Sinopsis.- Al cumplir 70 años el director vuelve la vista atrás y regresa a sus orígenes , sus raíces, su identidad, las ausencias y duelos recientes. Observa el mundo que le rodea y explora sus relaciones con el pasado y los cambios emocionales que genera el paso del tiempo. Con la ayuda de sus archivos personales y de otros testimonios reflexiona así sobre Melilla, la ciudad donde creció, su familia judía.... Un ejercicio de memoria con la intención acaso de entender y habitar el presente.
Sol, Samuel y Falo Salama, padres y hermano de Moisés, son protagonistas principales de este documental, sacado de películas y videos familiares, al igual que la ciudad de Melilla en los años de infancia del autor, los 50 mayormente. La infancia como “patria y refugio del hombre”, la madre judía, más protectora y “gallina clueca” de la familia, superior a la “mamma italiana” en el decir popular, tienen un peso específico importante como personajes en este documental. El género literario del Ubi sunt? (¿donde están los que se fueron?) se recrea en el filme.
Melilla es el escenario de esa infancia del guionista/director, que junto a la casa familiar vacía despiertan la melancolía y la nostalgia para llevar a cabo el documental. Una ciudad hoy cerrada con muros y concertinas, respecto a la Melilla de infancia, donde la ciudad era más abierta en convivencia de las comunidades cristiana, judía e islámica.
Se dice que “no se debe volver al lugar donde uno fue feliz”. El tiempo y el espacio, las dos grandes coordenadas del hombre, varían, porque no son estáticos, aunque sean circulares. “Es una cuestión de ciclos” se apunta en el documental, a la espera de que volverán a llegar tiempos mejores para Melilla.
El documental es interesante, si bien se hace confuso en algunos momentos, para quienes no conocen a la familia, ni a los personajes. No está ordenado cronológicamente, ni por campos o conceptos, como pudiera ser familia, judaísmo, ciudad… por más que estén imbricados en cierto modo. A veces, el documental parece una sucesión de flashes fotográficos en un totum revolutum.
En el documental aparece al comienzo el escritor Ignacio Martínez de Pisón, haciendo una introducción verbal que completa hacia el final. “Un homenaje a los seres queridos”, dice. Cierto.
El título "No sea tu falta" responde a una expresión coloquial, que Sol, la madre de Moisés Salama, decía con frecuencia.
Entre los asistentes al acto: Ana María de Bendayán, miembro de WIZO España; el historiador Carlos Sánchez Tárrago o el actor Pedro Casanova.Moisés Salama (Melilla, 1953).- Licenciado en Historia Moderna por la Universidad de Granada. Profesor Asociado de la Universidad de Granada en la Facultad de Comunicación y Documentación, impartiendo las asignaturas de Teoría y práctica del documental y Fundamentos de realización audiovisual, desde los años 2007 al 2014. Profesor del Máster Reportaje y creación documental en el año 2016, de la Universidad de Granada. Socio y fundador de la productora Descarte Films en 1994. Ha ocupado puestos de gestión y dirección en distintos eventos cinematográficos como, por ejemplo, en la dirección del Festival de Málaga como coordinador de contenidos. Y ha sido director y guionista de varios proyectos, entre ellos un documental sobre el director de cine Fernando Méndez-Leite.
Director: Moisés Salama; Año: 2025
Nacionalidad: España; Idioma: Castellano
Género: Documental
Salama y Méndez-Leite
Julia Sáez-Angulo, Ana María de Bendayán, Carlos S. Tárrago y Adriana Zapisek
TEXTO DE PRESENTACIÓN DE “SOLILOQUIO DEL DESVELO” EN EL CENTRO GALICIA DE BUENOS AIRES
"Esa empresa insensata de ser poeta"
Octavio Paz
"La lírica es la exteriorización de la soledad ontológica del hombre"
Ramón Piñeiro
Carlos Penelas
Yo, Carlos Tomás Penelas Abad, hijo de don Manuel Penelas Pérez y de doña María Manuela Abad Perdiz, hermano menor de Roberto Marón, Raquel María, Nilda Marta y Fernando Abel, nieto de Pedro, Tomás, María y Adelaida - aldeanos analfabetos - vengo a decirles que escribí un poemario: Soliloquio del desvelo.
