Marcos Giralt Torrente, bella escritura en “Tiempo de vida”

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Tiempo de vida”
Marcos Giralt Torrente
Editorial Anagrama
Barcelona, 2010 (200 pags)





Julia Sáez-Angulo


Escribir narrativa sobre el padre o la madre que ha fallecido es siempre una tentación temática para el escritor. No siempre resulta fácil abordarlo porque está en la entraña del autor, pero sirve como catarsis y reto literario al mismo tiempo. Marcos Giralt Torrente (Madrid, 1968), nieto del escritor Gonzalo Torrente Ballester ha logrado un hermoso libro, “Tiempo de vida”, donde recuerda la existencia del padre tras su muerte. Su gran logro está en el estilo y tono de la escritura que lo hace cercano e interesante para el lector. Ha sabido distanciarse lo necesario para no hacer memoria sentimental sino literatura.

Marcos Giralt informa al comienzo del libro sobre los distintos autores que han intentado narrar la muerte de sus progenitores o parientes cercanos: Albert Cohen, Paul Auster, Richard Ford, Philip Roth, Naipaul... También lo hizo la académica Soledad Puértolas en “Con mi madre”, libro publicado por la misma editorial Anagrama.

La figura del padre, que se va perfilando a lo largo de la lectura de “Tiempo de vida”, es la perfilada por el autor a lo largo del tiempo, desde la infancia del hijo hasta el fallecimiento del progenitor, haciendo incursiones en los orígenes de abuelos y bisabuelos, para ilustrar sobre antecedentes, sin caer en el psicologismo excesivo de la relación causa-efecto.

Un pintor importante y respetado

El padre del autor no es otro que el pintor Juan Giralt (Madrid, 1940 – 2007), casado con Marisa Torrente Malvido. Un artista respetado y considerado en el medio artístico, aunque no tuvo todo el reconocimiento institucional que mereciera –esto suele pasar con frecuencia. Pero el libro de su hijo no focaliza tanto la mirada en la obra plástica del pintor sino en la relación personal entre ambos, no siempre plácida o fácil, incluso conflictiva en algunos períodos de sus vidas. La rebeldía juvenil es siempre la más complicada y Marcos Giralt Torrente dice que se hizo escritor, no por su abuelo, Premio Cervantes, sino por llevar la contraria a su padre pintor. De hecho, cuando era niño dibujaba y pintaba con su padre en el taller de éste, pero hizo derivar su afición por otro lado.

El autor de “Tiempo de vida” –buen título- no denomina a las personas ni las singulariza con detalles concretos o realistas de identificación inmediata en Madrid, por ejemplo, donde su padre expuso en algunas notables galerías de arte. Lo que le interesa en su escritura es el deslizamiento de la vida común entre padre e hijo, la escritura que cuenta los hechos, sentimientos y emociones de alguien que siente la pérdida y necesita recopilar los momentos del pasado con sus luces y sombras, con responsabilidades o culpas difícil de achacar en el río de la vida que no cesa. El autor describe no solo su propia posición sino la intuida del padre, que ahora explicita en la escritura del libro.

Giralt Torrente es una joven promesa entre los escritores españoles. Recientemente ha ganado un concurso de cuentos convocado por la asociación de productores de la Ribera del Duero. No queda sino esperar la siguiente publicación de este autor.

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Ginés Liébana, pintor y poeta: “La pintura siempre es literaria"

Ginés Liébana

Julia Sáez-Angulo

Ama el Barroco con todas sus fuerzas, está convencido de que es el período de mayor esplendor del arte en España, por eso el pintor y poeta Ginés Liébana (Torredonjimeno, Jaén, 1921) –cordobés de educación y corazón- respeta y continúa aquel espíritu en su pintura del siglo XXI.

“He mantenido el Barroco y su liturgia; donde no existe la tradición todo es copia. Me gusta sorprender y huir el tópico. Juego con el absurdo porque me aburre el tópico”, dice el artista.

