sábado, 28 de mayo de 2011

Francisca Blázquez, Pintura dimensionalista en el Instituto Egipcio de Madrid




Francisca Blázquez
Instituto Egipcio de Estudios Islámicos
(Francisco de Asís Mendez Casariego, nº 1,
intersección con Paseo de la Habana, 40).
28002 Madrid. Tel.: 91 5639468.
Horario: Lunes a viernes de 10.00 a 15.00 horas
y de 16.30 a 20.30 horas.
Sábados de 10.00 a 13.30 horas.
Mayo, 2011




L.M.A.
Francisca Blázquez, creadora plástica nacida en Madrid, expone en el Instituto Egipcio de Estudios Islámicos de Madrid del 12 al 30 de mayo de 2011. La inauguración tuvo lugar el pasado día 12. El crítico de arte Joan Lluís Montaner escribe:


"La autora del Dimensionalismo en 1998, indaga en la investigación cósmica, etérica, átmica, espiritual, cristalográfica, la dimensión del amor, espacial y galáctica, entre otras. El resultado es una obra que viaja a través de diferentes dimensiones, que fluye de adentro hacia afuera, de arriba hacia abajo, que busca la intensidad vibracional en lo que es tanto si es por sí mismo como si existe como efecto de causa.

Elabora formas que son a modo de geometrías espirituales energéticas meditadas, a veces de extraordinaria factura, casi imposibles por su perfección; en ocasiones, fantásticas y galácticas, también alegóricas y simbólicas, con conexiones dimensionales superiores y espirituales. De esta manera exhibe vibraciones que nos recuerdan alegorías de entes, seres, devas, ángeles, figuras, muchas veces, sobre todo, abstracciones de energías puras, de los siete colores, de los siete rayos cósmicos, de la luz platino que está llegando a la tierra. También nos presenta construcciones que poseen una determinada apariencia pero que, en realidad, son la expresión de un determinado estadio de meditación o también producto de lo espiritual en grado natural.

Expresa la iluminación y sus circunstancias, porque considera que todo lo que existe es parte de un todo inteligente que posee funciones compatibles. Aunque no conocemos el universo en detalle, en realidad, todo está ahí, fuera y dentro, en nosotros y en el todo.

Cada dimensión tiene sus propios códigos, formados por la determinación vibracional, concentración diversa de energías que configuran la faceta visible que la artista refleja.

Realmente lo que quiere comunicarnos la creadora nacida en la capital de España, es que la vida es compleja, multidimensional y fantástica en todos los órdenes, de ahí que no sea solo biología, sino el desarrollo de todo lo que hay visible e invisible en las diferentes dimensiones.

Con más de 377 exposiciones individuales y colectivas en 17 países de tres continentes, la creadora multidisciplinar e interdisciplinar madrileña, esencialmente pintora, pero también autora de escultura, joyería, animación digital, instalaciones, dibujo, grabado, performances, video creación, danza experimental y arte interactivo, aporta al arte actual armonía entre la ciencia y la espiritualidad.
Su obra se halla representada en las mejores colecciones del mundo: Fundación Newman de Chicago, Fundación Argentaria de Madrid, JJ.00. de Pekín, Museo Marugame Hirai de Japón, Círculo Artístico de Venecia, Platinum Collection, Grupo Dúplex, Eurodesign, Bolsa de Comercio de Buenos Aires, 200 empresas suizas, Unión de Bancos Suizos, Corporación Bancaria Suiza, Museo Arte On, Ayuntamiento de Marbella, Casino de Marbella, Ayuntamiento de Burgos, etc.

Además participa en las principales ferias de Europa, entre ellas Colonia y ARCO.
Francisca Blázquez es una creadora que ama la belleza, que transmite contemporaneidad sin necesidad de renunciar a su propia idiosincrasia, permitiéndonos contemplar la trascendencia de lo espiritual desde una actitud de hoy.



Más información www.franciscablazquez.net

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José Félix de Vicente explica la capilla de San Ginés de Madrid





Julia Sáez-Angulo


La madrileña Real Parroquia de San Ginés es una de las iglesias más antiguas de Madrid y como templo sagrado figura en la ruta de arte que, personas del voluntariado Cultural “Anima Artis”, dependiente de la Fundación Félix Granda, muestra cada sábado a los visitantes. “Anima Artis” que prepara la Ruta Sacra para la Jornada Mundial de la Juventud, JMJ, con el papa Benedicto XVI, los días 14 y 15 de agosto de este año.

