sábado, 19 de mayo de 2012

“TOROS EN EL CASINO DE MADRID”, PINTURA CON MOTIVOS TAURINOS




Julia Sáez-Angulo

         El Casino de Madrid manifiesta su vocación taurina, su apoyo a la fiesta nacional a lo largo de todo el año con tertulias, premios, exposiciones y cenas de gala al final de la Feria tuarina de San Isidro. Del 18 de mayo al 3 de junio muestran una exposición de pintura con motivos taurinos en la que participan dieciséis artistas que dedican su creatividad al mundo del toro.

         El presidente del Casino Mariano Turiel de Castro declaró el apoyo de la institución a la fiesta de los toros y mostró su agradecimiento a los artistas plásticos por participar en esa convocatoria anual en Madrid. La galería Ra del Rey, que tenía también una muestra de arte relativo al mundo taurino durante la feria de San Isidro, dejó de convocarla hace unos años.

         Entre los nombres participantes: Jacaranda Albaicín, Asunción Bau Forn, Paco Campos, María Fernández de Córdoba, Gustavo Gil, Luis Herrero Solano, Irene Iribarren, Juan Jiménez, Carlos López, Mario Pastor, Isabel Rivas Sánchez, Santos Saavedra, Emma López de Salgueiro, Alfonso Sebastián, Mercedes Solé y Linda de Sousa. Coordinadora de la muestra, Lola Chico. Lástima que este año no se haya mostrado fotografía como el anterior, ya que es un género plenamente incorporado en el circuito del arte.
         Los cuadros se muestran en caballetes dentro de la biblioteca y diversos salones del Casino, lo que permite un recorrido por el noble espacio de la institución, que celebrará una cena con los toreros más sobresalientes a finales de la feria taurina en curso.

         Interesantes y destacables el gran dibujo al guache de Juan Jiménez, un tamaño inusual en su trabajo; la suerte taurina en técnica mixta con estaño de Linda de Sousa; gracioso el cuadro naif de Emma L. Salgueiro; impresionante el puntazo de toro de Alfonso Sebastián (lástima el metacrilato que hace lechosa la imagen); soberbio el toro de Irene Iribarren; poético el toro y la luna de la pieza de Mercedes Solé.

         No es fácil encontrar arte taurino en las galerías. Actualmente el Grupo por Arte y Cultura expone en Pamplona una gran muestra de arte en la que hay un apartado taurino con nombres como Peñuca de la Serna, Velho, Antonia Nieto, Juan Jiménez y otros.





UTA BARTH, FOTÓGRAFA ALEMANA, EXPONE EN LA GALERÍA ELVIRA GONZÁLEZ DE MADRID



L.M.A.

La Galería Elvira González presenta el próximo 23 de mayo la primera exposición individual en España de Uta Barth, fotógrafa alemana residente en Los Ángeles. La exposición, que forma parte del Festival Off PhotoEspaña, reunirá 14 de sus últimas obras pertenecientes a tres series fotográficas; …and to draw a white bright line with light, Compositions of Light on White y su serie más reciente Deep Blue Day. 

Continuando con el trabajo de sus series anteriores, Uta Barth toma una observación sencilla – un leve reflejo de luz a través de las cortinas – y lo convierte en una experiencia de percepción compleja. La artista modifica espacios domésticos cotidianos de forma casi imperceptible que, a través de su cámara, se convierten en un terreno fértil para explorar cambios sutiles de luz y atmósfera.  Mientras que la fotografía habitualmente se centra en un sujeto concreto, Barth orienta su atención más allá, como declara en una entrevista concedida al crítico George Stolz con motivo de la exposición:

“Me interesan los matices, las sutilezas, lo efímero, la información y lo que nuestra mirada pasa por alto en nuestro día a día. Quiero crear imágenes a partir puramente de la luz, de los espacios en negativo, de los volúmenes del espacio y no de los muros que lo contienen, imágenes que capturan y ralentizan el tiempo, que ralentizan nuestro proceso de relacionarnos con el arte y cambian nuestra forma de interactuar con lo que hacemos y vemos cotidianamente”
La serie … and to a draw bright white line with light nace así de la exploración de lo ambiental y periférico. Fue concebida con motivo de la exposición individual que el Art Institute de Chicago le dedicó en 2011. La serie la componen obras en forma de dípticos o trípticos de fotografías en las que una línea de luz va serpenteando las cortinas de su casa en una misma tarde. En la serie, las fotografías se unen para transformar observaciones sencillas en una descripción lírica del paso del tiempo, que potencia la sensibilidad hacia cambios sutiles y hacia el acto mismo de la mirada.

También de 2011 es la serie, Compositions of Light on White, en diálogo con …and to draw a bright white line with light. Estás obras de apariencia casi minimalista muestran espacios de su dormitorio moldeados por la luz de la tarde creando composiciones que recuerdan a Mondrian. Ajustando las
persianas de sus ventanas, la artista proyecta una retícula de luz sobre sus armarios y cajoneras. Ahora son los armarios los que crean abstracciones geométricas mediante el uso de sombras de las ventanas en lugar de con cortinas.

Este juego compositivo produce obras complejas que demuestran un fuerte sentido de formalismo geométrico. Formalismo que se acentúa con el juego entre superficies planas, abstracciones pictóricas de luz y cambios abruptos de volumen y profundidad que desafían nuestra percepción de la realidad.

