sábado, 18 de febrero de 2012

La artista mexicana Marcela Armas, ganadora del VII Premio ARCO Madrid/BEEP de arte electrónico



L.M.A

| La obra Máquina Stella de la artista mexicana Marcela Armas ha sido galardonada con el premio ARCOmadrid/Beep de Arte Electrónico que celebra su séptima convocatoria. El acto de entrega, celebrado hoy en la galería ARRÓNIZ donde se expone la obra en la feria, ha contado con la presencia de Andréu Rodríguez, consejero delegado de BEEP, y Carlos Urroz, director de ARCOmadrid.


La obra premiada ha sido seleccionada por un prestigioso jurado internacional formado por especialistas en arte y nuevas tecnologías como son Roberta Bosco, Fernando Castro Flórez, Marie-France Veyrat y Vicente Matallana de LaAgencia, quien actuó como secretario del Jurado. La pieza ha sido seleccionada entre un total de 61 trabajos presentados al certamen.

El Premio ARCOmadrid/BEEP de arte electrónico es una muestra más de cómo la Feria Internacional de Arte Contemporáneo ARCOmadrid está en proceso de renovación constante e incorpora cada vez con más fuerza las creaciones de artistas que utilizan las nuevas tecnologías como una herramienta más para la expresión, creación e investigación.


Marcela Armas

La ganadora del Premio ARCOmadrid/Beep de Arte Electrónico en la 31ª edición de la Feria, Marcela Armas (Durango, 1976) es una artista mexicana, cuyo trabajo es el resultado de una investigación sobre energía y sostenibilidad. “Para mi las máquinas en general son aparatos mucho más vulnerables de lo que parecen”, asegura la artista, que ha creado un sistema que demuestra metafóricamente la insostenibilidad de nuestra sociedad actual.


La obra galardonada, Máquina Stella, es una escultura en forma de dodecaedro, cuyas partes están completamente interconectadas, y reciben carga eléctrica según lo que demande más potencia, por lo que la imposibilidad de encontrar la distribución perfecta de la energía desemboca en la fundición de uno de estos filamentos, de su colapso. La pieza es, finalmente, una metáfora del desigual reparto de la riqueza en nuestra sociedad, a partir de un pensamiento artístico abstracto sobre la distribución de la energía.


En ediciones anteriores recibieron este premio las obras presentadas en ARCOmadrid de artistas multimedia reconocidos internacionalmente como Eduardo Kac por la obra Time Capsule, José Manuel Berenguer por la obra Luci o el colectivo Ubermorgen por la obra The EKMRZ Trilogy. La pieza Expanded Eye de la artista Anaisa Franco ganó la pasada edición del Premio ARCOmadrid/Beep de Arte Electrónico.

.

David Rodríguez Caballero inaugura la exposición individual Recent works en Marlborough Nueva York

Museo Würth


L.M.A.


David Rodríguez Caballero inaugura el próximo 23 de febrero, en Nueva York, la exposición individual Recent works. La muestra, que se podrá visitar hasta el 24 de marzo, estará abierta en la sede que la Galería Marlborough tiene en el barrio de Chelsea (545 West 25th Street), en Manhattan. Recent works muestra más de una treintena de piezas en las que se pueden apreciar las últimas evoluciones de Rodríguez Caballero en tres de sus líneas de trabajo habituales, los aluminios, los vinilos, y la más reciente de latón. La obra del artista navarro no es desconocida en Estados Unidos, ya que se ha mostrado previamente en la exposición colectiva “Powders, a phial, and apaper book” y en las ferias Armory Show y Art Basel Miami. En las tres oportunidades todos los trabajos mostrados se vendieron, por lo que es de esperar que la acogida de los coleccionistas americanos refrende la sintonía de los coleccionistas norteamericanos con el trabajo de Rodríguez Caballero.

“Me siento ilusionado y expectante por la respuesta que el público, los críticos y los coleccionistas americanos puedan tener hacia mi obra, aunque creo que será positiva, a juzgar por lo que he podido comprobar con muchos de ellos a lo largo de estos meses. El objetivo es que la selección de obras expuestas muestre las últimas evoluciones de mi trabajo y ofrezca, además, una visión esencial de mi universo plástico. En este sentido, estar a caballo entre Madrid y Nueva York durante el último año ha enriquecido mucho mi visión durante el último año, ya que me ha permitido confrontar mis creaciones con las de algunos artistas referenciales para mí. Como sucedió en el año 98, cuando hice aquí el descubrimiento inicial del aluminio como material de trabajo, Manhattan está suponiendo un laboratorio de ideas muy estimulante”.
“Mi trabajo gira en torno a dos aspectos esenciales: el material y la luz. Utilizo materiales, como el aluminio o el latón, alterando sus condiciones naturales hasta transformarlos en algo completamente diferente. Este efecto se consigue por medio de un proceso de lijado en el que la luz se convierte en el elemento más importante. La luz me ayuda a crear el espacio, se convierte en parte del material del mismo modo en el que los arquitectos griegos incorporaban las luces y la sombras como un elemento constructivo más de sus templos, construidos a partir de la yuxtaposición de ambos. No concibo la luz como un simple agente luminoso, sino que para mí es lo que permite que el material exista de un modo distinto. Tanto los aluminios como los latones existen gracias a la vibración que provoca la luz, una sensación que genera una experiencia retiniana que es consecuencia de mi educación pictórica previa”, ha concluido Rodríguez Caballero.

Glaciares, todavía abierta al público en Würth

El Museo Würth de La Rioja (Pol. Ind. El Sequero. Agoncillo) muestra actualmente Glaciares / Glaciars, la exposición más ambiciosa e importante de la carrera de este artista. La muestra, comisariada por el historiador y catedrático de Historia del Arte Kosme de Barañano, estará abierta hasta el 9 de abril, y en ella se pueden contemplar 132 obras del artista, divididas en 38 esculturas en aluminio, 4 esculturas en latón y 1 escultura monumental de cuatro metros, 7 joyas de tirada única realizadas en oro paladio por el taller de Francisco Pacheco, 5 vinilos, 60 dibujos, 10 maquetas de esculturas y 7 maquetas de obra monumental en edificios, en colaboración con el estudio del arquitecto Ignacio Vicens. La exhibición se acompaña de un catálogo con ensayos del comisario, Kosme de Barañano, sobre la luz en la Historia del Arte y en la obra de David Rodríguez Caballero.
Dentro de las actividades organizadas en torno a esta exposición, los pasados 3 y 4 de enero, David Rodríguez Caballero impartió varias videoconferencias y una master class a los participantes en el festival Actual 2012 de Logroño. En conexión directa desde su estudio de Tribeca el artista explicó a los participantes las claves de su trabajo, además de reflexionar sobre su concepto de la creación o sus referencias personales.

