Museo del Prado: "El Greco y la pintura moderna", del 24 junio - 5 de octubre

EXPOSICIÓN Laocoonte El Greco Óleo sobre lienzo, 137,5 x 172,5 cm h. 1608 - 1614 Washington, D.C., National Gallery of Art. Samuel H. Kress Collection. 1946.18.1 Edificio Jerónimos Exposición organizada por el Museo Nacional del Prado y Acción Cultural Española (AC/E) Con el patrocinio de Fundación BBVA Comisario: Javier Barón, Jefe del Departamento de Pintura del siglo XIX del Museo Nacional del Prado El Museo del Prado, Acción Cultural Española (AC/E) y Fundación BBVA presentan “El Greco y la pintura moderna”, la primera exposición que, con motivo del IV Centenario del fallecimiento del Greco, aborda de un modo integral la influencia del maestro cretense en el desarrollo de la pintura moderna y a la que contribuyen los préstamos de alrededor de setenta instituciones y colecciones privadas tanto españolas como extranjeras. Una selección de veintiséis obras del Greco –de las cuales tan solo siete han participado en la ya clausurada exposición “El Griego de Toledo- se une a cincuenta y siete pinturas y veintitrés dibujos y grabados de Manet, Cézanne, Picasso, Chagall, Modigliani, Kokoschka, Pollock y Saura, entre otros destacados artistas. Un total de ciento seis obras que, junto a trece libros e impresos, ponen de manifiesto cómo la huella del Greco tuvo una especial relevancia para la evolución de la pintura en el último tercio del siglo XIX y a lo largo de buena parte del XX. L.M.A.

Mañana, 24 de junio, el Museo del Prado abrirá al público la exposición “El Greco y la pintura moderna” coorganizada con Acción Cultural Española (AC/E) que será inaugurada oficialmente esta misma tarde por S.M. la Reina.  La muestra, que cuenta con el patrocinio de la Fundación BBVA, está compuesta por un amplio conjunto de obras que evidencian la determinante influencia del Greco en el origen de la pintura moderna. Entre ellas destacan el Laocoonte y La visión de san Juan del Greco, ambas procedentes de Estados Unidos y que no han participado en la exposición en Toledo, el Entierro de Casagemas de Picassoy la versión que hizo Cézanne de la Dama del armiño del Greco, que viaja por primera vez a España. El recorrido por los ocho ámbitos de la exposición revela la complejidad y riqueza de la influencia del Greco partiendo de la fascinación ejercida por el maestro cretense en los artistas franceses más renovadores, como Manet y Cézanne, y en destacados pintores españoles, Rusiñol y Zuloaga, entre otros. Un itinerario que, también, analiza el constante influjo que ejerció el Greco sobre el protagonista y creador de las diversas corrientes que revolucionaron las artes plásticas del siglo XX, Pablo Picasso, y presenta obras de otros artistas que, a partir de su relación con el cubismo, evolucionaron hacia otras propuestas, como André Derain, Robert Delaunay, Diego Rivera y Amedeo Modigliani. La exhibición de las publicaciones que favorecieron la difusión de la obra del artista cretense - obras de Manuel Bartolomé Cossío, August Mayer, Julius Meier-Graefe y Maurice Barrès, entre otros- ofrecen al visitante el contexto del redescubrimiento del Greco. Expresionistas como Beckmann, Macke y Kokoschka; los artistas judíos vinculados a París como Soutine y Chagall; y las poéticas surrealistas de Masson y Domínguez aparecen en la muestra con obras marcadamente influenciadas por la pintura del Greco. El recorrido aborda, además, la especial relevancia del cretense en la configuración de la pintura moderna en América, donde sus aspectos más expresivos ejercieron una gran fascinación en el mexicano José Clemente Orozco y los estadounidenses Benton y Pollock. Para finalizar, la muestra explora el impulso transformador del Greco como referencia en las angustiadas figuraciones expresivas de la posguerra europea, según manifiestan las obras de Alberto Giacometti, Francis Bacon y Antonio Saura, algunos de los cuales realizaron homenajes explícitos al artista.

"MADE IN USA", ARTE AMERICANO DE LA PHILLIPS COLLECTION EN LA FUNDACIÓN MAPFRE

Fechas: Del 6 de octubre 2010 al 16 de ENERO de 2011.
Lugar: FUNDACIÓN MAPFRE. Instituto de Cultura.
Paseo de Recoletos nº 23.
Comisaria: Dr. Susan Behrends Frank, Conservadora asociada para investigación de la Phillips Collection.
Producción: Exposición organizada por la PHILLIPS COLLECTION de Washington D.C. y FUNDACIÓN MAPFRE.
WEB: http://www.exposicionesmapfrearte.com/madeinusa/


L.M.A.