Elisa Sáez de Slöcker era la presentadora de este sábado 28 de mayo, pero la presencia de don José Félix de Vicente, director general de Cultura del Obispado de Madrid, enriqueció las explicaciones de la visita, en la que estuvieron presentes: María Eugenia Martínez, directora de la Tertulia Ilustrada de Madrid, Miguel Fernández Pineda y Julia Sáez-Angulo.

Don José Félix de Vicente Rodríguez hizo un recorrido por la historia de la iglesia de san Ginés, de la que constan referencias documentales ya en el siglo IX. La primitiva construcción es de estilo mudéjar, de la que solo queda el campanario. La estructura actual corresponde a la reforma de 1645; en la posterior intervino Juan de Villanueva. Se trata de una planta basilical de tres naves.

El retablo cuenta con el gran cuadro “El martirio de san Ginés”, obra de José San Martín, copia del original de Francisco Rizi. La iglesia cuenta con el último cuadro del Greco, “La expulsión de las mercaderes o la Purificación del Templo” (1614), del que Sáez de Slöcker hizo una extensa exposición al destacar el manierismo de las figuras y el simbolismo de las mismas. Esta obra, celosametne guardada, se muestra a los visitantes cada sábado a las 11,30 de la mañana.

Otros cuadros relevantes

Alonso Cano, Corrado Giaquinto y Antonio de Pereda son otros artistas, relevantes autores de los cuadros situados en la Real Capilla del Santísimo “una pequeña capilla sixtina del siglo de Oro en Madrid”, visitada en su día por Felipe IV y su Corte. En el baptisterio se encuentra la “Anunciación”, copia exacta del original de Tiziano, que se conservan en la iglesia de san Domenico Maggiore en Nápoles. Algunos sostienen que el cuadro madrileño es el original.

El Cristo Crucificado de Alfonso Giraldo Bergaz (1744-1812) destaca en el retablo mayor de la Real Capilla, diseñado por Sebastián Herrera Barnuevo. Se trata de un Crucificado vivo por cuanto tiene los ojos abiertos y no ha sido atravesado todavía por la lanza de Longinos. Este es el Cristo pintado por Goya en lienzo, que figura en el museo de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando en Madrid.

“El Salvador” (1655) del pintor madrileño Antonio de Pereda (1611-1678) es otro cuadro digno de destacar porque representa con gran maestría a Cristo Resucitado, en plena majestad, en una soberbia composición en la que se define el espacio pictórico con la proyección de la sobra de la figura en el suelo, así como una delgada línea para delimitar el suelo de la pared, recurso que habría de ser empleado por Diego Velázquez más adelante.

Hermosos igualmente los cuadros de los arcángeles, también pintados por Pereda como mediadores de la gracia: Barachiel y Seatiel con signos de alabanza y adoración a Dios

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Senda Cultural y Artística de la Sierra Norte de Madrid



Obra de Andrés  Puig

Julia Sáez-Angulo



     28.05.11 .- La Cabrera. Madrid.- Los escultores integrantes del proyecto “Senda Cultural y Artística Sierra Norte” se han reunido en la Fundación Andrés Puig, con sede en Valdemanco, para ultimar detalles antes de los meses de julio y agosto en que comenzará la itineraria de las obras por los pueblos de Bustarviejo, Valdemanco y La Cabrera. En el proyecto participan los citados municipios y la Comunidad de Madrid. En noviembre la exposición de esculturas se expondrá en la localidad de Rascafría.

Los artistas participantes son, además de Andrés Puig: Pedro Morillo, Gabriel Sánchez Muñoz, Enrique Silván Pobes, Manuel Moreno, Agustín Sanz de la Fuente, Antonio Sánchez, Federico Eguía, Hades Puig, Miguel Santana y Roberto Candueta. Las piezas son en su mayoría de hierro reciclado y/o pintado, piedra y ensamblajes.

En el encuentro estuvieron también otros artistas como José Agulló, Rosaura Serrano, Lina Mayo, Consuelo Griñón, la arquitecta Marta Hidalgo y María Jesús Solo Alonso, viuda del escultor Jesús primo. La directora de la Fundación Alejandra Martín Pavón dio la bienvenida a todos.

