BETTE DAVIS, "LA LOBA", EXCELENTE REPRESENTACIÓN EN EL TEATRO FERNÁN GÓMEZ

Mélida Molina (Bette Davies) 

Carlos Troya

Julia Sáez-Angulo

    Fotos: J.S.A.

21/6/26.- Madrid.-  En 1989, Bette Davis vino a España para recibir el Premio Donostia en el Festival de cine de San Sebastián. Era su última aparición en público, su última actuación. Y ella, que estaba gravemente enferma, lo sabía. Por esa razón, planificó hasta el último detalle cada una de sus apariciones.

    La imagen de Bette Davis pronunciando el discurso de agradecimiento, sin apenas sostenerse, me llegó al alma. Al día siguiente me puse a escribir la historia de uno de los más grandes mitos del siglo XX.

Ella quería ser actriz, no quería ser nada más ni nada menos, una buena actriz. Y lo fue desde el momento en que pisó un escenario en Broadway hasta su última actuación en el teatro Victoria Eugenia. Murió en París unos días después, pero su espíritu sigue vivo en nuestros corazones. Esta obra es un homenaje a todas esas actrices que, llegadas a cierta edad, y después de toda una vida luchando, son relegadas a papeles secundarios y, muchas veces, al olvido.

    NOTA CRÍTICA.- Esta obra fue candidata a los Premios MAX 2025 en la categoría de mejor actriz. Ciertamente los dos actores que representan “La Loba”, Mélida Molina (Bette Davies) y Carlos Troya (Lukas Heller)están soberbios en sus respectivos papeles. Los hacen plenamente creíbles.

Un texto muy acertado y bien llevado por su autor y director Juan Mairena. Una obra que quiere abarcar el resumen de una vida no es fácil, pero aquí se ha llevado a cabo con contenido y autor, con la tensión de la palabra, que lleva a un final de admiración y melancolía sobre una actriz genial de Hollywood, triunfadora y víctima de su propio temperamento.

Recientemente hemos visto otra interesante obra de teatro sobre una vida, la de Fernán Gómez, sobre las mismas tablas y, aunque las comparaciones sean odiosas, yo diría que “La Loba” sostiene una mayor tensión con la palabra. Y un gran sentido del humor y la ironía. Diálogo muy bien trabado.

    Una pieza teatral que merece un buen aplauso, aunque no ganara en los Premios Max 2025.

    La vestimenta adecuada al momento está bien elegida.

FICHA ARTÍSTICA

Juan Mairena  (Director de escena)

Esta obra fue candidata a los Premios MAX 2025 en la categoría de mejor actriz.

Texto y dirección: Juan Mairena

Reparto: Mélida Molina (Bette Davies) y Carlos Troya (Lukas Heller)

Escenografía; Juan Sebastián Domínguez

Vestuario: Guadalupe Valero

Caracterización: Chema Noci

Iluminación: Bea Francos

Video creación: Luiscar Cuevas

Movimiento: Julia Monje

Ayudante de dirección: Pablo Martínez Bravo

Producción: La Caja Negra Teatro

“LA BARRACA”, DE VICENTE BLASCO IBÁÑEZ EN EL TEATRO FERNÁN GÓMEZ. El hambre, la miseria y la ignorancia como detonantes del odio. Dirección: Magüi Mira. Adaptación: Marta Torres

Los ocho actores de la obra

Julia Sáez-Angulo

Fotos: Carmen Valero

14/6/26 .- Madrid.- La barraca es una historia que habla de la eterna lucha entre la razón y la violencia, de una comunidad enferma con comportamientos salvajes. Una historia que nos habla, de la identidad que da el arraigo a la tierra en la que se nace. Esa tierra que se convierte en desierto sin su alimento principal, el agua.

    “En la versión teatral que propongo intervienen los personajes principales de la novela y unos entes a los que llamo “sombras” que encarnan a la masa de vecinos y otras presencias que ayudan a recrear atmósferas y el paso del tiempo”, dice Marta Torres, adaptadora del texto.

.  El texto está estructurado en tres partes: Pasado y presente, Los intrusos y El fuego:

PASADO Y PRESENTE: En esta primera parte conocemos a la familia Borrull, la historia del desahucio de la familia Barret y el motivo por el cual el resto de la huerta impide que otra familia se instale en la que fue su barraca.

LOS INTRUSOS: En la segunda parte transcurren los hechos que van desde la llegada de la familia de Batiste a la barraca del tío Barret hasta la muerte de su hijo menor. Toda la huerta les hace la vida imposible, pero al conocerse tal desgracia, los vecinos se sienten responsables y mostrando una nueva cara revestida de piedad, acuden a la barraca para acompañar a la familia en su dolor.

EL FUEGO: El tiempo ha pasado. Los considerados intrusos son falsamente aceptados y viven como unos vecinos más, pero lo que tanto temían los huertanos, ha sucedido: los propietarios, viendo por fin habitada la barraca del tío Barret y perdido el miedo a los labriegos, vuelven a exigir más y más. Una noche de fiesta y bebida desata las emociones contenidas dando fin a la falsa concordia y provocando el trágico final.

La obra, en la sala Guirao, cuenta con un elenco coral integrado por Daniel Albaladejo, Antonio Hortelano, Jorge Mayor, Antonio Sansano, Patricia Ross, Claudia Taboada, Elena Alférez y Jaime Riba

    NOTA CRÍTICA: Obra de teatro dura, naturalista, como la propia novela de Blasco Ibáñez. Sin salida esperanzadora. Es el momo homini lupus de Hobbes. El hombre es un lobo para el hombre. El amo con los campesinos y los campesinos entre ellos, particularmente con los extraños -los extranjeros hoy. Es la crueldad o la indiferencia de la Naturaleza, en este caso, de la naturaleza humana. El acoso cruel de unos a otros. Solo la ilustración, la educación podría mitigarla.