David Rodríguez Caballero

David Rodríguez Caballero (1970) es licenciado en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco (1995). Ha participado en numerosas exposiciones individuales y colectivas a nivel nacional e internacional y en ferias como Art Basel Miami, KIAF de Seúl, MACO de México, BALELATINA de Basilea, ARCO de Madrid y Armory Show de Nueva York. También ha resultado galardonado con el Primer Premio Internacional de Grabado Bodegas Dinastía Vivanco (La Rioja, 2008), Primer Premio de la IX Mostra Colección Unión Fenosa (Museo de Arte Contemporáneo Unión Fenosa, 2006), Primer Premio de Pintura Volksbank Paderborn (Paderborn, Alemania, 1996) y Primer Premio de Pintura Pamplona Jóvenes Artistas (Pamplona, 1995), entre otros.

Su obra está presente en numerosas colecciones internacionales, como Fundación Coca-Cola, Museo Würth (La Rioja), Museo de la Cultura del Vino Dinastía Vivanco, Museo de Arte Contemporáneo Unión Fenosa (MACUF), Museo Patio Herreriano, Biblioteca Nacional, Ayuntamiento de Pamplona, Palacio de los Papas (Viterbo, Italia), Fundación Volksbang (Paderborn, Alemania), Museo de Navarra, Instituto Nacional de Estadística y la ISE Cultural Foundation (Nueva York / Tokio).

El artista ha publicado en los últimos años tres libros monográficos; el primero de ellos, escrito por Marta Arroyo, conservadora del IVAM de Valencia, es Cinco Maneras (editado por el Ayuntamiento de Pamplona con motivo de su exposición en la Ciudadela de Pamplona, junio de 2006), en el que presenta sus cinco líneas de trabajo realizadas entre 1998 y 2006: plexis, aluminios, origamis, vinilos y esmaltes. El segundo, Conversaciones con artistas navarros: David Rodríguez Caballero (a cargo del Gobierno de Navarra), es un compendio de la trayectoria artística del joven pintor, que articula, de manera comprensible a un público interesado, una amplia muestra gráfica de su obra enmarcada en la pauta argumental de unas conversaciones guiadas por Kosme de Barañano. El último, David Rodríguez Caballero: Aluminios / Aluminiums, vio la luz hace sólo unos meses coincidiendo con una muestra en la Fundación Forcada, aunque ya se está trabajando en una nueva publicación que relaciona la música con el trabajo escultórico de Rodríguez Caballero.



Martín Vitaliti, Premio de Dibujo Museo ABC




L.M.A.



El artista argentino afincado en Barcelona Martín Vitaliti, de 33 años, ha sido galardonado hoy con el Premio de Dibujo Museo ABC que otorgan conjuntamente dicho centro y JustMad.

La elección se ha realizado entre los creadores participantes en la feria de arte, que han mostrado obras donde el dibujo tenía un papel protagonista. El joven creador realizará un proyecto específico para el Museo ABC, que se mostrará en su sede de la calle Amaniel de Madrid, en febrero de 2013.

El objetivo del premio no es quedarse simplemente en un galardón sino, a través de una exposición, poder adentrarse más profundamente en la obra del artista.

Vitaliti, conocido por su manipulación de álbumes de comic, expone su obra en la galería etHall de Barcelona. Un particular espacio de 18m2 dedicados a las diferentes disciplinas relacionadas con el dibujo y el cómic donde exponen artistas nacionales e internacionales.

El Museo ABC donde se mostrará el proyecto del artista es un centro vivo dedicado al dibujo y la ilustración en todas sus vertientes. Hay espacio para el lápiz, pero también para el píxel. Se trata de un espacio de casi 4.000m2 único en el continente.

.

viernes, 17 de febrero de 2012

PEDRO SANDOVAL, DISTINGUIDO COMO MEJOR PINTOR ART MADRID 2012



L.M.A.


El pintor hispano/venezolano Pedro Sandoval (Caracas, 1966) ha sido distinguido como Mejor Pintor de la Feria Art Madrid 2012. El artista, residente en Madrid desde hace dos décadas, expone ocho de sus obras abstractas en el stand de la galería Victor i Fills. La Feria Art Madrid se clausura el próximo domingo, día 19, por la tarde.

En el catálogo “Malerei/ Paintings 2005 – 2011”, Darío Tobes, historiador de Arte, escribe: “Los procesos creativos en la sociedad contemporánea parten de continuas relecturas, reinterpretaciones sobre lo ya hecho en un contexto globalizado que facilita estas prácticas gracias a las múltiples vías de comunicación y de acceso a la información.

Esta época se caracteriza por el continuo desplazamiento y la apropiación colectiva en un tiempo sin fronteras, donde las identidades se abren y se dejan invadir por el ilimitado acceso a las diferentes culturas y fuentes de conocimiento, enlazándose unas con otras hasta llegar a lo que se denominan culturas híbridas (1).

Con este espíritu surge la figura de Pedro Sandoval, abanderado de un género que una vez más encuentra su digno renovador. Sin embargo, sería equivocado pensar que su revolución es únicamente visual, ya que sus procesos teóricos e intelectuales definen los parámetros del creador de última generación.

Nicolás Bourriaud destaca cómo estos artistas llevan los principios esenciales a partir de los cuales podría volver a construirse la modernidad: “Principios que podríamos enumerar: el presente, la experimentación, lo relativo, lo fluido… un relativismo generalizado, un comparatismo crítico” (2).
El título de la serie producida entre 2009 y 2010, “Google Monet Universe”, representa el ejemplo más ilustrativo de esta nueva modernidad. En ella podemos observar cómo el pintor se apoya sin complejos en sus referentes –ya pasados o presentes–, los decodifica y los vuelve a ubicar en un imaginario embebido por el influjo de nuestro tiempo.

Una vida en tránsito

Esta táctica de apropiación se puede apreciar desde el inicio de su carrera, como si se tratara de una condición innata cuyo punto de partida nos traslada a su Venezuela natal.