En la última serie, Deep Blue Day, 2012, vuelve a interactuar con las cortinas, pero esta vez de forma más abierta. Aquí, la mano se apodera de la luz misma y la hace fluir al abrir la cortina. Se compone de imágenes en las que el brazo y mano de Barth manipula repetidamente la forma de sus cortinas iluminadas por luz natural. 
Deep Blue Day incluye fotografías invertidas en negativo en azul cobalto de imágenes tomadas con segundos de diferencia. Además de remitir a la forma fotográfica básica, hace que detalles de la fotografía en positivo sean más aparentes, como la textura del lino.

A diferencia de sus proyectos anteriores como las series Ground o Field, estas tres series están hechas a partir de la intervención de la artista y la manipulación de la luz formando diferentes abstracciones. Las imágenes de las cortinas son fluidas y se convierten en algo que recuerda al acto de dibujar o  una caligrafía de algún tipo. 

“Supongo que lo que quiero es incentivar a las personas a que se tomen las cosas con más calma y dediquen más tiempo a relacionarse con la obra, aunque en realidad pretendo aún más que eso: quiero que las personas conecten a un nivel profundo con su propia experiencia perceptiva y la lleven consigo a partir de las obras, proyectándola a las paredes de las salas, a las ventanas de la galería y al mundo que viven a continuación”, tal como la propia artista declara al crítico George Stolz.

Uta Barth (Berlín, 1958) vive y trabaja en Los Ángeles y ha realizado exposiciones en Nueva York, Londres, Tokio, Los Ángeles, Estocolmo, Dusseldorf o San Francisco. Su obra está representada en algunas de las principales colecciones de arte contemporáneo internacionales como la Tate Gallery de Londres, el Museum of Modern Art, el Whitney Museum of American Art y el Metropolitan Museum of Art  de Nueva York, la Colección Jumex de México o la Cisneros Fontanals Art Foundation, Miami.




YURI BILKOV, DISEÑADOR DE JOYAS DE SAN PETERSBURGO, VISITA ESPAÑA




Julia Sáez-Angulo

         El diseñador de joyas Yuri Bilkov (San Petersburgo, Rusia, 1984) ha visitado España, donde se ha interesado por los museos que albergan joyas como son el Museo del Traje, el Lázaro Galdiano o el de Artes Decorativas de Madrid. Bilkov, que ha estudiado en la Universidad de Cultura y Artes Aplicadas de su ciudad natal, se ha encontrado en Madrid con su colega, también artista, Inga Ivanova y su esposo, el escultor Héctor Delgado.

         El estilo de joyas de Bilkov se traduce en un lenguaje audaz y contemporáneo en el que destacan los grandes formatos en anillos, collares y brazaletes, en materiales como la plata o el bronce, siempre susceptibles de ser trasvasados a otros materiales o metales como el oro. El autor ha obtenido el primer premio del concurso y exposición en el Centro Imagen y Forma de San Petersburgo, en la especialidad de Orfebrería y otros galardones en la categoría de “Fantasía” en el mismo certamen.

         El diseñador de joyas de San Petersburgo ha expuesto y participado en concursos internacionales, principalmente en Francia, como el denominado “Allez du Gallet” en Coliure; Artcep, 2010; Jumbex Lenespo, 2010; Relic Exhibition, 2011 o “Itineray” (IFA); Jewllery Olimpus, 2012.

         “Mi arte es mi vida”, declara Bilkov. “Mi inspiración es el mundo que me rodea. Pueden impresionarme las cosas más habituales y yo las transformo en piezas insólitas; después las paso a distintos materiales, porque cada uno de ellos influye también en mi inspiración”, añade el diseñador ruso.


Más información



http://ura-a.narod.ru/

http://www.flickr.com/photos/ura000/








viernes, 18 de mayo de 2012

HORTENSIA NUÑEZ LADEVEZE EXPONE SU SERIE PICTÓRICA “EL CANTAR DE LOS CANTARES” EN TOLEDO





Julia Sáez-Angulo



La artista Hortensia Núñez Ladeveze (Madrid, 1940) expone su serie pictórica “El Cantar de los Cantares” en la sala de exposiciones del Arzobispado de Toledo. Se trata de una obra colorista y audaz, inspirada en el libro del Antiguo Testamento que lleva el título de la muestra.

Hortensia Núñez Ladeveze ha trabajado fundamentalmente como escultora a lo largo de su larga trayectoria artística, si bien ha cultivado la pintura de modo paralelo. La escultora fue objeto de un homenaje en la Galería EME 04 de Madrid en 2010, con motivo de su propuesta aceptada como miembro de la Real Academia de Bellas Artes de Barcelona y la salida de un nuevo libro sobre su obra titulado “Forma y color” publicado por Eunsa.

“Para mí ha sido fácil llegar a la abstracción, puesto que en mi escultura trataba de interpretar ideas o temas igualmente abstractos como lo demuestran la series Apoteosis, Vértigos, Vuelos o Gaudium. Eso mismo me pasa en la pintura, pero “El Cantar de los Cantares” no es abstracto ni realista. Es diferente. Son figuras de color alegres, con detalles simbólicos... El Cantar de los Cantares me entusiasmó. Al leerlo se reabrió un mundo nuevo en mi interior y en mi arte”, declaró la artista sobre esta serie.

