martes, 18 de junio de 2019

Doña Ana de Orleans expone sus acuarelas a favor de la Fundación Nido, a favor de los afectados por parálisis cerebral


-->
           Doña Ana de Orleans y Esther Koplovitz

 Acuarelas de Doña Ana de Orleans


J.S.A.


            18/6/19 .- Madrid .- S.A.R. Doña Ana de Orleans ha inaugurado su exposición de un centenar de acuarelas a favor de la Fundación Nido, dirigida por el periodista Andrés Aberasturi para ayuda a los afectados por parálisis cerebral. . El evento se ha llevado a cabo en colaboración con la Fundación Esther Koplowitz y el arquitecto Ricardo de Landaluce.
            La muestra de acuarelas, florales, paisajísticas y de personajes, permanecerá abierta los días 19 y 20 en la céntrica calle de Cenicero, 11, al lado de la glorieta de Atocha.

            Esther Koplowitz  elogió el trabajo artístico de Doña Ana de Orleans, por su belleza y espiritualidad. Y Doña Ana,  princesa de Francia, recordó que la recaudación de fondos iría a la fase 2 de ampliación de la residencia para personas con parálisis cerebral severa como continuación del primer edificio que fue totalmente financiado por la Fundación Esther Koplowitz y desarrollado por el estudio Hans Abatton bajo la dirección de Ricardo Landaluce. La actual Residencia es la única de este tipo en la Comunidad de Madrid.

            La inauguración, estaba abarrotada de visitantes, entre ellas S.A.R. Doña Pilar de Borbón, Mayte Spínola, Paz Pérez-Bilbao, Guía Boix, numerosos artistas del Grupo pro Arte y Cultura, del que Doña Ana fue presidenta de honor, entre ellos: Pablo Reviriego, Puri Gazol, Estartús, Mercedes Ballesteros,  Y también Javier Aberasturi director de la Fundación Nido.

            La cuenta/corriente destinada a recaudar fondos para la causa citada está abierta en Bankia a nombre de la Fundación Nido: Es67 2038 1136 1060 0036 2530
           






El Reina Sofía presenta las piezas cinematográficas realizadas por Josep Renau en el exilio


   
Del 19 al 28 de junio, a las 19:00 horas, en el Auditorio Sabatini

·        Inéditas hasta hoy en su mayor parte, han sido recuperadas tras una exhaustiva investigación en archivos audiovisuales alemanes y mexicanos 



L.M.A.

Zeitgezeichnet_2_04       18.06.19 .- Madrid .- El Museo Reina Sofía ha presentado hoy la retrospectiva de las piezas cinematográficas de Josep Renau (Valencia, 1907-Berlín Este, RDA, 1982) que bajo el título de Renau, cineasta comienza mañana miércoles y se prolongará hasta el 28 de junio. Pocas personalidades han sido tan relevantes para las vanguardias históricas y la cultura española del siglo XX como este artista. Sin embargo, su producción cinematográfica, central en los años del exilio, ha permanecido en el olvido, motivo por el cual esta iniciativa supone el primer reconocimiento y la recuperación histórica de esta importante parte de su legado.
El ciclo aborda los cortometrajes realizados en su primera etapa en México para el productor Manuel Barbachano Ponce. Renau, que experimentó en esas películas con la imagen en movimiento, acuñó entonces el concepto de “film gráfico” para describir su aproximación a un tipo de cine de animación con el que daba vida a sus ilustraciones políticas. También se incluyen los trabajos que creó para la industria audiovisual de Alemania del Este, donde se trasladó en 1958, como las tempranas Zeitgezeichnet (1958), comentarios caricaturescos sobre temas del presente político, que transforman el género del noticiario, y su “film gráfico” inconcluso Petrograd 1917 (Lenin Poem)El ciclo se cierra con el documental Josep Renau. El arte en peligro (Eva Vizcarra y Rafael Casañ, 2018), la aproximación audiovisual más completa hasta el momento en torno a su figura.
La producción cinematográfica de Josep Renau ha aparecido siempre como una curiosa nota al pie en los estudios que se le han dedicado. Por ello, y porque no terminó algunas obras y otras desaparecieron, en la actualidad sigue siendo difícil establecer una filmografía razonada de este autor. Pero las pocas películas suyas que nos han llegado constituyen, al igual que su obra gráfica, un crisol de sus preocupaciones políticas, éticas y estéticas, al que conviene prestar atención. Desde la perspectiva actual, estos filmes se revelan coherentes con su pensamiento artístico y político: por una parte, entroncan con el imaginario revolucionario de mediados de siglo y funcionan como denuncia social y contrapeso estético; por otra, el uso de un medio de comunicación de masas, como el cine dibujado, facilitó la difusión de los ideales políticos, a la vez que se alejaba de la idea de obra única, adquirida y coleccionada, que Renau rechazó siempre.


