ISABEL BAQUEDANO: "El color del ensueño", exposición en Guillermo de Osma

 

Pintura de Isabel Baquedano

A partir del 17 de mayo Lugar: Galería Guillermo de Osma (Calle Claudio Coello, 4 1.º izq.) Horarios: Lunes - Viernes. 10-14h / 16:30 - 20:30h L.M.A.     13.04.2023.- Madrid.- La Galería Guillermo de Osma presenta, en colaboración con la bilbaína Carreras Múgica, una exposición dedicada a la obra de Isabel Baquedano (Mendavia, Navarra, 1929 - Madrid, 2018), que se inaugura en Madrid el 17 de mayo y se podrá visitar hasta el 23 de junio de 2023. Artista secreta con una fuerte y original personalidad como pintora y como persona, su obra se caracteriza por una figuración más libre y poética, donde la materialidad de la pintura es la protagonista.  Muy considerada por Antonio López, que repetidamente ha alabado su obra: “Tenía un talento para la pintura como el que más, pero también es muy singular, sólo hay una Isabel Baquedano en el mundo”. En concreto, Baquedano pertenece a la generación de pintores, como el mencionado Antonio López, Isabel Quintanilla o Alfredo Alcaín, que se formaron en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando de Madrid en un momento donde la abstracción dominaba el panorama artístico, y se adentraron por los caminos de la figuración y el realismo. En ocasiones, practicando un realismo intimista, otras de contenido social y en otras atentos al arte pop de los años 60. Su obra se inspira en los grandes maestros de la pintura. Como dice Antonio López: “otra cosa que me gusta mucho es que bebe mucho del arte antiguo, pero no se nota”. Se enfoca en la representación veraz del modelo, como los pequeños bodegones tomados del natural, con gran viveza de color y realizados en dos o tres sesiones, como si las escenas y los frutos hubieran sido fijados en el instante previo a su declive. Los dibujos manifiestan igualmente un buen dominio de la representación. Baquedano utiliza el grafito para conocer de antemano la forma de las figuras, que luego sintetizará en el lienzo con precisión, para que el color asuma el resto de la tarea. El proyecto se divide en varios grupos temáticos, empezando por obras cercanas al pop, camareros y malabaristas, bodegones y cuadros religiosos. Estos últimos mantienen los caracteres formales de los malabaristas y toman una vía claramente simbolista. Cada uno de ellos trata un asunto específico dirigido a presentar el mensaje cristiano como si se tratara de un acontecimiento presente. El Museo de Bellas de Artes de Bilbao organizó una gran antológica en 2019, que tuvo una gran acogida, y más tarde viajó al Museo Universidad de Navarra. En nuestra exposición se presentarán más de cuarenta obras, entre cuadros y dibujos, y se publicará un catálogo con un ensayo del artista y crítico Ángel Bados y una semblanza de Antonio López.

CENTENARIO DE EUGENIO SEMPERE: La galería Guillermo de Osma acoge 40 obras de Eusebio Sempere: "Es un artista único: mezcla geometría, lírica y poesía"

L.M.A.

     6.02.2023.- Madrid.- La galería madrileña Guillermo de Osma ha inaugurado este lunes la exposición 'De París a Madrid 1950/1965 Sempere' en la que se muestran 40 obras de Eusebio Sempere (Onil, Alicante, 1923 - 1985), con motivo de la celebración del Año Sempere al conmemorar el centenario de su nacimiento, y que se podrá visitar hasta el próximo 21 de abril.

Con la presencia de la directora del museo de Arte Contemporáneo de Alicante( MACA)  Rosa María Castells, dir, del excelente critico Alfonso De la Torre y del propietario de la galería Guillermo de Osma, se celebro un encuentro con los medios, para dar a conocer la magnifica exposición que alberga la galería.

 "Se trata de un artista único porque mezcla la geometría, la lírica y la poesía. Es un ajuste de cuenta con la historia del arte al olvidar a creadores tan innovadores como él", ha asegurado el director del espacio artístico Guillermo de Osma.

Rosa María Castells, que ha destacado la importancia de la celebración del Año Sempere para "tener la oportunidad de mirar su obra porque es extraordinaria e imprescindible".

 "Es uno de los artistas más importantes de la segunda mitad del siglo XX en la historia del arte español por su creación geométrica, paisajística y siempre en busca del movimiento y de la luz. Es una de esas personalidades que atraviesa alguno de los momentos más brillantes de la historia del arte español", ha asegurado.

