martes, 30 de octubre de 2012




Ana Rosón escribe y publica "El secreto para niños"


** Basado en las tesis que propugna Rhonda Byrne sobre la Ley de Atracción en El secreto, este ensayo da un paso más al constatar la innata facilidad que tienen los niños para aplicar sin esfuerzo dicha Ley. 

L.M.A.

El secreto para niños es el nuevo libro que acaba de publicar la editorial Arcopress, obra de la ingeniera en informática Ana Rosón. Basado en las tesis que propugna Rhonda Byrne sobre la Ley de Atracción en El secreto, este ensayo da un paso más al constatar la innata facilidad que tienen los niños para aplicar sin esfuerzo dicha Ley, que consiste en tener fuerza para atraer más lo que se quiere y menos lo que no se quiere.

Después de nacer sus gemelos, la autora de este libro conoció y estudió en profundidad la Ley de la Atracción, glosada en diferentes textos que explicaban el componente mágico de la vida y la esencia de la misma. Dos años después, mientras se lo mostraba a sus propios hijos, advirtió que, de forma natural, los niños son excelentes manejando ese concepto, desconocido aún para muchos adultos. “¿Por qué todos los libros sobre el tema se centraban en recuperar nuestra capacidad para imaginar cuando los niños son magníficos en esa tarea? ¡Más que enseñarles tendríamos que ser alumnos suyos!”, se pregunta Rosón.

Con tal premisa y a partir de su experiencia, Ana Rosón explica cómo lograr que esa cualidad natural y espontánea de los infantes no se malogre por la influencia de los adultos, tan proclives a una concepción falsamente racional, que va en sentido opuesto al instinto de los niños, debido a la educación recibida.

Así, llegó a la conclusión de que era mucho mejor ayudar a los pequeños a que continuaran creyendo en su poder y perseverasen en su aplicación, para evitar que se diluyera con el paso del tiempo. “Este libro es la respuesta”, comenta la autora, quien revela cómo mantener a una mente infantil creativa y fértil, cuál debería ser nuestro objetivo como padres y educadores y cómo permitirles seguir siendo los pequeños genios que son al nacer, un tesoro inapreciable que se esfuma con nuestra visión adulta. Y sobre todo, muestra cómo enseñarles a atraer a sus vidas lo más importante: su propia felicidad.

Los padres pueden igualmente aprender de la observación de sus hijos para incorporar lo aprendido a sus vidas, ya que los niños aplican de forma espontánea la Ley de la Atracción, sin necesidad de conocer o reflexionar sobre los mecanismos que la rigen.

Se trata, pues, de una obra henchida de optimismo, que revela nuestro potencial y el de nuestros hijos para hacer realidad sueños y anhelos. Nada más urgente y apropiado para los tiempos que corren...

En la cubierta figuran sendas citas de nombres bien conocidos en los medios, el sociólogo Enrique de Vicente y el psiquiatra José Miguel Gaona, que ponderan con entusiasmo el libro. En frase de este último: "Eres el espejo del jardín donde tu hijo jugará el resto de su vida".

Ana Rosón Granja es licenciada en la universidad de Deusto en Ingeniería Informática y compagina profesionalmente su carrera de diseñadora 3D junto con actividades empresariales en el sector infantil y su más reciente pasión: acercar a la gente la reconexión de Eric Pearl mediante sesiones energéticas de sanación reconectiva.

ISBN: 978-84-96632-78-3
208 páginas
Rústica • 13 x 20 cm


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EL INSTITUTO CERVANTES PROMOCIONA EL ACEITE DE OLIVA ESPAÑOL POR TODO EL MUNDO
A lo largo de todo el año, 29 centros del Cervantes acogen talleres impartidos por catadores, cocineros y médicos, organizados junto con la Interprofesional del Aceite de Oliva Español y la Fundación Española para la Ciencia y la Tecnología (FECYT)


L.M.A.

La sede del Instituto Cervantes en Madrid ha acogido esta mañana la presentación del programa “Aceite de Oliva español: cultura, ciencia y gastronomía”, una iniciativa de la Interprofesional del Aceite de Oliva Español y la Fundación Española para la Ciencia y Tecnología (FECYT), que, en colaboración con el Cervantes, trabajan para dar a conocer en todo el mundo la calidad del “oro líquido” y las ventajas que ofrece su consumo.

