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miércoles, 9 de enero de 2013




Willy Ramos,  expone su “Mundo Luminoso” en la galería Víctor i Fills


Willy Ramos



Julia Sáez-Angulo

         El artista colombiano español Willy Ramos (Puerto Bello, Colombia, 1954), residente en España desde finales de los 60, expone en la madrileña galería Víctor i Fills su “mundo luminoso”, a tenor del título de la exposición que tuvo lugar en la CAM de Valencia. La muestra en Madrid permanecerá abierta hasta el 26 de enero de 2013.

         Ciertamente la naturaleza, el paisaje y el color se adueñan de las telas de este pintor, que hoy se dedica también a la docencia en Bellas Artes de la Universidad Politécnica de Valencia.

         Colores restallante con amplios campos florales, dentro de una figuración ágil, abierta y suntuosa, que deshace sensualmente las formas. La obra de arte de Willy Ramos transmite la luz y por tanto la alegría de vivir. Sus rojos y verdes son restallantes en cada uno de los cuadros expuestos.

         En el libro catálogo escrito publicado para exposición en la CAM, titulado “Un mundo luminoso”, se habla de “escenarios vibrantes de vida, detalles gigantes de color y brillantez encuentros con una forma de entender y comprender el mundo, las personas y los sentimientos que los conforman y le dotan de su particular singularidad”.


         El artista colombiano ha presentado también algunas esculturas en madera policromada, si bien le falta todavía una dicción propia como tiene en la pintura, ya que su obra tridimensional se acerca aún a la de Manolo Valdés o Leiro (éste a su vez de los expresionistas alemanes).

Willy Ramos es por encima de todo pintor, un excelente pintor de espléndido cromatismo.



        

sábado, 17 de noviembre de 2012




FERIARTE, gran cita de las antigüedades en España




Julia Sáez-Angulo

         La pintura está muy presente en FERIARTE, la feria que concita a los mejores anticuarios de España, en medio de un montaje bellos y espléndidos en los espacios madrileños de IFEMA.

Feria de Arte y Antigüedades, FERIARTE estará abierto en el Parque Ferial Juan Carlos I del 17 al 25 de este mes de noviembre.

Una primera aproximación a este FERIARTE, pone en evidencia que el espacio se ha reducido, seguramente motivado por la crisis, pero puede verse mejor las aportaciones de ilustres anticuarios como el art nouveau o modernismo de Victor i Fills Gallery, proveniente de Barcelona y con galería de arte contemporáneo en Madrid. El anticuario ofrece también pintura de nombres consagrados como un Miquel Barceló de gran formato en blancos y grises.

Lorenart presenta también un gran stand con obras matéricas preciosistas de Bosco Sodi, incansable creador que sorprende en cada pieza, un delicado cuadro de Sean Scully o interesantes pinturas de Menchu Gal, cada día en alza y un gran nombre femenino del arte junto a María Blanchard de la que también se exhiben hermosos cuadros en la feria.

La pintura, sobre todo al fondo del espacio de FERIARTE es una presencia poderosa, con nombres relevantes del grupo El Paso, pequeños y deliciosos cuadros de Feito, mallas de Rivera, maderas de Lucio Muñoz… Todo indica que, a veces, la buena pintura resalta en FERIARTE más y mejor que en ARCO.


Datos oficiales

        Feria de Arte y Antigüedades, que abre sus puertas al público el sábado 17 de noviembre, ha sido inaugurado  por el Ministro de Educación, Cultura y Deporte, José Ignacio Wert.


El arte más exclusivo para los coleccionistas y aficionados más exigentes vuelve de nuevo a Madrid de la mano de FERIARTE, que organizado por IFEMA y tras 36 años de recorrido, se ha consolidado como un gran acontecimiento artístico en el que se reúnen los mejores anticuarios y galeristas españoles, así como una selección de los más prestigiosos del panorama internacional.


Del 17 al 25 de noviembre, el pabellón 3 de la Feria de Madrid acoge una nueva edición del certamen que agrupará, con la participación de más de 90 expositores, alrededor de 18.000 piezas que además de su alto valor artístico, representan la expresión de todas las culturas y países. Un espacio que simboliza la evolución del arte a través del tiempo, donde no existen las fronteras. Diferentes estilos, épocas y especialidades.


Muebles, antigüedades clásicas, relojes, porcelanas, lámparas, plata, cristal, alfombras y tapices, arte africano, joyas, elementos arquitectónicos, instrumentos científicos, mapas y otros objetos de arte que confirman la calidad y diversificación de la feria. Asimismo, FERIARTE volverá a constituir uno de los más importantes puntos de encuentro también para los amantes de la pintura y las artes plásticas de todos los tiempos, lo que incluye a autores contemporáneos consagrados en la escena actual nacional e internacional.