    La angustia es tal, que al espectador solo le cabe respirar hondo y tragar saliva. Superar esa angustia por la catarsis.

    La puesta en escena es excelente. La dirección, magnífica, como no esperábamos otra cosa de Magüi Mira. Los ocho actores que intervienen, dan vida a los personajes vestidos de miseria, más que pobreza, con harapos grises, ocres… hasta fundirse con la tierra que aman y trabajan, aunque la sepan dura y la califiquen maldita. La dirección los mueve como grupos escultóricos, como el Laocoonte o como encuadres pictóricos: “El año del hambre en Madrid” (1818) de José Aparicio, o “Aún dicen que la pesca es cara”, de Sorolla, incluso, como “El Ángelus” de Millet, donde unos padres lloran la muerte de su hijo, aunque le cambiaran el título, que no el concepto. En suma, belleza plástica, estética formidable. Ética al denunciar los abusos e incomprensiones de una humanidad doliente y culpable.

    “Ahora comprendo que se tenga que matar”, grita la desesperación de Batiste, protagonista.

    Del 21 de mayo al 21 de junio de 2026

"La barraca" de Blasco Ibáñez en el Teatro Fernán Gómez.

«El año del hambre en Madrid» (1818)

¡Aún dicen que el pescado es caro! (1894)

"El Ángelus" (1857), de Millet.

“LA AVENTURA DE LA PALABRA DE FERNÁN GÓMEZ” LLEVADA A TEATRO

Con: Nancho Novo y Marta Poveda. Basado en Aventura de la palabra en el siglo XX. Discurso de ingreso de Fernando Fernán Gómez a la Real Academia Española, RAE. Dramaturgia y versión: Raúl Losánez. Dirección: Juan Carlos Pérez de la Fuente.

Nancho Novo

Marta Poveda

Julia Sáez-Angulo

    Fotos: Adriana Zapisek

24/5/26.- Madrid.- “La aventura de la palabra de Fernán Gómez” es el título de la obra representada en el Teatro Fernán Gómez, interpretada por Nancho Novo y Marta Poveda, para dar vida a la preparación del discurso de ingreso de Fernando Fernán Gómez en la Real Academia de la Lengua. Él, el actor; ella, la palabra.

Obra narrativa y discursiva, en versión de Raúl Losánez, animada en una puesta en escena llena de movimientos de los actores, en un ritmo algo acelerado, quizás, para paliar el discurso teórico. Una pieza bien concebida y realizada, pero le falta un resultado convincente o redondo, llegar a lo sublime.

Tomando el escrito del discurso, se ha tomado la trayectoria de la palabra desde el teatro griego hasta los tiempos de la televisión. Todo ello dosificado en diálogo, sin que parezca libresco, no era fácil. 

Los actores están impecables. Nancho Novo, muy bien caracterizado. Marta Poveda cumple, en su papel alegórico, de un concepto teórico y culto como es la palabra a través del tiempo.

“El objetivo de esta dirección artística es que el espíritu de Fernán Gómez forme parte de la identidad del teatro que lleva su nombre. Y nuestra apuesta de la temporada 2024-25 es convertir su discurso de ingreso en la Academia, en representación teatral. Creemos que es justo y necesario hacerlo”, se dice en el programa de mano.

    El autor de la versión Raúl Losánez dice: “En su discurso de ingreso en la Real Academia Española, Fernando Fernán Gómez no solo quiso reivindicar la palabra como herramienta indispensable en el ejercicio de su oficio, sino también como infalible instrumento de libertad y progreso para cualquier persona a lo largo de la historia. Ese amor por la palabra, esa suerte de veneración por su condición indómita, y por su inagotable capacidad de abrirnos puertas a misteriosos mundos, lo colocaba a él, frente a ella, en un lugar de vulnerabilidad que nos ofrecía enormes posibilidades teatrales y nos permitía humanizar al personaje, despojándolo de esa imagen estereotipada de hombre adusto con la que ha trascendido”.

          “Hemos jugado, por tanto, a imaginar en esta propuesta no al eminente autor, actor y director, sino al simple hombre en soledad: frágil como todos y cercado de las mismas inseguridades que cualquiera. Y lo hemos convertido en el nervioso e ilusionado protagonista de su propia ensoñación (quizá en una noche muy próxima a su ingreso en la Academia) invocando a su adorada ‘palabra’, en una suerte de onírico ensayo, para que le ayude a articular el mejor discurso posible y a pasar el difícil trance, semejante al de cualquier estreno, que habría de suponer defenderlo ante el público.

    Fernán Gómez sustituyó en la RAE, nada menos que al filólogo Emilio Alarcos Llorach.

“EL VENENO DEL TEATRO”, EN LA SALA JARDIEL PONCELA. Tensión entre realidad e interpretación

Autor: Rodolf Sirera. Versión en castellano: José María Rodríguez Méndez. Dirección y adaptación: Robert Torres.

L.M.A.

2/5/26.- Madrid.- “El veneno del teatro” se representa en la sala Jardiel Poncela del Teatro Fernán Gómez en el Centro Cultural de la Villa. Su autor: Rodolf Sirera, en versión en castellano de José María Rodríguez Méndez. La dirección y adaptación es de  Robert Torres.