El secretario general del Instituto Cervantes, Rafael Rodríguez-Ponga, se mostró especialmente satisfecho de esta colaboración: “Los aceites de oliva forman parte de la cultura española y hemos acogido con entusiasmo estas actividades”. Un aspecto que también destacó Rafael Pico, vocal de la Junta Directiva de la Interprofesional del Aceite de Oliva Español: “Nosotros ofrecemos un producto de calidad contrastada, pero también dieta mediterránea, una gastronomía puntera y una forma de entender la vida”.

Y eso es lo que, en buena medida, han recogido los talleres, que comenzaron el 9 de febrero en el Cervantes de Lyon (Francia) y concluirán a finales de noviembre en Shanghái (China). Un total de 29 centros del Instituto en 19 países de todo el mundo (6 de Asia, 3 de África, 9 de América y 11 de Europa) celebran a lo largo de este año talleres sobre el aceite de oliva español.

Los talleres se estructuran en dos partes bien diferenciadas. La primera, destinada a dar una visión de conjunto de los aceites de oliva y lo que los rodea, con especial atención a los avances científicos en el campo de la salud, como destacó, Cecilia Cabello directora del Departamento de Investigadores del FECYT en su intervención: “Queremos transmitir la aportación de la ciencia española a la hora de lograr una alimentación saludable, basada en los aceites de oliva”.

El investigador Ramón Estruch, desde hace años al frente del Proyecto Predimed, ha afirmado que una dieta mediterránea basada en los aceites de oliva “reduce los niveles de insulina, baja la presión arterial y lograr subir el colesterol bueno en la sangre. Y lo mejor, no tienen efectos secundarios”.
Tras las explicaciones, se realiza una cata comentada, en donde un experto introduce a los participantes en el apasionante mundo de los aromas y sabores de la reina de las grasas. Una cata que gira en torno a tres de las grandes variedades que se producen en España: picual, hojiblanca y arbequina.

Esta actividad ha entusiasmado a los alumnos que han pasado por los talleres, apuntó la experta catadora Brígida Jiménez: “Dando a conocer el producto lograremos incrementar su consumo”. Por su parte, el cocinero Alberto Moya, otro de los ponentes en muchos de los talleres, entiende que la cocina es la mejora embajadora del producto ya que “el aceite de oliva virgen extra es el hilo conductor de nuestra gastronomía”.

Más información en


JÍŘÍ KOVANDA, ARTISTA CHECO, EN EL PALACIO DE CRISTAL DE MADRID

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L. M. A.


Kovanda es una de las figuras más destacadas del arte checo contemporáneo y entró a formar parte de la escena internacional europea a finales de los años setenta con diferentes acciones públicas, que realizaba de manera deliberadamente sutil, evitando la implicación directa del público. Sin embargo, a pesar del carácter imperceptible y efímero de estas intervenciones, el objetivo que Kovanda perseguía con ellas era crear reacciones o interpelaciones en su audiencia.

La obra que ha creado para esta ocasión se inscribe en el tipo de trabajo que el artista ha realizado durante las últimas décadas, instalaciones con objetos cotidianos que buscan interactuar con el público en un registro diferente al de sus acciones.

Los dos anillos dorados a los que hace alusión el título han sido dispuestos en distintos lugares del Palacio con el fin de indagar sobre lo visible y lo invisible, lo valioso y lo funcional. Dos elementos corrientes —hierba seca y cuerda— sostienen y enmarcan estos objetos preciados.

Con ello, el artista reflexiona sobre lo ambivalente de las dualidades vulgar/barato y extraordinario/caro: “Las cosas sencillas y baratas pueden resultar importantes, extraordinarias, mientras que los objetos caros pueden ser invisibles. Y a veces al contrario. Sin embargo, lo barato y lo caro tienen el mismo valor. Depende sólo de la situación.”