El “Cantar de los Cantares”, la obra que ha inspirado el amor sagrado a los místicos españoles, ha inspirado igualmente a esta escultora/pintora, que ha sabido ofrecer una gran sinfonía resuelta en cuarenta movimientos: 40 cuadros que reflejan la alegría y el gozo de amar; el beso, el abrazo, la danza, la admiración, la devoción, el canto, la música... Núñez Ladeveze es una artista interesada en el arte sacro, que ha interpretado obras de gran sentido religioso y bíblico.

“Mas delicioso que el vino son tus amores” es el salmo recogido en la tarjeta de invitación sobre una obra de “El Cantar de los Cantares”, de Nuñez Ladeveze.

La obra bíblica “El Cantar de los Cantares” se atribuyó a Salomón y cuenta con amor, gozo y entusiasmo, la situación de dos amantes separados, que se buscan ávidamente, claman su amor común, se reúnen y se ven de nuevo separados, esperando llegar, después de una prueba, a poseerse definitivamente. Los místicos lo interpretaron como el amor del alma que se eleva hacia Dios.

Hortensia Núñez Ladeveze presentó anteriormente esta obra en Madrid, en la galería Peironcely.





RUTH PECHE, POÉTICAS IMPRESIONES DIGITALES EN DIBOND



L.M.A.


En la sede de la Fundación PONS y organizada por HUMA3  se presenta la  primera exposición de la artista española Ruth Peche bajo el título de “Deep Entropy”, que mediante su particular exploración artística, combina elementos de naturaleza y tecnología digital para crear obras de gran valor poético.

La exposición presenta alrededor de veinte obras, divididas en grupos temáticos que van desde impresiones Dibond hasta cajas de luz, en donde los juegos entre lleno y vacío, luz y sombra y sobre todo, la creación pura, juegan con elementos de la realidad para conformar una sinfonía que resuena en el espectador despertando todos sus sentidos.

 El acto de inauguración contó con la presencia de importantes personalidades del mundo del arte internacional, entre ellas la comisaria y coleccionista Baronesa Lucrezia de Domizio Durini,  quien ofreció una conferencia dedicada al maestro Joseph Beuys: Difesa deñña Natura (Defensa de la Naturaleza). Entre otros asistentes a la exposición, la directora de la Fundación, María Jesús Magro Martínez y los artistas Maica Nois, Héctor Delgado, Paloma Soto y Raúl Pérez.


La exposición se mantendrá abierta al público desde el 18 de Mayo hasta el 1 de Junio de 2012, en horario de lunes a jueves de 9:00 a 18:00h. y viernes hasta las 15:00h. La entrada es gratuita.



 “NIGHT AND DEATH” DE BLANCO WHITE, ESTUDIO SOBRE UNO DE LOS SONETOS MÁS BELLOS ESCRITO EN LENGUA INGLESA


*Nada menos que Samuel T. Coleridge lo consideró el poema “mejor concebido en nuestro idioma” y Menéndez Pelayo, a pesar de su antipatía por el heterodoxo Blanco White, le refirió una valoración sólo comparable a los más “ardorosos” sonetos de Shakespeare




L.M.A.


“Night & Death”. El mejor soneto del idioma es un curioso proyecto editado por Berenice en torno a una pieza poética de José María Blanco White que está considerada entre los más bellos poemas en lengua inglesa. Noche y Muerte narra el terror que debió sentir Adán en el primer anochecer tras la creación.

Nada menos que Samuel T. Coleridge lo consideró el poema “mejor concebido en nuestro idioma” y Menéndez Pelayo, a pesar de su antipatía por el heterodoxo Blanco White, le refirió una valoración sólo comparable a los más “ardorosos” sonetos de Shakespeare.

A juicio del editor, David González, el soneto del poeta sevillano “es imprescindible en cualquier gran antología de poesía en inglés”. En esta edición de la editorial Berenice ofrece el poema, dos variaciones inglesas del propio autor, una versión latina, una francesa y casi veinte versiones en español, algunas históricas y otras encargadas para la ocasión de traductores de primer orden: Juan Aguilar, Yolanda Morató, Justo Navarro, Jenaro Talens y Antonio Rivero Taravillo.

La edición incluye asimismo dos textos de máximos especialistas en su obra: el profesor de Oxford, Martin Murphy, biógrafo de Blanco White quien narra, en un artículo titulado El mejor soneto del idioma, la historia de estos catorce versos maestros, escritos por un hispalense y que han pasado a la gloria literaria inglesa; y Antonio Garnica, de la Universidad de Sevilla, que repasa en un extenso artículo la historia de las traducciones y la repercusión del poema en español ofreciendo traducciones del mismo desde 1835 y por gentes como Alberto Lista, Miguel de Unamuno, Jorge Guillén, Esteban Torre, Eliseo Diego...

José María Blanco y Crespo, llamado Blanco White, nació en Sevilla en 1775 y falleció en 1841 en Liverpool, Inglaterra. Hijo del vicecónsul inglés Guillermo Blanco (White), estudió la carrera eclesiástica, siendo canónigo magistral en Cádiz y Sevilla.

Formó parte de la Academia de Letras Humanas sevillana (1793-1802). Tras una crisis espiritual marchó a Madrid donde frecuentó la tertulia de Quintana. Su ideología liberal le llevó a discrepar con la Junta Central; marchándose de España rumbo a Inglaterra en 1810, allí reinició sus estudios de inglés, su segunda lengua y del griego.