La poesía, la creatividad, surge de la experiencia del autor. Pero surge, fundamentalmente a mi criterio, de sus raíces. Por supuesto hay una formación intelectual, cultural, mundos alternativos, simbolismos, lenguaje. Pero la herencia tiene una presencia, una huella en el imaginario creativo. No siempre reconocida de manera explícita en la obra. En mi caso, de más está decirlo, es la galleguidad.
El poeta se manifiesta entre peregrinaciones y regresos, entre la realidad y el sueño. Asume su mirada para intentar saber; el júbilo de lo vital, de lo insurrecto. En Una historia de la lectura Alberto Manguel señala que los hombres son seres que leen, leer en el sentido básico: interpretar signos. Lo hace el pescador, el astrónomo, el niño. Leemos gestos, palabras. Se lee para poder ubicarnos en el mundo. Para protegernos, para ordenarnos, para sentirnos y sentir al otro. Y también nos dice que para vivir debemos leer la realidad, interpretarla.
Chaplin tenía entre sus temas escogidos la miseria, la pobreza, el alcoholismo, el amor imposible. El espectador se conmovía, se identificaba con el personaje principal y se reía a carcajadas. A veces boxeador, otras obrero, pintor, dentista, mesero, eterno vagabundo, afrontaba la crueldad de la vida. Junto a él, desde su interior lúcido y sensible, una despreocupación innata y los sueños de evasión. Y un bastón burgués que le daba aire de dignidad. Chaplin explicaba: “Este personaje tiene múltiples facetas. Es al mismo tiempo un vagabundo, un caballero, un poeta, un soñador, un tipo desamparado”. En la agudeza de su mirada el mundo poético.
Polibio escribía, a propósito de los ritos romanos, que en una nación formada sólo por gente sabia sería inútil recurrir a medios como estos, pero como la multitud, por su naturaleza voluble y sometida, tiene pasiones de todo género, deseos irrefrenables, ira violenta, no queda más alternativa que contenerla con aparatos diversos y con temores misteriosos. Por eso creo que los antiguos no introdujeron sin razón en la multitud la fe religiosa y la superstición sobre el Hades.
Comprendí mi infancia gracias a los autores italianos de postguerra. Moravia, Pratolini, Pasolini, Pavese, me llenaron los ojos de imágenes, de ideología. Luego vendría Visconti, De Sica, Rossellini, Antonioni… ellos me llenaron el corazón de pasión y de poesía. El cine y la literatura fueron conformando mi espíritu. Eran seres cercanos a mis sentimientos, a mi entorno. Hombres y mujeres que solía ver por las calles de mi ciudad, en los viejos mercados, en las plazas del barrio, en el café del tío Pedro. Por supuesto que ya sabía de Pérez Galdós, Rosalía Castro, Valle-Inclán, Azorín o Emilia Pardo Bazán. De los clásicos, del Siglo de Oro, de grandes escritores latinoamericanos.
El poema no argumenta, es la esencia de lo simbólico. Hay un tiempo interior y no todo lector está capacitado para vibrar en él. La experiencia poética es inefable. El poema es entonces un itinerario; conciencia e imagen. Asedia la trascendencia, la revelación, lo hondamente personal. Otra vez: plenitud. Otra vez desvelo.
En todo soliloquio hay facetas múltiples, a veces contradictorias. Uno se muestra, mostrándose, compartiéndose. Eligiendo el riesgo permanente de buscarse a sí mismo, trascenderse sin diluirse en la abstracción. Hay un ámbito donde la inmediatez del hablar y la reflexión necesaria para hacer genuino ese hablar llegan a un acorde sostenido. “Escribo sobre el mar y el desierto”, señalo Albert Camus. Son varias las lecturas de ese testimonio. El resto son síntomas de infantilismo, estrechez intelectual, pusilanimidad o soberbia.