    Robert Torres, Director de escena, explica: “París en un futuro cercano, Gabrielle de Beaumont, una actriz de moda es invitada por una marquesa de aficiones extravagante a visitarla en su palacio. Allí recibirá el encargo de interpretar una pieza teatral sobre la muerte de Sócrates, escrita por la propia marquesa, desencadenando una serie de situaciones extrañas y reflexiones sobre la naturaleza del arte y la actuación. Pronto comprobará que todo es una trampa para someterla a un experimento mortal…

    Nuestro veneno:  El veneno del teatro es un texto que se ha puesto en escena con visiones muy diferentes, que tiene una profundidad notable basada en la búsqueda de la verdad dentro del teatro, y que abre un abanico de posibilidades para reflexionar sobre la autenticidad de la verdad.

    El hecho más relevante de nuestro montaje no es que lo interpretarán dos mujeres, ya que creemos que la maldad no tiene sexo, ni la inteligencia, ni la locura. Nuestra propuesta pretende profundizar en el lado oscuro del ser humano, ese que nos habla y nos hace creer que nuestro punto de vista es el correcto y que nos facilita la coartada ya sea artística o moral.

    Hemos querido tratar el personaje de la Marquesa como un ser obsesionado por el arte de la interpretación, que busca la autenticidad y va más allá hasta llegar a la psicopatía. También nos interesa la parte morbosa del voyeurismo, que se produce entre los actores y los espectadores, ya que los personajes nos invitan a reconocer la verdad del hecho teatral”.

Nota crítica.- La idea y la tensión entre realidad y representación dramática es buena y el planteamiento inteligente en la primera parte de la función, en la que la actriz es “atrapada”, en su interpretación por la condesa. Una buena entrada, que sorprende al espectador, si bien el texto es exceso teórico y falta quizás cierta dramaticidad en escena. Pero a medida que transcurre la “acción”, la obra se va haciendo sádica, en busca de la muerte, y la balanza se va inclinando en exceso hacia la condesa, restando equilibrio a los personajes.

El paralelismo con la muerte de Sócrates se aleja y termina en la crueldad algo innecesaria y fácil.

Muy buenas las reflexiones sobre las clases sociales.

Del 9 de abril al 3 de mayo de 2026 ¡ÚLTIMA SEMANA EN CARTEL!

HORARIO

De martes a domingo a las 19:30 horas.  

La función comienza puntualmente, no se dan minutos de cortesía.

Una vez comenzada la función no se permite el acceso a sala.

DURACIÓN: 60 minutos sin intermedio

LUGAR: Teatro Fernán Gómez. 

ARTHUR MILLER. “PANORAMA DESDE EL PUENTE”, UNA OBRA TEATRAL SOBRE LA INMIGRACIÓN

Saludos de los actores

José Luis García-Pérez, actor

Julia Sáez-Angulo

    Fotos: Adriana Zapisek

19/4/26.- Madrid.- “Panorama desde el puente”, una obra teatral sobre la inmigración, de Arthur Miller, escrita en 1955, se representa en el Teatro Fernán Gómez, del Centro Cultural de la Villa. El tema no puede cobrar mayor actualidad con todas sus aristas: ilegalidad, denuncias, posibles matrimonios interesados para alcanzar la nacionalidad, amén de pasiones amorosas inconfesables…    

    Un obra magistral de Arthur Miller, con plena vigencia, interpretada de modo magistral por el protagonista por José Luis García-Pérez y por María Adánez como Beatrice. Magistralmente también dirigida por Javier Molina, la versión de Eduardo Galán.

        La obra cita de pasada a los actores James Dean y Marilyn Monroe, con esta última se casaría Miller en 1956 y se divorciaría en 1961.

    La actuación es soberbia en general, sobre todo en los protagonistas principales: José Luis García-Pérez (Eddie Carbone),María Adánez (Beatrice)Ana Garcés (Catherine), Pablo Béjar, Rodrigo Poisón, Francesc Galcerán, Manuel de Andrés, Pedro Orenes.

    Sinopsis: "Eddie Carbone es un rudo estibador que vive con su esposa Beatrice y su sobrina Catherine en Brooklyn (Nueva York). La llegada a la casa de dos inmigrantes ilegales, Marco y Rodolfo, primos de Beatrice, desata tensiones en la familia, especialmente cuando Rodolfo comienza un romance con Catherine. Eddie, consumido por los celos y una obsesión desatada por su sobrina, toma decisiones que conducen a la tragedia.

    Más de dos millones y medio de latinos viven en la ciudad de Nueva York actualmente. Y en Madrid viven casi trescientos mil latinos. Arthur Miller centró la trama de Panorama desde el puente en la ciudad de Nueva York en la década de 1950. Mostraba la migración italiana, que soñaba con vivir en el país de las oportunidades.

     El sueño americano es también el que ilumina hoy a tantos hispanos que viven en Nueva York. De alguna manera también venezolanos, peruanos, mexicanos, ecuatorianos y otros muchos hispanos vienen a España con la esperanza de encontrar mejores condiciones de vida que en sus países de origen.

      En mi opinión, Miller nos plantea un drama amoroso y familiar trágico, donde el deseo reprimido de Eddie Carbone por su sobrina Catherine desencadena celos, obsesión y traición. Su rechazo a la relación de Catherine con Rodolfo (migrante italiano primo de su mujer, que vive en su casa) es más emocional que racional, llevándolo a actos destructivos como denunciarlo ante Inmigración. El amor fraternal de Marco por su hermano Rodolfo también juega un papel clave, enfrentándolo a Eddie. La obra muestra cómo el amor prohibido y los celos chocan con las normas sociales, provocando la caída del protagonista y sellando su trágico destino.