Fue profesor de Universidad de Oxford. Abandonó la observancia católica por la anglicana primero y la unitaria definitivamente. Desde las páginas de El Español, publicación que se prohibió en España, escribió sus famosas Cartas desde España, hoy un clásico de la literatura española. Desarrolló una amplia obra periodística, ensayística y poética en sus dos idiomas y hoy es el heterodoxo por excelencia de la cultura española.

Descarga la portada: http://grupoalmuzara.com/libro/9788415441069_portada.jpg

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TIERGARTEN. UN JARDÍN ROMÁNTICO ALEMÁN  EN FOTOGRAFÍAS DE AMPARO GARRIDO



L.M.A.


El Ministerio de Educación, Cultura y Deporte, inaugura el próximo miércoles 23 de mayo, la exposición Tiergarten. Un jardín romántico alemán, organizada por la Subdirección General de Promoción de las Bellas Artes de la Secretaría de Estado de Cultura en el Museo Nacional del Romanticismo, dentro del marco de PhotoEspaña2012.

La muestra, compuesta por fotografías de Amparo Garrido, ofrece un nuevo enfoque en la lectura de las colecciones históricas del Museo del Romanticismo bajo el prisma de la creatividad contemporánea. Una nueva mirada que tiene por objeto potenciar el papel de los artistas contemporáneos en la lectura de las colecciones y espacios de los museos estatales, dinamizando las actividades y fomentando diferentes diálogos.

Durante un año completo, Amparo Garrido fotografió el jardín romántico de Tiergarten, un entorno artificial diseñado cuidadosamente para suscitar en el espectador la experiencia de la naturaleza más agreste, virgen y exuberante. A través de las instantáneas de la serie y de un video, que recoge el proceso creativo del proyecto, la artista refleja el tránsito de las estaciones, incorporando la dimensión del tiempo a este Edén berlinés. Con ello el jardín termina de cobrar su auténtico sentido, presentándose como una obra completa que nos sugiere, potenciadas, todas las sensaciones proyectadas por los paisajistas románticos: libertad, anarquía, incertidumbre, cambio, vida, muerte.

Inauguración:
- Miércoles, 23 de mayo a las 19,30 horas / Museo del Romanticismo (San Mateo, 13. Madrid)

Más información:
- Exposición Tiergarten. Un jardín romántico alemán





23 mayo - 2 septiembre
Museo del Romanticismo
C/ San Mateo 13. Madrid
Entrada gratuita
www.mcu.es






MANUEL MORAL ROCA, POEMARIO “SINTAGMAS EN ROJO Y NEGRO”



Julia Sáez-Angulo


El escritor jienense Manuel Moral Roca (Torredelcampo, Jaén, 1958), residente en Madrid, presenta su poemario “Sintagmas en rojo y negro”, publicado por Bubok. En el acto, que tendrá lugar en el Ateneo de Madrid  el próximo jueves, 24 de mayo a las 19, 30 horas, estarán presentes con sus comentarios Mayte Pedraza como anfitriona de la citada institución, el poeta Sebastián Galán Pérez, director y presentador del programa “Poetas en el aire” y la escritora Julia Sáez-Angulo.

         Recordemos otros títulos de poemarios Manuel Moral Roca: “En deshielo” (2000), “Palabras de tinta y aire” (2007), “El jardín de Mnemosine” (2009) haciendo eco a la figura mitológica griega que personifica a la memoria, o “Poemas en garganta” (2010).

         Manuel Moral Roca ha escrito en total doce libros, entre ellos las novelas “El vuelo del quetzal”, “Al calor de un repente y “Engullidos”.

“El arte de la literatura, sea oral o escrita, es ajustar el lenguaje para que encarne aquello que indica” –subrayo lo de “encarne”--, dice Alfred Nord Whitehead. Esta cita, con toda intención,  abre el libro de Moral Roca. Para el poeta Moral Roca, la poesía es un “intento de dar forma a una nueva realidad en el mundo de las palabras”, “… una palabra que grito no sólo como creación sino también como cuenco en el cual puedo observar y preguntar sobre los hechos”.

PALABRA Y POESÍA COMO LENGUAJE

“Una suma de minutos iguales,/ todos iguales, inducen/ al lugar de mi persona,/ abren la ventana vista/ al milagro de los sustos/  para afrontar el escrito”. Estos son los versos del primer poema del libro, un poema existencial de autoconciencia. “Las palabras se quedan, / como las piedras de una pirámide, en el secreto de ser ellas mismas/ por saberse después/ espíritus de días pasados que vuelven”. El mundo de la palabra, como material clave del escritor, asombra al poeta.

“Sintagmas en rojo y negro” es un libro de pensamiento, de amor, de reflexión, de exaltación, de entusiasmo, de crítica, de perplejidad, de sensaciones, sentimientos y percepciones, de elegía. Se interroga a sí mismo y nos interroga a nosotros, a veces de modo críptico sobre todo en la primera parte del poemario. En literatura se da el aforismo de que “Se canta lo que se pierde” y el tiempo, escultor y devorador, pule y modifica las cosas, las emociones, los sentimientos y hasta las creencias.

El poeta siempre medita sobre la poesía, motivo de su escritura: “La poesía es ritmo de lo irracional,/ ausencia de objeto en el espejo/ de su sustancia: la palabra. Su encarnación suspira en la búsqueda del compás; secreto de todas sus voces/ de un yo inconcreto, quizás profundo e intacto”.


jueves, 17 de mayo de 2012




“LA CAMPAÑA POR LA LANA” HA REUNIDO A MAS DE CIEN PERSONAS CON UNA TRICOTADA CALLEJERA


Los elementos tejidos formarán parte de la mayor acción 
de urban knitting de España, durante la semana 
de la lana (12-18 de Noviembre)



L.M.A.