Una digresión para aproximarnos a la lectura de una obra de arte. Rocío me reveló el simbolismo de un cuadro de Lawrence Alma Tadema, el pintor holandés neoclásico de la época victoriana. Nos referimos a Las rosas de Heliogábalo. Vale la pena volver a él.
En mi juventud leí con intensidad el llamado nouveau roman (en francés, «nueva novela») movimiento iniciado en 1950 por Alain Robbe-Grillet, La celosía, quien se considera fundador y primer teórico del movimiento. Luego Margarite Duras, entre otros.
Sabemos, y ese fue mi interés profundo, que no tenía para ellos sentido escribir novelas al modo de Balzac, con unos personajes, una trama, un inicio, un desarrollo y un desenlace. Se sienten en cambio más cercanos a la literatura introspectiva, a la exploración de los flujos de conciencia. El soliloquio, una vez más.
«Te llaman porvenir porque no vienes nunca», nos recuerda Ángel González el gran poeta español de la generación del 50. Gabriel Celaya profundiza: “En el poema debe haber barro, con perdón de los poetas poetísimos. La Poesía no es un fin en sí. La Poesía es un instrumento, entre otros, para transformar el mundo”. ¿Y qué me dicen de éstas líneas? “Cuando al hablar te juegas la vida, todo es silencio”. Es de nuestro amigo Manuel Rivas.
Estos poemas se originaron durante los últimos cinco años. Una vez más intenté cotejar la realidad observada con el recuerdo de esa realidad. Hubo una vigilia tolstoiana. Se gestaron en un mundo profano, en un territorio impregnado de populismo y decadencia. Entre el desvelo y el soliloquio.
Andrei Tarkovski, hijo del célebre poeta Arseny Tarkovski, escribió: “Creo que para formar un concepto de arte primero hay que enfrentar otro concepto. La pregunta ¿por qué existe el hombre? Debemos usar nuestro tiempo en la tierra para crecer espiritualmente. Significa que el arte debe servir a este propósito”. Las palabras adquieren un ritmo. Las vamos integrando con lentitud. El poeta es artesano de la palabra. Percibe el instante, la intensidad del instante. “Creador, inventor, no imitador; he ahí el carácter esencial del poeta”, nos recuerda Giacomo Leopardi. Wallace Stevens señaló: “…la maravilla y el misterio del arte, como por cierto de la religión, consisten en la revelación de algo absolutamente otro, gracias a lo cual la inexpresable soledad del pensamiento se quiebra o se enriquece. El poeta, el hombre religioso, ni siquiera sueñan con dictar las reglas del se limitan a andar por el mundo con el amor de lo real (de esa realidad otra) en sus corazones”. El imaginador vive una penumbra del sentir, el conocer y el no-saber. “La pasión del amor es amar sin medida”, escribió San Agustín en sus Confesiones. Y dijo más “La pasión del amor no puede comprenderla quien no la sienta”. Muchos asociaron la poesía a la mística y al erotismo. El poeta nombra palabras más que objetos; la experiencia poética es una tonalidad verbal, un clima interior. “Para ver hay que saber”, nos enseñó Ingres. “Para ser hay que mirar y hay que saber”, perfeccionó Luis Rosales. “El arte verdadero es una respuesta autónoma al misterio” me dijo una tarde Luis Franco. Y qué decir de Héctor Ciocchini quien introdujo en nuestro medio el pensamiento de Aby Warburg para revolucionar el modo de entender las culturas y artes. “Imprescindible tener presente a Bachelard cuando establece la distinción del estado contemplativo, al que llama “ensoñación”, de la pura racionalidad. Pero también lo diferencia de aquello que denomina “sueño nocturno”. Nos habla de la noción platónica anima mundi. La clave está en analizar el sentido afectivo del lenguaje, el modo de concebir la realidad... Y observar las fuentes literarias. Una y otra vez volver a la celebración de Thoreau. En ese bosque soliloquio y desvelo.