       La obra de Miller plantea interrogantes y no propone soluciones. Creo que es el momento de mostrar Panorama desde el puente al público contemporáneo. Una obra de proyección internacional, dirigida por el estadounidense nacido en Puerto Rico, Javier Molina, actual co-director artístico del Actors Studio. Contamos, además con el diseño de vestuario del norteamericano nacido en República Dominicana Emilio Sosa, actual presidente de la American Theatre Wing.

        El cóctel está servido: el mejor dramaturgo norteamericano del siglo XX, un director de escena neoyorkino de origen hispano, un figurinista neoyorkino también de origen hispano, un reparto español y el sueño de rozar el alma del público de hoy", dice Eduardo Galán.

       Arthur Miller (1915-2005) fue un influyente dramaturgo y guionista estadounidense, pilar del teatro del siglo XX. Destacó por su crítica social y política, analizando el "sueño americano". Autor clave de obras como Muerte de un viajante (1949, Premio Pulitzer), Todos eran mis hijos (1947) y Las brujas de Salem (1953), explorando la conciencia humana. 

     Nacido en Nueva York en una familia judía austríaca, la Gran Depresión marcó su juventud al arruinarse el negocio de su padre. Estudió en la Universidad de Michigan, donde comenzó a escribir sus primeras obras. Alcanzó la fama con Todos eran mis hijos y se consolidó con Muerte de un viajante, obra que lo posicionó como un crítico mordaz del éxito y la deshumanización. Durante el macartismo en los años 50, fue investigado por sus ideas de izquierda, experiencia que inspiró Las brujas de Salem.

Adriana Zapisek y José Luis García-Pérez

1984, DE GEORGE ORWELL, EN EL TEATRO FERNÁN GÓMEZ. VERSIÓN: JAVIER SÁNCHEZ-COLLADO Y CARLOS MARTÍNEZ-ABARCA. ESPECTÁCULO ACTUAL Y SOBRECOGEDOR

• Dirección: Carlos Martínez-Abarca. Todas las ENTRADAS AGOTADAS hasta el 5 de abril.

Ficha técnica: Autor: George Orwell; Versión: Javier Sánchez-Collado y Carlos Martínez-Abarca; Dirección: Carlos Martínez-Abarca, Intérpretes: David Lázaro, Javier Ruiz de Alegría, Cristina Arranz, Javier Bermejo

Julia Sáez-Angulo

Fotos: Adriana Zapisek y Teatro Fernán Gómez

        20/3/26.- Madrid.- George Orwell fue un profeta del presente y del pasado. Si seguimos igual -y seguimos-también lo es del futuro. “El poder es Dios”, se dice en la obra. El Partido lo es todo. El piensa y decide por la ciudadanía. Pensar por cuenta propia es arriesgado… Todo ello nos suena en carne propia y en carne ajena, en nuestro país y en los otros. La experiencia de la novela de Orwell ya se ha vivido y se sigue viviendo. La encarna sobre todo el totalitarismo, el hiper-protagonismo del Partido Político y sus esbirros, ente que se ha convertido en máquina suprema de ser, de existir, de suplantar, de procurar el bien para sí mismo y los suyos, más allá de la libertad de pensamiento a la que llaman disidencia. Hasta las Jornadas de Odio están inventadas en esta obra y nos resulta familiar el tema

         La obra de teatro es un espejo de nuestros días. Todo nos resuena familiar. La imposición de un pensamiento único. El control total del individuo. Incluso lo vemos retratado en experiencias recientes: la crueldad y la tortura en la URSS y sus sucesores; la escasez de alimentos en Cuba y la abundancia real en su nomenclatura… y el sueño o deseo de otros Partidos en democracias, para ocupar la fuerza y la “persuasión” ante el pueblo como jinete sobre el que se cabalga.

Nada cambia. No se escarmienta. El Partido tiene apoyo en los estómagos agradecidos. Los Partidos son máquinas de empleo para los que le siguen y apoyan… El resto es purria…

1984, de Orwell, es una novela y una obra de teatro actual como la que dirige Carlos Martínez-Abarca en el Teatro Fernán Gómez, interpretada con fuerza y hasta brillantez por cuatro actores en la sala Jardiel Poncela, del Teatro Fernán Gómez, con un montaje simplificado y acorde con la angustia que despierta la obra.

1984 Versión del texto: Javier Sánchez-Collado y Carlos Martínez-Abarca :  Winston Smith  relata su experiencia a través del diario que ha decidido escribir en acto de rebeldía contra el pensamiento único del Partido.

Esta narración abre ante nuestros ojos un espectáculo de convención consciente, de juego a vista del espectador. Cuatro actores como Winston, Julia, O’Brien y toda la constelación de personajes que pueblan el mundo de 1984 alrededor de Winston.

Estética retro-futurista. Espacio de juego alienante donde los humanos (intérpretes y público) sentirán la crueldad del material hiriente, molesto, agresivo…  Metales oxidados, herrumbre, humedad… Recursos escénicos creados en vivo por los actores conviven con el uso de la tecnología audiovisual.

          (Aviso para espectadores fotosensibles. Durante el espectáculo hay dos momentos breves de uso de luz estroboscópica).