Durante 2001 la situación por la que atraviesa el país, sumada al irrefrenable deseo por “contaminar” su campo creativo, sumergen al artista en un viaje de no retorno cuya cartografía marca el inicio de estas nuevas fórmulas pictóricas.

La serie “Masada” de finales de los 90, los bodegones o las obras sobre la tauromaquia en el año 2000 constituyen etapas prematuras –aún figurativas– que marcan el preludio de este viaje. Procesos sujetos a la figuración, pero que ya transitan por un lenguaje interior que delata esa lucha por liberarse de una mímesis que limitaba la exploración de su propio imaginario.

Tanto estas escenas taurinas como la figuración “Masada” o los bodegones, son hoy documentos únicos que nos permiten apreciar la progresiva defragmentación de las formas y su evolución en el estudio de la volumetría, las texturas o los planos de color, al servicio de una simbología personal.
Esta evolución que invitamos a contrastar en el presente catálogo, demuestra cómo el punto de partida de Pedro Sandoval tuvo su anclaje en un academicismo, del que se emanciparía para buscar su propio camino lejos de los parámetros marcados por lo objetual, pasando de representar la naturaleza a plasmar sus percepciones sobre la misma mediante la incorporación de conceptos asumidos en latitudes dispares.

De cualquier modo no debemos pensar que Pedro Sandoval renunció a establecer una comunicación de igual a igual con el observador. Filtrar la realidad a través de la propia percepción puede resultar a priori excluyente, pero en este caso el impacto visual, el uso de recursos semióticos aún reconocibles, y la evocación figurativa tras un lento proceso de desconfiguración, dan como resultado obras abiertas a infinitas interpretaciones en función de los vínculos vitales establecidos con el observador.

Sus pinturas, cargadas con este fuerte carácter participativo (3), se han moldeado a partir de la continua absorción de conceptos, en una suerte de resiliencia donde cada insignificante acontecimiento se convierte en un instrumento útil para el aprendizaje.

Así, su estancia en Suiza colaborando en el taller de Baselitz, su paso por EEUU -de donde surgirán homenajes a Cy Twombly o De Kooning-, sus escapadas a Berlín y aquellas interminables sesiones de trabajo en su taller de Madrid, han convertido a Sandoval en el paradigma del artista radicante, cuya trayectoria configura un estilo de identidades múltiples. Gestando de esta manera un nuevo tipo de flaneur donde el intercambio de experiencias conforma un modo de expresión en continuo proceso.

La virtud de lo pretérito

A pesar de estos hábitos propios de la creación contemporánea, Sandoval conserva un férreo anclaje en la tradición pictórica más elemental. Autodefinido trabajador de la pintura, es sobre todo un artesano de las técnicas artísticas.

En consecuencia su obra se hace netamente experiencial y sólo puede ser apreciada a partir de la confrontación cara a cara con esos volúmenes escultóricos que una y otra vez desafían las leyes del registro bidimensional.

En una era donde lo virtual parecía haber ganado definitivamente la partida, el artista reclama una vuelta al arte más primario, recuperando otros modos de vivir la estética que parecían ya descartados. En este sentido las referencias a los grandes maestros del pasado se suceden una tras otra, reflejándose en su obra sin complejos.

Cada pieza pictórica contiene una lección de historia del arte. Empezando por el primitivismo más puro en forma de chamanes, cíclopes, constelaciones (2008-2009) y un bestiario -las citadas tauromaquias- cuyo tratamiento nos remite a la pintura rupestre (4).

Esta mirada hacia nuestros orígenes más remotos incluye la representación de sublimes parajes testigos de nuestra evolución, como la misma tierra de Masada en Israel o su serie “África” (2004-2006). Paisajes que interpretará con un particular romanticismo al estilo del “Le Gran Tour”.

Pero por encima de estas tendencias se impondrá el filtro de la abstracción en todas sus vertientes; desde los pioneros Wassily Kandinsky o Piet Mondrian, pasando por los lienzos expandidos “all over” de Clyfford Still o el “action painting” de Jackson Pollock.

Aquellas corrientes que erigieron nuestro Universo visual se acumulan, se superponen y se mezclan con una energía descontrolada en la paleta del artista, desechando cualquier orden cronológico o estilístico en un absorbente juego que Fernando Castro Flórez califica de “canibalismo cultural” (5). Donde la actitud fagocitadora hacia cualquier influencia genera identidades renovadas -que no sumisas hacia ninguna de ellas-.

He aquí entonces lo más apasionante en la filosofía de Pedro Sandoval: ese juego descrito de equilibrios entre la praxis tradicional y una conducta nómade, cuyo choque genera una pintura aparentemente libre e informal pero ejecutada bajo una estricta disciplina.

De este modo ha logrado aquello que a lo largo de la historia del arte diferenció a los más grandes, al inventar un lenguaje en sintonía con la idea de artista del siglo XXI. Un lenguaje de código abierto que se expande y se enriquece inagotablemente, dejando a sus seguidores con la eterna incertidumbre de su próxima actualización.

Notas

1. culturas hibridas
nestor garcia canclini.
isbn 9789700505626
2. radicante
nicolas bourriaud, adriana hidalgo editora, 2009
isbn 9788493714062
3. texto. la fruición pictórica de pedro sandoval
perán erminy
4. texto. pedro sandoval, fiesta taurina 2002
adolfo wilson


La Comunidad y Heineken premian en ARCO el talento de Marcel Dzama y Falke Pisano, respectivamente




L.M.A.


