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miércoles, 4 de marzo de 2020

"Los irascibles: pintores contra el museo. Nueva York, 1950" exposición en la Fundación Juan March


DEL 6 DE MARZO AL 7 DE JUNIO

FUNDACIÓN JUAN MARCH

La Fundación Juan March rememora una protesta que cambió la forma de entender el expresionismo abstracto norteamericano y revela, como pocas, la dinámica entre el arte moderno y sus museos

Grupo de artistas. Una sola mujer




L.M.A.


           04.03.2020 .- MADRID .- El 6 de marzo la Fundación Juan March inaugura la exposición Los irascibles: pintores contra el museo (Nueva York, 1950), una muestra compacta de tan solo 18 obras mayores que rememora, setenta años después, un momento decisivo en la historia del arte norteamericano: la protesta colectiva de 18 artistas de la Escuela de Nueva York contra la exposición American Painting Today: 1950, programada por el Metropolitan Museum of Art, en la que estos artistas –sin muchos de los cuales no se entendería el arte del siglo XX– no se consideraban representados.

Los irascibles: pintores contra el museo (Nueva York, 1950) parte de una fotografía tomada por Nina Leen y publicada por la revista Life al calor de esa protesta, y la traduce al espacio expositivo con 18 obras, una por artista, la mayoría de ellas realizadas en torno a 1950. Todo un viaje en el tiempo hasta lo que entonces era el presente, un presente que contenía futuros logrados (como los de Jackson Pollock, Barnett Newman, Cristopher Rothko o Clyfford Still) y también otros, que pudieron ser y no fueron, aunque quizá lo sean algún día en mayor medida de lo que lo son hoy.

La protesta se articuló en el entorno de la academia del Village que Motherwell, Baziotes y Rothko habían puesto en marcha en 1948. Los artistas, descontentos con el jurado de selección de obras seleccionado por el Metropolitan, decidieron redactar una carta dirigida al presidente del museo, Roland L. Redmond, a la que se sumaron otros artistas, pintores y escultores, hasta completar 23. La carta fue publicada en la portada de The New York Times el 22 de mayo de 1950. La revista Life quiso reflejar la controversia y propuso a los 18 pintores firmantes que posaran para la fotografía. A la sesión asistieron 15 de ellos. Dicha fotografía preside, a gran tamaño, el espacio expositivo, precedida de una selección de cartas, publicaciones y documentos relacionados con la polémica.

A pesar de haber sido figuras relevantes de la escena artística estadounidense en los años cincuenta, algunos de los artistas representados en la exposición son poco conocidos fuera de sus fronteras y se presentan en España por primera vez. Los préstamos proceden, en su mayor parte, de Estados Unidos, entre los que destacan –en una paradoja que es solo aparente– tres obras del mismo Metropolitan Museum of Art, objeto de la protesta.

Como es habitual en las exposiciones de la Fundación Juan March, al equipo curatorial dirigido por Manuel Fontán del Junco e Inés Vallejo se han unido comisarios invitados: Bradford R. Collins, especialista en el la Escuela de Nueva York y profesor de la University of South Carolina, y Beatriz Cordero, que ha investigado profundamente sobre este periodo y es profesora en Saint Louis University.

El viernes 6 de marzo, a las 19:30, se celebrará un concierto inaugural con la participación de los pianistas Marta Espinós y Moisés P. Sánchez. El jueves 12 de marzo, a las 19:30, la periodista Lara Siscar dirigirá un coloquio con la participación de Inés Vallejo y Beatriz Cordero. Ambos eventos, con entrada libre y gratuita, se podrán seguir en directo por Canal March y Youtube.

Con motivo de la muestra se ha editado un catálogo, en dos ediciones distintas (español e inglés), con textos de Daniel Belasco, Bradford R. Collins, Beatriz Cordero, Charles H. Duncan, Horacio Fernández, Manuel Fontán del Junco, Sanford Hirsch, Frauke V. Josenhans, Marin R. Sullivan, María Toledo e Inés Vallejo.

martes, 15 de junio de 2010

Museo Würth: Exposición “La Mirada del Coleccionista"



“La mirada del Coleccionista”
Nuevas adquisiciones de la Colección Würth
De Kirchner y Schlemmer a Kiefer
Museo Würth La Rioja
Del 26 de mayo de 2010 al 20 de febrero de 2011





Julia Sáez-Angulo

El coleccionismo de arte nace de una pasión, en este caso del capitalista alemán señor Reinhold Würth que quiso crear museos con sus colecciones de arte cerca de los trabajadores. Él lo que hizo en el polígono de Agoncillo (La Rioja) a ocho km. de Logroño. Todos los días un autobús recoge en la ciudad y lleva a los visitantes de manera gratuita, de 6 a 8 de la tarde.

Claro que el artista es el primer creador, pero sin un coleccionista que adquiera sus obras difícilmente se haría una colección contrastada entre todos los genios o artistas con talento que se presentan en cada generación de la sociedad. La obra de arte, el artefacto creado, viene a condensar un concepto y una estética. El libro del arte es el más elocuente del hombre según el historiar Lord Kenneth Clark, aunque a veces sea más críptico que el lenguaje de la palabra.

Uno puede acercarse a la obra de arte desde distintos ángulos, desde la estética, las ideas, la antropología… para analizar la iconografía, la forma, los materiales y para disfrutar de la comunicación intrínseca que conlleva.

La exposición que nos ocupa se centra en las ultimas adquisiciones del Museo Würth, en los últimos tres años, con numerosos nombres alemanes, como alemán es su propietario y coleccionista que ha llegado a reunir más de once mil piezas que se reparten en distintos museos europeos.

El gusto personal es lo que prima fundamentalmente en la colección Würth, de ahí el título de la muestra, junto a un subtítulo que hace referencia al sentido cronológico de lo expuesto. Los siglos XX y XXI quieren estar bien representados en la voluntad del coleccionista germano, que cuenta en todo caso con un consejo asesor, presidido por Warner Spies, ex director del Centro Pompidou de París.

Obras de Arte adquiridas en tres años

Entre las piezas de ámbito hispano están el mosquetero “Homme a l èpée”” de Pablo Picasso; las tres “Lilis” de Manolo Valdés, Miquel Barceló, Rufino Tamayo; también de Richard Deacon, Lead Astray; Emil Nolde, Max Beckmann, Marcüs Lüpertzz, Georges Baselitz, Jean Dubuffet, Jackson Pollock, Tony Oursler y los alegres Alex Katz o David Hockney.

Curiosamente la colección Würth adolece de falta de firmas femeninas. Cualquier día se le presentan en su sede las pancartas de las encapuchadas “The Guerrilla Girls” con su célebre eslogan. “Es que la mujer tiene que desnudarse para entrar en los museos”. El pistoletazo tuvo lugar ante el Metropolitam Museum de Nueva York, con el subtítulo: “El 80 por ciento de los artistas son hombres; el 80 por ciento de los desnudos son femeninos”.

La Colección Wúth es admirable pero conviene que equilibre la situación de las piezas en pleno siglo XXI, con más del 50 por ciento de artistas mujeres en Bellas Artes. Hasta el premio Velázquez se ha concedido por vez primera a una mujer, la colombiana Doris Salcedo, una espléndida escultora que ha expuesto en la Tate Gallery.