Además, el valor de cada objeto presente en FERIARTE, su autenticidad y estado de conservación están contrastados por una comisión de expertos en distintas disciplinas del arte que en los días previos a la apertura de la feria, se encargan de su revisión exhaustiva. Este rigor, que confirma la alta calidad de las piezas expuestas, confiere exclusividad a la feria y asegura a los visitantes la distinción de sus adquisiciones. El lujo se combina con el arte y la decoración para ofrecer objetos y piezas excelentes.


Jornada de puertas abiertas


La Feria pone en marcha una nueva iniciativa, la I Jornada de Puertas Abiertas, el martes 20 de noviembre, la cual permite el acceso gratuito a todos los visitantes.


Por primera vez en sus 36 años de existencia, FERIARTE convoca esta Jornada con el objetivo de facilitar el acceso al público, fomentar nuevos aficionados y buscar un relevo generacional en el coleccionismo. De esta manera, se promoverá el conocimiento de la Feria y que un mayor número de personas se unan al gusto por el arte y las antigüedades.


Un recorrido por las piezas favoritas

Tras la buena acogida de la pasada edición, FERIARTE invita de nuevo a hacer un recorrido por la Feria a través de las Piezas Favoritas, una selección de objetos destacados por los propios expositores participantes, y que serán expuestos en sus stands con una marca que los identifique.
La excepcionalidad artística, la singularidad y la rareza de la antigüedad son los valores fundamentales tenidos en cuenta para la realización de esta selección. Pinturas, esculturas, objetos de coleccionista, mobiliario o joyas; las piezas favoritas son tan variadas como la oferta general de FERIARTE, pero además cuentan con un valor añadido identificado por quien mejor conoce la obra: el anticuario o galerista.


FERIARTE cuenta con un lugar propio en la agenda cultural de Madrid, y un público muy numeroso, que espera cada año una nueva cita con este fascinante mundo para buscar una obra artística o un objeto decorativo, que imprima buen gusto en los ambientes más diversos. Todos ellos podrán disfrutar de una nueva convocatoria de la feria del 17 al 25 de noviembre, en el pabellón 3 de la Feria de Madrid, con un horario ininterrumpido de 12.00 a 21.00 horas.

FERIARTE Feria de Arte y Antigüedades
FECHAS Del 17 al 25 de noviembre
LUGAR Pabellón 3 de la Feria de Madrid
PRECIO 10 €. Válida para todos los días de la feria
Martes 20, jornada de puertas abiertas, acceso gratuito
CARÁCTER Abierta al público
ORGANIZA IFEMA



viernes, 22 de junio de 2012



Mariano Cobo y su libro “Ilusión Cumplida. El viaje de un pintor”





Julia Sáez-Angulo


         El artista Mariano Cobo Comillas. Cantabria, 1953) ha presentado su libro “Ilusión Cumplida. El viaje de un pintor”, que recoge sus apuntes, dibujos y cuadros de marinas, que pintó la pasada temporada durante una travesía por las Islas Baleares. El libro ha sido publicado por Éride Ediciones.

         El acto tuvo lugar en la galería Víctor i Fills de Madrid y contó con la presencia del director, David Bardía, el editor, Ángel Jiménez y el patrón del barco Luis Izquierdo. Los tres hablaron en público para recordar la gran calidad humana de Mariano Cobo y sobre todo su arte pictórico.

         Cobo ha representado el mar en todas sus visiones y gradaciones cromáticas, donde lógicamente dominan los colores fríos, azules, grises y blancos para representar la superficie marina con diversas crestas rizadas. Algunos acentos amarillos y rojos  realzan la paleta. De vez en cuando, algunas grandes olas en primer plano que ocupan todo el espacio del cuadro, de gran efecto. En definitiva el pintor ha sabido apresar la luz y dotar de un colorido poético al agua del mar y los celajes.

         Artista versátil y proteico, Mariano Cobo es un pintor y escultor que suele trabajar por largas series como la Taurina, la Mujer y otras, que el autor expuso en la Casa de la Moneda en 2011. Cobo ha recibido numerosos premios y reconocimientos en su carrera artística que comenzó en los 80 del siglo pasado.



viernes, 17 de febrero de 2012

PEDRO SANDOVAL, DISTINGUIDO COMO MEJOR PINTOR ART MADRID 2012



L.M.A.