La Comunidad de Madrid participa una vez más en la Feria
Internacional de Arte Contemporáneo ARCO 2012 con los premios Arco
Comunidad de Madrid y Heineken CA2M. Este año el Premio Arco
Comunidad de Madrid ha sido para Marcel Dzama (Winnipeg, Manitoba
Canadá, 1974) por su obra Rebellion lay in her way 2011, mientras que
Falke Pisano (Amsterdam, 1978) ha sido galardonada con el Premio
Heineken CA2M por su trabajo The Body in Crisis (Distance, Repetition, and
Representation).
La directora general de Archivos, Museos y Bibliotecas, Isabel Rosell,
y el director del Centro de Arte Dos de Mayo, Ferran Barenblit presentaron
hoy sendos galardones en el CA2M, coincidiendo con la visita de
profesionales y prensa internacional al centro artístico, situado en Móstoles.
El jurado del Premio ARCO Comunidad de Madrid para Jóvenes
Artistas reunido en su novena convocatoria, seleccionó el diorama Rebellion
lay in her way, 2011, del canadiense Marcel Dzama, realizado sobre
madera, vidrio, papel collage, gouix y tinta de 56’6 x 64’1 x 30’5 cm y que
expone en ARCO la Galería Helga de Alvear (Madrid). El Jurado decidió
otorgar el premio al proyecto de Marcel Dzama por ser una obra que
Dirección General de Medios. Oficina de Comunicación - Puerta del Sol, 7. - 28013 Madrid - 91 580 20 70
comunicacion@madrid.org - www.madrid.org - facebook.com/comunidademadrid - twitter.com/comunidadmadrid
expande los límites del dibujo y genera una narratividad compleja. Dzama
es un artista con un universo personal único, plagado de referencias
culturales que van desde Picabia hasta el cómic. Se trata de una obra
singular dentro de la trayectoria del artista, que supera el plano para
adentrarse en la representación de un escenario en el que transcurren
múltiples historias. La pieza está muy acorde con la Colección del CA2M, al
encajar con otros formatos presentes, especialmente el dibujo, por la puesta
en escena, la forma de narrar y la investigación en técnicas sencillas a la
par que novedosa.
El Premio ARCO Comunidad de Madrid para Jóvenes Artistas, creado
en 2004, es una iniciativa que busca el reconocimiento de jóvenes
creadores, menores de 40 años, premiando la mejor obra de artes plásticas
expuesta en la Feria ARCO, cuyo precio de venta no exceda de 35.000 €. Al
igual que en años anteriores la Comunidad de Madrid adquirirá la obra
galardonada incorporándola a los fondos de su Colección del CA2M Centro
de Arte Dos de Mayo.
El jurado del premio estuvo formado por Isabel Rosell, directora
general de Archivos, Museos y Bibliotecas de la Comunidad de Madrid;
Ferran Barenblit, director del CA2M -Centro de Arte Dos de Mayo; José
Guirao, director de La Casa Encendida de Madrid; Estrella de Diego,
ensayista y catedrática de Arte Contemporáneo de la Universidad
Complutense de Madrid, y Lorena Martínez de Corral, asesora de Artes
Plásticas de la Vicepresidencia y Consejería de Cultura y Deporte de la
Comunidad de Madrid.
Premio Heineken CA2M
Además, por segundo año, se concede un nuevo galardón relacionado con
ARCO, el Premio Heineken CA2M. Este año ha recaído en la obra The Body
in Crisis (Distance, Repetition, and Representation) de la artista holandesa
Falke Pisano (1978). La pieza es una instalación (video e impresiones en
papel) que ha adquirido Heineken a la galería Ellen de Bruijne de
Amsterdam, que la donará al CA2M Centro de Arte Dos de Mayo de la
Dirección General de Medios. Oficina de Comunicación - Puerta del Sol, 7. - 28013 Madrid - 91 580 20 70
comunicacion@madrid.org - www.madrid.org - facebook.com/comunidademadrid - twitter.com/comunidadmadrid
Comunidad de Madrid, para que pase a formar parte de la colección de este
centro del Gobierno regional.
Esta pieza, concebida como un proceso, se centra en las
representaciones históricas del cuerpo humano en momentos de crisis,
principalmente caricaturas y gráficos que la artista ha recopilado en varios
viajes de investigación realizados a lo largo del último año. Su análisis
muestra la reiteración histórica y continua de las crisis a las que el cuerpo
humano se ve sometido, al tiempo que se cuestiona las posibilidades
formales de su representación en el contexto del arte.
La obra también responde al interés, tanto por parte de Heineken
como del CA2M de la Comunidad de Madrid de apoyar a artistas jóvenes
que están comenzando y para los que el premio suponga un espaldarazo a
su carrera.
En este caso, el jurado estuvo formado por el director de ARCO
Carlos Urroz; el crítico y comisario independiente Iván López; el artista
David Bestué; el director del CA2M, Ferran Barenblit; el presidente ejecutivo
de Heineken España, Richard Weissend; y el director de MK Heineken
España, Erik Larsson.
Participación de la Comunidad de Madrid en Arco
Además de ambos galardones, la Comunidad de Madrid participa en esta
edición de ARCO con un stand dedicado a las publicaciones de sus centros
de arte y salas de exposiciones. El Gobierno regional ofrece las siguientes
exposiciones durante estos días: Aernout Mik y Punto Muerto, de Gregor
Schneider, en el CA2M Centro de Arte Dos de Mayo; Martin Creed.
THINGS/COSAS, en la Sala Comunidad de Madrid-Alcalá 31; Juan Gatti.
Contraluz, en la Sala Canal de Isabel II; y la exposición XXII Edición
Circuitos Artes Plásticas 2011, en la Sala Arte Joven de la Comunidad de
Madrid (Avda. de América, 13. Madrid).

.

16 autores, profesores o especialistas ligados al mundo digital se unen en un libro de relatos



L.M.A.



Neus Arqués, Javier Celaya, Doménico Chiappe,Benjamín Escalonilla, Cristina Fallarás, María Goicoechea, Luis González,Arantza Larrauri, Anika Lillo, Manel Loureiro, José Manuel Lucía, VanessaMontfort, Miriam Reyes, Dolores Romero, Javier Ruescas y Lorenzo Silva participan en el experimento de escribir un cuento que sólo puede existir después de internet.

La idea partió después de un congreso delMinisterio de Cultura que reunió a estos y otros especialistas para debatirsobre la edición y la literatura digitales. Los participantes decidieron poneren práctica la teoría digital y dar todos los pasos: escribir el relato,editarlo, digitalizarlo y sacarlo al mercado. ¿Precio?: 1,99 euros.

El prólogo de María Goicoechea comienza así:

¿Quéocurre cuando reúnes a un grupo de escritores, editores y críticos en unoscuantos aviones, los depositas a las orillas del Cantábrico en un aislado hotelal borde de la Playa de la Franca durante tres noches, y les mantienes horas yhoras en la casona de indianos de Verines devanándose los sesos en torno altema de la literatura en la era digital?