La Fundación Andrés Puig prepara igualmente sus jornadas de puertas abiertas los días domingo, 24 de julio y sábado, 3 de de noviembre. Los visitantes podrán conocer las obras del pintor-escultor Andrés Puig in situ, donde estará presente el artista y miembros del patronato de la Fundación.


Andrés Puig hizo una presentación privada de su pintura de la serie “Serengueti. La llanura interminable” a los asistentes e invitó a los artistas a participar en el libro de firmas de la Fundación.

La citada Fundación Andrés Puig se creó para el fomento, promoción, desarrollo y difusión de las Bellas Artes. Por ella han pasado numerosos artistas, en especial latinoamericanos. El próximo mes de noviembre se presenta una primera muestra colectiva de artistas latinoamericanos en el Centro Cultural Martín Chirino de San Sebastián de los Reyes, en la que participan artistas de los diversos países de América Latina.



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viernes, 27 de mayo de 2011

Paco Sainz presenta su nueva página Web con 300 esculturas



Escultura de Paco Sáinz


Julia Sáez-Angulo

El escultor vasco, Paco Sáinz Regidor, residente en la localidad de Ahillas, situada en la sierra de Valencia, vecina con Teruel, ha presentado su nueva página Web http://www.pacosainz.com/ a coleccionistas, críticos de arte y otros medios de la cultura, en la que muestra unas trescientas esculturas llevadas a cabo a lo largo de su trayectoria artística.

Paco Saínz (Portugalete. Vizcaya, 1964) ha sido el dinamizador fundamental de la colonia de artistas que se ha ido estableciendo paulatinamente en la aldea de Ahillas, dependiente del pueblo de Chelva (Valencia) y que celebra cada año por pascua de Resurrección una gran exposición de arte, acompañada de diversos eventos culturales. El escultor prepara actualmente dos exposiciones para el País Vasco, una de ellas en Portugalete, su localidad natal.

El escultor que trabaja en piedra, madera, hierro, cristal y bronce –en su propia fundición- organiza su trabajo por series: mitos, cabezas, manos, madonas, toros y lunas. Las piezas abarcan más de dos décadas.

Entre los mitos propuestos por Paco Saínz en su escultura destaca el personaje de la mitología griega, “Prometeo”, como el hombre rebelde que robó el fuego a los dioses para los hombres y tuvo que pagar con el castigo de su encadenamiento tamaña transgresión.




El toro, animal totem y símbolo mediterráneo

El toro como animal tótem y símbolo de todo el Mediterráneo, lo aborda el escultor vasco desde diversos ángulos, entre otros con la luna, siguiendo los versos del poeta andaluz Federico García Lorca. “El toro y la luna” es una de sus piezas más singulares en este campo.

Soberbia su serie de cabezas humanas, muchas de las cuales emergen en bronce de la piedra o la madera. El expresionismo de estas cabezas resulta a veces sobrecogedor. Saínz disfruta con las distintas texturas de la piedra, los mármoles, las maderas, sobre todo con la sabina... Utiliza con frecuencia materiales del lugar. La naturaleza circundante es siempre motivadora e inspiradora de su trabajo.

Las pequeñas mariposas fundidas en bronce son un elemento sostenido últimamente en buena parte de las esculturas del autor vasco. Según el “Diccionario de símbolos” de Juan-Eduardo Cirlot, entre los antiguos, la mariposa “era el emblema del alma y la atracción inconsciente hacia lo luminoso”. Saínz las utiliza profusamente saliendo de diversas cabezas y otras formas.

Paco Sáinz, que hizo estudios de arquitectura técnica y topografía, estudió Bellas Artes en Valencia, amplio campo con la orfebrería y talla de la madera en los Estados Unidos. Algunas de sus esculturas tienen el tamaño y la intensidad de las joyas, lo que da idea de la versatilidad de este escultor, que acoge todos los registros y escalas en su trabajo artístico.



Más información http://www.pacosainz.com/



Francisco Molina Montero, Homenaje a su trayectoria artística




L.M.A.


Su cotizada pintura es ágil, expansiva, fronteriza entre la figuración y la abstracción, resuelta en técnica mixta de temple de huevo, óleo y collage. Francisco Molina Montero (Torreperogil, Jaén, 1962) ha recibido un homenaje en la Casa de Ávila de Madrid, al que asistieron numerosos personajes, artistas y escritores del mundo de la cultura.