IVORYPRESS, PREMIO PHOTOESPAÑA FESTIVAL OFF 2019



IVORYPRESS

PHOTOESPAÑA OFF FESTIVAL AWARD  2019

 
Dionisio González, 'Concrete Island'. Ivorypress, Madrid, Spain
18.06.19 .- Madrid .- Ivorypress ha sido galardonada con el Premio OFF en la XXII edición de PHotoESPAÑA con el proyectoConcrete Island del artista Dionisio González.

El jurado del premio de esta edición está formado por Bárbara Mur, coleccionista, José María Díaz-Maroto, fotógrafo y conservador de la Colección Pública de Fotografía de Alcobendas y el también coleccionista y Presidente de la Asociación de Coleccionistas 9915, Jaime Sordo.

La exposición, abierta al público hasta el 27 de julio, reúne una serie de trabajos que estudian los aspectos y consecuencias distópicas de los impulsos arquitectónicos diseminados por Europa a principios de los años cincuenta.

En un difícil contexto de posguerra y con las ideas del movimiento moderno estancadas después de haber supuesto una inquietante ruptura con la arquitectura tradicional, una nueva generación de arquitectos y urbanistas proyectaron una ciudad alternativa que frecuentaba los logros tecnológicos de la industria bélica y la investigación aeroespacial, respondiendo a las profundas mutaciones de la sociedad debidas a la crisis social, cultural, económica y política.

Tras un ejercicio de utopía social y constructiva, las ideologías brutalistas devinieron distópicas por el uso monolítico del hormigón, por su dureza sensoria y por el índice de criminalidad que se afianzaba en los espacios ciegos, los corredores y los pasillos. Parte de su fracaso también se debe a la desconexión con el entorno urbano, al que trata de sustituir con gestos autosuficientes, y a la conversión de estas grandes estructuras en guetos autoexcluyentes al alejarse las clases medias y acomodadas de estas comunas residenciales.

En palabras del artista: "Quiero dar las gracias por este reconocimiento a Elena Ochoa Foster y a todo el equipo de Ivorypress por permitirme desarrollar un proyecto Concrete Island, que vincula dos de mis grandes pasiones, la fotografía y la arquitectura, con las que este espacio es tan afín".

Cada año, PHotoESPAÑA reconoce a una de las galerías del Festival OFF tras valorar el planteamiento de la exposición, el valor artístico de los autores y las obras expuestas, así como el esfuerzo de la galería por presentar un proyecto específico para el festival.

Ivorypress nace en Londres en 1996, fundada por Elena Ochoa Foster como editorial especializada en libros de artista. Actualmente, Ivorypress en Madrid desarrolla una actividad internacional relacionada con el arte contemporáneo en áreas de comisariado de exposiciones, espacio expositivo, librería especializada, consultoría, proyectos editoriales, producción audiovisual y programas educativos.

Sobre Dionisio González


Dionisio González (Gijón, 1965) vive y trabaja en Sevilla. Es profesor en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Sevilla, donde imparte el curso ‘De la idea artística a las políticas sociales’ en el Máster en Arte: Concepto y Producción. Es Doctor en Bellas Artes con la tesis ‘La estética del horror’. Cuenta con numerosos premios y galardones, entre los que destacan el Premio Pilar Juncosa & Sotheby’s y el Premio Fundació Pilar i Joan Miró. Su trabajo ha sido expuesto en numerosas instituciones y museos en todo el mundo, como el Museum of Contemporary Art Cleveland (MOCA), el Musée d’Art Contemporain (CAPC) en Burdeos, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en Madrid, el Museum of Contemporary Photography en Chicago, el Museo de Arte Moderno (MAMBO) de Bogotá, el Folkwang Museum en Essen, el Museu de Arte de São Paulo (MASP) o el Museum of Contemporary Art (MOCCA) en Toronto.
Ivorypress has been awarded the PHotoESPAÑA Off Festival Award for the exhibition Concrete Island by Spanish artist Dionisio González.
The jury of the prize is composed of Bárbara Mur, collector, José María Díaz-Maroto, photographer and curator of the public collection of Alcobendas, and Jaime Sordo, collector and President of the Association of Collectors 9915.

This exhibition, open to the public until 27 July, gathers a series of works that analyse the dystopian aspects and consequences of the architectural currents that progressed through Europe starting in the 1950s.

In a difficult post-war context and with the ideas from the modern movement stagnated after achieving an unsettling break with traditional architecture, a new generation of architects and urbanists envisioned an alternative city visited by the technological achievements of the defence industry and aerospace research, which responded to the deep mutations in society caused by the social, cultural, economic and political crisis.