Más información

https://www.youtube.com/watch?v=zL32J5YSWi8

“EL JARDÍN DE LOS CEREZOS” DE Antón Chéjov en el Teatro Fernán Gómez

• Versión: Ignacio García May. Dirección: Juan Carlos Pérez de la Fuente

        Julia Sáez-Angulo

        Fotos Adriana Zapisek

1/3/26.- Madrid.- “El jardín de los cerezos de Antón Chéjov fue estrenada en el Teatro de Arte de Moscú el 17 de enero de 1904, con dirección de Konstantín Stanislavski y protagonizada por Olga Knipper, la mujer de Chéjov. Ciento veinte años después de aquel estreno, Chéjov se ha convertido en un clásico del drama universal y su teatro se nos ha ido desvelando con el paso del tiempo y hoy entendemos un poco más su universo”, explica Ignacio García May, adaptador del texto de la obra.

          Chéjov no sólo habla de la Rusia de finales del siglo XIX, sino de personas desorientadas y perplejas en medio de una encrucijada o un laberinto que les aturde, les noquea. Y tienen miedo, mucho miedo, y engañan la vida mientras exponen sus anhelos más elevados, los propósitos más dignos, pero sin voluntad para ejecutarlos. En nuestro siglo XXI, cargados de interrogantes sobre cómo va a ser nuestra existencia, a las puertas de un nuevo tiempo, nos encontramos con El jardín de los cerezos, más vigente que nunca, dice Juan Carlos Pérez de la Fuente, director artístico del Fernán Gómez. Centro Cultural de la Villa

     El jardín de los cerezos cuenta la historia de una familia expulsada del Paraíso. Se trata, al mismo tiempo, de un espacio    real (en rigor, el huerto de una finca en estado de ruina económica) y de otro recordado: una infancia feliz. La negligencia con la que ha sido gestionada la finca ha provocado que la única solución para su rescate pase, irónicamente, por su destrucción. Por eso los personajes chejovianos se ven atrapados en un dilema típico de la sociedad moderna: quedarse es perder el paraíso, pero vender la finca, también. Así que optan por instalarse en la acedía, esperando que las cosas se solucionen solas.    

    En medio de esta catástrofe, sólo el joven estudiante Trofimov vislumbra la posibilidad de un retorno al Edén cuando declara que la salvación pasa por trabajar y dejar algo de felicidad para que la recojan quienes vienen detrás. No en vano, un proverbio chino nos explica que el mejor fertilizante es la sombra del jardinero.

    NOTA CRÍTICA. Un buen reparto y una buena representación de actores, pero la puesta en escena carece de atmósfera rusa. Resultaba un montaje algo frío, pero allí, estaba Chejov, creador de un micromundo que representaba a todo y a todos. Una época que acaba de terminar, el vasallaje de los siervos, y todavía queda un ejemplar, Firs. Una decadencia en los antiguos señores, que se manifiesta en dejadez mezclado de cierto orgullo inútil: Liuba y su hermano. Un nuevo rico, comerciante, Boris, avaricioso e inseguro para mostrar su amor a la antigua aristócrata. El amor del alma rusa a Rusia, a la madre Rusia, a la tierra rusa, traducido en un hermoso monólogo casi al final. El anverso del criado que está deseando dejar la vieja y anticuada Rusia, por ir a París… La condición humana con todas sus contradicciones e inestable humanidad, la debilidad y fragilidad de hombres y mujeres que mencionan al destino como algo inexorable… Ver y escuchar el teatro de Chejov es un placer dramático que lleva a la catarsis.

Carmen Conesa, en el papel de Liuba

“VINCENT RIVER”, TEATRO DE PHILIP RIDLEY, SOBRE LA HOMOSEXUALIDAD

Autor: Philip Ridley. Versión: Manuel Benito. Dirección: Pilar Massa. Una producción de la Compañía Pilar Massa. Teatro Fernán Gómez

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Julia Sáez-Angulo

        8/2/26.- Madrid.- El tema de la posición de la madre ante la homosexualidad de un hijo y frente al amante es tema recurrente en el teatro. No hace mucho lo vimos en otra pieza teatral en el Teatro Infanta Isabel (cercano al barrio de Chueca muy propicio al tema), protagonizada por Carmen Maura, concretamente “La golondrina” de Gillem Clua. (Desde Freud, las madres tienen la culpa de todo). Ahora vemos la pieza “Vincent River”, de Philip Ridley con el mismo trasunto. Más de lo mismo en el Teatro Fernán Gómez.

    Sinopsis del programa oficial.- Davey ha visto algo que nunca podrá olvidar. Anita ha tenido que huir de su casa. Esta noche se encuentran por primera vez... y sus vidas cambiarán para siempre.

    Vincent River es una obra de gran intensidad magnética llena de emociones verdaderas y que transcurre en tiempo real. Explora poderosamente la necesidad en la sociedad de aplastar a “l@s diferentes” en un mundo donde en los últimos tiempos ha habido, desgraciadamente, un angustioso crecimiento de crímenes de odio. Desgarradora y poética, un emocionante y vertiginoso viaje con la descarga perfecta de adrenalina; el viaje para llegar hasta la verdad de lo que le sucedió a Vincent. Philip Ridley trata muy en serio el tema de la violencia homófoba, con el sello indiscutible de su reconocible humor negro. Funciona. Y cumple su intención de demostrar que solo a través de la honestidad podemos encontrar la absolución.

    La obra de Ridley va mucho más allá de cualquier sensacionalismo porque Ridley siempre sube la apuesta. En un momento determinado el personaje de Anita dice la palabra “odio”, esa palabra que te hiela la sangre y convierte Vincent River en un texto tan necesario como actual. Vincent River cautiva en todo momento pasando de lo brutal a lo poético resultando “devastadoramente hermosa".