Las obras se centran especialmente en sus primeros años de París, de donde toma influencias de artistas de la talla de Piet Mondrian, Henri Matisse, Vasili Kandinsky o Georges Braque, para posteriormente desarrollar su propio lenguaje artístico.

 Para completar la muestra se adjunta un catálogo que incorpora un ensayo del comisario Osbel Suárez, sobre la relación de Sempere con la artista cubana Loló Soldevilla. "Cuando me llamaron para participar no dudé porque esta exposición es pertinente y además, nadie ha conseguido exhibir ese periodo de la vida de Sempere, en el que comparte obras y vida con la artista cubana", ha afirmado.

Las 40 piezas se podrán disfrutar hasta el 21 de Abril , en la galería Guillermo de Osma en la calle Claudio Coello 4 de Madrid en horario habitual.

Lola Rodríguez junto a una escultura de Eusebio Sempere

EUSEBIO SEMPERE: EN SU CENTENARIO, la galería Guillermo de Osma prepara una exposición individual con casi cuarenta obras de los años 50 y 60

Guillermo de Osma, galerista y comisario de la exposición

Pintura y escultura de Eusebio Sempere

L.M.A.

        23.01.2023.- Madrid.- Eusebio Sempere (Alicante, 1923-1985) residió en París en dos ocasiones. En su primera estancia, financiada con una beca del Sindicato Español Universitario, llevó a cabo un trabajo inclinado a la abstracción e inspirado en la obra de Mondrian, Matisse, Kandinsky o Braque, a quien visitaba en su taller. En ese momento coincidió con otros importantes artistas españoles como Chillida o Palazuelo.

Con el paso del tiempo, sus experiencias vitales y las personas que influyeron en su obra –Auguste Herbin, Josef Albers, Sonia Delaunay y la artista cubana Loló Soldevilla, con quien entabló una importante relación– le llevaron a separarse definitivamente de la figuración y a desarrollar un estilo puramente abstracto y cada vez más geométrico. Plasmaba estos conceptos en dibujos sintéticos, estructuras con dos o tres planos superpuestos a modo de celosías, y otras composiciones lineales ejecutadas en papel o a través del collage, el relieve y el óleo. Toda esta producción fue un preludio de los móviles y otras esculturas cinéticas que a partir de los años sesenta empezó a producir en metal.

Regresó a España en 1960. Entre 1963 y 1966 Sempere consiguió una beca de la Fundación Ford. Así viajó por Estados Unidos, se inspiró en movimientos como el minimalismo y participó en exposiciones colectivas en el MoMA y otras instituciones significativas. En Nueva York se organizó una de sus primeras muestras individuales, en la prestigiosa Bertha Schaefer Gallery.

Tanto su obra escultórica como plástica evolucionó entre lo geométrico, lo cinético y lo óptico con un estilo muy personal que la hacen siempre fácilmente reconocible. El método de trabajo de Sempere era muy minucioso y laborioso, creando línea por línea, con su famosa regla unas superficies sutiles y poéticas, pero contundentes y ricas, donde la interacción de la línea y el color con la luz es de suma importancia. Así, el artista consideraba que sus esculturas eran pinturas en tres dimensiones.

Sus estancias en París y Estados Unidos le dieron la posibilidad de emprender, a partir de los años cincuenta, una pausada labor de investigación plástica que culminó en un reconocimiento internacional. Su obra se conserva en algunas de las instituciones más importantes del mundo como el Reina Sofía, el Pompidou, Harvard, el MoMA, la Fundación Juan March o el Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca.

Esta exposición está compuesta principalmente por collages, gouaches y óleos. La mitad proviene de la importante colección del estadounidense Edward Helig y se presenta completa por primera vez. También se incluye una escultura giratoria que se realizó a gran escala para la Fundación Juan March, en cuya sede madrileña se encuentra actualmente.

Sempere, al igual que otros grandes artistas de la abstracción española, siempre ha estado presente en los proyectos de la galería, que en esta ocasión le rinde un homenaje especial. Como en todas las exposiciones, se editará un catálogo con todas las obras y un ensayo de Osbel Suárez.

Paternosto expone su pintura reciente en el Museo Thyssen-Bornemiza y en la galería Guillermo de Osma en Madrid

Tensiones Lineales/ Espacios Asimétricos 8, 2017, Óleo sobre lienzo, 50 x 50 cms | César Paternosto

L.M.A.