El lenguaje de Ginés Liébana es la figuración, en la que aparecen figuras aladas y personajes singulares, peces... dentro de paisajes, celajes y arquitecturas fantásticas. “Para los cordobeses San Rafael y los ángeles son algo muy querido, explica el pintor, al tiempo que muestra la continuidad de unos cuadros con otros, “algo curioso y casual, no buscado, que me sugiera la idea de exponerlos todos juntos para contemplar esa coincidencia”.

El autor se ríe cuando lee que su pintura es literaria. “Toda la pintura es literaria y eso lo explicó muy bien Cesar González Ruano, al que hice tres retratos y yo llevaba en mi coche a Cuenca donde pasaba el verano. La abstracción siempre necesita más literatura que la figuración para explicarse”.

“En los años 60 y 70, cuando el grupo El Paso y la abstracción reinaba, resultaba muy duro mantenerse en la figuración, pero yo estuve firme en mis propósitos, aunque me ignorasen los manchegos (se refiere a Antonio Gala y a Francisco Nieva).

Retratos de González Ruano y Federico García Lorca

El capítulo de retratos constituye una buena galería en su estudio, dentro de su residencia madrileña, y allí se pueden contemplar los rostros de un joven Antonio López, César González Ruano, Federico García Lorca; Sara Montiel... “De vez en cuando acepto encargos, pero los tomo con calma y a veces tardo más de dos años”, dice Liébana.

Trabaja en varios cuadros al mismo tiempo, porque a veces le gusta detenerse y pasar a otro. “Hay cuadros que me hago de una tacada de cuatro horas, como ese rostro que hice el otro día”.

Se confiesa un trabajador empedernido que pinta sin cesar y que cuando descansa va a su cuaderno de notas, reflexiones y poemas, donde vierte sus conceptos y juegos de lenguaje. Ginés Liébana tiene en su haber más de quince libros que acogen teatro y poesía fundamentalmente.

Hombre sociable y de larga trayectoria h merecido las medallas de Oro de Andalucía y de Córdoba, y le sorprende un tanto la desatención institucional en Madrid, ciudad donde vive. Su casa, no lejos de la Plaza de Castilla, ha sido sede de encuentros y tertulias culturales donde se hablaba de arte, literatura, teatro, música... “de humanismo”, concluye Liébana.

Por esos encuentros han pasado Carmen Laffon, Antonio López, Lucía Bosé, Francisco Umbral, Eduardo Haro Tecleen, Rafael Alberti, Luís Rosales... Recuerda como Umbral llegaba y succionaba energía de inmediato. “He retratado a algunos de ellos y guardo unos ciertos retratos”.

Personaje singular, Ginés Liébana se admira de que España haya dado dos genios tan grandes en la pintura del siglo XX: Picasso y Dalí. “España es un país que da grandes figuras individualistas como Velázquez, Goya o Buñuel”.

Poeta de buenos registros

Como poeta reconoce que leyó mucho a Juan Ramón Jiménez siendo niño y que ha bebido del flamenco. Recita algunos poemas inéditos y de ellos se escapan versos como “el cielo no daña el amarillo de la hoja” o “el olor asesino muestra su desamparo”.

“Tuve suerte al nacer en 1921, porque conocí Andalucía y, sobre todo Córdoba, con una belleza sobrecogedora. El desarrollo y el turismo han roto aquella estampa”. El pintor asegura que la fonética andaluza es mejor y más suave que la castellana, “la acerca al italiano y al francés”.

Ginés Liébana sigue leyendo versos: “Arranca el aguijón de la tristeza/ que es manjar pastueño” o “Duele la dureza del carazo que hay en ti/ y debo defenderme”. Otros poemas hablan de un “pájaro parado” o de “sombras tostadas”. Algunos de sus versos resuenan como aforismos o greguerías. El humor no está ausente de muchos de ellos.

El artista andaluz pinta, escribe y saborea la vida. Trabaja la pintura en formatos medianos y pequeños porque desea que llegue a todo el mundo y “no sólo a los museos o a los millonarios que llenan sus casas con grandes formatos”.