La Fundación Mapfre y la Phillips Collection de Washington D.C. tienen el privilegio de presentar al público español la exposición MADE IN USA: Arte americano de la Phillips Collection. MADE IN USA rememora cien años de arte en los Estados Unidos, desde la eclosión del espíritu de modernidad a finales del siglo XIX hasta la pintura americana de la posguerra a mediados del XX. Es la primera exposición internacional itinerante dedicada íntegramente al arte norteamericano reunido en la Phillips Collection, el primer museo de arte moderno que abrió sus puertas al público en Estados Unidos. MADE IN USA brinda una extensa selección de 91obras de 62 artistas pertenecientes a esta famosa colección de arte estadounidense
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La muestra se estructura en diez secciones comenzando con algunas obras románticas y realistas, continúa con la mirada impresionista, la vida moderna, la naturaleza, la ciudad, memoria e identidad, el legado del cubismo y la abstracción, para concluir con el expresionismo abstracto americano. Por primera vez en España se podrá ver una exposición tan completa que recorra este periodo del arte americano. Entre los artistas representados encontramos a: Homer, Ryder, Whistler, Sloan, Hopper, O’Keeffe, Dove, Tack, Hartley, Davis, Avery, Pollock, Gottlieb, Still, Diebenkorn, Francis, Motherwell o Rothko.

Fundada en Washington poco después de la Primera Guerra Mundial y un decenio antes de que en Nueva York se abrieran el Museum of Modern Art y el Whitney Museum of American Art, la Phillips Collection se considera el primer museo de arte moderno de América. Aunque conocida en todo el mundo por sus obras de arte moderno europeo, la Phillips Collection ha promovido lo mejor del arte y de los artistas estadounidenses desde que abrió sus puertas en 1921. De hecho, es primordialmente una colección de arte estadounidense del siglo XX, amplia en su radio y rica en su diversidad. Sus fondos de arte estadounidense no son ni enciclopédicos ni históricos; forman una reunión de espíritus independientes, la mayoría de los cuales vivían y exponían activamente cuando sus obras se incorporaron a la colección permanente del museo. Duncan Phillips (1886-1966), el fundador, se interesaba por artistas individuales, no por movimientos. Los artistas incluidos en MADE IN USA son aquellos a los que Phillips juzgó importantes para el primer museo de arte moderno de los Estados Unidos, y cuyo arte coleccionó con entusiasmo y muchas veces con largueza.

Él mismo, en sus abundantes escritos críticos, declaró que el tipo de artista que buscaba era el de “originalidad creativa y sincera independencia”, no el fríamente intelectual o el imitador de una moda. Su colección de arte americano destaca a los artistas excepcionales que supieron encontrar su voz propia y crear una obra profundamente personal, expresada con frescura y al mismo tiempo ligada a las grandes tradiciones del pasado y el presente. Phillips pensaba que el espectador sale beneficiado al aprender a ver como ven los verdaderos artistas.

Celebrar el arte estadounidense y darlo a conocer internacionalmente fue siempre un objetivo importante para la Phillips Collection y para su fundador, que escribió con frecuencia sobre lo infravalorados que estaban los artistas de los Estados Unidos dentro y fuera del país, y que no dejó escapar ninguna oportunidad de mostrar los fondos americanos de la colección en el extranjero. La primera ocasión internacional se produjo en 1924, cuando la American Federation of the Arts solicitó ocho pinturas de la Phillips Collection para la Bienal de Venecia de ese año, la primera en la que participaron los Estados Unidos. Seis de los ocho artistas de la Phillips que concurrieron a la Bienal de 1924 se encuentran en MADE IN USA: Arthur B. Davies, Rockwell Kent, Ernest Lawson, Maurice Prendergast, John Sloan y Augustus Vincent Tack. Otras oportunidades internacionales no se presentaron hasta después de la Segunda Guerra Mundial: la Phillips prestó ocho piezas a la retrospectiva de John Marin en la Bienal veneciana de 1950, con la firma de Duncan Phillips en el tributo del catálogo a Marin, su amigo de toda la vida. Dos años más tarde los organizadores del pabellón estadounidense en la Bienal de 1952 pidieron dos obras maestras de la Phillips Collection, ambas incluidas en MADE IN USA: la Batidora de huevos nº 4 de Stuart Davis (1928) y el Llegando a una ciudad de Edward Hopper (1947)