Puesque tras largas horas de deliberación casi todos coincidimos en que el barcerraba demasiado pronto, que los gintónics eran exóticos y que por lo menos elmar siempre estaba abierto. En cuanto a que la literatura será digital o noserá, casi nadie lo puso en duda. Durante las sesiones de trabajo, hablamos delmercado del libro electrónico, del impacto de los nuevos soportes de lectura,del escritor y su identidad digital, del papel de la red para distribuir laliteratura, para acercar a escritores y a lectores, de los nuevos rituales deescritura y lectura en pantalla. Fuimos trazando círculos en torno a laliteratura y nos centramos en describir el nuevo contexto mediático, los nuevosmercados, las nuevas estrategias de marketing, pero de algún modo tuvimos la sensaciónde que permanentemente se eludía el centro: la literatura en sí misma.

.

ARCO 2012, El Museo Reina Sofía compra obra por valor de 700.000 euros



L.M.A.


En la presente edición de ARCO 2012, el Museo Nacional Centro
de Arte Reina Sofía ha adquirido 17 obras correspondientes a un
total de 15 artistas, por un valor global de 700.000 euros. A ello hay
que sumar la aportación del Ministerio de Educación, Cultura y
Deporte que, un año más, mantiene su compromiso de apoyo a
ARCO y a la creación española.
Pasarán a formar parte de los fondos del Museo trabajos de artistas
históricos como Pablo Palazuelo o Esteban Francés, otros
representativos de los años 60-70: Alberto Greco, Sergio Ivekovic
o Luis Kamnitzer y artistas de generaciones más recientes, como
Adrià Julià, Pep Agut, Leonor Antunes o Irene Kopelman, entre
otros.