El pintor hispano/venezolano Pedro Sandoval (Caracas, 1966) ha sido distinguido como Mejor Pintor de la Feria Art Madrid 2012. El artista, residente en Madrid desde hace dos décadas, expone ocho de sus obras abstractas en el stand de la galería Victor i Fills. La Feria Art Madrid se clausura el próximo domingo, día 19, por la tarde.

En el catálogo “Malerei/ Paintings 2005 – 2011”, Darío Tobes, historiador de Arte, escribe: “Los procesos creativos en la sociedad contemporánea parten de continuas relecturas, reinterpretaciones sobre lo ya hecho en un contexto globalizado que facilita estas prácticas gracias a las múltiples vías de comunicación y de acceso a la información.

Esta época se caracteriza por el continuo desplazamiento y la apropiación colectiva en un tiempo sin fronteras, donde las identidades se abren y se dejan invadir por el ilimitado acceso a las diferentes culturas y fuentes de conocimiento, enlazándose unas con otras hasta llegar a lo que se denominan culturas híbridas (1).

Con este espíritu surge la figura de Pedro Sandoval, abanderado de un género que una vez más encuentra su digno renovador. Sin embargo, sería equivocado pensar que su revolución es únicamente visual, ya que sus procesos teóricos e intelectuales definen los parámetros del creador de última generación.

Nicolás Bourriaud destaca cómo estos artistas llevan los principios esenciales a partir de los cuales podría volver a construirse la modernidad: “Principios que podríamos enumerar: el presente, la experimentación, lo relativo, lo fluido… un relativismo generalizado, un comparatismo crítico” (2).
El título de la serie producida entre 2009 y 2010, “Google Monet Universe”, representa el ejemplo más ilustrativo de esta nueva modernidad. En ella podemos observar cómo el pintor se apoya sin complejos en sus referentes –ya pasados o presentes–, los decodifica y los vuelve a ubicar en un imaginario embebido por el influjo de nuestro tiempo.

Una vida en tránsito

Esta táctica de apropiación se puede apreciar desde el inicio de su carrera, como si se tratara de una condición innata cuyo punto de partida nos traslada a su Venezuela natal.

Durante 2001 la situación por la que atraviesa el país, sumada al irrefrenable deseo por “contaminar” su campo creativo, sumergen al artista en un viaje de no retorno cuya cartografía marca el inicio de estas nuevas fórmulas pictóricas.

La serie “Masada” de finales de los 90, los bodegones o las obras sobre la tauromaquia en el año 2000 constituyen etapas prematuras –aún figurativas– que marcan el preludio de este viaje. Procesos sujetos a la figuración, pero que ya transitan por un lenguaje interior que delata esa lucha por liberarse de una mímesis que limitaba la exploración de su propio imaginario.

Tanto estas escenas taurinas como la figuración “Masada” o los bodegones, son hoy documentos únicos que nos permiten apreciar la progresiva defragmentación de las formas y su evolución en el estudio de la volumetría, las texturas o los planos de color, al servicio de una simbología personal.
Esta evolución que invitamos a contrastar en el presente catálogo, demuestra cómo el punto de partida de Pedro Sandoval tuvo su anclaje en un academicismo, del que se emanciparía para buscar su propio camino lejos de los parámetros marcados por lo objetual, pasando de representar la naturaleza a plasmar sus percepciones sobre la misma mediante la incorporación de conceptos asumidos en latitudes dispares.

De cualquier modo no debemos pensar que Pedro Sandoval renunció a establecer una comunicación de igual a igual con el observador. Filtrar la realidad a través de la propia percepción puede resultar a priori excluyente, pero en este caso el impacto visual, el uso de recursos semióticos aún reconocibles, y la evocación figurativa tras un lento proceso de desconfiguración, dan como resultado obras abiertas a infinitas interpretaciones en función de los vínculos vitales establecidos con el observador.

Sus pinturas, cargadas con este fuerte carácter participativo (3), se han moldeado a partir de la continua absorción de conceptos, en una suerte de resiliencia donde cada insignificante acontecimiento se convierte en un instrumento útil para el aprendizaje.

Así, su estancia en Suiza colaborando en el taller de Baselitz, su paso por EEUU -de donde surgirán homenajes a Cy Twombly o De Kooning-, sus escapadas a Berlín y aquellas interminables sesiones de trabajo en su taller de Madrid, han convertido a Sandoval en el paradigma del artista radicante, cuya trayectoria configura un estilo de identidades múltiples. Gestando de esta manera un nuevo tipo de flaneur donde el intercambio de experiencias conforma un modo de expresión en continuo proceso.