La instalación queda incorporada al Palacio de Cristal, pero también puede decirse que el monumental invernadero —construido en 1887 con ocasión de la Exposición de las Islas Filipinas— se une a la reflexión del artista mediante las cualidades del cristal y el hierro, sus materiales principales. La invisibilidad y transparencia del cristal dialoga con la visibilidad y presencia del hierro. Uno no podría distinguirse ni sostenerse sin la estructura conformada por el otro. Otra dualidad que pone de manifiesto lo paradójico de las cosas que pasarían desapercibidas, a las que no se daría peso, sin la suma de otras.
La magnitud del edificio y su carácter transparente influyen asimismo en el resultado de la intervención. Los anillos dorados, debido a su pequeñez, no podrían ser localizados por el visitante sin la ayuda de la cuerda o de la superficie de hierba. Además, por su emplazamiento y su carácter diáfano, el Palacio se abre a lo público, tal y como lo hacen las obras de Kovanda.

En suma, Dos anillos dorados llama la atención sobre la relación de los objetos cotidianos que, sin valor aparente, conviven junto a otros altamente apreciados por su coste o material. El valor concedido a los objetos es pura convención y el sistema que lo sostiene, precario y transitorio; como la moneda de un país, está sometido a fluctuaciones de índole diversa.

Apuntes biográficos

Jiří Kovanda (Praga, República Checa, 1953) es un artista cuya trayectoria comenzó en los años setenta en el campo del arte conceptual y el accionismo checo, con vocación de apertura hacia la esfera pública. Asimismo, es conocido por sus collages a base de periódicos y revistas que realiza desde los años ochenta, por sus readymades u obras hechas con objetos encontrados y sus pinturas —nunca figurativas— e instalaciones. En todas sus etapas y creaciones, puede percibirse la atracción del artista por lo efímero y por los ámbitos en los que el arte y la vida cotidiana se confunden. Sus obras se alejan de toda pretenciosidad y todo tipo de esnobismo, desafiando el arte contemporáneo más reconocido para conseguir un lenguaje muy directo y visualmente muy potente, ya que su arma reside en la sencillez y en la comunicación directa, a menudo aderezada con humor e ironía.

Actualmente vive y trabaja en Praga, donde compagina su labor artística con la de profesor, considerando ambas un todo indisoluble y necesario para comprender su práctica. Su obra ha podido verse en importantes centros de arte nacionales e internacionales, como CGAC-Centro Galego de Arte Contemporánea de Santiago de Compostela, Centre d’Art Santa Mònica de Barcelona, Tate Modern de Londres o Centre Pompidou de París.

Con la colaboración del Centro Checo en Madrid 





"Francisco Bores / Stéphane Mallarmé. La siesta del fauno", exposición en el Círculo de Bellas Artes

L.M.A.



El Ministerio de Educación, Cultura y Deporte junto con Acción Cultura Española AC/E y el Círculo de Bellas Artes, ha organizado la exposición Francisco Bores / Stéphane Mallarmé. La siesta del fauno, que a partir de mañana podrá visitarse en el Círculo de Bellas Artes-sala Goya, hasta el 20 de enero de 2013.

Francisco Bores (Madrid 1898-1972), pintor participante del círculo de artistas y poetas afines al ultraísmo y la generación del 27, se trasladó en 1925 a París, donde desarrolló la práctica totalidad de su obra. En 1927 conoció al crítico y editor Tériade (Efstratios Elefteriades) con quien mantendría una estrecha amistad. Tériade se manifiesta como el gran admirador de la pintura de Bores, a quien encargó los dibujos para una edición del poema de Stéphane Mallarmé  La siesta del fauno (L’Après-midi d’un faune). El libro, ilustrado con litografías originales y que había de tener 84 páginas, no llegó a completarse. Por razones que se desconocen, pero sin duda no ajenas a la guerra y la ocupación que Francia vivía en 1943, el proyecto quedó abandonado.

La exposición, ambientada sonoramente  por  Adolfo Núñez,  se compone de setenta y tres dibujos seleccionados de entre los más de doscientos que Francisco Bores realizó en 1943 para esa edición de lujo que nunca se editó, y que ahora se nos ofrece como una reconstrucción de ese libro. Una obra inédita incluso para los conocedores del pintor. Se completa la exposición con la edición de un catálogo que simula el libro que no llegó a existir.







