TIZIANO, GAUGUIN, AI WEIWEI, MARY BEALE Y TURNER ENTRE LAS OBRAS DESTACADAS EN LA PRIMERA MIRADA DE TEFAF MAASTRICHT 2025

Además, también sobresalen piezas de Hokusai, Marie Bracquemond, Enma Soyer,  Peter Ilsted, Alberto Savinio, Edmund de Wall, Dan Flavin, Simon Hantaï, Park Suk Won  y Giacometti. 

• Y una selección de artes decorativas, joyería y arqueología de gran calidad, con  una edición especial de 1859 del Origen de las Especies de Darwin  

        L.M.A.

    17 de febrero de 2025. La Fundación Europea de las Bellas Artes (TEFAF) desvela un  avance exclusivo de obras selectas que se presentarán en TEFAF Maastricht, que tendrá  lugar del 15 al 20 de marzo de 2025 (13 y 14 de marzo por invitación). Esta «Primera  mirada» ofrece una visión de la excepcional calidad de casi medio centenar de piezas,  entre arte antiguo, contemporáneo, pinturas, esculturas, artes decorativas, joyería,  objetos arqueológicos, libros y obras sobre papel. 

En esta edición de TEFAF Maastricht participarán 273 galerías de 21 países, entre ellas  siete con sede en España: Caylus, Colnaghi, Deborah Elvira, Mayoral, Montagut, Artur  Ramon Art y VETA Gallery. Diez galerías participarán en la sección TEFAF Showcase,  que desde su creación en 2008 ha sido pionera en ofrecer una plataforma en las  grandes ferias a las galerías emergentes y más jóvenes. Y entre ellas dos de las  españolas, Montagut y VETA.  

Por su parte, TEFAF Focus es una sección específica que ofrece a las galerías una  plataforma curatorial para profundizar en la obra de un solo artista o concepto y este  año contará con diez participantes, cinco de los cuales son nuevos en la iniciativa.  

Entre las obras de arte antiguo y dentro de la pintura pueden destacarse Virgen con el  Niño y Santa María Magdalena (1555-1560) de Tiziano; un paisaje de Marie  Bracquemond; un bodegón de flores de Paul Gauguin; El Esquilador de perros del  belga Jan Stobbaerts; un paisaje de Aelbert Cuyp; un elegante retrato pintado por  Mary Beale, y un óleo sobrio de Emma Soyer, que exhibirá Colnaghi en su stand. Sin  olvidar una xilografía de Hokusai; una escena de batalla de tradición india de finales del  siglo XVI; una acuarela, Vista de Givet de Turner; un papel de pared pintado de Jules  Desfossé, y un dibujo de Jacques Dumont, llamado Le Romain donde documenta los  preparativos para los fuegos artificiales celebrados en la Piazza Navona en 1729 con  motivo del nacimiento del Delfín, hijo de Luis XV. Sin olvidar una terracota de Henrietta  Skerrett Montalba.  

Entre las de arte contemporáneo, una composición irónica de Ai Veiwei inspirada en  Atalanta e Hipómenes (según Guido Reni); un acrílico de Salah Elmua, pleno de color;  Interior con muchacha en una ventana de Peter Ilsted; Idilio Marino de Alberto  Savinio; una obra de Rover Thomas Joolama en la tradición aborigen australiana;  Princesa con narguilé de Juliana Seraphim; un contraste entre textura y color de Vera  Mólnar; un collage de Franz West; un óleo de Hantaï, en el que fusiona espontaneidad  y control; y Happening de Constant Nieuwenhuys, cofundador del grupo CoBrA y un  excelente colorista. Y entre los escultores e instalaciones algunos ejemplos de Robert 

Deblander, Roberto S. Mata, Hans of the Beek; Edmund de Wall, Robert Ryman, Dan  Flavin y del coreano Park Suk Won. 