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Cirilo, Metodio y Vaptzarov, personajes históricos búlgaros en el teatro de Muñoz Hidalgo

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El saber y la renuncia”

“Nikola Vaptzarov. El surco sangriento”

Manuel Muñoz Hidalgo

Teatro. Edición Trilengüe

Traductor al inglés: Carol Piñeiro

Traductor al sueco: Carl Friedrich Gildea

Editorial Ñaque

Madrid, 2011 (139 pags.)

Julia Sáez-Angulo

Tres personajes históricos de Bulgaria, aparecen en las dos últimas obras dramáticas del escritor Manuel Muñoz Hidalgo (Alcantarilla. Murcia, 1939) publicadas por la editorial Ñaque en una edición trilingüe al inglés y al sueco, además del castellano. Los respectivos traductores son Carol Piñeiro y Carl Friedrich Gildea.

El libro lleva un prólogo del profesor Francisco Rodríguez Adrados, miembro de las Reales Academia de la lengua y de la Historia. El catedrático de Griego de la Universidad Complutense de Madrid comparte la condecoración e la Orden de Cirilo y Metodio con el autor.

Muñoz Hidalgo, miembro de la Academia de la Hispanidad, es un escritor muy vinculado a Bulgaria desde hace décadas, ha estrenado algunas de sus obras dramáticas en Sofía, con gran éxito de permanencia en cartel y crítica. Poeta con una amplia producción, ha escrito en verso la pieza teatral “El saber y la renuncia” sobre Cirilo y Metodio, santos patronos de Europa y padres del alfabeto cirílico que se escribe en Bulgaria, Rusia y otros países del norte.

Inventores de un alfabeto

Cirilo (827–869) y Metodio (815–885), conocidos como los apóstoles eslavos, fueron dos hermanos provenientes de Tesalónica, en el Imperio bizantino, que se convirtieron en misioneros del cristianismo primero en Crimea y después en el Imperio de la Gran Moravia. Se les considera inventores del alfabeto glagolítico, usado en manuscritos eslavos antes del desarrollo del alfabeto cirílico, derivado del alfabeto griego con elementos de los alfabetos copto y hebreo, que a su vez sigue utilizándose en varias lenguas eslavas.

“Nikola Vaptzarov. El surco sangriento” pone en pie a un personaje, también poeta, celebrado en Bulgaria por su defensa de los oprimidos en sus derechos y libertades frente al capitalismo. Se opuso a Hitler y Vaptzarov (1909 – 1942) murió fusilado por las tropas de Boris III y los alemanes.

Para Muñoz Hidalgo, “la vida de Vaptzarov y sus versos críticos y desgarradores que no han perdido actualidad ni frescura, ofrecen la participación y conocimiento de la realidad y al mismo tiempo conmueven. El universo literario de Nikola Vaptsarov es la continua preocupación por el ser humano desfavorecido y explotado. Su ideología política y sus inquietudes sociales y humanas no se deben separar. Luchó contra los que ejercen un excesivo poder. Su poesía es la voz de la libertad. No es reiterativa sino tenaz para denuncia de las injusticias sociales bajo regímenes dictatoriales. Es pura y directa. En diciembre de 2009, se ha cumplido el primer centenario de su nacimiento y ahora más que nunca se necesita poetas con su franqueza porque la verdad es el fin de la poesía al precio que sea. Todo esto y más ha sido el tema de mi obra de teatro”.

El libro de Muñoz Hidalgo va ilustrado por José María Carnero y lleva en portada un cuadro de Manuela Amo Nadal.

Dos proyectos

El cercano otoño se inaugura la VI exposición itinerante del "Libro Pobre" en Saint Clement (Francia), localidad donde se encuentra la casa en la que residió el escritor Ronsard. En esta muestra participa Manuel Muñoz Hidalgo con un poema manuscrito, junto a otros poetas. La muestra será itinerante por seis países.

Por otra parte,la compañía PROFETAS DE MUEBLE BAR prepara la puesta en escena de la obra."La palabra y el muro" de Muñoz Hidalgo,sobre el escritor Francisco de Quevedo.Entre otras opciones está su estreno en el Teatro-Circo Price de Madrid.Los bocetos de vestuario y decorado son del citado pintor J.Mª.Carnero.