César Paternosto. Obra reciente Fechas: Del 21 de noviembre de 2017 al 15 de enero de 2018 Lugar: Calle Claudio Coello, 4 1º izquierda (Madrid)

14/12/2017 .- MADRID .- La galería Guillermo de Osma presenta una exposición dedicada a la obra del artista argentino César Paternosto (La Plata, 1931), compuesta por 21 piezas realizadas recientemente. La exposición se presenta de forma paralela a la muestra “César Paternosto. Hacia una Pintura Objetual” comisariada por el mismo artista en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza de Madrid, y donde se confronta su obra con las de Pablo Picasso, Juan Gris, Piet Mondrian y Joaquín Torres-García. Ésta es la tercera exposición que la galería Guillermo de Osma dedica al artista argentino, después de las realizadas en 2006 y 2010.  En ella, César Paternostopresenta un trabajo profundo y esencial, que manifiesta su continua necesidad de evolucionar hacia nuevas soluciones plásticas. Sin romper con su trabajo anterior, y recurriendo a elementos geométricos básicos habituales en su producción y a tonalidades utilizadas en el pasado, el artista consigue hacer algo absolutamente novedoso en su larga trayectoria. César Paternosto, uno de los más importantes representantes del arte geométrico latinoamericano, comenzó su andadura artística a finales de los años 50, cuando decidió abandonar su profesión de abogado para dedicarse por entero a la pintura, su gran pasión. Tras realizar varias exposiciones y participar en importantes eventos artísticos, en 1967 el MoMA adquirió una obra suya, hecho que le animó a trasladarse a Nueva York. En esta ciudad –su lugar de residencia hasta 2003–, desarrolló la mayor parte de su carrera, consolidando su arte y exponiendo varias veces en Denise René, la galería de referencia especializada en arte geométrico. También ha expuesto en destacadas galerías del circuito de Nueva York como AM Sachs, Mary Anne Martin o Cecilia de Torres. Asimismo, su actividad expositiva se ha desarrollado en otras ciudades, como Buenos Aires, Bogotá, Düsseldorf, París, Zurich, Barcelona y Colonia, entre otras, y su obra se encuentra en importantes museos y colecciones del mundo como el Guggenheim, el MoMA, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza o el Museum of Fine Arts of Boston, entre otros. La gran aportación plástica de Paternosto se produjo en 1969, cuando comenzó dejar el frente del cuadro en blanco, para trabajar solamente los cantos, usando para este fin unos bastidores más anchos de lo normal. El cuadro aparece como un objeto escultórico que sobresale del muro, frente al cual el espectador –una vez eliminada la visión exclusivamente frontal– se ve obligado a deambular en torno a la obra para obtener la “visión integral”. Con el paso del tiempo, sin dejar de trabajar los cantos, comenzó a introducir líneas verticales y luego horizontales en el frente del lienzo, acentuándose a partir 1975, cuando en un viajó a Perú toma contacto con el arte de la cultura Inca. Esta experiencia dio un nuevo impulso a su obra, ya que la geometría tomó un papel relevante en su obra, convirtiéndose en una senda nueva a explorar.Paternosto se unió a una corriente de investigación estética que desde la geometría de Joaquín Torres-García unificó los conceptos de arte de Vanguardia y tradición Indoamericana uniendo, por tanto, modernidad y raíces, así como futuro e identidad. Este ha sido uno de los temas centrales de César Paternosoto, que no sólo desarrolló en su obra plástica, sino también en sus ensayos, sobre todo en la exposición “Abstracción. El paradigma Amerindio”, presentada en el 2002 en el IVAM de Valencia. En los últimos años cabe destacar su participación en muestras institucionales de relevancia como “América Fría” en la Fundación Juan March o “La Invención Concreta” en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, y un gran mural en la reciente ampliación realizada por Rafael Moneo de la estación de Atocha de Madrid. Con motivo de la exposición en la galería se editará un catálogo con textos de Lorea Rubio, donde se incluirán todas las obras que componen la muestra. EN EL MUSEO THYSSEN-BORNEMISZA

Por otra parte, en el Museo Thyssen se presenta Hacia una pintura objetual, una muestra que establece un diálogo entre la obra del artista de origen argentino César Paternosto y una selección de cuadros de las colecciones Thyssen-Bornemisza. Comisariada por el propio Paternosto, la exposición analiza el cambio de paradigma pictórico que llevó a los artistas de comienzos del siglo XX a redescubrir la pintura como objeto frente a la ilusión renacentista que había convertido el lienzo en una ventana en la que ver reflejada la realidad visible. Para hacernos reflexionar sobre esa transformación artística que se inició hace ya más de un siglo, el artista ha seleccionado seis obras del museo - de Piet Mondrian, Pablo Picasso, Juan Gris y Joaquín Torres-García-, para exponerlas junto a las suyas, ocho piezas procedentes de diversas colecciones públicas y privadas. Su visión conjunta no solo ejemplifica la senda hacia la objetualidad de la pintura, sino que sirve para establecer el linaje de su propia evolución artística en los años 1970.