Philip Ridley (Londres, 1964) es un aclamado artista polifacético británico, destacado como dramaturgo, cineasta, novelista y pintor. Formado en la Escuela de Arte de St Martin, es reconocido por su estilo visceral y visionario, destacando en teatro con obras como The Pitchfork Disney y en cine dirigiendo Pueblo en llamas (1990). 

    NOTA CRÍTICA. “Vincent River” es una obra  narrativa, quizás en exceso. Con una buena interpretación, madre y amante narran el pasado, cuentan paulatinamente como actuaron y qué sucedió para que surgiera la tragedia. Una interpretación a base de gestos, ciertamente expresivos e interrogantes ante lo que cuentan. Pretenden hacer intuir al espectador el punto posible final de la historia, dentro de un mismo espacio muy simple, que cobró cierto climax con la proyección de los azulejos de un WC de chaperos. Una historia doble, que trae a la memoria el dicho popular de que “por la bragueta todo el mundo hace aguas”. Una versión donde sobreabundan los tacos (no escandalizan, molesta la reiteración)

    Los cigarrillos del escenario estuvieron a punto de despertar las alergias del público y sus estornudos.

Del 22 de enero al 22 de febrero de 2026

Obra recomendada a partir de los 14 años.

HORARIO : De martes a domingo a las 19:30 horas.  La función comienza puntualmente, no se dan minutos de cortesía. Una vez comenzada la función no se permite el acceso a sala.

DURACIÓN : 110 minutos aproximadamente

Sala Jardiel Poncela

Entrada general - 20€; Tarifa reducida: 16€ 

“AMERICAN BUFFALO”, obra del gran Mamet en el Teatro Fernán Gómez, dirigida por Ignasi Vidal

Carmen Valero Espinosa

Fotos: J.S.A.

17/10/25.- Madrid.- “AMERICAN BUFFALO”, obra del reconocido David Mamet, se representa, al cabo de 50 años, en el Teatro Fernán Gómez, dirigida por Ignasi Vidal, hasta el 26 de este mes de octubre.

    “American Buffalo” es un fiel reflejo de lo que han sido los últimos reflejos de las sociedades modernas. Obra de actores cuenta con un reparto formado por actores de sólida trayectoria interpretativa: David Lorente (Don), Israel Elejalde (Teach), y Roberto Hoyo (Bob). Representada en muchos países, el secreto de su éxito está en que su temática sigue vigente, después de tantos años.

      SINOPSIS: Don (David Lorente), propietario de una cacharrerái en Chicago, todos los días se reúne con sus dos amigos, Teach (Israel Elejalde y Bob (Roberto Hoyo) y planean el futuro. Teach es corto de mente y obcecado para reconocer lo que la vida le ha proporcionado. Vive en continua queja. Bob es el joven empleado de Don, y no aprovecha las experiencias vividas que le cuentan Don y Teach, y así poder orientar su vida de un modo más positivo. El plan que tienen que llevar a cabo es recuperar una valiosa moneda de cinco centavos de búffalo que Don vendió por una fracción de su valor real. Se embarcan en una estrategia para robar la moneda de vuelta, desencadenando una serie de eventos llenos de intriga, tensión y sorpresas inesperadas.

    La moneda American Buffalo de oro de 1 onza, emitida por la United States Mint, está acuñada en oro de 24 quilates, lo que significa que es 99.99% de oro puro, sin aleaciones adicionales. Su peso total es de aproximadamente 31.1035 gramos, que equivale a 1 onza troy de oro fino.

    «AMERICAN BUFFALO» EN                 ESPAÑA

El dramaturgo estadounidense David Mamet, hace 50 años, escribió “American Buffalo”, que se estrenó en 1975 en el Goodman Theatre de Chicago. Tras dos producciones llegó a Broadway en 1977. A partir de entonces se representó internacionalmente – Londres, Tokio y Sidney – en muchas ocasiones, y es título clave en la historia del teatro obteniendo múltiples premios y nominaciones: New York Drama Critics Circle Award (1977), reconocimiento a la excelencia en la dramaturgia americana; Obie Award for Best American Play (1976), reconocimiento a las mejores producciones teatrales fuera de Broadway; Tony Award Nomination, nombramiento a Mejor Obra de Teatro.

       A España llegó bajo el título “El Búfalo Americano” en versión y dirección de Fermín Cabal, interpretada por Santiago Ramos, Mario Pardo y Jorge Roelas, en el teatro Alfil de Madrid el 15 de febrero de 1990. Para Fermín Cabal, David Mamet “Es uno de los autores que me gustan. Además de la versión teatral tuve la ocasión de hacer el doblaje de la película (1996) de Dustin Hoffman«. 

    En 1996 se estrenaba la versión cinematográfica dirigida por Michael Corrente e interpretada por Dustin Hoffman (Teach), Dennis Franz (Don) y Sean Nelson (Bob). En 2003 el Teatro del Noctámbulo estrenaba, a partir de la misma versión de Fermín Cabal, “El Búfalo Americano” dirigida por Paco Carrillo e interpretada por Javier Magariño (Don Dubrow), Juan Antonio Lumbreras (Bob) y José Vicente Moirón (Teach). El espectáculo obtenía el Premio Max al Mejor espectáculo revelación en 2004. Avalado por este premio llegaba a Madrid al Teatro Círculo de Bellas Artes (Teatro Fernando de Rojas), 1 de junio de 2005.