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Inmaculada Arricivita expone su Pintura en el Monasterio de San Juan de la Peña

"El color del tiempo” (1996 -2011)

Inmaculada Arricivita

Monasterio de San Juan de la Peña

Aragón

Junio – Octubre 2011

Obra de Arricivita

Julia Sáez-Angulo

La seda y el papel japonés son los soportes delicados en las acuarelas de la pintora Inmaculada Arricivita (Mélida. Navarra, 1947), artista residente en Zaragoza, ciudad donde llevó a cabo sus estudios. Sus espléndidas acuarelas reflejan una abstracción luminosa que el espectador refiere con libertad a la naturaleza, al espacio o la luz.

El célebre monasterio de San Juan de la Peña acoge actualmente una amplia muestra retrospectiva de sus últimos quince años, lo que permite seguir la trayectoria más sólida de esta artista exquisita y dinámica.

Oriente ha sido inspiración de esta pintora viajera y cosmopolita y la seda como soporte del pigmento no anda lejos de ese origen. El catálogo de la exposición acoge una curiosa cita de Mahoma: “La seda se inventó para que las mujeres hermosas pudieran andar vestidas y desnudas a la vez”, aunque aquí las sedas converjan hacia el arte, más eterno e intemporal que el vestir.

En los cuadros de Inmaculada Arricivita, el color se pliega y expande en diversos tonos y matices a modo de batik. El blanco incide como flechas de luz, los verdes y azules dan solidez a las formas, los rojos restallan para alegrar el conjunto... Los ritmos cambian según las piezas.

La mirada recorre las asociaciones de presencias y ausencia cromáticas, en un juego de delirios. La autora no necesita de títulos para denominar a sus cuadros. Su obra es una sinfonía inacabada de armonías cromáticas y musicales; es un continuo que se traduce en formatos cuadrados, minimalistas o rectángulos.

Acuarela para los papeles japoneses y técnica mixta para las sedas. Las texturas son siempre sutiles en estos trabajos de la pintora, que logra la belleza en su arte profundo y ornamental al mismo tiempo.

En los grabados, la autora se permite círculos blancos para diferenciar el soporte de la masa cromática, hecha a base de técnicas aditivas. Otro registro de trabajo que amplia la órbita del arte de Arricivita. Esta exposición ha sido un auténtico hito de reconocimiento de su buen saber hacer en el arte

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Campo Baeza muestra en Roma su árbol de la creación

Alberto Campo Baeza (foto Stephen y Barno)

L.M.A.

        08.09.11.- Madrid.- Un gran árbol cuyas hojas son dibujos, un estanque delque brotan imágenes de proyectos, una gran instalación que recrea el paisaje mental de Alberto Campo Baeza: así es CampoBaeza. El árbol de la creación, tercera de las exposiciones monográficas de Nature, el ciclo de cuatro instalaciones monográficas con las que el MAXXI Architettura explora otras tantas interpretaciones de la investigación arquitectónica contemporánea.

Coproducida por MAXXI Architettura y AcciónCultural Española (AC/E) con la colaboración especial de Toto Gallery MAde Tokio, la muestra, dedicada a la obra de uno de los principales maestros dela arquitectura española, está comisariada y diseñada por Manuel Blanco.

Alberto Campo Baeza cree en la arquitectura como idea construida, cree que sus componentes principales son la gravedad que construye el espacio y la luz que construye el tiempo.

    Se trata de uno de los arquitectos españoles más puros y radicales, capaz deconstruir el espacio de sus obras mediante la luz natural, que al mismo tiempo las cambiarla constantemente. Su forma de construir sitúa al hombre en el centro de la naturaleza, ofreciéndole al mismo tiempo un refugio y un belvedere, un punto de vista sobre el paisaje circundante. Son construcciones de gran intensidad y puramente esenciales, en las que nada es superfluo y en las que nada falta, en las que el tiempo se dilata.

En palabras de Margherita Guccione, directora de MAXXI Architettura, “la tercera instalación del ciclo Nature propone una variación sobre el tema, dejando a cargo del comisario la puesta en escena dela obra de Alberto Campo Baeza. La metáfora del árbol y las palabras del autor nos dan cuenta de la armonía entre el paisaje natural y la construcción arquitectónica, donde los proyectos del arquitecto español consiguendes materializarse, fluctuar, vencer a la gravedad y entrar en contacto con los ritmos propios de la naturaleza”.