El poema no argumenta, es la esencia de lo simbólico. Hay un tiempo interior y no todo lector está capacitado para vibrar en él. La experiencia poética es inefable. Heidegger nos aclaró hace tiempo: “El poeta, si es poeta, no describe el mero aparecer del cielo y de la tierra”. Y luego “…llama lo extraño como aquello a lo que se destina lo invisible para seguir siendo aquello que es: desconocido”. Y la voz de María Zambrano: “La poesía es la verdadera historia”.
El poema aspira a la condición de la música, forma y contenido son inseparables. La melodía es la estructura, allí la emoción. Hay un carácter mimético en el lenguaje, una experiencia estética. En el poema el lector siente una visión del mundo pero al mismo tiempo una visión de sí mismo, una suerte de amor que inspira y envuelve. El poema es entonces un itinerario; conciencia e imagen. Asedia la trascendencia, la revelación, lo hondamente personal. Otra vez: plenitud. Otra vez soliloquio y desvelo.
Para un poeta el problema de la poesía es el de la belleza. Este camino milagroso es la creación del hombre. El propósito de un poema es enfrentarse a los grandes temas. La poesía castellana lo cristalizó en uno de los poemas que más he admirado desde mi temprana juventud. Estoy haciendo referencia a Coplas a la muerte de su padre de Jorge Manrique. La lectura de los grandes escritores medievales españoles son herederos de la tradición que fue capaz de engendrar la poesía más hermosa de su tiempo, me refiero a los romances viejos.
El símbolo es imagen, tal vez la perfección del deseo. La trémula luz que se había creado detrás de la imagen. El símbolo es la profundidad sagrada del “yo lírico”, del que dice a modo de confesión. Es el sayo del ensueño que acude de la noche profunda. Esto procura ser Soliloquio del desvelo.
Carlos Penelas
Buenos Aires, 22 de mayo de 2025
martes, 27 de mayo de 2025
Torner. Centenario en la Academia [Obra 1977-2008]
L.M.A.
27 de mayo de 2025 – 27 de julio de 2025.- La Real Academia de Bellas Artes de San Fernando conmemora el aniversario del nacimiento de Gustavo Torner (Cuenca, 1925) con esta exposición comisariada por Arturo Sagastibelza, e integrada por destacadas pinturas de gran formato de la etapa de madurez del artista, procedentes —excepto la que forma parte de la colección del propio Museo de la Academia— de colecciones particulares que las han cedido para esta ocasión única, y por tanto con el valor añadido de ser en gran medida inéditas.
La exposición de la Academia se centra en un periodo y ámbito concreto de su producción, la obra pictórica de grandes dimensiones realizada entre 1977 y 2008, siendo complementaria a la organizada en Cuenca por la Fundación Torner.
La muestra reúne trece pinturas variadas formal y conceptualmente, que configuran una buena representación de esa síntesis de culturas, civilizaciones y tiempos -a la par que de recursos, técnicas y procedimientos- que caracteriza la obra de Torner; un excelente testimonio de la densidad y riqueza de ese momento esplendoroso de su pintura.
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Enlace de descarga video del comisario, fotos del acto y sala. https://we.tl/t-ytNUKs8W2L
Gustavo Torner es una figura clave del arte español, perteneciente a la llamada segunda generación abstracta o generación de los años cincuenta del pasado siglo. Su obra, muy diversa y difícil de clasificar, se adscribe por lo general a la vertiente más lírica, construida e intelectual del arte, alejada de esa otra línea expresionista de «veta brava» representada por el grupo El Paso.
La trayectoria creativa de Torner se ha desarrollado a lo largo de más de ochenta años, sin limitarse a los campos habituales en los que suele desplegar su labor el artista plástico. Aparte de su ya extenso catálogo de pinturas, esculturas (muchas de ellas monumentales, repartidas por la geografía española, como Reflexiones I, de 1972, que popularmente ha dado nombre a la «Plaza de los cubos» en Madrid), dibujos, collages o estampaciones en las más diversas técnicas, se ha adentrado de manera muy amplia en ámbitos creativos diversos, como puede ser el diseño de tapices y alfombras, textil y de mobiliario, la vidriera, el mosaico, la fotografía, el diseño gráfico, e incluso en la escenografía y los figurines para obras de teatro, ópera y zarzuela; también ha realizado una labor ingente en el campo de la arquitectura y la ordenación de espacios.