En 2010 el Teatro Lliure subía a su espacio barcelonés una versión de “American Buffalo” en catalán, con traducción de Cristina Genebat y dirección de Julio Manrique. Sus intérpretes eran Ivan Benet (Don), Marc Rodríguez (Teach) y Pol López (Bob). Tras una amplia Gira por Cataluña vino a Madrid – del 10 al 20 de Marzo de 2011 -, al Teatro de la Abadía (Sala José Luis Alonso).  Después de años en que David Mamet parecía un tanto olvidado, , “American Buffalo” sube al escenario

    La razón de volver a este texto, Ignasi Vidal la justifica por ser un buen clásico y nunca pasado moda. Otra razón es mi fascinación por la obra de David Mamet, lo cual se remonta a mis años de estudiante de Arte Dramático. Mamet es maestro en esconder y mostrar solo lo justo, como si viéramos a dos personas charlando en una cafetería. Ese mundo de reacciones constituye su fascinante obra. Mamet siempre está conectado con los instintos más básicos de sus personajes, retrata un universo psicológico que todos compartimos. En el caso de “American Buffalo” es un fiel reflejo de lo que han sido los últimos reflejos de las sociedades modernas, y tengo la sensación de que va a conectar muy bien con el espectador, con lo cual, lo va a pasar muy bien. American Buffalo es, para mí: el caos emocional, los problemas y ocurrencias de los personajes se transforman en entretenimiento puro. Un único espacio, tiempo real, tres personajes que luchan por sobrevivir a través de teorías y sueños de salir del ostracismo… puro teatro. Siempre quise dirigir esta pieza.

    NOTA CRÍTICA.- Los actores saben insuflan ritmo a unas escenas de vida cotidiana, de diálogo común, saturado de tacos, palabrotas, blasfemias… de unos pobres diablos, que se quieren a su manera, que se reprochan y no saben vivir unos sin los otros… todos ellos a la espera de dar un buen golpe, “bussines” lo llaman. El machismo y el desprecio a la mujer se trasluce en los epítetos sucesivos que uno de los personajes les “regalan”. Un american way of life de determinados rincones de los Estados Unidos, con valor universal… Seres vulgares, cotidianos, comunes… en su lucha por la vida y supervivencia, con su sentido de la amistad y su maldad, puestos de relieve por la mano maestra de un dramaturgo célebre como es Mamet. Un espejo realista con acentos poéticos.

"LA AVENTURA DE LA PALABRA" sobre el discurso de Fernando Fernán Gómez a la Academia Española

Con: Nancho Novo y Marta Poveda. Dramaturgia y versión: Raúl Losánez. Dirección: Juan Carlos Pérez de la Fuente

Nancho Novo y Marta Poveda, actores

Julia Sáez-Angulo

Fotos Adriana Zapisek

    2/6/25 .- Madrid.- “El objetivo de esta dirección artística es que el espíritu de Fernán Gómez forme parte de la identidad del teatro que lleva su nombre. Y nuestra apuesta de la temporada 2024-25 es convertir su discurso de ingreso en la Academia en representación teatral. Creemos que es justo y necesario hacerlo”, dice el director de la obra escénica Juan Carlos Pérez de la Fuente

    “Fernando Fernán Gómez es actor por genética y por talento, y el producto de una compañía de repertorio haciendo las Américas.  Todo él es materia teatral. Puro teatro. Su vida y su obra. Desde mi llegada a la dirección artística del teatro que lleva su nombre, me propuse que el espíritu de Fernán Gómez formase parte de la identidad de este espacio cultural. Ahora queremos dar un paso más: mirar a Fernando desde el escenario. Sin duda, uno de los acontecimientos más importantes en su vida fue su entrada en la Real Academia Española. Era el primer cómico que cruzaba las puertas de esa institución; y, para hacerlo, decidió dedicar su discurso de ingreso a la palabra, el arma imprescindible del actor y, cómo no, también del autor. En nuestro deseo de rendirle homenaje, nos ha parecido de justicia, por tanto, hermanar a la gran protagonista del discurso con su propio creador en un montaje que reivindica la teatralidad de toda su existencia.

“La aventura de la palabra” es uno de los proyectos más inquietantes, más atractivos y sugerentes de toda mi carrera como director de escena”.

    “En su discurso de ingreso en la Real Academia Española, Fernando Fernán Gómez no solo quiso reivindicar la palabra como herramienta indispensable en el ejercicio de su oficio, sino también como infalible instrumento de libertad y progreso para cualquier persona a lo largo de la historia. Ese amor por la palabra, esa suerte de veneración por su condición indómita, y por su inagotable capacidad de abrirnos puertas a misteriosos mundos, lo colocaba a él, frente a ella, en un lugar de vulnerabilidad que nos ofrecía enormes posibilidades teatrales y nos permitía humanizar al personaje, despojándolo de esa imagen estereotipada de hombre adusto con la que ha trascendido”, explica Raúl Losánez, autor de la versión teatral.

“Hemos jugado, por tanto, a imaginar en esta propuesta no al eminente autor, actor y director, sino al simple hombre en soledad: frágil como todos y cercado de las mismas inseguridades que cualquiera. Y lo hemos convertido en el nervioso e ilusionado protagonista de su propia ensoñación (quizá en una noche muy próxima a su ingreso en la Academia) invocando a su adorada ‘palabra’, en una suerte de onírico ensayo, para que le ayude a articular el mejor discurso posible y a pasar el difícil trance, semejante al de cualquier estreno, que habría de suponer defenderlo ante el público.

    NOTA CRÍTICA.- Dos muy buenos actores encarnan a los dos personajes que se enfrentan, en una dialéctica inteligente, densa en ocasiones: el futuro académico y la Palabra. Asombroso el parecido que logra Nancho Novo con el personaje que encarna: Fernando Fernán Gómez, que parece “instalado” de lleno, en el teatro al que el Ayuntamiento de Madrid ha dado nombre en Villa y Corte. Nos recibe a la entrada con un largo parlamento -a mi gusto y de la fotógrafa, excesivo- para apagar los móviles, y ahora también con su “Discurso académico” dialogado.