La Campaña por la Lana (Campaign For Wool) se celebra en España por segundo año consecutivo, con el desarrollo de un completo programa de actividades mucho mayor que el de su primera edición, pero con el mismo objetivo; Comunicar los múltiples beneficios de esta materia prima.

La primera actividad de la Campaña, ha tenido lugar el jueves 17 de mayo en el Callejón de Jorge Juan en Madrid dónde hemos podido ver un encuentro callejero en el que más de cien personas han tejido al aire libre para aportar su “puntito de lana” a la Campaña por la Lana.

Esta actividad ha tenido lugar paralelamente en la ciudad de Barcelona, concretamente en el Parque de la Ciutadela dónde más de 200 personas se han unido para celebrar su pasión por la lana.

A partir de aquí, una coordinadora en Madrid y otra en Barcelona, seguirán trabajando  junto a Campaign For Wool para organizar a todas aquellas personas de Madrid, Barcelona y otras ciudades de España que, durante ocho meses, tejerán los elementos que decorarán el madrileño barrio de Salamanca y la Barcelonesa Rambla de Cataluña durante la Semana de la Lana (12-18 de Noviembre).

ACERCA DE THE CAMPAIGN FOR WOOL 2012

The Campaign For Wool” es una  iniciativa impulsada por el Príncipe Carlos de Inglaterra que aúna a los productores laneros de la Commonwealth en un proyecto que se inició en Londres en el 2010 y posteriormente en el 2011 se expandió internacionalmente llegando a grandes urbes como Londres, Berlín, Ámsterdam, Oslo, Tokio y Madrid, con el objetivo de fomentar el consumo de lana e informar de sus múltiples beneficios y valores medioambientales

Esta acción es posible gracias a Lanas Stop, empresa española líder en lanas para labores que llevamos más de 50 años desarrollando su actividad productiva y comercial a lo largo de todo el mundo.

Su filosofía se resume en la calidad de los productos que fabrican en sus instalaciones en España; el servicio y atención a los clientes, con un trato personalizado y red propia de vendedores en la mayoría de los países; y el desarrollo e innovación permanente en el mundo de la moda, que permite su aplicación en Lanas Stop.

Es primordial para Lanas Stop el servicio y comunicación con sus clientes a través de las Revistas, leaflets, el boletín “Lanas Stop Info”, etc. La mejora continua es su principio de actuación. Lanas Stop cuenta con los certificados de Aenor (UNE EN ISO 9001 e IQNET International Certification Network) y licenciatarios de las marcas del Secretariado Internacional de la Lana (IWS).






Carmen Conesa
Pintura
Casa de Vacas
Parque del Retiro. Madrid
Mayo, 2012

CARMEN CONESA, TEATRO EN LA VIDA Y LA PINTURA



Julia Sáez-Angulo

         La actriz catalana, residente en Madrid desde hace veinte años, Carmen Conesa Hernández (Barcelona, 1960) está de actualidad por partida doble: interpreta un papel en “La loba” de Lillian Helman junto a Nuria Espert en el Teatro María Guerrero, y expone su pintura en la Casa de Vacas del parque del Retiro de Madrid.

         Carmen Conesa, tras los primeros años, dejó de estudiar en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando para consagrarse de lleno al teatro, si bien su deseo de pintar emerge de continuo en su actividad, después de todo las Bellas Artes se relacionan entre sí porque parten de un tronco común. Su primer trabajo dramático tuvo lugar junto al actor José María Rodero en la obra “Historia de un caballo”.

         La actriz/pintora interpreta y pinta, toca el piano, baila… es una mujer todo terreno que ahora ha querido hacer una exposición retrospectiva de su trabajo plástico desde los años 70 a hoy, coincidiendo con su presencia en los escenarios. Ramón García Alcaraz, de la galería “My name is Lolita” ha actuado de comisario con un montaje cronológico de los cuadros que van desde las primeras copias de Watteau o Gainsborough  --homenajes del Conesa a estos maestros-- hasta los retratos familiares de la autora, pasando por los profesionales de los colegas  en el teatro.

         Una exposición curiosa y variopinta, donde la pintura se desvela como una aventura emocional de Carmen Conesa, quien confiesa que trabaja con la fotografía como elemento auxiliar. “Fotos que yo misma hago”. El óleo es el pigmento habitual de su obra, si bien el acrílico lo utiliza en ocasiones como en el cuadro “Breda” sobre soporte de tabla.

RETRATOS FAMILIARES Y TEATRALES

         El retrato es un género que está muy presente en la exposición. A la pintora le gusta la figura humana y los perros que conviven como mascotas con sus modelos. “Estuve a punto de hacer una serie de personajes y sus perros, pero lo aparqué”, declara Conesa. Entre los retratos; los de José María Flotats, revestido en su personaje de Stalin, y el de Amparo Rivelles. Ambos irán al Museo del Teatro en Almagro. No deja de ser singular que sean cuadros pintados por una actriz.