“Alberto Campo Baeza es uno de los arquitectos españoles más puros y radicales – afirmaManuel Blanco, comisario de la muestra. La luz natural es el material con el que construye los espacios de sus obras. Sus obras son ideas construidas. Crea potentes imágenes arquetípicas, iconos de la arquitectura contemporánea. He querido analizar en esta exposición su proceso de creación, desvelando la intimidad del arquitecto, y su lenguaje, lo que hace que Campo Baeza construyendo “más con menos”sea uno de los grandes maestros de la arquitectura contemporánea.

La exposición, que abarca 20 años de la producción de Campo Baeza (de la Casa Turégano de 1988 a proyectos de 2011), está articulada en torno al gran árbol central y analiza elproceso creativo del gran arquitecto, desvelando su dimensión más íntima y su lenguaje.

Comotodos los proyectos seleccionados para Nature, también el de Alberto Campo Baeza reflexiona con un espíritu de narración poética sobre la tendencia natural del hombre a pensar en una naturaleza“recreada”.

Nature esun programa ideado por Pippo Ciorra, comisario senior de MAXXI Arquitectura, para establecer un diálogo entre el museo y algunas de las figuras más interesantes de la arquitectura contemporánea italiana e internacional.

Una exposición “en cuatro tiempos” que lleva a los arquitectos a afrontar un mismo tema y enfrentarse al espacio del museo. En las instalaciones individuales, los arquitectos y, en este caso excepcional, el comisario, construyen un espacio específico, capaz de representar el significado y la relación con el tema Nature, exponiendo uno o más proyectos sobre este asunto.

Nature seha elegido no solamente por tratarse de una palabra-concepto de granactualidad, sino porque también se eleva como el mínimo denominador común idealde los cuatro autores (Francesco Venezia, West 8, Alberto Campo Baeza y UN Studio)plenamente comprometidos en la exploración de la relación entre lo natural y lo artificial.

La última etapa de Nature tendrácomo protagonista al UN Studio deÁmsterdam –Ben van Berkel y Caroline Bos– exponentes magníficos de una tendencia que se mueve con cautela en el sutil margen entre naturaleza, tecnología y ciencia.

Con motivo de la inauguración, Alberto Campo Baeza dará una conferencia sobre su obra en el auditorio del museo (jueves, 8 de septiembre, 20.30 h).

Alberto Campo Baeza. Nacido en Valladolid, vive en Madrid desde que comenzó sus estudios de Arquitectura.Discípulo de Alejandro de la Sota, es el catedrático más antiguo delDepartamento de Proyectos de la ETSAM. Ha ejercido como docente en la ETH de Zúrich, en la EPFL de Lausana, en la Universidad de Pensilvania (Filadelfia),en la BAUHAUS de Weimar y en la KANSAS State University. Ha llevado a cabo proyectos todo el mundo y este año comenzará a construir el MIA, Museo de ArteItaliano de Nueva York. Su libro más famoso, LAIDEA CONSTRUÍDA, ha sido editado en más de veinte ocasiones. Sus proyectos han sido expuestos en la CROWN HALL de Mies Van der Rohe, en la IIT de Chicago, en el Urban Center de Nueva York y en la Basílica de PALLADIO de Vicenza.

Manuel Blanco, miembro de ICAM, International Confederation of Architectural Museums, es arquitecto, comisario y diseñador y catedrático de la Etsam UPM de Madrid. En 2006 realizó la exposición España [f.] Nosotras, las ciudades, comoComisario del Pabellón de España en la X Biennale di Architettura de Venecia.Igualmente ha comisariado diversas exposiciones dedicadas al trabajo de AlbertoCampo Baeza, de Santiago Calatrava y de Peter Eisenman, que han podido verse en todo el mundo. En 2007 Manuel Blanco fue nombrado primer director del MuseoNacional de Arquitectura y Urbanismo de España. Este año ha presentado enMoscú, Una ciudad llamada España, sobre las propuestas arquitectónicas españolas más destacadas de los últimos diez años

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Roberto Matta: “El cubo abierto”, nueva instalación en el Museo Thyssen-Bornemisza

Matta: El cubo abierto
Nueva instalación de la Colección Permanente
Museo Thyssen-Bornemisza
09.09 - 23.10.2011



L.M.A.