A esa larga lista, debemos añadir su trascendental labor sociocultural en el campo de la museografía, con el diseño y montaje de pabellones feriales, museos privados y numerosas exposiciones.
Torner, ingeniero de montes de formación, se interesó desde muy joven por el arte. Ya antes de acabar la carrera, sus profesores, captando su habilidad para el dibujo, le encargaron la realización de una serie de láminas de botánica a la acuarela para publicaciones científicas, un reto que resolvió con tal brillantez que lo animó a seguir en ese camino de una forma autodidacta. Su obra de los años cincuenta es acorde con las corrientes figurativas discretamente renovadoras del momento, pero mediada la década su pintura deviene plenamente abstracta, un peculiar informalismo matérico, de ricas texturas y alejado de lo gestual, que despertó el interés de algunos críticos, en especial de Juan Eduardo Cirlot. Es, quizá, la etapa más conocida de Torner, la que culmina con sus composiciones binarias a modo de «paisaje» simplificado en dos zonas contrastadas. Su evolución posterior, en los sesenta, le conduce hacia una pintura más compleja, «construida» y mental, con mucha frecuencia «objetual», hasta el extremo de ser en ocasiones una obra –construcciones o ensamblajes- sin gota de «pintura»; es el momento de sus conocidos homenajes a distintas figuras de la cultura, el arte o la ciencia de todos los tiempos.
En la década de los setenta Torner se dedica con gran intensidad a la escultura, y muy especialmente a la monumental -dejando más de treinta repartidas por la geografía española-. Al final de esa década retorna con energía renovada a la pintura. Aun siendo el mismo artista reflexivo y mental de siempre —sin menospreciar por ello el gran peso de lo inconsciente en el proceso creativo— lo hace desde una posición un tanto distinta, con «un tipo de obra de naturaleza más empática, romántica, subjetiva, o, cuando menos, menos irónica y distante», en palabras de Francisco Calvo Serraller.
Sus nuevas pinturas parecen reflejar el entusiasmo y la vitalidad de una segunda juventud, pero con el dominio y la sabiduría de un artista consumado. Son obras, por lo general, de gran impacto visual y poderosa presencia física, por sus grandes dimensiones, por su exuberancia y variedad de colorido, por su formato —muchas veces irregular— o por su complejidad compositiva, resuelta a través de los más diversos paneles, elaborados individualmente, que se conjugan conformando polípticos.
Exposición: NAUFUS RAMIREZ-FIGUEROA. “Espectros luminosos”
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
Del 28 de mayo al 20 de octubre de 2025
Mayca NÖIS
27/05/2025.- Se presenta a los medios la muestra más completa del artista, hasta la fecha, Naufus Ramirez-Figueroa (Ciudad de Guatemala 1978) con la colaboración de la Fundación TBA21 Thyssen-Bornemisza Art Contemporary. Le acompaña la fundadora y presidenta de TBA 21 Francesca Thyssen, el director del Museo Reina Sofía Manuel Segade y la comisaria de la muestra la historiadora Soledad Liaño.