Las artes decorativas tienen una gran presencia en TEFAF Maastricht 2025 y podemos  citar desde una taza de plata dorada de Geeraert de Rasier y una cerámica de Orazio  Fontana, ambas de la segunda mitad del siglo XVI hasta una porcelana esmaltada  contemporánea japonesa de 2023, pasando por un par de jarrones después de Luis XV  o un par de figuras de marfil de dinastía Qing, que datan del siglo XVIII; una lámpara  escultórica de Alberto Giacometti de los años 30 del siglo pasado o el diseño de 2021  de Valentín Zoellmann en ese escritorio elegante. 

Entre los objetos arqueológicos mencionar una cabeza de alfiler monumental en  bronce con ídolo femenino de la fertilidad y animales de Irán occidental, Luristán,  datado a principios del del I milenio a.C.; y un capitel de esquina con dos arpías-sirena  rodeando una figura con aureola, fechado entre 1170-1180, en piedra caliza,  procedente de Champaña, Francia. 

De las piezas de joyería sobresalen un collar gargantilla Art Nouveau de oro, diamantes,  esmalte y cristal flor de cardo (19059 de René Lalique; un broche y pendientes vintage  de Gianmaria Buccellati, de los años setenta; un collar retro de diamantes de Pierre  Sterle; un ópalo australiano de Feng J; y unos pendientes de Hemmerle de 2024.  

Y por último subrayar una edición especial de 1859 de la más famosa obra de Charles  Darwin Sobre el origen de las especies por medio de la selección natural, que está  considerada el fundamento de la biología evolutiva. Encuadernado con tela verde  original, lomo en letras y adornos de dorado con las guardas marrones, que tuvo como  destinatario el Dr. Weddell de Bagnères-de-Bigorre, un científico que viajó a  Sudamérica para investigar especímenes vegetales. Darwin intercambió con este  doctor hallazgos y ejemplares de la presentación de sus obras botánicas.

Tiziano se suma a la contemplación de las Majas de Goya, en el Museo del Prado

En un nuevo discurso narrativo y expositivo en las salas dedicadas a Goya

Sala 37-38. Foto © Museo Nacional del Prado

L.M.A.

        18.02.2022.- MADRID.- La nueva propuesta de exhibición de la obra de Goya en las salas 34-38 del edificio Villanueva ensaya un nuevo recorrido temático que ofrece al visitante un acercamiento más panorámico y sugestivo a la creación artística de Goya. Además, la modificación arquitectónica de estas salas ha permitido ampliar el espacio expositivo de las Majas y establecer innovadores diálogos entre las obras más populares de la producción del maestro aragonés y Venus recreándose con el Amor y la Música de Tiziano, como reflejo de la decoración de uno de los gabinetes en el palacio del valido Manuel Godoy.

 

Enriqueciendo este nuevo discurso, se expondrán, en la sala 34 durante un año, los dos primeros bocetos preparatorios que realizó Goya para el cuadro de altar La predicación de San Bernardino de Siena ante Alfonso V de Aragón con destino a una de las capillas de la nueva Real Basílica de San Francisco el Grande de Madrid. Propiedad de la Fundación Tatiana Pérez de Guzmán el Bueno, el primero de los bocetos se expuso por última vez hace más de cien años, mientras que el segundo se presenta al público por primera vez. Ambos óleos han sido recientemente restaurados en el Taller de Restauración del Prado.

El Consejo de Ministros autoriza la concesión de la garantía del Estado para la exposición ‘Pasiones Mitológicas: de Tiziano a Velázquez’

• El valor económico de las 10 obras para las que se solicita la garantía del Estado asciende a 501.824.181,92 euros  

• La muestra tendrá lugar del 2 de marzo al 4 de julio de 2021, en el Museo Nacional del Prado

Velázquez

Tiziano

L.M.A.

    09-diciembre-2020.- El Consejo de Ministros, a iniciativa del Ministro de Cultura y Deporte y a propuesta de la Ministra de Asuntos Económicos y Transformación Digital, ha autorizado hoy la concesión de la garantía del Estado a 10 obras para la exposición temporal ‘Pasiones Mitológicas: de Tiziano a Velázquez’, que tendrá lugar entre el 2 de marzo y el 4 de julio de 2021, en el Museo Nacional del Prado.

    El valor económico total de las 10 obras para las que se solicita la garantía del Estado asciende a 501.824.181,92 euros. 