NOVIEMBRE, CUATRO CONCIERTOS 
“MÚSICA EN DOMINGO” DE LA FUNDACIÓN JUAN MARCH


EL MISMO CONCIERTO SE REPITE AL DÍA SIGUIENTE, LUNES,  EN
“CONCIERTOS DE MEDIODÍA”


Una nueva orientación caracteriza desde el pasado mes de octubre la “Música en Domingo” y los “Conciertos de Mediodía” que organiza la Fundación Juan March, que se celebran todos los domingos y lunes del mes, a las 12:00 horas, con el mismo programa e intérpretes: están eminentemente consagrados a presentar a jóvenes intérpretes que no superen la treintena. Así, estos conciertos aspiran a convertirse en una plataforma que proporcione más visibilidad a talentos emergentes que se hallan al comienzo de sus carreras profesionales.

En este mes de noviembre se ofrece un recital de canto y piano, otro de piano, otro de flauta y guitarra y el último del mes, de música de cámara.


·        RECITAL DE CANTO Y PIANO
El domingo 4 y el lunes 5 actúan la soprano Paloma Chisbert Baviera y la pianista Anna Barbero Beerwald e interpretan en este concierto obras de Reynaldo Hahn (1874-1947).

Paloma Chisbert Babiera  obtiene el título Superior de Canto en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid. Posteriormente se traslada a París para cursar estudios en el Conservatoire National de Région en Rueil-Malmaison. Desde 1998 forma parte del Coro de RTVE, ostentando, desde 2004, el cargo de jefa de cuerda. Anna Barbero Beerwald se diploma el Conservatorio Giuseppe Verdi de Turín con la profesora Vera Drenkova, y continúa su formación en la Musikhochschule de Lucerna (Suiza) con Ivan Klansky. En paralelo a su formación pianística, ha realizado conciertos en toda Europa, ha ganado concursos nacionales e internacionales y ha participado en numerosos festivales de música y teatro.  


·        RECITAL DE PIANO
El domingo 11  y el lunes 12, Alejandro Picó-Leonís al piano, ofrece Andante en Fa mayor, KV 616 (arreglo para piano), de Wolfgang Amadeus Mozart; Sonata nº 15 en Re mayor Op. 28 “Pastoral”, de Ludwig van Beethoven; y Cuatro Impromptus Op. 90, D 899, de Franz Schubert.

Alejandro Picó-Leonís comienza sus estudios musicales en el Conservatorio Superior de Música Oscar Esplá de Alicante y los continúa en Madrid con Consolación de Castro. Se traslada posteriormente a Estados Unidos para estudiar con Ubaldo Díaz-Acosta y obtiene el Bachelor of Music y el Master of Arts en el Hunter College de la City University of Nueva York.  Desarrolla una intensa actividad como pianista acompañante en recitales de canción española y Lied alemán.


·        RECITAL DE FLAUTA Y GUITARRA
El domingo 18 y el lunes 19, el Dúo Caprice (Diana Ojeda Dissez, flauta; y  José Antonio García Fuertes, guitarra), ofrecen Gran duetto concertante Op. 52, de Mauro Giuliani; Distribuiçao de flores y Bachiana Brasileira nº 5 (arreglo para flauta y guitarra), de Heitor Villa-Lobos; Luz de luna, de Javier Jacinto; Homenaje a Victor Jara, de Flores Chaviano; Aria antigua (arreglo para flauta y guitarra), de Joaquín Rodrigo; y Seis danzas populares rumanas Op. 68 (Sz. 56) (arreglo para flauta y guitarra), de Béla Bartók.