El recorrido de MADE IN USA se inicia a finales del siglo XIX, con los pioneros cuya obra abrió el camino hacia el arte moderno en los Estados Unidos: Winslow Homer, Thomas Eakins, James Abbott McNeill Whistler y el visionario Albert Pinkham Ryder. El núcleo sobre el que se alzaba la colección cuando abrió sus puertas en 1921 eran sus fondos de impresionistas americanos como Theodore Robinson, John Henry Twachtman, Childe Hassam y Ernest Lawson, al lado de los realistas urbanos Robert Henri, John Sloan y George Luks. En el cambio de siglo esos pintores captaron el espíritu modernista en interpretaciones inéditas del campo y la ciudad. Sobre esa base edificó Duncan Phillips su colección de arte americano, respondiendo en el período de entreguerras no sólo al realismo psicológico y romántico de Edward Hopper, George Bellows, Rockwell Kent, Walt Kuhn y Guy Pène du Bois, sino también a las interpretaciones expresionistas del mundo natural debidas a los artistas reunidos en torno al fotógrafo y galerista Alfred Stieglitz: Arthur Dove, Georgia O’Keeffe, John Marin y Marsden Hartley.

Es reseñable que Duncan Phillips fuera el primer director de museo que supo reconocer la fuerza y la novedad de visión de los artistas del círculo de Stieglitz, cuyas abstracciones eran inspiradas directamente por la naturaleza; fue el primero en comprar obras de Dove y O’Keeffe para una colección museística (1926) y el primero en brindar a Marin una exposición en un museo (1929). Gracias a ese compromiso temprano y firme con aquellos artistas innovadores, Phillips y su museo fueron una fuerza esencial en el arte americano durante las décadas de 1920 y 1930. MADE IN USA muestra seis obras de Dove, cuatro de O’Keeffe, cuatro de Marin y tres de Hartley, reflejando la riqueza de los fondos del museo en esos modernistas ahora célebres que captaron el espíritu del paisaje de América y de las fuerzas naturales a través de un lenguaje subjetivo de colores y formas.

En el periodo de entreguerras poderosas voces conservadoras de los Estados Unidos reclamaban un arte autóctono vuelto hacia el interior y libre de influencias de la Europa moderna. De hecho, hizo falta un coleccionista tan valiente como Duncan Phillips para patrocinar a artistas como Stuart Davis, John Graham, Karl Knaths y otros creadores de un arte americano original inspirado por estilos modernos europeos como el cubismo.

En la mayoría de los casos Phillips fue uno de los primeros directores de museo que coleccionaron sus obras, así como fue el primero en reconocer la promesa de Milton Avery adquiriendo sus pinturas en 1929, años antes de que se le calificara como el Matisse americano. Phillips fue también uno de los pocos coleccionistas que entre las dos guerras mundiales defendieron la pluralidad artística de los Estados Unidos, comprando para su museo obras de autodidactas, artistas de color e inmigrantes. Defensor precoz y elocuente del patrimonio cultural de la nación como “una fusión de distintas sensibilidades, una unificación de diferencias”, Phillips actuó muy por delante de su tiempo, y a menudo fue el primero en adquirir obras de artistas americanos tan dispares e individualistas como John Kane, Jacob Lawrence, Horace Pippin, Yasuo Kuniyoshi y Peppino Mangravite. Veía la diversidad como un factor positivo para el arte americano y parte de su internacionalismo innato.

"MADE IN USA" se cierra con una espléndida muestra del grupo expresionista abstracto, cuyos esfuerzos por crear un nuevo lenguaje visual en la década de 1940 convirtieron el arte americano en potencia mundial. Su auge internacional tras la Segunda Guerra Mundial no podía por menos de entusiasmar a Duncan Phillips, que llevaba casi treinta años sosteniendo el estandarte. Sexagenario y septuagenario, Phillips seguía estando atento a la pintura americana contemporánea, y en 1954 escribía: “Me atraen las cualidades del arte contemporáneo precisamente porque me deleitan con diferencias tonificantes”.

Las obras aquí expuestas de Richard Diebenkorn, Adolph Gottlieb, Philip Guston, Robert Motherwell, Clyfford Still y Mark Rothko, entre otros, dan claro testimonio del carácter romántico de la nueva pintura americana de la posguerra. En los años cincuenta y sesenta Phillips mantuvo su costumbre inveterada de responder a cada obra en función de sus méritos. Su colección de pintura expresionista abstracta, en su mayor parte adquirida mientras los artistas aún estaban haciéndose un nombre, tiene el mismo sello personal que el resto de la colección.