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"El dibujo del 27: vanguardia sobre papel" en la galería Guillermo de Osma

Estampa Cinética, Maruja Mallo, 1927

L.M.A. La Galería Guillermo de Osma expuso: "Vanguardia sobre papel" una exposición dedicada a la obra realizada por artistas próximos a la Generación del 27. La muestra estuvo compuesta por más de 70 piezas. Desde finales de la década de 1910 y hasta la Guerra Civil en España se produce un intenso movimiento cultural, la “Edad de plata de la cultura española”, de la que su exponente más conocido es la Generación literaria del 27. También fue un momento de esplendor en la pintura, la arquitectura, la música, el diseño, la escenografía y las ciencias. La exposición mostrará la vertiente plástica de este periodo, con obras realizadas entre 1920 y 1939, por artistas ligados a la generación literaria con la que colaboraron estrechamente en libros y revistas. Poetas como Lorca, Alberti yCelaya fueron espléndidos dibujantes y pintores; por su parte Moreno Villa yRamón Gaya compaginaron su vocación plástica con la literaria. Quizá el punto de contacto más importante entre la literatura y la plástica, e incluso con la música, la arquitectura, la ciencia o la pedagogía, es la introducción y consolidación de una estética de vanguardia por primera vez en España. La vanguardia deja de ser el escenario de unos pocos personajes aislados para definirse como una propuesta colectiva. La lírica de la poesía tiene un fiel reflejo en las artes plásticas, marcada en algunos casos por la estética neocubista (Joan Sandalinas, Antonio de Guezala, Maruja Mallo). Otras veces se acerca al surrealismo de la escuela de Vallecas y del entorno de la Residencia de Estudiantes como es el caso de Alberto Sánchez, José Moreno Villa, Gabriel Celaya o Benjamín Palencia. En otros casos está presente la influencia deEl Retorno al Orden como en dibujos del mismo Pablo Picasso, Josep Togores, Pere Pruna, Nicolas de Lekuona, Gregorio Prieto o Federico Castellón; habrá obras de los artistas más parisinos, destacando a Celso Lagar, Francisco Bores, Manuel Ángeles Ortiz e Ismael de la Serna; finalmente está también presente la vertiente geométrica con obras de Joaquín Torres-García y su principal seguidor en Madrid,Luis Castellanos. También se mostrarán trabajos fruto de la colaboración existente entre los artistas, los escritores y los músicos. Destacan los figurines que realizó Manuel Ángeles Ortizpara el estreno en París la obra Genoveva de Brabante del músico francés Eric Satie, o el dibujo de Juan Gris para la escenografía del ballet Cuadro Flamenco de Manuel de Falla. Se presentarán también otras obras relacionadas con mundo literario, entre ellas un figurín de Benjamín Palencia para La Pájara Pinta de Rafael Alberti, un retrato de Rafael Barradas de la actriz Catalina Bárcena para el Teatro Eslava de Madrid, o dos poemas ilustrados, uno de Joaquín Torres-García basado en un texto de Alejandro Casona, otro de Alberti sobre su poemaEl Gallo y un dibujo original de Ramón Gómez de la Serna para sus Greguerías. El collage estará presente con obras de Alfonso Buñuel, del poeta ultraístaAdriano del Valle y de José Caballero, y la ilustración con varias caricaturas deLuis Bagaría y un dibujo de Nicolás de Lekuona para una portada de la revistaBlanco y Negro. Con motivo de la muestra se editará un catálogo donde se reproducirán todas las obras. La exposición viajará posteriormente a Granada (Galería Ruiz Linares) y a Sevilla (Galería Carmen Aranguren).