Para Francesca Thyssen, ha resaltado su intensa relación personal y artística con el artista supone este momento “una celebración en su camino increíble durante el que ya mostró obras sobre la guerra civil a la temprana edad de catorce años y hoy tiene el reconocimiento de una gran institución como es el Reina Sofía”. Manuel Segade refrenda sus palabras con la asertividad de expresar que “es una gran alegría contar con la presencia de un artista fundamental en la América Latina. Punta de lanza en un país crucial para el arte, cuya obra reúne fuerza política, aliento poético y una sensibilidad muy especial”. La comisaria Soledad Liaño en su referencia al título “Espectros luminosos” los transfiere a “Esos fantasmas que transitan y pueblan la obra de Naufus, haciendo relación con la memoria que clama por su reparación. Partiendo de vivencias personales que Naufus extrapola y convierte en temáticas universales”
El recorrido con el artista por la exposición dan conocimiento de su compleja narrativa artística poblada de sueños, memoria, historia e infancia. Incluye el nuevo y ambiciosos proyecto “Cuna y arrullo 2025” fruto del protocolo firmado por el artista para esta muestra. Naufus ha destacado “el lago camino que ha supuesto esta exposición en la que la obra Cuna y Arrullo habla de la propia vida al ser una obra biográfica, sobre estas instituciones por las que pasan niños desplazados por las guerras y que me hace empatizar con otras poblaciones que están pasando por ello”
Son cinco salas de la cuarta planta del Edificio Sabatini para poder contemplar el proyecto de “Cuna y arrullo 2025” realizado para esta muestra en virtud del protocolo firmado entre el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía y la Fundación TBA 21 Thyssen-Bornemisza Art Contemporary, una de las principales fundaciones internacionales de arte y de acción pública creada en 2002 por la filantrópica y mecenas Francesa Thyssen Bornemisza. Un protocolo que contempla, como primera colaboración, el encargo y producción conjunta de la serie Cuna y Arrullo, préstamo de obra de la colección TBA21, así como el encargo de una performance “De espiral en espiral” creada a también para la ocasión que se llevará a cabo en el Museo el próximo 11 de septiembre.
La obra que abre la exposición “Illusions of Matter2015” en el contexto de “Sueños de Infancia” es el video de una performance de un sueño del artista antes de conocer la muerte de un familiar. Le sigue el “El espectro del autoritarismo” que muestra el conjunto de instalación adquirido por el MOMA en préstamo para esta ocasión y contienen el activismo político latinoamericano y el teatro experimental de los años 70-80 que fusiona la violencia de la guerra civil guatemalteca con su experiencia vital y su historia familiar para trasladarlo a temática universal.
En los “Reptiles y flamencos: Conspiraciones y malentendidos” contienen obras tan emblemáticas como “God´s Reptilian Finger-2016” y “Fettered Flamingos-2017”, que con reflexiones sobre los malentendidos que pueden generar nuevas narrativas . Así el dedo de Días flota en el aire en una habitación oscura rodeado de piedras fluorescentes creando una atmosfera espectral. Mientras en los flamencos encadenados se abordan las confusiones y malentendidos que vivimos constantemente en nuestra realidad cotidiana. La misma sala proyecta el video “Vida en su boca, la muerte acuna su brazo-2016” filmado en el cementerio general de la Ciudad de Guatemala en la que el artista sostiene en sus brazos un bloque de hielo envuelto en un arrullo por el que se exhibe una historia colectiva de duelo y la memoria de los desaparecidos.
El impacto ecológico de la colonización como una forma de violencia medioambiental que es otro tema recurrente en su trabajo de determina en “Espectros coloniales” con las obras de las series “Anthurium” y “Chiperrec” -2021 que hablan del impacto colonial que alteró los ecosistemas locales afectó profundamente a la flora y fauna autóctona.
Las pinturas sobre las hojas de “Anthurium” nos referencian a la desaparición de una planta autóctona por la actuación de un coleccionista francés del siglo XIX que quiso hacerse con todas sus variantes. En la serie “Chiperrec”, en medallones de resina, se narran cómo un espacio sagrado maya en la región de Alta Verapaz fue transformado en una plantación de té destinada a la exportación con Europa. Los veinte dibujos de la serie “Huertos de Chólti” nos indican cómo la población de este pueblo fue sometida a todo tipo de violencia colonial, con la prohibición de su lengua, indumentaria e identidad, desplazamiento de sus tierras y la migración forzada, aunque sigue siendo un referente de fortaleza y resistencia.
“Cuna y arrullo: la memoria del exilio” como final 2025, se conjugaban en gran escenografía los recuerdos y sueños. Deconstruye el concepto cuna para poblarlo con otros seres como arañas, abejas o murciélagos.Se remite a la etapa vivida en hogares de los niños refugiados en México, antes de ser acogido en Vancouver con su familia. Es el sueño quien le permite llenar los vacios de la memoria, como ha reconocido, para explorar la realidad desde otras perspectivas.