LISTADO DE OBRAS ADQUIRIDAS
PABLO PALAZUELO
Temps blanc, 1959
Óleo sobre lienzo
145 x 75 cm
Galería Elvira González
ESTEBAN FRANCÉS
Arrangez vous, 1939
Óleo sobre lienzo
50 x 65 cm
Galería Oriol
ALBERTO GRECO
Qué grande sos, 1961/2012
Edición 1/10
Fotografías de Sameer Makarius
Galería Henrique Faria Fine Art
SANJA IVEKOVIC
Structure, 1976-2011
Collage: 100 fotos con letra manuscrita
200 x 100 cm.
Galería Espai Visor
JAMES WELLING
Serie
B98 The Wanderer for Ella Grasso,
1980
Fotografía
34.9 x 27.9 cm
James Welling B3, 1980
Fotografía
34.9 x 27.9 cm
James Welling_B17 2-29 II, 1980
Fotografía
34.9 x 27.9 cm
Galería Marta Cervera
Serie
James Welling_46, 1984
Gelatinobromuro de plata vintage
40.6 x 50.8 cm
James Welling_50, 1984
Gelatinobromuro de plata vintage
40.6 x 50.8 cm.
Galería Marta Cervera
LUIS CAMNITZER
Masacre de Puerto Montt, 1969
Fotocopia en vinilo adhesivo sobre pared y suelo
Dimensiones variables
Pieza única y 1 en inglés
Galería Parra Romero
ERLEA MANEROS
Exercises on abstraction, 2009
Tinta india en papel off-set
8 dibujos
Galería Carreras Múgica
ADRIÀ JULIÀ
Instalación:
Marcus Spring Cottage, 2008
Instalación de vídeo de 16mm, película muda en b/n de 16mm, 3 min. (loop)
Papel Din A4 silueteado, c-stand, pared pintada, clips
Colts Neck township residents look over the
wreckage of the 123-year-old Phalanx House
which was burned yesterday morning, 2009
Impresión Inkjet de archivo sobre papel
28 x 35.5 cm
A piece of History, 2009
Impresión Inkjet de archivo sobre papel
28 x 35.5 cm
Galería Soledad Lorenzo
LEONOR ANTUNES
Discrepancies with T.P., 2012
Instalación única
Madera teca
270 x 400 cm
Galeria Isabella Bortolozzi
RENATE LORENZ Y PAULINE BOUDRY
Salomania, 2009
Instalación con película de 17 min y 11 fotografías
Edición de 5+2AP
Galería Edb Proyects
IRENE KOPELMAN
Meditation Piece, 1959
Instalada en 5 filas de 6 marcos (150 x 180 cm), 30 dibujos en total
28.5 x 28.5 (cada marco)
Motive Gallery
JOSÉ DÁVILA
Untitled ( Félix Candela), 2011
Piezografía en papel fotográfico
99.6 x 351 cm. 4/5
Galería Travesía Cuatro
JOACHIM KOESTER
My Frontier is an Endless Wall of Points (Aferter the Mescaline Drawings
of Henri
Michaux), 2007
Película en b/n de 16 mm, sin sonido, 10 min. 24 sec. (loop) Ed. 1/5
Galería Elvira González
PEP AGUT
Distància Zero, 1994
Metacrilato, lienzo para pintura, tornillos
216 x 300 cm
Galería dels Angels
Rescue attemp. Nonsense (Tentativa de salvación. Absurdo), 1994
Madera, fotos en b/n, cristal, peana cilíndrica y plataforma giratoria
157 x 63 cm
Galería dels Angels
PEDRO G. ROMERO
Archivo FX: entrada: la casa, 1999-2007
Forma parte del proyecto la ciudad vacía. Con la participación del bailador
IsraelGalván
Video 21 min. Edición de 7
Galería Casa sin fin
SOBRE LOS ARTISTAS
PABLO PALAZUELO
Pintor, grabador y escultor español, Pablo Palazuelo (Madrid, 8 de octubre de 1915 –
Galapagar (Madrid), 3 de octubre de 2007) fue una de las figuras clave del arte
español de la segunda mitad del siglo XX.
ESTEBAN FRANCÉS
El pintor catalán Esteban Francés (Portbou (Girona), 1913 – Deià (Palma de
Mallorca), 1976) es una de las figuras más interesantes del movimiento surrealista en
España. Sus cuadros revelan universos extraños y opresivos habitados por seres
irreales de dudosa procedencia.
ALBERTO GRECO
Después de intervenir en la fundación del Informalismo argentino en 1959, junto a los
artistas Baulari, Pucciarelli, Wells y Noé, entre otros, Alberto Greco (Buenos Aires,
Argentina, 1931 - Barcelona, 1965) se alejó de la expresión pictórica y se adentra en
el campo del arte conceptual.
SANJA IVEKOVIC
La fotógrafa y escultora croata Sanja Ivekovic (Zagreb, 1949) está considerada una
de las principales artistas de la antigua Yugoslavia. Desde sus inicios, ha estado
interesada en la representación de la mujer en la sociedad.
JAMES WELLING
James Welling (Hartford, Connecticut (EEUU), 1951) es fotógrafo, pintor y escultor.
Sus primeras exposiciones datan de los años ochenta. Desde 1995 dirige la división
de fotografía dentro del departamento de arte de la UCLA (Universidad de California,
Los Ángeles).
LUIS CAMNITZER
Aunque Luis Camnitzer (Lübeck, 1937) nació en Alemania, emigró a Uruguay y se
convirtió en ciudadano de este país. En 1965 fundó junto a Liliana Porter el taller
experimental New York Graphic Workshop. A partir de la década de los setenta realiza
obras cercanas al arte conceptual con un marcado contenido ético y político y en las
que se abordan temas como la libertad, la identidad o el exilio.
ERLEA MANEROS
La artista vasca Erlea Maneros Zabala (Bilbao, 1977) reside, actualmente, en Los
Ángeles. Trabaja con diversas técnicas mixtas, desde la pintura mural hasta el dibujo,
y obras basadas en imágenes en las que el proceso material se combina con fuentes
museológicas e informativas. Ha expuesto de manera individual en Stiftelsen 3,14,
(Bergen, Noruega); Museo Experimental El Eco (México DF); Carreras Múgica
(Bilbao); Redling Fine Art (Los Ángeles); Seamen's Art Club (Hamburgo, Alemania); y
Abstract Cabinet (Sala Rekalde, Bilbao).
ADRIÀ JULIÀ
Adrià Julià nació en Barcelona en 1974. Actualmente vive y trabaja en Los Ángeles.
Su obra se ha expuesto de manera individual en Indications for Another Place, Museo
Tamayo (México DF, 2010); No Place Like Home, Insa Art Space (Seúl, 2009); Indicios
Para Otro Lugar, Centro de Arte Montehermoso (Vitoria, 2008); y A Means of Passing
the Time, LAXART (Los Ángeles, 2007).
LEONOR ANTUNES
Leonor Antunes (Lisboa, 1972) centra su trabajo en ciertos aspectos que determinan
nuestro entorno, especialmente en la arquitectura y el urbanismo. Investiga,
documenta y transfiere al lenguaje escultórico, enfatizando la tensión experiencial
espacio-tiempo. Vive y trabaja entre Berlín y Lisboa. En 2011, realizó un proyecto
específico para el Museo Reina Sofía, participó en la Bienal de Singapur, y expuso en
el Museu de Serralves, Oporto, en la Kunstverein de Düsseldorf, y en el Museo
Experimental El Eco, México D.F.
RENATE LORENZ y PAULINE BOUDRY
La videoartista y músico Pauline Boudry (Lausanne, 1974) y el artista y escritor
independiente Renate Lorenz (Bonn, 1963) comenzaron a exponer conjuntamente a
mediados de la pasada década. Sus obras se centran en la revisión de materiales del
pasado para retomar y excavar momentos poco representados o ilegibles de lo queer.
IRENE KOPELMAN
El trabajo de Irene Kopelman (Córdoba, Argentina, 1974) se enmarca en la tradición
de los artistas conceptuales pero, al mismo tiempo, mantiene un vínculo con la
materia. Ha expuesto en Manifesta 7, el Centro De Appel en Ámsterdam, el Drawing
Center de Nueva York, la Galería Labor en México DF. En España, su obra se ha
podido ver en el Centro de Arte Montehermoso en Vitoria-Gasteiz y en proyectos y
exposiciones colectivas en Barcelona (MACBA y ProjecteSD).
JOSÉ DÁVILA
José Dávila nació en Guadalajara (México) en 1974. El trabajo de este joven creador
mexicano parte desde un sentido de la temporalidad, de lo indeterminado y de la
incertidumbre. Ha participado en varias bienales y ha expuesto de forma individual en
museos y centros de arte contemporáneo de todo el mundo.
JOACHIM KOESTER
El trabajo de Joaquim Koester (Copenague, Dinamarca, 1962) está entre el
documento y la ficción. Sus fotografías generalmente vienen acompañadas de texto, y
aparentan pertenecer a un archivo científico, cuando son en realidad investigaciones
muy personales. Joachim Koester ha realizado exposiciones individuales en el
Kunsthalle Nurenberg, 2002; el Centro de Arte Santa Mónica, Barcelona, 2004 y 2006;
el Pabellón de Dinamarca para la 51ª Bienal de Venecia, 2005 y el Palais de Tokyo,
París, 2006. Está representado por Jan Mot Gallery, Bruselas.
PEP AGUT
Pep Agut (Terrasa, 1961) ha mostrado sus trabajos en importantes bienales de todo el
mundo y en instituciones tales como el Tel Aviv Museum of Contemporary Art o el
MACBA Museu d'Art Contemporani de Barcelona. Ha coordinado y participado en
seminarios, conferencias y debates sobre arte y su trabajo está representado en
destacadas colecciones. Partiendo de su doble formación en la práctica de la pintura y
la fotografía Pep Agut enfoca muy temprano su interés en los problemas de la
representación, el papel del artista y el lugar del arte.
PEDRO G. ROMERO
Pedro G. Romero nació en Aracena, Huelva, en 1964. Vive y trabaja en Sevilla.
Creador polifacético, colabora en programas de danza y teatro, teatro radiofónico,
publicaciones y crítica de arte. Ha recibido reconocimientos diversos como el Premio
Ciudad de Barcelona, el Ojo Crítico de Radio Nacional de España o la Beca de la
Fundación Cartier de París, y fue seleccionado para el Pabellón de Cataluña en la
Bienal de Venecia en 2009.

.

Laura Torrado y Antonio López Poza: CURSO SOBRE ASPECTOS FISCALES, LEGALES E IMPACTO ECONÓMICO DEL PATRIMONIO ARTÍSTICO



L.M.A.


Este curso pretende cubrir el vacío existente sobre el Patrimonio Artístico y Cultural desligado del sector Turismo. La gestión, catalogación y rentabilización del patrimonio se ha planteado teniendo en cuenta las circunstancias económicas actuales y se ofrecen como una oportunidad para rentabilizar y monetizar las colecciones artísticas ya formadas o por formar.

Especial importancia tiene dar a conocer la experiencia, el inicio y el desarrollo de grandes Fundaciones que han superados momentos complicados, tanto desde el punto de vista cultural como económico, así como las líneas de trabajo desarrolladas y los resultados de su difusión. El curso también tendrá especial interés en ahondar en las nuevas tecnologías.