Waldo Balart expone óleos y obras sobre papel en la galería Guillermo de Osma en Madrid

L.M.A. La Galería Guillermo de Osma presenta hasta el 22 de julio una exposición dedicada al artista y ensayista cubano Waldo Balart, compuesta por 30 obras entre óleos y obras sobre papel realizadas entre 1979 y 1989. Waldo Balart nace en Cuba en 1931. Su interés por el arte se despierta en la década de los 50 mientras realiza sus estudios sobre Economía en la Universidad de la Habana. Su vocación, no obstante, no se decanta hasta la década de los 60, cuando, una vez instalado en Nueva York, frecuenta el ambiente artístico y se forma en la Escuela de Arte del MoMA. Se introduce de lleno en el panorama artístico más moderno de la ciudad, compartiendo una gran amistad con Andy Warhol y su círculo. Su arte, sin embargo, lejos de encaminarse por las sendas delPop Art tan en boga en ese momento y en sus amistades, se dirige hacia elconstructivo concreto, estética que ha presidido su trayectoria hasta hoy en día.           Waldo Balart considera su obra como una experiencia puramente plástica sin conexión alguna con la realidad, y es en cierto modo opuesta a los mensajes que muchos artistas coetáneos pretendían transmitir a través del Pop Art, el Arte Conceptual o el Realismo Social. Su punto de partida es el grupo Art Concret que fundó Theo Van Doesburg en París en 1930, y que tuvo su continuidad en varios artistas europeos, como Max Bill o Vordembergue-Gildewart, que asimismo tanto influyeron a los artistas de corte geométrico de Latinoamérica. Entre las diferentes escuelas creadas en el nuevo continente deudoras de esta estética hay que estacar el grupo cubano, encabezado por artistas de la importancia de Mario Carreño, Sandu Darie, Carmen Herrera o Luis Martínez Pedro, a los que Balart trata en Nueva York, compartiendo exilio y experiencias plásticas. A principios de los años 70 se instala en Madrid, donde ha desarrollado una intensa actividad artística y expositiva, convirtiéndose en uno de los puntos de partida y sin duda uno de los referentes del arte geométrico en nuestro país.           La trayectoria de Balart es una de las más interesantes dentro de la corriente constructiva, pues, lejos de repetir reiterativamente una fórmula estética, su pintura evoluciona constantemente desde sus inicios hasta ahora, pero al mismo tiempo manteniendo una gran coherencia. Trabaja en series, de las que presentamos en esta exposición Conjuntos No Vacío (1979-1980), Serie del Espacio(1981), Espectro de Color (1982), Ritmos (1982), Estructura de Luz (1985) y Desarrollo Cromático del CEL (1988-1989). Las series están compuestas de cuadros, que él denomina “proposiciones”, donde explora las numerosas posibilidades que ofrece la forma plástica planteada en la serie en la cual está trabajando. La geometría preside todas sus obras, pero no es la protagonista. Al igual que Josef Albers en sus Homage to the Square (Homenajes al cuadrado), usa formas geométricas muy sencillas, para que ellas mismas se diluyan a favor de los efectos producidos por combinaciones cromáticas y sus interacciones rítmicas, fruto de un movimiento energético donde la luz es el origen. Escribe el autor “La luz es la génesis de los colores y éstos su atributo y, al mismo tiempo, su estructura medidos en longitudes de onda y frecuencia”. Con motivo de la exposición se ha editado un catálogo con textos de Ángel Llorente y María José Gutiérrez, grandes especialistas en la obra del artista, en el que están reproducidas las obras que componen la exposición.

“Once dibujos de Picasso” en la Galería Guillermo de Osma

 "Mujeres desnudas", por Picasso

Julia Sáez-Angulo

         07.10.2015.- No es fácil encontrar en el mercado piezas del pintor Pablo Picasso. El gran genio renovador de la pintura en el siglo XX es muy buscado por museos y coleccionistas por lo que su obra gotea paulatinamente y “cazar” la buena pieza no es fácil.

         La galería Guillermo de Osma en Madrid ofrece nada menos que con dibujos de Picasso, toda una ocasión para disfrutar de la maestría de trazo del autor malagueño y hacer patrimonio histórico artístico. Dibujos que abarca medio siglo de la dilatada y fecunda obra del artista. Clasicismo y tradición al mismo tiempo en este conocedor de las formas y como llevarlas al paroximo de la creatividad.

         Dibujos bien catalogados, datados y con la procedencia de su paso en el tiempo.

         Pablo Picasso (Málaga, 1881- Mougins. Francia, 1973) nació dibujando o casi. Su afán por fechar los dibujos tiene valor documental e informativo por cuanto nos se relacionan en tema con otros posteriores. Picasso al decir de quien le conocía guardaba gaveta inmensas y repletas de sus dibujos debidamente datados.