La exhibición nos muestra un artista multidisciplinar que trabaja con dibujo, performance, escultura y video. Explora la historia, el desplazamiento y la memoria desde una perspectiva crítica. Estudió en Canadá, EE.UU y los Países Bajos. Tiene un gran y amplio curriculum en exposiciones en todo el mundo y participaciones en eventos internacionales. Su base es la profunda investigación de las tradiciones orales y populares estando muy influenciado por la convulsa historia de su país Guatemala que está marcada por la violencia y los conflictos armados, especialmente la Guerra Civil 1960-66 que obligó al exilio a su familia. Con su arte hace un ejercicio que le da actualidad para cuestionar los relatos establecidos, con lo que hace visible el sinsentido de la violencia colonial y as guerras, que está inexorablemente unidas a la crueldad, el desarraigo y el genocidio. Lo que también son, más allá de su experiencia personal, temáticas universales. Estable ce un referente como base que en la infancia como asidero temático de su propia autobiografía para llegar a asuntos más globales que nos acercan y referencian a todos.
MARÍA JESÚS DOMÍNGUEZ SIÓ termina su novela sobre la emigración gallega a Buenos Aires
Julia Sáez-Angulo
Fotos: Adriana Zapisek
27/5/25 .- Madrid.- La escritora María Jesús Domínguez Sió ha terminado su novela sobre la emigración gallega a Buenos Aires, solo a falta de unos retoque y una última revisión.
Su anterior libro “Pinzón. El marino que adelantó a Colón” (Almuzara, 2021) Una apasionante novela sobre la verdadera historia del navegante y descubridor español. Martín Alonso Pinzón fue un español que compartió e hizo posible el sueño de Colón, aquel extranjero de cultura superficial y secretas informaciones con la ambición de romper el límite del non plus ultra. Pero desde el mismo anhelo compartido, los caracteres contrapuestos de los protagonistas en un escenario nuevo de improvisadas exigencias favorecerán finalmente la incomunicación.
El sentido práctico de Pinzón chocará con el misticismo providencialista de Cristóbal Colón hasta un punto crítico de disidencia, el firme rechazo del capitán Palermo a la creación de la colonia de Navidad creada contra el parecer de capitanes, pilotos y maestres. Maestro de la autopropaganda, Colón describe sus propios méritos y disfruta solo de la gloria del triunfo, pero los hechos muestran, pese a su discurso, que Martín Alonso Pinzón fue en las Indias el codescubridor en vanguardia.
“La bebida de las avispas” (Ediciones La isla de Sistolá, 2013), una serie de relatos sobre situaciones y personajes del norte de África, es un sagaz y crítico friso literario, espejo sobre Marruecos, nuestro país vecino, donde la filóloga ejerció como como profesora de literatura en el Instituto Español de Tetuán.
María Jesús Domínguez Sío (Porriño, Pontevedra) es licenciada en Filosofía y Letras por la Universidad de Santiago de Compostela y doctora en Filología Hispánica por la Universidad Complutense. Ha sido catedrática de Lengua y Literatura en institutos de Madrid y el extranjero y Colaboradora Honorífica del Departamento de Filología Española III (Lengua y Literatura) de la Facultad de Ciencias de la Información de la Universidad Complutense.
Ha escrito, ediciones críticas y numerosos textos sobre diferentes autores, pero fundamentalmente sobre Juan Ramón Jiménez, el Nobel de Moguer, al que dedicó sus libros La Institución Libre de Enseñanza y Juan Ramón Jiménez (1991); La pasión heroica (Don Francisco Giner de los Ríos y Juan Ramón, dos vidas cumplidas (1994); Un andaluz de fuego (Francisco Giner de los Ríos) (1998); Viajes y sueños en Obra poética (2005) y la edición crítica del libro de Juan Ramón Jiménez y Zenobia Camprubí Monumento de amor. Epistolario y Lira (2017).
Ha publicado también el libro de relatos “La bebida de las avispas” (2013) y otros, de itinerarios histórico-literarios para la Consejería de Educación y Cultura de la Comunidad de Madrid, además ha colaborado e impartido conferencias en distintas universidades y entidades culturales de España y América.
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