CATÁLOGO
Con motivo de la exposición se ha editado un catálogo que contiene reproducciones en color de todas las obras, tres ensayos: uno a cargo de la comisaria Dr. Susan Behrends.
Actividades didácticas:
Visitas-Taller para colegios dirigidas a estudiantes de Educación Infantil, Primaria, Secundaria, Bachillerato y otras enseñanzas.
Información y reservas: tels. 913 232 872 y 655 19 92 23
Visitas-Taller para familias dirigidas a niños entre 4 y 14 años acompañados por sus padres u otros familiares. Talleres de pintura y de escritura. Precio: 4 € por participante

“LA NATURALEZA EN LA PINTURA” (taller de arte) Niños de 4 y 5 años
¿Será un paisaje o un jardín? ¿Una marina o una pintura campestre?
A través de juegos y exploraciones vamos a descubrir obras de arte que nos muestran diferentes formas de plasmar la naturaleza en la pintura. . Hablaremos de la importancia de la naturaleza y aprenderemos a respetarla.

Los domingos, de 10.00 a 12.00 h, durante el tiempo que dura la exposición (días 10,17, 24 y 31 de octubre, 7, 14, 21 y 28 de noviembre, 5, 12, 19 y 26 de diciembre de 2010 y 2, 9 y 16 de enero de 2011)

“LA CIUDAD MODERNA” (taller de arte) Niños de 4 y 5 años
En el siglo XIX la ciudad es uno de los temas esenciales para los impresionistas. También los artistas americanos pintan sus ciudades y todas las novedades que supone la experiencia urbana. Ven a descubrir la ciudad moderna como una nueva forma de paisaje: los rascacielos, los días de trabajo y los domingos en la ciudad…

Sábados de 10:00 a 12:00 h. (días 13 y 30 de octubre, 13 y 27 de noviembre y 11 de diciembre de 2010 y 8 de enero de 2011)
Sábados de 16:30 a 18.30 h (días 9,16 y 30 de octubre; 6, 13 y 27 de noviembre y 7 y 11 de diciembre de 2010 y 8 de enero de 2011)
Domingos durante el tiempo que dura la exposición (6 de octubre de 2010 al 16 de enero de 2011) de 16.30 a 18.30 h (días 10, 17, 24 y 31 de octubre, 7, 14, 21 y 28 de noviembre y 5, 12, 19 y 26 de diciembre de 2010 y 2, 9 y 16 de enero de 2011).

“SUPERHEROES Y SUPERVILLANOS” (taller de escritura) Niños de 8 a 12 años
El arte norteamericano del siglo XX ha legado a la cultura un conjunto de formas y colores libres, con ritmos muy sugerentes. Los niños y los adultos inventarán en el taller de escritura personajes hiperbólicos al modo de los superhéroes e historias vivas y trepidantes inspirados en esas formas sugestivas e hipnóticas de Calder, Pollock o Hopper.

Sábados de 10.00 a 12.00 h. (Días 9 y 23 de octubre, 6 y 20 de noviembre, 4 y 18 de diciembre de 2010 y 15 de enero de 2011)

“DE LA REALIDAD A LA ABSTRACCIÓN” (taller de arte) Niños de 12 a 14 años
Descubriremos los inicios de la pintura abstracta. Partiendo del cubismo y la geometría tendremos la oportunidad de revisar las obras de grandes artistas americanos para entender la abstracción de Jackson Pollock, Robert Motherwell o Mark Rothko.

Sábados de 16.30 a 19.00 h. (días 23 de octubre, 20 de noviembre, 18 de diciembre de 2010 y 15 de enero 2011)

AUDIOGUÍAS

FUNDACIÓN MAPFRE contará en esta exposición con un servicio de:
Audioguías en español e ingles, así como un servicio de:
Audioguías con audiodescripicion, cuyo guión y producción es elaborado específicamente para usuarios con discapacidad visual, cuya finalidad es lograr la mayor autonomía posible dentro del recinto y el uso de técnicas de descripción para transformar las imágenes en explicaciones sonoras.
Signoguías, dispositivo portátil multimedia equipado con una pantalla que reproduce un vídeo en el que se explica las obras seleccionadas de la exposición mediante la lengua de signos y subtitulado.

WEB

Con objeto de ampliar los contenidos de la exposición y hacer accesible al público general esta muestra, FUNDACIÓN MAPFRE ha desarrollado una página web monográfica sobre la misma. Desde la dirección http://www.exposicionesmapfrearte.com/madeinusa/ los internautas podrán conocer los conceptos artísticos más importantes que se plantean en esta exposición y sus obras más destacadas, realizar un recorrido virtual de alta calidad por todas las salas o escuchar los comentarios de los especialistas. Asimismo, se podrá consultar un extracto del catálogo y acceder a la información sobre los talleres y visitas para personas con y sin discapacidad.