    Organizada en colaboración con la National Gallery de Londres, la National Galleries of Scotland de Edimburgo y el Isabella Stewart Gardner Museum de Boston, la exposición ‘Pasiones Mitológicas: de Tiziano a Velázquez’ es un excepcional acontecimiento artístico al reunir por primera vez desde el siglo XVII las pinturas mitológicas basadas en la poesía clásica griega, conocidas como “poesías”, pintadas por Tiziano para Felipe II entre 1551 y 1562 y que están entre las más importantes de su producción no solo por su calidad artística, sino también por el modo con el que abordó en ellas al relato pictórico de historias literarias.

    El periodo de la cobertura de esta garantía se iniciará el 18 de enero de 2021 y surtirá efecto desde la entrega de las obras por parte de los cedentes hasta la devolución de las mismas en su lugar de origen o en otro designado por los cedentes, con fecha límite de 6 de agosto de 2021.

Sobre la garantía del Estado

    La garantía del Estado es un sistema establecido en España y otros países a través del cual el Estado español asume el compromiso de garantizar los daños producidos a las obras de relevante interés artístico, histórico, paleontológico, arqueológico, etnográfico, científico o técnico que se ceden temporalmente para su exhibición pública a las instituciones que la normativa reguladora de la garantía específica, frente a la posible destrucción, pérdida, sustracción o daño que puedan sufrir desde el momento de la recogida de la obra en su lugar de origen hasta la devolución de la misma en el lugar designado por el prestador, incluyendo el transporte y la estancia. Se trata pues de un sistema de garantías público que opera como alternativa al tradicional seguro privado.

        Para el año 2020, la Garantía del Estado para obras de interés cultural, se regula en la Disposición adicional primera del Real Decreto-ley 17/2020, de 5 de mayo, por el que se aprueban medidas de apoyo al sector cultural y de carácter tributario para hacer frente al impacto económico y social del COVID-19.

    El otorgamiento de esta garantía del Estado no supone un coste inmediato para la Administración. Se traduce en el compromiso del Estado, para hacer frente a un pago en caso de que uno de los bienes culturales resulte dañado.

El Museo del Prado celebra su Bicentenario en Teruel con su proyecto “De gira por España”

Venus recreándose con el Amor, por Tiziano

L.M.A.

Una de las apuestas más “nacionales” del programa extraordinario de conmemoración del Bicentenario del Museo Nacional del Prado es el proyecto “De gira por España” que llega a la Comunidad Autónoma de Aragón, con el préstamo de Venus recreándose con el Amor y la Música, una obra de Tiziano que habitualmente se expone en la sala 44 del edificio Villanueva.

Diego Diz, conferencia sobre “El arte del autorretrato” en la Casa de Galicia en Madrid

Tiziano

Julia Sáez-Angulo

“El arte del autorretrato”, por el profesor de arte Diego Diz, dentro del ciclo  de clases-conferencias “Obras maestras de la pintura del Siglo XV al Siglo XX”. En la primera sesión en la Casa de Galicia en Madrid, el ponente centró su exposición en los autorretratos de los maestros Tiziano, Tintoretto y Goya.

         Los tres autorretratos de los citados pintores fueron realizados en la respectiva madurez de los artistas. Los tres son excelentes y muy distintos: el de Tiziano, de perfil, como un señor y con el collar de conde palatino. Tintoretto, como señor con pelliza, de frente y con luz cenital. Goya, con expresión de haber visto todo el horror de la guerra contra los franceses de 1908.

La próxima conferencia será el 25 de marzo.

Tintoretto

Diego Diz, gallego residente en Madrid, estudió Geografía e Historia en la especialidad de arte en la Universidad Complutense de Madrid. Máster en Historia del Arte en la Universidad de Londres y profesor de Historia del Arte en diferentes Centros y Fundaciones. Profesor, poeta. guionista, montador, productor y director de cine- Ha realizado collages cinematográficos, piezas de video, medio y largo metrajes.