Los últimos trabajos de Carmen Conesa apuntan a mayores formatos y a conceptos más ambiciosos, como el gran escorzo a lo Mantegna, que ocupa la portada del catálogo, un autorretrato con perro, o el titulado “Gran Vía”, con dos ancianos que se protegen del sol con periódicos en las cabezas.

         En suma, una exposición singular que rezuma personajes familiares o teatrales. Curiosos e interesantes los cuadros de figuras de cuerpo entero con los números de casting con lenguaje realista. Otras figuras teatrales, en el último tramo de la exposición, quedan más abocetadas.
         En la pintura de Carmen Conesa se aprecia la admiración e influencia indirecta del pintor norteamericano Hopper, incluso en su forma de aplicar el oleo muy diluído, casi acuarelado, a diferencia de otras etapas más matéricas, como la de los retratos de sus padres. Una paternidad muy positiva.

Más información
www.carmenconesa.com

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NUEVA SECCIÓN DE LA COLECCIÓN PERMANENTE Y EXPOSICIÓN ROSEMARIE TROCKEL EN EL MUSEO REINA SOFIA


L.M.A.


A partir del lunes los visitantes al Museo Reina Sofía podrán  realizar un recorrido por la nueva sección de la Colección permanente ubicada, en la cuarta planta del Museo, bajo el epígrafe ¿La guerra ha terminado? Arte en un mundo dividido (1945-1968) y que recorre las transformaciones artísticas en la posguerra mientras empieza a conformarse una geopolítica internacional. Entre los artistas representados: Eduardo Arroyo y  Luis Gordillo.

Como principales novedades, se podrá contemplar el importante depósito y donación de la obra de Val del Omar, que incluye sus películas más representativas, collages, utensilios y material documental, además de su laboratorio PLAT, en el que arte y tecnología se dan la mano.

Las salas dedicadas a los Realismos (Nouveau Realisme, Figuración Narrativa de corte expresionista y Realismo Existencialista) se han visto enriquecidas  con importantes novedades como Francis Bacon, Philip Guston, Darío Villalba, Jean Tinguely, Yves Klein, Raimond Hains,  Hervé Télémaque o Erro.

La figuración política española tiene mayor representación ahora, tras la adquisición de la serie “Spain is Different” de Joan Rabascall y la instalación de otros trabajos representativos de este momento, como los de Eduardo Arroyo, Equipo Crónica o  Juan Genovés.

Importante destacar el valioso depósito de siete obras deClaes Oldenburg, realizado por la Sonnabend Gallery, de Nueva York, que se podrán ver por primera vez en el Museo.

Otra de las novedades radica en el montaje de una nueva sala dedicada a la fotografía neorrealista española que reúne el mayor número de fotógrafos españoles de los años 50 y 60, algunos de cuyos trabajos son inéditos: la serie “neutral corner” de Ramón Masats, que es la primera vez que se enseña al público, o las fotografías de Gabriel Cualladó, Oriol Maspons y Carlos Pérez Siquier,  por citar sólo algunos nombres. Este espacio se ha puesto en diálogo con la sala dedicada a Antonio López yCarmen Lafón


ROSEMARIE TROCKEL: UN COSMOS

El miércoles se abre la muestra dedicada a la alemana Rosemarie Trockel (Schwerte, 1952), que podrá visitarse hasta el 24 de septiembre.

Por primera vez en toda su larga trayectoria, sus obras—muchas de las cuales se presentan por primera vez con esta ocasión— se mostrarán junto a un conjunto de piezas de autores, épocas, técnicas y temáticas muy heterogéneos, que dan cuenta de su ideario. Por ejemplo, dibujos de plantas tropicales y láminas de ornitología de los siglos XVIII y XIX podrán verse junto a un corto de animación protagonizado por escarabajos y obras de artistas marginales del siglo XX. De esta forma, la exposición contribuye de manera decisiva al conocimiento y compresión del “cosmos” o imaginario de Rosemarie Trockel.




HOMENAJE A MENÉNDEZ PELAYO EN LA BIBLIOTECA NACIONAL DE ESPAÑA




L.M.A.



Con música de Bach, la canción Montañesa, de Joaquín Nim interpretada por el coro de la BNE y las palabras de la directora de la BNE, Gloria Pérez-Salmerón, el director de la Real Sociedad Menéndez Pelayo, Ramón Emilio Mandado, el alcalde de Santander, Iñigo de la Serna, el director de la Real Academia de la Historia, Gonzalo Anes y el secretario de Estado de Cultura, José María Lassalle, la Biblioteca Nacional de España y la Real Sociedad Menéndez Pelayo han rendido un homenaje a Marcelino Menéndez Pelayo, director de la Biblioteca entre 1898 y 1912 y figura fundamental en la cultura española.

El acto, al conmemorarse el primer centenario de su muerte, se ha celebrado junto a la estatua de Menéndez Pelayo que presidente el vestíbulo de entrada a la Biblioteca, a sus pies, dos coronas de laurel.

Entre los asistentes José Manuel Blecua, director de la Real Academia de la Lengua, José Antonio Cagigas, presidente del parlamento cántabro, Salvador Ordoñez, rector de la Universidad Internacional Menéndez Pelayo, Marcelino Oreja, presidente de la Real Academia de Ciencias Políticas y Morales.