         El escritor académico Antonio Muñoz Molina recuerda en la presentación del catálogo: “Jaume Sabartés le dijo a Brassaï que Picasso conservaba fresco en la memoria todo lo que había ido viendo a lo largo de su vida, todos los cuadros que había contemplado y estudiado, y por eso, cuando acercaba el lápiz a una hoja de papel, no se sabia nunca lo que iba a brotar del gesto de la mano. Ruptura y conexión son simultaneas en Picasso”.

         Picasso era muy erótico en su vida y obra y así lo mostró en numerosos dibujos de la Serie Erótica, como un voyeur. En la exposición en la galería de Guillermo de Osma pueden verse algunos ejemplares en este campo.

Nicolás de Lakuona en la galería Guillermo de Osma de Madrid

L.M.A.

8.5.15.- La Galería Guillermo de Osma inaugurará este jueves 9 de abril una exposición del artista Nicolás de Lekuona(1913-1937), fallecido con tan solo 24 años durante la Guerra Civil. Se mostrarán alrededor a 60 obras donde además de óleos, dibujos, collages, se expondrán fotografías y fotomontajes que la familia pone a la venta por primera vez.           Nicolás de Lekuona nace en la localidad guipuzcoana de Villafranca de Ordizia en 1913, y desde muy joven empezó a interesarse por el arte más moderno, relacionándose con artistas como Jorge Oteiza, con quien compartió una gran amistad. En 1932 se trasladó para realizar estudios de aparejador a Madrid, donde se introdujo en el ambiente cultural, conociendo a Ramón Gómez de la Serna, Concha Espina y al crítico Manuel Abril. Durante este periodo comenzó a participar en exposiciones colectivas obteniendo el segundo premio en la Exposición de Artistas Noveles Guipuzcoanos de 1933. En 1934 presentó sus fotografías junto a las esculturas de Jorge Oteiza y las pinturas de Narciso Balenciaga en la exposición presentada en el Kursaal de San Sebastián, figuras con las que formó un frente de artistas de vanguardia vascos. En 1935 terminó sus estudios y comenzó a trabajar con el arquitecto Florencio Mocoroa, realizando viviendas funcionales muy cercanas a la arquitectura del GATEPAC. Falleció a la temprana edad de 24 años en la Guerra Civil durante los bombardeos de Furniz (Vizcaya). Su obra quedó olvidada y recientemente ha sido rescatada en importantes exposiciones colectivas e individuales, destacando las antológicas realizadas en 1982 y 1983 en el Museo de Bellas Artes de Bilbao o la de 2003-2004 en el Museo Artium de Vitoria, que luego viajó al Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid.           La experta Adelina Moya afirma que la obra de Lekuona es “tan diversa como breve en su tiempo de realización”. Su producción artística, que comprende fotografía, fotomontajes, pintura, dibujos y collages, son fruto de una mente abierta y libre, siempre experimentando en estos diversos campos. Su prematura muerte nos dejó un escueto corpus, compuesto en gran parte por pinturas y dibujos que se alejan voluntariamente de la pintura vasca del momento para adentrarse en las proposiciones más modernas e internacionales que le llegan de la mano de Alberto Sánchez, Benjamín Palencia, Maruja Mallo o José Moreno Villa, cuyas obras debió ver en Madrid.           Es una pintura valiente y original. Sin embargo, por encima de todo hay que señalar su producción fotográfica y sus fotocollages, que por primera vez la familia pone a la venta. Pese a su juventud y su breve carrera, la fotografía de Lekuona destaca sobre la del resto de fotógrafos españoles de la época por su modernidad y singularidad. Los escorzos, encuadres cenitales, picados, composición de objetos, juegos de texturas de sus fotografías están cerca de lo que hacía Ródchenko, Moholy-Nagy y la Bauhaus.           Por otro lado, sus escasos fotocollages y fotomontajes están considerados entre los ejemplos más descables de esta disciplina a nivel internacional. Recorta fotografías de deportistas, bailarinas, nadadoras, desnudos femeninos, piernas, brazos, animales, arquitecturas, y las pega creando composiciones de gran originalidad. Lekuona sigue la tradición collagista iniciada por el dadaísmo y continuada por el surrealismo, pero sus fotomontajes poseen una carga poética y una extraña belleza que les hacen destacar entre el resto.           Con motivo de la exposición la Galería Guillermo de Osma editará un catálogo con textos del experto Ismael Manterota, donde se recogerán todas las obras que componen la muestra.