Roberto Llorente, secretario de la institución hizo la presentación en nombre del presidente Agapito Rodríguez-Añel; la galerista y crítica Rosa maría Manzanares valoró la trayectoria del artista y la crítica de arte, Julia Sáez-Angulo comentó las características más relevantes de la obra pictórica de Molina Montero.

En el acto estuvieron presentes, además de diversos alumnos del profesor Molina Montero, otros artistas como Juan Alcalde, José Carralero, Francisco Arnás, Eugenio López Berrón, Mercedes Ballesteros, Gloria Vázquez, Pablo Reviriego, Rosa Moreno de Castro, así como Elisa Sáez de Slöcker, experta en arte sacro, María del Carmen Martínez, el poeta Félix Sánchez...

La conferenciante puso de relieve el paisaje y los bodegones como géneros predilectos de Molina Montero por encima de la figura humana, al que alabó el arabesco de su firma. Destacó sus composiciones en claroscuro, no en balde el autor ha pintado un homenaje a Caravaggio, así como a los bodegonistas holandeses Willem Claesz, Osias Bert y Van Ryck. “Me interesó el simbolismo de los objetos y manjares seleccionados por ellos, porque guardan un significado concreto sobre el bien y el mal”, aclaro el pintor en la tertulia final del acto.

Una pintura que vela y desvela las formas

La pintura de Molina Montero es personal, con una grafía propia identificable, que describe la poética de las cosas con una representación creativa de la realidad. No se limita a calcar la naturaleza o el bodegón organizado previamente como modelo, sino que lo reinterpreta libremente en el cuadro. Este autor no transcribe lo real sino que lo sugiere”, concluyó Sáez-Angulo. “Una pintura que vela y desvela las formas al mismo tiempo”.

“Se trata de una pintura refinada en la interpretación y descomposición de las formas; en sus colores y transparencias. Una pintura que no fatiga porque en su energía guarda siempre el equilibrio y armonía cromáticos a base de cobaltos, amarillo cadmio, rosa naranja coral, acentos de carmín junto a blancos y negros que le permiten los claroscuros. Su pintura es libre como el simple y audaz recuerdo de la forma”, concluyó la conferenciante.

Francisco Molina Montero es profesor generoso en su Taller del Prado, donde se lleva a cabo la estampación de numerosos grabados de grandes artistas como Juan Alcalde, Manolo Oyonarte, Eduardo Naranjo y los suyos propios, con una técnica que no intoxica y no agresiva como en el pasado, producto revelación de hace unos años.

“No se necesita cambiar mucho de repertorio para hacer pintura, sino hacer variaciones sobre un mismo tema”, dijo el pintor durante la tertulia final, en la que fue muy aplaudido.



FUNDACIÓN MAPFRE ORGANIZA EL CICLO DE CONFERENCIAS “EUGÈNE ATGET Y LA FOTOGRAFÍA DOCUMENTAL”




L.M.A.



Coincidiendo con las primeras semanas de la exposición Eugène Atget -El Viejo París- FUNDACIÓN MAPFRE organiza del 30 de mayo al 8 de junio el ciclo de conferencias Eugène Atget y la fotografía documental.

Con la presencia de historiadores de la fotografía, comisarios, conservadores y otros destacados especialistas de todo el mundo, este ciclo, dirigido por Carlos Gollonet, comisario de la exposición, analiza la obra del fotógrafo francés y su influencia a lo largo de la posterior historia de la fotografía.

La exposición Eugène Atget -El viejo París- presenta por primera vez en Madrid la obra de este fotógrafo francés. En sus fotografías de París encontramos al mejor Atget, aquel que nos muestra una ciudad alejada de los tópicos de La Belle Epoque. Las imágenes del "Viejo París" nos muestran zonas que no se habían visto afectadas por la renovación arquitectónica definida por el barón Haussmann. Son calles y edificios despoblados, detalles que suelen pasar inadvertidos, encuadres austeros y originales, un retrato colectivo y misterioso de la ciudad.