Coincidiendo con la celebración en 2011 del centenario del nacimiento del artista chileno Roberto Matta (Santiago de Chile, 1911 - † Civitavecchia, Italia, 2002), el Museo Thyssen-Bornemisza propone una nueva instalación del ciclo L'Honni aveuglant (El proscrito deslumbrante), formado por cinco obras que pertenecen a su colección permanente. El montaje reproduce exactamente el modo en que el artista lo presentó por primera vez en la Galerie Alexandre Iolas de París, en 1966. Junto a ellas, se expone también otra pintura de Matta de la colección permanente del Museo: Sin título, 1942-1943.

Un gran lienzo de fondo, Grandes expectativas; dos en los laterales, El proscrito deslumbrante y El dónde en marea alta; y otros dos colgados del techo, Donde mora la locura A y Donde mora la locura B; dan lugar a lo que Matta denominó "cubo abierto". Un montaje excepcional y espectacular con el que el artista pretendía sumergir al público en su universo pictórico, cargado de referencias literarias, espirituales y artísticas. En lugar de situar al espectador frente a la obra de arte como ante una ventana, Matta lo introduce en ella, colocándolo en el centro del cubo como si fuera una de sus seis caras y haciendo, en definitiva, que se sienta poseído por el cuadro.

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Fermín del Amo, Esculturas de hierro y madera en el Castillo de Pambre

“La Caja de Piedra”

Escultura

Fermín del Amo

Castillo de Hambre

Comarca de Ulloa. Lugo

Junio-Septiembre, 2011

Julia Sáez-Angulo

08.09.11 .- En un recinto espléndido, el Castillo de Hambre, en la comarca lucense de Ulloa, tiene lugar la exposición de esculturas de Fermín del Amo (Madrid, 1951), un artista que sabe combinar la naturaleza de unos materiales como el hierro y la madera, siguiendo la pauta de su concepto escultórico. Su obra se puede contemplar hasta finales de septiembre.

Las formas de troncos y ramas de castaño, roble, fresno..., oportunamente pulimentadas por el autor, se tensan y dialogan con el hierro oxidado que, con frecuencia, toma las formas geométricas para dar la apariencia o el contraste de gesto y orden.

Las alusiones de las piezas quedan a la interpretación del espectador que completa o recrea la figura, si es que la busca. Fermín del Amo recurre al sin título, lo que no facilita la identificación de la pieza al crítico. La Kábala decía que las cosas existen cuando tienen un nombre, al menos un número de una serie, pero algunos artistas se resisten a ello.

Hay instalaciones de Fermín del Amo que parecen aludir a un árbol desojado; otras a una figura horizontal dentro de un paralelepípedo; otras juegan con las formas puras de una entrada a una casa; otras consiguen un equilibrio singular entre un cono de barras metálicas y un fragmento de castaño; otra hay una relación de pareja vertical entre un tronco de roble y un cilindro de rejilla...

Conceptos que se hacen forma plástica, que quizás no busquen la figuración, pero que se hacen libres a cada mirada. En la pieza, sí titulada “La primera piedra”, aparecen letras de alfabeto pintadas en blanco y naranja sobre dos paralelepípedos de hierro oxidado. Una obra hermosa y misteriosa, que aúna volumen, pintura y letras. Espacios habitable de la psique creadora y de aquel quiera apropiarlas en su retina.

Fermín del Amo es un escultor versátil, con una trayectoria fecunda en diversos campos de la obra artística. Las artes aplicadas las ha trabajado con gran imaginación y acierto.

Después de su residencia en Nombela (Toledo), donde llevó a cabo un trabajo de animación cultural, decidió refugiarse en la tranquilidad de Galicia en 2006. La aldea de Carballal de San Mamede, en Palas de Rei (Lugo) es su actual residencia.

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