Un diálogo, una diatriba, que es toda una “lección académica” sobre la palabra escrita, hablada, la voz, el mimo, los gestos… a través del tiempo y el espacio, desde Grecia a la TV,. Pero, ¡ay! la “lección académica” sigue pesando en el teatro y a veces uno pierde parte de la docencia y didáctica del discurso. Demasiada abstracción. La palabra escrita nos permitiría volver atrás, algo imposible en lo inmediato, en la escena, la radio y la TV… Visto así, se me antoja que, a la obra, con una sola hora hubiera bastado. No había intriga que seguir, sino discurso. Los dos grandes actores salvan el texto con su buen saber hacer, interpretar, moverse con gracia y hasta saltar con buena forma. La alegoría de la Palabra tiene su gracia, aunque a veces resulte pedante… pero ya digo, esto es subjetivo, como toda crítica. Como decía Umbral: "la crítica es subjetivamente injusta".

HORARIO

De martes a domingo a las 19:30 horas.  

La función comienza puntualmente, no se dan minutos de cortesía.

Una vez comenzada la función no se permite el acceso a sala.

Del 27 de mayo al 22 de junio de 2025.  Duración: 75 minutos aprox.

De “La Tribuna” de Pardo Bazán a “Cigarreras” de Cándido Pazó en el Teatro Fernán Gómez

J. S. A.

        24/10/24.- Madrid.- Basado en “La Tribuna” de la escritora Emilia Pardo Bazán, es la primera novela española sobre los derechos de la mujer trabajadora, que tiene como protagonista a una obrera inteligente: Amparo. La versión y la dirección es de Cándido Pazó, un hombre fundamental de la escena gallega y el montaje cuenta con siete actrices también gallegas, que interpretan todos los personajes.

Cándido Pazó  escribe: “Cigarreras” es más que una adaptación, pero menos que un texto independiente.  Es una de las muchas lecturas teatrales que se pueden hacer de La Tribuna de Pardo Bazán. Una novela que, de tan sugestiva, resulta tan abrumadoramente fértil que sería iluso pretender abarcarla al completo en una obra teatral”.

“Una lectura que, como todas, tiene su parte objetiva, dominante en nuestra propuesta, ligada a lo que se ha leído; y su parte subjetiva, la subsidiaria, ligada a la mirada de quien ha leído. 

Una mirada que quiso hacer foco en las trabajadoras de la fábrica. Las cigarreras. Sus circunstancias, vivencias, ilusiones, frustraciones... Y especialmente en una de ellas, la protagonista de la novela: Amparo, La Tribuna.  Y con las cigarreras, el tiempo histórico que les tocó vivir.  El que va de la Revolución de 1868 a la proclamación de la I República. Unos años que, por convulsos y controvertidos, están sujetos a variadas interpretaciones y querencias, y en los que se pueden percibir ciertos ecos que resuenan actualmente”.

Siguiendo estímulos de la novela, pero también como solución estructural, esa mirada se propuso el reto de expresarse en femenino. Solo con actrices. Y, por la misma razón, quiso tener en escena a la propia escritora. Por eso y porque, citando a una de sus biógrafas, “sus avatares, sus logros, sus derrotas y, sobre todo, sus preguntas resuenan hoy con una intensidad intelectual y emocional que la hacen plenamente contemporánea”.

Finalmente, la mirada se hace dramaturgia. Dramaturgia del pensamiento. Doña Emilia relee La Tribuna, once años después de escribirla. Eso la lleva a recordar, a imaginar, a pensar... A hablar con sus supuestos lectores, que acaban por ser el público del teatro.

Y el pensamiento se hizo carne en un espectáculo en el que, lógicamente, dominan los tonos propios del drama individual y colectivo que relata La Tribuna, pero en el que no faltan otros más luminosos, incluso cómicos. Ora de la mano de diversos personajes y situaciones, ora derivados de la presencia en escena de la autora gallega, trasunto de una mujer que, como armas de defensa o ataque, recurría habitualmente al sarcasmo, la ironía y el humor”.

Nota crítica.- Es asombroso el buen ritmo y la excelente interpretación de las siete actrices ante esta novela de Pardo Bazán, condensada en diálogos de teatro.  La presencia de “Doña Emilia” no estorba, ni sus incursiones lectoras o como actor puntual. Su presencia centra y redondea la historia. La autora fue una feminista de pro, entendiendo por tal a una mujer que reclama y defiende los derechos de la mujer. En esta obra lo pone de manifiesto. En la obra aparecen las injusticias laborales, los malos tratos, los engaños masculinos…Todo ello bien dosificado, bien llevado… perfecto… ¡Lástima que termine la obra con una suerte de proclama o panfleto barato! Una ingenua esperanza en una república federal… ¿Muy en consonancias con los tiempos?

Ficha Técnica

Versión y dirección: Cándido Pazó

Intérpretes: Susana Dans, Tamara Canosa / María Roja, Isabel Naveira, Ledicia Sola, Mercedes Castro / Casilda G. Alfaro, Covadonga Berdiñas, Ana Santos y Mercedes Castro

Música: Manuel Riveiro

Escenografía: Dani Trillo

Iluminación: Alfonso Castro

Vestuario: Martina Cambeiro

Espacio sonoro: Manuel Riveiro

Ayudante de dirección; Antonio Mourelos

Directora de producción: Belén Pichel