Goya (1815)

        

EXPOSICIÓN Prometeo encadenado Rubens y Frans Snyders Óleo sobre lienzo, 242,6 x 209,5 cm ca. 1611 Filadelfia, Philadelphia Museum of Art Salas A y B. Edificio Jerónimos Comisario: Miguel Falomir, jefe del Departamento de Pintura Italiana y Francesa (hasta 1700) del Museo del Prado El Museo del Prado presenta “Las Furias. De Tiziano a Ribera”. Una muestra, patrocinada por la Fundación Amigos del Museo del Prado, que ilustra el nacimiento, evolución y ocaso del tema de las Furias desde su irrupción en el arte europeo, a mediados del siglo XVI, hasta finales del siglo XVII. La exposición incluye veintiocho obras, entre las que destacan un dibujo de Miguel Ángel procedente de la Royal Collection de Londres, y pinturas de Rubens, Rombouts, Glotzius, Assereto, Rosa o Langetti. El Museo del Prado aporta sus ejemplares de Tiziano y Ribera y el Ticio encadenado de Gregorio Martínez, adquirido en 2011. Todas estas obras ilustran el porqué del éxito de las Furias durante 120 años, cuando los gobernantes las eligieron como alegoría política y los pintores como un vehículo privilegiado para representar la dificultad máxima en el arte, tanto en su vertiente formal (eran enormes figuras desnudas en escorzos inverosímiles) como expresiva, como epítome de la representación del dolor.

“Las Furias. De Tiziano a Ribera” profundiza en la interpretación de la Antigüedad en el Renacimiento y el Barroco y analiza la circulación e intercambio de artistas, obras e ideas estéticas entre distintas partes de Europa durante los siglos XVI y XVII e invita a reflexionar sobre por qué ciertas formas adquieren un significado que se transmite de generación en generación. Pese a su origen clásico, las Furias aparecen como conjunto en la historia del arte en 1548, cuando María de Hungría encargó a Tiziano para su palacio de Binche, a las afueras de Bruselas, cuatro lienzos con los personajes de Ticio, Tántalo, Sísifo e Ixión identificados como los príncipes alemanes que se habían alzado contra su hermano, el emperador Carlos V, y a quienes había derrotado un año antes en Mülhberg. En España se conoció como Furias a cuatro moradores del Hades greco-latino, al que habían sido condenados por haber desafiado a los dioses: Ticio, cuyo hígado devoraba un buitre por intentar violar a una amante de Zeus; Tántalo, castigado a procurarse en vano alimento por servir a su hijo de festín a los dioses; Sísifo, condenado a portar una enorme piedra por haber delatado las infidelidades de Zeus; e Ixión, castigado a dar vueltas sin fin en una rueda por querer seducir a Hera. El título Furias es en realidad fruto de una confusión. En puridad, las Furias eran unos personajes femeninos, personificación del castigo y la venganza, encargados de velar porque los condenados en el Hades cumplieran sus castigos, pero en España, desde el siglo XVI, se conoció con este nombre a los lienzos que Tiziano dedicó a Ticio, Ixión, Tántalo y Sísifo, utilizándose desde entonces el termino Furias para designar esta temática.

Auguste Renoir, 31 obras del a Colección Clark expuestas en el Museo del Prado

L.M.A.

El Museo del Prado acoge la primera exposición monográfica dedicada a Renoir en España. La muestra presenta por primera vez en Europa 31 obras de la colección del artista conservada en el Clark Art Institute (Williamstown, Massachussets), institución norteamericana que atesora uno de los conjuntos más importantes de obras de Renoir. Gracias al excepcional préstamo de la práctica totalidad de esta colección y al patrocinio de la Fundación BBVA, el Prado mostrará durante más de tres meses, a través de ella, la amplitud y el interés de las propuestas de Renoir en los principales géneros que cultivó: el retrato, la figura femenina, el desnudo, el paisaje, la naturaleza muerta y las flores.