Se analizará además la fiscalidad que afecta a las operaciones de las que son objeto los bienes del patrimonio artístico, así como el procedimiento para realizar daciones en pago de impuestos y los derechos de autor sobre las obras de arte.


Se ofrecerá una reflexión acerca del papel del coleccionista medio en el entorno artístico de España. Así como el Mecenazgo como labor social del arte especialmente en colectivos con carencias.


El curso irá dividido en bloques temáticos que serán impartidos por expertos de entidades financieras, museos, universidades, instituciones y fundaciones empresariales de primer nivel.



BLOQUE I: ASPECTOS FISCALES, LEGALES E IMPACTO ECONÓMICO DEL PATRIMONIO ARTÍSTICO


PROGRAMA:

En este primer bloque que sirve de presentación del curso se abordan dos de los temas de máxima actualidad y sobre los que existe un mayor desconocimiento; se tratarán los aspectos fiscales y legales del patrimonio artístico, con especial énfasis en la figura de la VEGAP. Para ello se contará con la intervención de dos destacados expertos, Dª Laura Torrado y D. Antonio López Poza.


LOS DERECHOS DE AUTOR EN EL ARTE

Impartido por Dª Laura Torrado: Artista y docente en la Facultad de Bellas Artes de Cuenca (UCLM), es miembro de la junta directiva de VEGAP desde el año 2007.


VEGAP no es el coco. / ¿Quién es el autor?, ¿Qué obras son objeto de propiedad intelectual?, ¿Qué son los derechos de autor? ¿Quién es VEGAP?

Quién es AUTOR / Persona natural que crea alguna obra literaria, artística o científica. Qué OBRAS son objeto de propiedad intelectual . Creaciones originales literarias, artísticas o científicas expresadas por cualquier medio o soporte, tangible o intangible, actualmente conocido o que se invente en un futuro. Derechos de Autor / Derechos subjetivos, independientes y compatibles con la propiedad y otros derechos sobre el soporte material en el que se incorpora la creación intelectual. Los derechos de propiedad industrial que pudiera existir sobre la obra.


Fecha: Dia 27 de marzo a las 19:30 horas


ASPECTOS FISCALES DEL PATRIMONIO ARTÍSTICO

Impartido por: D. Antonio López Poza- Director del Departamento Asesoría Fiscal de CECA


ASPECTOS FISCALES

Esta ponencia se centra en el análisis de la fiscalidad que afecta a las operaciones de las que son objeto los bienes del patrimonio artístico, tanto en lo que respecta a los impuestos indirectos que gravan su transmisión, como los tributos directos que gravan las rentas que generan y en los que existen deducciones específicas relacionadas con estos bienes. También será objeto de una especial atención el procedimiento para realizar daciones de bienes del patrimonio histórico-artístico en pago de impuestos.


Fecha: Dia 28 de marzo a las 19:30 horas



LAURA TORRADO

Laura Torrado – Artista y docente en la Facultad de Bellas Artes de Cuenca (UCLM), es miembro de la junta directiva de VEGAP desde el año 2007

Laura Torrado (Madrid, 1967) es Licenciada en Bellas Artes en la Universidad Complutense de Madrid. Sus primeros contactos con la fotografía vendrán de la mano de Cristina García Rodero y Mitsuo Miura. Obtiene una beca de la Fundación Peggy Guggenheim para una estancia en Venecia y la beca Fulbright del Comité Conjunto Hispano Norteamericano para residir en Nueva York y trabajar en el Departamento de Conservación del Guggenheim Museum y del Museum of Modern Art. En 1993 asiste a talleres en la School of Visual of N.Y, en la Universidad de Nueva York N.Y.U. y a seminarios de artistas en el Whitney Museum. Participa en el taller del escultur Joel Sapiro en Vermont Studio Center. En 1997 comienza a viajar periódicamente a París donde residirá largas temporadas durante un periodo de cinco años. Participa en la segunda edición de la feria Paris-Photo y trabaja durante dos años con la galería de fotografía Anne Barrault. Ha obtenido beca de la Casa Velázquez de Madrid, y ha trabajado con la galería Oliva Arauna de Madrid. También ha obtenido el premio Altadis de Artes Plásticas y ha sido premiada en la primera edición del concurso de fotografía Purificación García.

Ha sido profesora del Departamento de Creación Artística de la Universidad Europea de Madrid y actualmente es docente en la Facultad de Bellas Artes de Cuenca (UCLM).

La obra de Torrado está presente en el Museo Patio Herreriano, Valladolid. Centro Museo Vasco de Arte Contemporáneo Artium, Vitoria. Colección de Arte Contemporáneo Altadis, Madrid, París. Fundación Coca-Cola, Madrid. Saastamoisen Foundation, Helsinki. Colección de Arte Contemporáneo Fundación del Fútbol Profesional, Madrid. Colección de la Comunidad de Madrid, Colección Gobierno de Cantabria, Santander entre otros.


ANTONIO LÓPEZ POZA

D. Antonio López Poza - Director del Departamento Asesoría Fiscal de CECA

Antonio López Poza (Madrid, 1959) es Licenciado en Derecho y en Ciencias Económicas y Empresariales por la Universidad Pontificia Comillas (ICAI-ICADE), y Master en Asesoría Fiscal de Empresas por el Instituto de Empresa. Comenzó su actividad profesional en Bankinter, continuándola en el Despacho de Asesoría Fiscal de Arthur Andersen y en la Empresa Nacional Santa Bárbara. Entre los años 1989 y 2009 ha sido Director de Gestión Tributaria y Asesor Fiscal de Caja Madrid. Actualmente es Director de Asesoramiento Fiscal de la Confederación Española de Cajas de Ahorros (CECA).

La actividad docente ha sido una constante en su vida profesional, tanto en el ámbito universitario (Facultades de Derecho y de Ciencias Empresariales de la Universidad Pontificia Comillas-ICADE), como en cursos de de postgrado (Master de Análisis Financiero Avanzado de la Universidad Carlos III y Master de Mercados Financieros de la Universidad San Pablo-CEU). Actualmente es profesor de los Master de Tributación y de Banca y Finanzas del Centro de Estudios Garrigues. Ha sido ponente en numerosos seminarios especializados en materia tributaria.