También se presentará la exposición en el nuevo portal educativo Enredarte http://www.enredarte.com/, en el que se despliega un programa educativo online asociado a exposiciones de arte de diferentes instituciones, museos y fundaciones en España y Latinoamérica. El portal surge como una gran herramienta interactiva que FUNDACIÓN MAPFRE ofrece a la comunidad educativa, abarcando una serie de recursos multimedia sobre arte que constituyen una importante experiencia educativa online, accesible desde el aula o el hogar, individualmente o en grupo.

Lidia Buente, Visión de la Vida a través del Arte como lenguaje

Julia Sáez-Angulo



Lidia Buente, artista argentina residente en Madrid, estudió en la Escuela de Arte Beato Angélico de Buenos Aires la especialidad de pintura; grabado calcográfico en talleres de Madrid y fotografía artística y publicitaria en el estudio de Ricardo Arias. Ha sido seleccionada en numerosos concursos de arte, participado en ferias especializas y ha expuesto recientemente en la galería Pilares de Cuenca.


-¿Qué obra va a llevar a sus próximas exposiciones?

Son piezas muy relacionadas con la naturaleza, donde la mancha y el color, las luces y las sombras alternan a veces con imágenes fotográficas creando un contrapunto que acompaña la lectura de la obra.


-¿Qué concepto bulle detrás de su trabajo?Es una forma de exteriorizar sensaciones y sentimientos, mi visión de la vida. Es la manera de transformar la energía interior en algo palpable, visual, a lo que me puedo enfrentar y así establecer un diálogo entre lo real y lo imaginario. Ante un lienzo en blanco vuelcas mucho de lo que llevas dentro, es un alegato a la libertad, que te ayuda a conocerte y a su vez a comunicarte con los demás. No es un trabajo reivindicativo, pero en cada pieza intento reflejar un poco de mi particular sentido de la belleza y poder compartirlo con otras miradas.


-¿Por qué la Abstracción?

Porque representa la fuerza de la esencia del color y de la forma. La impresión visual, que es lo primero que nos conmueve, te llega al alma antes que toda idea o lectura intelectual, como la música, llega y te invade.


-¿Qué le mueve a uno u otro color?
Utilizo el color que siento, es una cuestión de piel.


-¿Quienes han sido sus maestros principales en pintura?

Maestros... de todos aprendí, de los de Argentina, en la Academia de Arte Beato Angelico y de los de España y del fotógrafo Ricardo Arias, quien fue mi pareja y me enseñó a observar y a apreciar la belleza de la luz, del volumen y la composición en cada encuadre; la belleza de una mancha de humedad en una pared, o de las grietas de la corteza de un árbol.

-¿Quiénes sus maestros históricos?
Los clásicos, por supuesto, y algo especial por Klee, Zao wou-ki, Pollock, Rauschenberg, y una larga lista.

-¿Qué museo es su preferido?

En todos los museos que he visitado siempre he encontrado obras que me han sorprendido, pero en el Prado y en el Reina Sofía me siento como en casa, me gusta pasearme por sus pasillos arropada por sus cuadros, especialmente en esos días de poco público, me llena de paz.


-¿Qué exposición de esta temporada le ha interesado más?
La serie de Antonio Saura “Damas, desnudos, curas y cópulas, expuesta en la galería La Caja Negra, ha sido una de ellas.


-¿Qué libro de arte recomendaría?

Un libro muy pequeño “El elogio de la sombra” del escritor japonés Junichiro Tanizaki que reflexiona sobre la diferencia entre el mundo oriental y el occidental en el uso de la luz y de la sombra, para mí es una verdadera “joyita”.

-¿No se lanza a la escultura?

Me ha tentado muchas veces, es mi asignatura pendiente, pero de momento entre la pintura y el grabado no tengo tiempo para más, ya llegará la oportunidad.


-¿Qué virtudes y vicios ve en el circuito artístico?
No me atrevo a hablar de virtudes y vicios, pero si creo que existe, algunas veces un fuerte sentido comercial que va en detrimento de la creatividad, siento como si estuviéramos viviendo un momento de espera, no veo surgir nada que me haga vibrar.

-¿Cómo se afronta la crisis?

En mi caso no perdiendo mi ritmo de trabajo, yendo todos los días al taller y aprovechando para investigar y experimentar.