DATOS BIOGRÁFICOS

Nacido en Santander en 1856, estudió en las Universidades de Barcelona y Central de Madrid y amplió sus estudios en Portugal, Francia e Italia.
Fue catedrático de Literatura en la Universidad Central de Madrid y miembro de la Real Academia Española, de la de Historia, de la de Bellas Artes de San Fernando y de la de Ciencias Morales y Políticas. En 1898 fue nombrado Director de la Biblioteca Nacional.
Autor muy prolífico, en 1881 publicó una de sus obras más conocidasHistoria de los heterodoxos españoles, aunque dedicó sus estudios a la historia, la filosofía, la literatura y la crítica.
Marcelino Menéndez Pelayo murió en Santander el 19 de mayo de 1912.








DOS OBRAS DEL ESCRITOR RECIÉN FALLECIDO CARLOS FUENTES EN EDICIONES CÁTEDRA




L.M.A.



El escritor mexicano Carlos Fuentes falleció ayer fallecido a los 83 años. El autor obtuvo, entre otros galardones, el Premio Cervantes de Literatura en 1987 y el Príncipe de Asturias en 1994. Ediciones Cátedra recoge dos de las obras del reconocido autor mexicano recientemente fallecido: “La muerte de Artemio Cruz” y “La región más transparente”, dentro de su colección de ‘Letras Hispánicas’.

El paso del tiempo –cincuenta años desde su primera publicación- ha ratificado el valor literario de una novela, La muerte de Artemio Cruz, en la que el autor se situaba a la vanguardia de lo que algunos años más tarde se conocería como la “nueva novela hispanoamericana”.

Carlos Fuentes sorprendió a los críticos con una novela moderna y de enorme solidez narrativa. Novela de gran intensidad temática, está centrada en la reflexión sobre el México surgido de la Revolución, pero también analiza, con amargura, cuestiones tan universales y permanentes como la soledad, el poder, o el desamor. La mente del protagonista transita durante toda la obra por la memoria y ésta se convierte en un símbolo de salvación, es el espejo en el que el hombre se reconoce, el lugar de encuentro con su pasado que es, a la vez, su futuro.

“La región más transparente” es la primera obra del mexicano Carlos Fuentes cuya elaboración obedece claramente al criterio de totalidad que presidirá su obra posterior. El empleo de diversas técnicas literarias y de novedades tipográficas, el rompimiento con las tradiciones vigentes y la utilización original de tradiciones olvidadas, así como su carácter de recopilación de todas las hablas, vocablos, cantos, expresiones, gritos y silencios que existen en el país, en la ciudad de México, hicieron de esta obra un poderoso catalizador en el proceso de renovación delas letras hispanas.



“Breve historia del espionaje”
Juan Carlos Herrera Hermosilla
Editorial Nowtilus
Madrid, 2012


“BREVE HISTORIA DEL ESPIONAJE” ESCRITA POR JUAN CARLOS HERRERA




Julia Sáez-Angulo


Desde la espía rusa Ana Chapman en plena actualidad hasta el nuevo actor Daniel Craig, el nuevo James Bond de OO7 en las películas británicas, el espionaje sigue siendo motivo de interés y atracción de los lectores. Esta “Breve historia del espionaje” cuenta y aclara muchos puntos y conductas sobre el mismo. Su autor, Juan Carlos Herrera Hermosilla (Madrid, 1963).

A los célebres nombres de Mata Hari, Allan Pikerton o Greta Garbo, se suman un buen numero de nombres que ban desde Aí Bey, espía español en la corte de Marruecos a Juan Pujol en la época más reciente. La organizaciones de espionaje y contraespionaje son también abundantes en el pasado y el presente, desde la CIA al Mossad, pasando por el KGB o la Stasi, hasta llegar al CSID o al CNI de los servicios secretos españoles.

El espionaje viene de antiguo, como narra Herrera que se remonta a la antigüedad de la Biblia, de Grecia o de Roma. Le siguen los espías del Medioevo, el Nuevo Mundo y los imperios francés e inglés que siguieron en el tiempo. No falta el personaje de Joseph Fouché, un ministro francés capaz de atravesar todos los regímenes políticos de Francia, desde la monarquía a la revolución y el nuevo régimen, debido al espionaje. Napoleón fue un buen personaje histórico que supo espiar muy bien a los otros.

“Pocas actividades humanas causan sentimientos tan encontrados como el espionaje”, se dice en la introducción del libro. “Por un lado es secular el rechazo al individuo que ha de traicionar a aquellos que confían en él, al propagar sus secretos, por otro, es inmensa la fascinación que siente el ser humano por las hazañas de los espías, de los agentes dobles, por el riesgo que corren esos hombres y mujeres no frente al enemigo, sino junto a él”.

El libro termina con una bibliografía bien ilustrada que permite ampliar conocimientos sobre el tema del espionaje.






miércoles, 16 de mayo de 2012




JAVIER ABELLA, FOTOGRAFÍAS EN NEGATIVO SOBRE MADRID EN CASA DECOR


Julia Sáez-Angulo


         Javier Abella (Madrid, 1971) expone sus fotografías sobre la capital de España en negativo, titulado "Madrid. Otras Realidades", en la última edición de CASA DECOR 2012 --20 AÑOS--, que tiene lugar en la antigua Casa de Minas (Plaza de España, 8) de Madrid, un decadente y hermoso palacete que los grandes diseñadores han ocupado con lo más plus del diseño actual.