18 octubre, 2010.- Pierre-Auguste Renoir (1841-1919) es uno de los artistas más destacados del Impresionismo pero también un pintor muy atento a la lección de los grandes maestros del pasado, entre ellos algunos de los mejor representados en el Prado como Tiziano, Rubens o Velázquez, a los que pudo admirar en una visita que hizo al Museo en 1892. Renoir trabajó durante su vida con una absorbente pasión por la pintura que le llevó a alcanzar un gran prestigio y popularidad entre sus contemporáneos. El excelente conjunto de 31 obras del artista, las mejores entre las reunidas por el coleccionista norteamericano Robert Sterling Clark (1877-1956), fundador del Sterling & Francine Clark Art Institute (Williamstown), se mostrará por primera vez en España, en la que es la primera exposición monográfica dedicada a Renoir en este país.

El núcleo de la colección de pinturas del Clark Art Institute corresponde a un gran conjunto de obras impresionistas adquiridas por Sterling y Francine Clark a lo largo de un período de cuatro décadas. Para los Clark, Pierre-Auguste Renoir representaba la quintaesencia del impresionismo y de ahí que adquirieran más de 35 de sus pinturas, incluidas varias de sus creaciones más importantes. Entre ellas, destacan Autorretrato (h. 1875), una pintura cuyo tratamiento difiere de su habitual estilo delicado y revela, en cambio, una honda voluntad expresiva; Retrato de Madame Monet (h. 1874) en el límite entre el retrato y la pintura de género, y de pincelada fragmentada poco convencional; La barca-lavadero de Bas-Meudon (h. 1874) y El puente de Chatou (h. 1875), paisajes del mayor experimentalismo y del mejor periodo impresionista de Renoir; Palco en el teatro (1880), en la que destacan los fuertes contrastes tonales entre negros, blancos y negros alejándose de la paleta azul que había caracterizado su obra de los cinco años precedentes; Peonías (h. 1880), una de las composiciones de flores más esplendorosas del artista y un ejemplo del modo en que gustaba llenar los lienzos hasta los márgenes y evitar todo espacio abierto; Cebollas (1881), la obra preferida del señor Clark, de pincelada fluida y carácter informal pero cuidadosamente estructurada; y Bañista peinándose (1885), una de las figuras de dibujo más preciso y exquisito y el punto culminante de su superación de la técnica impresionista.

Gracias al excepcional préstamo de la práctica totalidad de esta colección que se exhibe conjuntamente por vez primera fuera del Clark Institute, la exposición permite mostrar en España la amplitud y el interés de las propuestas de Renoir a través de las etapas más destacadas de su trayectoria, entre 1874 y 1900, en los principales géneros que cultivó: el retrato, la figura femenina, el desnudo, el paisaje, la naturaleza muerta y las flores. En ellos pueden percibirse no sólo las aportaciones de su obra a la pintura de su tiempo sino también la profundidad de su vinculación con las grandes tradiciones pictóricas anteriores.
Como casi todos los impresionistas, Renoir es un artista escasamente representado en las colecciones españolas, sin presencia en ninguna colección pública excepto en la del Museo Thyssen-Bornemisza, con origen en el coleccionismo privado al igual que la del Clark Art Institute.

El Clark Institute se fundó en la ciudad de Williamstown (Massachusetts) gracias al generoso patrocinio de los Clark. Su Museo se inauguró en 1955. Comprende colecciones muy ricas y diversas, entre las que destaca la de pintura impresionista. Dentro de ésta es sobresaliente el conjunto de obras de Renoir, núcleo de esta exposición.



Catálogo

La muestra cuenta con su correspondiente catálogo en el que se publican en primicia las fichas catalográficas correspondientes al primer catálogo razonado de la colección de pintura del siglo XIX del Clark Institute, resultado de la investigación realizada por John House, destacado especialista en el impresionismo francés y en Renoir. Además, incorpora un artículo de James A. Ganz, relativo a la personalidad de Clark como coleccionista.

Régimen de acceso a la exposición

El acceso a esta exposición requerirá la adquisición de una entrada específica para la misma, cuyo coste permanecerá invariable durante todo el calendario y horario de apertura de la muestra. Esta entrada permitirá el acceso también a la colección permanente y a otras exposiciones temporales coincidentes con el calendario de apertura de Renoir. Se recomienda la compra anticipada de la entrada a través de www.entradasprado.com o del tel. 902 10 70 77 (entradas bonificadas con un descuento de 1 euro respecto a su precio en taquillas).