Lunes 30 de mayo
Atget, en el origen de la fotografía documental
Carlos Gollonet (Comisario independiente, asesor de Fotografía de FUNDACIÓN MAPFRE)

Martes 31 de mayo
Apuntes para entender la fotografía documental en España
Pep Benlloch (Director del Máster en Fotografía y profesor titular de la Universidad Politécnica de Valencia)

Miércoles 1 de junio
Hacia una definición del documentalismo: la búsqueda de los primeros modelos
Alison Nordstrom (Conservadora de Fotografía y Directora de Exposiciones de la George Eastman House, Rochester)


Jueves 2 de junio
Fotografía documental y antidocumental en el París de los años 30
Michel Frizot (Director de Investigación del CNRS, profesor de Historia de la Fotografía en la Université Paris-Sorbonne, Paris IV, y en la École du Louvre)

Lunes 6 de junio
Walker Evans, fotógrafo del hambre
Luc Sante (Profesor Visitante de Escritura e Historia de la Fotografía en Bard College, Annandale-on-Houston, Nueva York)

Martes 7 de junio
New Documents y la reinvención del estilo documental
Peter Galassi (Conservador Jefe del Departamento de Fotografía del Museum of Modern Art, MoMA, Nueva York)

Miércoles 8 junio
El dilema de lo documental (tendencias fotográficas desde 1975)
Frits Gierstberg (Conservador de Fotografía y Director de Exposiciones del Nederland Fotomuseum, Rotterdam)

Todas las sesiones comienzan a las 19:30 h.
Entrada libre. Aforo limitado

jueves, 26 de mayo de 2011

Gabriel Celaya, “Vivir es fácil”, antología de poemas publicada por Edelvives



“Vivir es fácil”
Antología poética
Gabriel Celaya
Selección: Felipe Juaristi
Ilustraciones: Rebeca Luciani
Editorial Edelvives



Julia Sáez-Angulo



Fue un poeta reivindicativo y social. Gabriel Celaya (Hernani, Guipúzcoa, 1911 - Madrid, 1991) es autor prolífico de un centenar de obras entre poesía, teatro y ensayo. Durante la resistencia al franquismo, se le aplaudió como al gran vate. Al final de sus días vendió su biblioteca al Estado por trece millones de pesetas que consumió en poco tiempo y al su compañera Amparo Gastón y él volvieron a reclamar ayuda institucional. “Vivir es fácil” es la antología de poemas publicada por Edelvives.

La selección de poemas del libro, editado en pasta dura, ha corrido a cargo del también poeta Felipe Juaristi (Aizkoitia, 1957), que ha ordenado los versos en cinco campos temáticos: Canciones y Cantares; El hombre; La tierra; La vida, y El mar. Las ilustraciones de Rebeca Luciani (La Plata, Argentina, 1976) son de una gran simplicidad y acierto.

Juaristi comienza su introducción diciendo que Celaya fue el poeta que supo cantar al País Vasco (¿?) desde la lengua castellana. Celaya es ciertamente un poeta universal, que también supo hablar de su nacimiento y raíces. “Fue una persona que rebuscó en las honduras de la realidad para sacar, a la luz y al aire, aquello que podía definirla. Miraba a los poetas del Sur, de verbo fácil y dulce, de andar cadente y melodioso. Desconfiaba; pensaba que la facilidad de palabra y retórica fluida, el verso ligero, son instrumentos de huida y no de acercamiento y aproximación al objeto poético, para entenderlo y tomarlo, aunque sea de préstamo”, se dice en la introducción.

Cantar como esencia del ser

Entre los libros de Celaya destacan: Marea del silencio (1935); La soledad cerrada (1947); Movimientos elementales (1947); Tranquilamente hablando (1947) (firmado como Juan de Leceta); Las cosas como son (1949) Las cartas boca arriba (1951) ; Lo demás es silencio (1952) ; Cantos Íberos (1955) ; Campos semánticos (1971) e Itinerario poética (1973).

“Tarde malva y oro/ bajo el cielo blanco. / Por el pinar/ se ha ido cantando”, dice la primera estrofa de uno de los poemas de Celaya seleccionados. Continua: “¡Qué soledad! ¡Oh, qué altura/ sobre el ancho campo!/ Por el pinar vuela un pájaro. / La tercera y última estrofa dice: Tarde, tarde temprana, tarde de mayo. Por el pinar/ vuelve llorando”.

Para Celaya cantar y hacer poesía es lo mismo “el primer actor del ser”, señala la introducción. Cantar “es como tocar el timbre de la puerta de la existencia y luego adentrarse a través de un laberinto poblado de risas y llantos. El camino siempre es largo desde la melodía, pero amistoso”.

Celaya es mucho más que el simple representante de la poesía social de posguerra. Fue un poeta ambicioso y saboreador de la vida.