         Después del libro sobre “Barcelona. Otras Realidades”, también en negativos que ha llevado a cabo Javier Abella, el fotógrafo ha abordado la capital de España con el mismo enfoque y un resultado sorprendente, donde las cúpulas, monumentos, casas o la plaza de toros de las Ventas resplandecen a modo de nocturnos, debido al trabajo sobre los negativos del fotógrafo.  Algunas de las fotografías van en cajas de luz y el efecto de luminosidad y sombra es espectacular.

 El artista ha obtenido diversos reconocimientos, entre ellos el premio Tertulia Ilustrada de Madrid, 2009,por su labor fotográfica en su serie "Rojo y Negro", sobre la flor del ceibo y el libro de Stendhal. También trabajó anteriormente  la serie "Metalic Flowers".

“Con esta técnica del negativo, las imperfecciones de las cosas se integran y funden mejor en la imagen”, afirma el artista, que ya participó en CASA DECOR 2011. En esta última edición ha sido la alcaldesa de Madrid Ana Botella la que inauguró la presentación que cuenta con veinte años de experiencia y reconocimiento general.

Entre los patrocinadores se encuentran Barkeleys Bank y Ford que presenta el nuevo B-Max, como protagonistas clave de esta convocatoria, así como las pinturas de Valentine. No faltan el diseño francés, los muebles Rimadesio, la revista TELVA, cervezas Mahou, Mutua Madrileña, Mallorca restauración, Selvazul Interiorismo, FotoCasa, Velsa y el Ayuntamiento de Madrid.


Entre los asistentes al acto de inauguración: la ex ministra Carmen Alborch, la diseñadora Ainhoa Sáez, la galerista May Moré, la pintora Cristina Duclós y numerosos personajes del mundo de la televisión y la moda.


Más información 
www.javierabella.com






OCHO ESPAÑOLES Y UNA MEJICANA EXPONEN EN VIVE GALLERY DE LONDRES




L.S.



En la Vibe Gallery de Londres se inauguró el 27 de abril de 2012 la muestra “Art of Spanish collective” organizada por “Ocre & Oro”. Comisariada por Julia Herrera de Salas, Presidenta de la Asociación, quien seleccionó ocho artistas españolas y una mejicana, para esta primera presentación de la asociación en la capital del Reino Unido.

El artista Ercilio Vidriales, pintor polifacético extraordinariamente imaginativo, cuyos originales collages brillan con fuerza y color, en esta ocasión eligió para presentar en la Vibe Gallery una serie de tauromaquias, que despertaron el interés del público londinense.

Las pintoras naif Marian y Virtudes Molina, hermanas a quienes se nota bebieron de la misma fuente de inspiración, nos muestran unos bellos y bien construidos paisajes que se diferencian entre sí en el hecho que Virtudes les incorpora delicadas figuras femeninas en actitud erótica.

De Inés Loriente decir que la artista en su obra nos habla de soledades, de amores desgraciados o imposibles, ella misma se clasifica como autodidacta y eso se nota en su pintura, es absolutamente suya, no tiene influencias de otros maestros, aun que ella como mujer culta los conoce.

El pintor Pepe Madrid, cuya pintura podemos clasificar de expresionista y que nos revela la gran fuerza interior del artista, a Londres llevó dos atípicos toreros los cuales presentó de manera original y muy creativa, dos bellas mujeres y  un magnifico cuadro de una bebedora, que nos recuerda a Toulouse Lautrec, aunque por supuesto impuesto de su personalidad la cual se extiende por toda su obra.

Carmen Espinosa, pintora, escultora, autodidacta, investigó la utilización de diferentes materiales para sus creaciones plásticas y el resultado puede ver se aquí en esta interesante muestra de escultura de la artista que nos deleita con sus meninas de variados tamaños y colores, esta artista pertenece al Grupo pro Arte y Cultura promotor del inicio de varios museos de Arte Contemporáneo Español, lo hicieron en Bulgaria, Argentina, Alemania y España.

La instalación de Linda de Sousa “La Erótica de la Materia”, cuyos dibujos a tinta sobre acetato, revelan un gran erotismo para llamar la atención sobre la utilización de las mujeres como meros objetos de deseo. Como siempre la artista denuncia con su obra - que pertenece a su serie “Transparentes”- el hecho que la sociedad mira a través de lo que no quiere ver para no darle solución.

Y también picardía, erotismo y sensualidad, se desprende de la obra de Elohe (Elena López Herreros) esta artista también se define como autodidacta, la pintora teniendo como base el dibujo, podemos decir un buen dibujo él cual le permite ir construyendo sus cuadros, con fuertes pinceladas de óleo invadiéndonos de color y de fantasía, de belleza plástica.

Irma Garza artista de Monterrey admiradora de los grandes muralistas mexicanos, tales como Diego Rivera, Siqueiros u Orozco nos trae a esta exposición la alegría y el colorido de su Méjico natal, su obra ingenua y colorista nos revela una artista que puede sorprendernos cuando haya absorbido todo lo que la vieja Europa tiene para aportarle. Desde luego ha empezado con buen pié al ser elegida por  la comisaria  de la exposición,” La Fiesta del Arte” que le abrió las puertas de Londres, le seguirán Roma y Barcelona donde Julia Herrera  ya está preparando sendas muestras del trabajo de Irma Garza.
Es esta una magnifica forma de empezar a abrirse paso en el difícil mundo del arte europeo.

Felicitar a Julia Herrera de Salas por su comisariado y por acercar nuestro arte al mercado londinense, labor muy necesaria en los difíciles tiempos que cogen.

LS
Miembro de la AMCA