After an exercise of social and constructive utopia, brutalist ideologies turned dystopian through the monolithic use of concrete, their sensory strength and the escalating crime rate in dead angles, corridors and alleyways. Part of the failure also had to do with the disconnection with the urban environment— replaced with self-sufficient gestures—and with the conversion of these massive structures in self-excluding ghettos, as middle and upper classes moved away from these residential areas.

In the words of the artist: 'I want to thank Elena Ochoa Foster and the Ivorypress team for allowing me to develop this project, which links two of my greatest passions, photography and architecture, very closely related to this space.'

Every year, PHotoESPAÑA recognises one of the OFF Festival participant galleries, assessing their exhibition's approach, the artistic value of the artists and the exhibited works, as well as the gallery's effort to present a specific project for the festival.

Ivorypress was founded in 1996 by Elena Ochoa Foster as a publishing house specialising in artists' books. The project currently encompasses a wide range of areas and activities within the framework of contemporary art, including its own exhibition space and bookshop, art consultancy and art exhibitions curatorship, editorial services, audio-visual productions and education.

About Dionisio González

Dionisio González (Gijón, 1965) lives and works in Seville. He is a professor at the Fine Arts School of the University of Seville, where he teaches the course ‘From the artistic idea to social politics’ included in the Master of Arts: Concept and Production. He is a Doctor of Fine Arts with the thesis ‘The Aesthetic of Horror’. He has earned numerous prizes and awards, such as the Pilar Juncosa & Sotheby’s Award and the Fundació Pilar i Joan Miró Award. He has held exhibitions at numerous museums and galleries worldwide, including the Museum of Contemporary Art (MOCA), Cleveland; Musée d’Art Contemporain (CAPC), Bordeaux; Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid; Museum of Contemporary Photography, Chicago; Museo de Arte Moderno (MAMBO), Bogotá; Museum Folkwang, Essen; Museo de Arte de São Paulo (MASP); and Museum of Contemporary Art, Toronto.

lunes, 17 de junio de 2019

BALENCIAGA Y LA PINTURA ESPAÑOLA Exposición en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza



-->

Paseo del Prado, 8 - Madrid
Del 18 de junio al 22 de septiembre de 2019





Maica NÖIS

       17/6/2019.- Para la muestra comisariada por Eloy Martinez de la Pera, Comisaria técnica Paula Luengo -conservadora de exposiciones del Museo Nacional Yhyssen-Bornemisza se han seleccionado un total de 90 piezas de indumentaria que proceden del Cristobal Balenciaga Museo de Getaria, Museo del Traje de Madrid, Museu del Disseny de Barcelona y colecciones particulares nacionales e internacionales, muchas de ellas nunca antes expuestas. Le acompañan 55 cuadros prestados por museos: Museo Nacional del Prado, Museo Bellas Artes de Bilbao, Museo Lázaro Galdeano y por fundaciones: BBVA, Santander, Casa de Alba. Colecciones privadas: Abelló, Alicia Koplowitz.
       Entre los autores  destacan: Greco, Velázquez, Murillo, CarreñodeMiranda, Zurbarán, Goya, Madrazo, Zuloaga, Van der Hamen y Leon, Juan de Arellano, Juan Pantoja de la Cruz, Espinós, G.de la Corte, Rodrigo de Villandrando, Bartolomé González, Sánchez Coello, Esteve y Marqués, Rafael Mengs, Esquivel y Suárez de Urbina, Ramon Casas y Romero de Torres.
       La exposición vincula la creación de Cristobal Balenciaga, el diseñador de moda más admirado e influyente de todos los tiempos, con la tradición de la pintura española de los siglos XVI al XX. Es la primera exposición que reúne junto a sus diseños cuadros de grandes nombres de la historia del arte español y que fue una de las principales fuentes de su inspiración.
       Balenciaga trabajaba con varios conceptos al mismo tiempo. Mientras recuperaba siluetas clásicas desarrollaba formas vanguardistas. Siempre con líneas muy depuradas que le caracterizaban. Audacia, técnica, elegancia, conocimiento, originalidad , cultura.  La comodidad es el factor prioritario en sus piezas. Que no coarte los movimientos y que se adapten a las necesidades de vida pública o privada. Virtudes que le hacen un maestro único
       Importante  resaltar, como ha hecho en la presentación en rueda de prensa el comisario de la muestra, a Cristobal.  Quien sin apenas formación académica,  pero con una sensibilidad innata,  supo apreciar aquel mundo que conoció gracias a su madre, costurera de la Marquesa de Casa Torres en su pueblo Getaria, cercano a San Sebastián. Siempre su recuerdo para la gran dama para quien realizó su primer modelo y así lo expuso en la entrevista en Paris Match en 1968.
       Balenciaga revisaba continuamente la historia del arte: las líneas simples y minimalistas de los hábitos religiosos, el aire de la bata de cola de una bailaora flamenca, los brillos del traje de luces de un torero, la estética de la indumentaria en la corte de los Austrias. Son influencias y estilos que calaron en su fuerte personalidad sabiéndolos interpretar de una manera moderna
       El recorrido por las salas que hoy exhiben estas joyas en combinación de pintura e indumentaria - ARTE en mayúsculas, sigue un itinerario cronológico. A los vestidos les acompañan las pinturas adecuadas para establecer un fascinante diálogo entre vestir-moda y pintura. Pone de relieve, además, que los pintores son también trasmisores de moda con su representación pictórica de telas y adornos.
       El espacio está inundado y se rinde al color negro en las paredes, color fetiche del diseñador. Se le ha denominado "arquitecto de la alta costura" por su implicación en la importancia de la línea, formas puras, la túnica, y que concluyó a finales de los sesenta en la abstracción."Un buen modisto debe ser arquitecto para los patrones, escultor para la forma, pintor para los dibujos, músico para la armonía y filósofo para la medida" (definido por Balenciaga)
       Balenciaga se establece en 1936 en París taller en Avenida George V, contando con establecimientos en San Sebastián, Madrid y Barcelona y  con la clientela de la alta sociedad y la Familia Real Española. Allí continua con un homenaje y estética de lo español. Christian Dior le define "con los tejidos nosotros hacemos lo que podemos, Balenciaga hace lo que quiere" "Es el maestro de todos nosotros". Coco Chanel lo calificó "el único auténtico couturier" Se le reconoce "el rey de la alta costura" con sus prendas de un acabado perfecto, casi escultórico . Su taller formó a algunos de los más importantes: Hubert de Givenchy, Emanuel Ungaro, Oscar de la Renta o Paco Rabanne.
       En 1968 cuando la alta costura empieza a perder peso frente al prêt-à-porter, decide retirarse y se instala de nuevo en España. Acepta un último encargo,  el vestido de novia de Carmen Martinez-Bordiú. Fallece en marzo de 1972, de un infarto, en la localidad de Jávea.
       Gran exposición que enaltece la trayectoria del Museo para poder contemplar un derroche de arte y sensibilidad y como ha expresado su comisario "en la exposición todos los esfuerzos y logros se aunan con las colaboraciones institucionales y de particulares así como la importante de Herbert Smith Freehills y Las Rozas Village.

 Comisario de la exosición
Guía Boix y Julia Sáez-Angulo


Félix Sánchez, autor del poemario “Sueños”, presentado en el Hogar de Ávila


 Félix Sánchez Fernández

José Félix Olalla, M Anunciación Guil y Félix Sánchez




Julia Sáez-Angulo


            17/6/19 .- Madrid .- El poeta y rapsoda abulense Félix Sánchez ha presentado su poemario Sueños en el Hogar de Ávila en Madrid, bajo la presidencia de María Anunciación Guil y con el elogio del poeta José Félix Olalla, director de la tertulia poética A Orillas de Ávila. Sánchez hizo seguidamente una lectura poética de sus poemas.

            La presidenta Guil expuso la rica biografía de Félix Sánchez Fernández (Hernansancho, Ávila, 1946), recordó que fue vicepresidente del Hogar de Ávila durante muchos años, que cuando llegó a Madrid se estableció en el barrio de Lavapiés, que vivió de su negocio de flores, que presidió Interflora, firma que envió un gran ramo de flores a la presentación y que sus vivencias las ha recogido en dos interesantes libros: Una pasión vivida y Entre mi tierra y las flores.

            José Félix Olalla describió a Félix Sánchez como un rapsoda de exclenete dicción y un poeta de verso clásico, un poeta que sigue los ringleros de la rima, sobre todo en romance, redondillas y cuartetos. Poesía luminosa, donde el dolor no es ajeno a su obra. Sus temas son la Naturaleza, el amor, la madre, el sueño, el descanso y hasta la muerte vista con benevolencia y esperanza. Apela a Santa Teresa. Félix confía en los sueños, de ahí el titulo de su libro.

            El libro de Félix Sánchez Sueños tiene dos partes, una con las poesías de la primera etapa escritas principalmente en el Molino Rojo o en el Café Barbieri del barrio de Lavapiés, hasta los años 50 y la segunda, con los villancicos, escritos en el siglo XXI. con “una sequía poética de medio siglo”, según cuenta el autor.