Diana Ojeda Dissez  comienza su formación en el Conservatorio Profesional «Arturo Soria» donde obtiene el Título Profesional de Flauta Travesera con brillantes calificaciones. Posteriormente amplía su formación con los solistas de la Orquesta Nacional de España José Sotorres y Antonio Arias, completando sus estudios de Grados Superior en el Conservatorio Superior de música de Zaragoza. Actualmente es flauta solista en la Orquesta Camerata Musicalis. Combina su faceta de intérprete con la de docente de flauta travesera en diferentes Escuelas Municipales de Música de Madrid. José Antonio García Fuertes estudió en el Conservatorio Superior de Música de Oviedo, y posteriormente en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, con el catedrático Miguel Ángel Jiménez. Su formación se completa asistiendo a numerosos cursos y masterclass con las figuras más relevantes del panorama guitarrístico mundial. También ha colaborado con la Orquesta de la Comunidad de Madrid, Plural Ensemble, Orquesta Filarmonía y se ha presentado como solista con diferentes orquestas: Orquesta de la Universidad Autónoma de Madrid, Orquesta de las Escuelas Municipales de Música de Madrid, Orquesta Sinfónica Académica de Kazajstán, etc.





 “La sociedad del cansancio” inesperado best-seller del filósofo Byung-Chul Han



L.M.A.

“Todos nosotros deberíamos jugar más y trabajar menos, entonces produciríamos más. ¿O es acaso una coincidencia que los chinos, para quienes originalidad y genialidad son conceptos desconocidos, sean los responsables de casi toda invención que ha dejado huella en Occidente?”

Byung-Chul Han, una de las voces filosóficas más innovadoras que ha surgido en Alemania  recientemente, afirma en su libro “La sociedad del cansancio” –inesperado best seller cuya primera tirada se agotó en unas semanas-que la sociedad occidental está sufriendo un silencioso cambio de paradigma: el exceso de positividad está conduciendo a una sociedad del cansancio. Así como la sociedad disciplinaria foucaultiana producía criminales y locos, la sociedad que ha acuñado el eslogan Yes We Can produce individuos agotados, fracasados y depresivos.

Según el autor, cada época tiene sus enfermedades emblemáticas. La invención del antibiótico acabó con la época bacterial y las técnicas inmunológicas han acabado con el miedo a la pandemia de gripe. El comienzo del s. XXI no sería bacterial ni viral sino neuronal. La depresión, el trastorno por déficit de atención con hiperactividad o el trastorno límite de personalidad definen el panorama de comienzos de este siglo. Estas enfermedades no son infecciones sino estados patológicos que siguen a su vez una dialéctica de la positividad, excesiva según Han.

Según el autor, la resistencia solo es posible en relación con la coacción externa. La explotación a la que uno mismo se somete es mucho peor que la externa, ya que se ayuda del sentimiento de libertad. Esta forma de explotación resulta, asimismo, mucho más eficiente y productiva debido a que el individuo decide

voluntariamente explotarse a sí mismo hasta la extenuación. Hoy en día carecemos de un tirano o de un rey al que oponernos diciendo No. Resulta muy difícil revelarse cuando víctima y verdugo, explotador y explotado, son la misma persona.

Han señala que la filosofía debería relajarse y convertirse en un juego productivo, lo que daría lugar a resultados completamente nuevos, que los occidentales deberíamos abandonar conceptos como originalidad, genialidad y creación de la nada y buscar una mayor flexibilidad en el pensamiento: “todos nosotros deberíamos jugar más y trabajar menos, entonces produciríamos más”. ¿O es acaso una coincidencia que los chinos, para quienes originalidad y genialidad son conceptos desconocidos, sean los responsables de casi toda invención –desde la
pasta hasta los fuegos artificiales-que ha dejado huella en Occidente? Sin embargo, esto no deja de ser para el autor una utopía inalcanzable para una sociedad en la que todos, incluso el ejecutivo mejor pagado, trabajamos como esclavos aplazando indefinidamente el ocio.

Byung-Chul Han, de origen coreano, estudió Filosofía en la
Universidad de Friburgo y Literatura alemana y Teología en la
Universidad de Múnich. En 1994 se doctoró por la primera
de dichas universidades con una tesis sobre Martin
Heidegger. En la actualidad es profesor de Filosofía y Teoría
de los medios en la Escuela Superior de Diseño de Karlsruhe.
Autor de más de una decena de títulos, esta es su primera
traducción al castellano.