Actividades especiales

Con motivo de esta exposición, el Museo ha organizado un programa especial de actividades que incluye el habitual ciclo de conferencias, charlas didácticas y una visita exclusiva para jóvenes (El Prado Joven).

Programa completo disponible en páginas posteriores de este dossier y en http://www.museodelprado.es/

El retrato de Corte con armaduras desde Carlos V en el Museo del Prado

"El arte del poder"
La real Armería y el Retrato de Corte
Comisario: Álvaro Soler del campo
Museo del Prado. Madrid
Del 9 de marzo al 23 de mayo


Julia Sáez-Angulo


Una hermosa exposición en la que se pone en relación las armaduras y el retrato de Corte tiene lugar en el Museo del Prado, organizada por Patrimonio Nacional y la Sociedad Estatal para la Acción Cultural en el Exterior (SEACEX) junto a la National Gallery of Art de Washington.

Las cuatro secciones de la muestra son: “El retrato de corte y las armerías de Carlos V y Felipe II”, “La ausencia de retratos armados en la segunda mitad del siglo XVI y su recuperación con Felipe III príncipe”, “La Real Armería en la pintura de corte del siglo XVII” y “El retrato borbónico en armadura: la tradición francesa y española”.

Treinta y cinco pinturas y treinta y una piezas de la Real Armería narran la evolución y el impacto que tuvo el retrato de corte entre los siglos XVI y XVII. Entre las piezas más sobresalientes, el cuadro de Tiziano “Carlos V a caballo en Mülberg” junto a la gran armadura ecuestre del emperador

La Real Armería Española es la mejor en armaduras, obras maestras de los hermanos Negroli o de la familia Helmchmid y la Armería de Viena, la que cuenta con mayor número de piezas. Ambas son históricas frente a las que existen en otros países como los Estados Unidos, por ejemplo. Le siguen las armerías de Estocolmo, Londres, París y Bruselas, según explicó Álvaro Soler del Campo, comisario y conservador jefe de la Real Armería de Madrid.

La Real Armería Española cuenta con más de dos mil armaduras, que suman más de siete mil piezas. El gusto por la armería de parada nació en la corte de Borgoña con Maximiliano y de ahí pasó a su hijo Felipe el Hermoso y su nieto Carlos V, que fue retratado con armadura siendo niño, en un singular retrato de autor anónimo. Felipe II sin embargo se distanció del gusto de su padre y, tanto en pintura como en armería, cambió de autores.

Armaduras, tapicerías y pintura

La belleza y riqueza de las armaduras daban cuenta de la imagen del poder. No hay que olvidar que una gran armadura podía costar tres mil ducados de oro mientras que por una pintura de Tiziano tan solo se pagaban mil. Armaduras, tapicerías y pinturas, por este orden, de importancia se calculaba la riqueza artística del Emperador.

Una armadura completa puede pesar entre doce y veinte kilogramos. Las armaduras dejaron de ser sola imagen militar para convertirse en objetos deportivos de torneos o de parada. Todavía con los Borbones se llegan a ver armaduras en la pintura como en el cuadro de Fernando VI niño de Jean Ranc o el soberbio “Carlos III” de Mengs, si bien el esplendor de la Real Armería en Madrid tuvo lugar con el Emperador Carlos V (1527-1558) y su hijo Felipe II (1527-1598)

Cuentan que cuando Felipe II, entonces príncipe, nombrado rey de Nápoles para casarse con María Tudor en Inglaterra, encargó una soberbia armadura para lucir en los torneos de Hampton Court, si bien lamentablemente no ha quedado plasmada en pintura alguna.

Entre las piezas más significativas figuran la celada de parada del Emperador Carlos V (1533), la “Rodela de la apoteosis de Carlos V”, (1535-1540); la “Armadura llamada de la labor de las flores” (1550); el “Felipe II” (1550-1551) pintado por Tiziano.; el “Carlos V con una espada a la edad de siete años” (1508), o “El socorro de Génova por el marqués de Santa Cruz” (1634-35) de Antonio de Pereda. La soberbia espada de los Reyes Católicos figura igualmente en la muestra.