INFORMACIÓN PRÁCTICA:

Fechas y horario del curso:

Fechas: 27 y 28 de marzo de 2012
Duración: 2 horas (1 hora por sesión)

Horario: De 19:30 a 20:30 horas
Precio:
55 € las dos sesiones
35 € una única sesión

Lugar:

Sede de la Fundación FIArt. C/ Infantas 27, 2º Izq. 28004. Madrid

Plazas limitadas- Se facilitará a todos los alumnos un certificado o diploma de asistencia.

.

Juan José Becerra publica su primera novela en España


L.M.A.


La editorial Candaya ha publicado la novela “La interpretación de un libro”, del escritor Juan José Becerra (Junín, Buenos Aires, 1965).

Juan José Becerra es uno de esos escritores de culto en Argentina que, incomprensiblemente, todavía no ha sido descubierto en España. De él, Martín Kohan (que, como Alan Pauls, ha comentado todas sus novelas) ha escrito: “Juan José Becerra escapa de esa medianía literaria donde un libro u otro dan lo mismo. Los libros de Becerra existen como singularidad y por necesidad de escritura”.

En La interpretación de un libro se explica la historia de Mariano Mastandrea, un escritor solitario y telediadicto, que recorre diariamente en tren subterráneo la ciudad de Buenos Aires, esperando descubrir algún lector de su primera novela Una eternidad, que languidece apilada en las mesas de saldos de las librerías de la calle Corrientes. El encuentro con Camila Pereyra, conocida por los empleados del Jardín Botánico como la “loca de los libros”, será el inicio de una destructiva historia de amor que superpone dos intensidades (la de la lectura y la de los sentidos) y que convierte la pasión y la vida en representación e impostura.

La interpretación de un libro describe dos sociopatías universales que tienden a desaparecer: la del escritor romántico que junta mugre en su campana de cristal (en el caso de Mastandrea un monoambiente sin ventilación) y que piensa que no hay destino artístico de mayor gloria que el del fracaso y la incomprensión; y la de la lectora bovarista que cree que la literatura es la única realidad en la que se puede vivir, una verdad que ella misma ilustra invadiendo la habitación de Mastandrea con pequeños cuadros de Hooper en los que las mujeres leen o enloquecen. Hombre y mujer, novelista y groupie, literatura y vida, placer y adicción. La interpretación de un libro es una comedia de desencuentros que intenta responder a una pregunta llena de trampas: ¿quién es más importante en la experiencia compartida de la literatura: el que lee o el que escribe?

Juan José Becerra es autor de las novelas Santo (1994), Atlántida (2001), Miles de años (2004) y Toda la verdad (2010); de los ensayos Grasa (2007), La Vaca. Viaje a la pampa carnívora (2007) y Patriotas (2009). Sus artículos aparecen con regularidad en publicaciones argentinas e internacionales. Desde 1996 escribe –ocupándose sobre todo de los editoriales- en la edición latinoamericana de "Les Inrockuptibles".


.

Gloria Vázquez, Éxito de su pintura en Japón

Gloria Vázquez


Julia Sáez-Angulo

La pintura de la artista Gloria Vázquez Gutierrez (Madrid, 1944) tiene una gran acogida en Japón, país en el que ella expone desde hace dos décadas. La fidelidad de su marchante y las galerías a la obra de esta pintora es exponente del éxito de su arte en el país nipón. La autora ha expuesto su obra en diversas ciudades de Japón.


Con motivo del último terremoto y tsunami en 2011 en Tonohu, localidad situada las costas de Pacífico, se produjo cierta interrupción con el mercado artístico entre Japón y Europa, pero las cosas volvieron a reanudarse, por lo que Gloria Vázquez goza de nuevo del reconocimiento japonés.

Formada en la Academia Peña y en el Estudio de Leovigildo Cristóbal Valverde, Gloria Vázquez confiesa su predilección por la pintura de artistas como Nicolás de Stael, Esteban Vicente, Juan Caneja, Cirilo Martínez Novillo…, con los que siente una afinidad espiritual y plástica.

La pintora madrileña, que utiliza fundamentalmente el óleo como pigmento, con algunas incursiones en el acrílico, ha obtenido numerosos premios y medallas a lo largo de su trayectoria artística, que se inició muy pronto pero que comenzó a exponer en los 80. Entre los galardones recibidos, la medalla del BMW (1996); la de Puerto Banús; el primer premio Fermín Santos 2004, en Sigüenza; el Ciudad de Quintanar, 1997 y varios salones de Otoño en Madrid.

Comienzo figurativo hasta deshacer las formas

El comienzo de la pintora, como tantos otros, fue figurativo, pero paulatinamente la autora fue deshaciendo las formas para dejarlas en esencia de evocaciones, de luces o sombras, que juegan con fondos azules, ocres, rojos o malvas. No hay que olvidar que la pintora guarda una buena colección de dibujos de su primera época, que hablan de la disciplina de Vázquez para el género de la línea.

“Soñando en azules” (150 x 150 cm.) es el título de unos de su cuadros de gran formato, que expuso recientemente en México y que define una de las características y apuestas de su obra. Los azules han dado color a muchos de sus cuadros –casi monocromos- en los que, a modo de nocturnos, envolvían las formas de alacenas, mesas, veladores o puertas. Posteriormente, las gamas calientes de los ocres han dado representación y luces a numerosas piezas de su creatividad. Últimamente ha retado a los rojos.

“Curiosamente comencé con el paisaje porque me atraía mucho más que el bodegón, pero poco a poco me encontré muy a gusto en este último género”, explica Gloria Vázquez. Sus bodegones frutales con peras, higos o manzanas…, de formas, más insinuadas que perfiladas, constituyen un rico repertorio iconográfico de la autora. La figura humana también figura en sus lienzos.


A Vázquez le gusta investigar con materiales y recientemente está incorporando el collage a su pintura, de manera gradual y sutil, al pegar textiles o fragmentos de su antigua figuración sobre grandes cuadros abstractos, creando una tensión plástica muy interesante.

Anteriormente, Gloria Vázquez experimentó con los brillos intensos y envolventes del barniz y las resinas sobre los cuadros, de manera que las figuras o las formas quedaran fundidas de modo singular. “Fue una etapa en la que indagué mucho, pero cuando logré dominarla la dejé. Necesito explorar nuevos territorios”, declara la pintora, que también juega en ocasiones con el fondo limpio del soporte para hacerlo competir con el pigmento.



.