TÍTULOS PUBLICADOS EN ESTA COLECCIÓN DE HERDER

Fina Birulés Una herencia sin testamento: Hannah Arendt
Claude Lefort El arte de escribir y lo político
Helena Béjar Identidades inciertas: Zygmunt Bauman
Javier Echeverría Ciencia del bien y el mal
Antonio Valdecantos La moral como anomalía
Antonio Campillo El concepto de lo político en la sociedad global
Simona Forti El totalitarismo: trayectoria de una idea límite
Nancy Fraser Escalas de justicia
Roberto Esposito Comunidad, inmunidad y biopolítica
Fernando Broncano La melancolía del ciborg
Carlos Pereda Sobre la confianza
Richard Bernstein Filosofía y democracia: John Dewey
Amelia Valcárcel La memoria y el perdón
Judith Shklar Los rostros de la injusticia
Victoria Camps El gobierno de las emociones
Manuel Cruz (ed.) Las personas del verbo (filosófico)
Jacques Rancière El tiempo de la igualdad
Gianni Vattimo Vocación y responsabilidad del filósofo
Martha C. Nussbaum Las mujeres y el desarrollo humano
Fina Birulés (ed.) Vivir para pensar





"Sorolla. Jardines de Luz", exposición en su Casa-Museo





·     Los jardines de su casa fueron sus últimas obras creativas, llenas de la poesía del silencio y la intimidad

·     A través de 56 óleos, algunos nunca expuestos, se pone de relieve el proceso de introspección que se produce en la pintura de sus últimos jardines, desde su experiencia en la Alhambra hasta el jardín de su casa


         La muestra, que consta de 56 óleos, de los cuales 24 son de colección particular y algunos nunca expuestos antes, se completa con dibujos, fotografías, cartas y otros documentos. Ha podido contemplarse en los museos de Bellas Artes de Ferrara (Italia) y Granada, cosechando gran éxito de crítica y público, y ahora se presenta en Madrid, en la que fue su propia casa, con el jardín que él mismo diseñó, plantó y pintó.

        Pero no son exactamente idénticas; en Granada, han sido más abundantes las representaciones de la Alhambra, cuyos patios y jardines fueron para Sorolla una revelación, mientras que la que se exhibe en el Museo Sorolla ahonda en la representación del jardín de su casa, último refugio del pintor. En Andalucía había descubierto una riqueza sobria, llena de poesía, que se plasmaba en los pequeños rincones, en el rumor del agua de una fuente y en el silencio de los patios bañados por el sol. La experiencia andaluza caló tan hondo en Sorolla que produjo un proceso de introspección y esencialidad que remodeló la poética y el estilo de sus últimos años. Su jardín, construido en esos mismos momentos, actuaba entonces como transmisor y amplificador de esta metamorfosis. La pintura de jardines expresó entonces la madurez de una poética del silencio y la intimidad, concomitante con la sensibilidad modernista de su tiempo.

La exposición se estructura en 4 apartados; Agua, Patio, Jardín y Jardín de la Casa Sorolla, lo que para el artista se interpreta en música, esencia, refugio, intimidad familiar… transmutada en geometría cristalina, arquitecturas vegetales habitadas de color y cargadas de resonancias afectivas.

El Agua, espejo de la naturaleza y del alma, motivo privilegiado en la pintura de Sorolla, recorre también la música y la poesía española de entresiglos, desde Soledades de Machado a Jardines Lejanos de Juan Ramón Jiménez.

El Patio, lugar donde el cielo abierto contrasta con la penumbra de los pabellones, donde la intimidad se esencializa y transmuta en geometría cristalina, habitada y multiplicada por el color.

El Jardín, refugio frente al cansancio. La figura humana casi siempre está ausente. El jardín, polifonía sensorial,  es un espacio donde las arquitecturas vegetales se conjugan con el agua, la cerámica o el mármol para regular no sólo la luz y el color, sino también el sonido.


El Jardín de la Casa Sorolla, construido bajo la influencia de los patios y jardines andaluces, tiene su propio concepto pictórico y escenográfico. Está concebido como espacio de intimidad familiar, entendido como un “salón” de exterior, pequeño paraíso doméstico que resulta además, fuente de inspiración para su trabajo.

Durante la permanencia de la exposición, el Museo Sorolla organiza visitas especiales, talleres y otras actividades relacionadas con la muestra.

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