La virtud de lo pretérito

A pesar de estos hábitos propios de la creación contemporánea, Sandoval conserva un férreo anclaje en la tradición pictórica más elemental. Autodefinido trabajador de la pintura, es sobre todo un artesano de las técnicas artísticas.

En consecuencia su obra se hace netamente experiencial y sólo puede ser apreciada a partir de la confrontación cara a cara con esos volúmenes escultóricos que una y otra vez desafían las leyes del registro bidimensional.

En una era donde lo virtual parecía haber ganado definitivamente la partida, el artista reclama una vuelta al arte más primario, recuperando otros modos de vivir la estética que parecían ya descartados. En este sentido las referencias a los grandes maestros del pasado se suceden una tras otra, reflejándose en su obra sin complejos.

Cada pieza pictórica contiene una lección de historia del arte. Empezando por el primitivismo más puro en forma de chamanes, cíclopes, constelaciones (2008-2009) y un bestiario -las citadas tauromaquias- cuyo tratamiento nos remite a la pintura rupestre (4).

Esta mirada hacia nuestros orígenes más remotos incluye la representación de sublimes parajes testigos de nuestra evolución, como la misma tierra de Masada en Israel o su serie “África” (2004-2006). Paisajes que interpretará con un particular romanticismo al estilo del “Le Gran Tour”.

Pero por encima de estas tendencias se impondrá el filtro de la abstracción en todas sus vertientes; desde los pioneros Wassily Kandinsky o Piet Mondrian, pasando por los lienzos expandidos “all over” de Clyfford Still o el “action painting” de Jackson Pollock.

Aquellas corrientes que erigieron nuestro Universo visual se acumulan, se superponen y se mezclan con una energía descontrolada en la paleta del artista, desechando cualquier orden cronológico o estilístico en un absorbente juego que Fernando Castro Flórez califica de “canibalismo cultural” (5). Donde la actitud fagocitadora hacia cualquier influencia genera identidades renovadas -que no sumisas hacia ninguna de ellas-.

He aquí entonces lo más apasionante en la filosofía de Pedro Sandoval: ese juego descrito de equilibrios entre la praxis tradicional y una conducta nómade, cuyo choque genera una pintura aparentemente libre e informal pero ejecutada bajo una estricta disciplina.

De este modo ha logrado aquello que a lo largo de la historia del arte diferenció a los más grandes, al inventar un lenguaje en sintonía con la idea de artista del siglo XXI. Un lenguaje de código abierto que se expande y se enriquece inagotablemente, dejando a sus seguidores con la eterna incertidumbre de su próxima actualización.

Notas

1. culturas hibridas
nestor garcia canclini.
isbn 9789700505626
2. radicante
nicolas bourriaud, adriana hidalgo editora, 2009
isbn 9788493714062
3. texto. la fruición pictórica de pedro sandoval
perán erminy
4. texto. pedro sandoval, fiesta taurina 2002
adolfo wilson


viernes, 21 de octubre de 2011

Pedro Sandoval expone "Caleidoscopio 2008 - 2011" en Victor i Fills




“Caleidoscopio 2008 – 2011”
Pintura
Pedro Sandoval
Galeria Victor i Fills
c/ Villanueva, 40
Madrid, 28001
Octubre – Noviembre, 2011






L.M.A.




El pintor venezolano/español Pedro Sandoval expone una antología de sus últimas series pictóricas en la madrileña galería de Victor i Fills. La inauguración estuvo muy concurrida de personalidades del mundo de la cultura y la política, en su mayoría, coleccionistas de la expresiva obra abstracta del artista. Paloma Segrelles, directora del Club Siglo XXI hizo la presentación de la muestra a los asistentes.



La crítica internacional de arte Julia Sáez-Angulo, vicepresidenta de la Asociación Madrileña de Críticos de Arte (AMCA), escribe así en el catálogo de presentación:



“Antes de la esperada exposición retrospectiva de la pintura del venezolano/español Pedro Sandoval, el artista ha querido mostrar al público un Caleidoscopio de su trabajo durante los últimos cuatro años, para ofrecer una visión global de su versátil creatividad plástica, siempre dentro de la Abstracción pictórica.



Pocos artistas como él saben dar sucesivas e inteligentes vueltas de tuerca al infinito mar de la Abstracción, del él es capaz de indagar, retomar y recrear el lenguaje informal de las cosas y atrapar las manchas de color, sombras, signos, símbolos y caligrafías que la definen. El papel del creador artístico es el de redefinir el mundo con sus retinas y apresarlo en su trazo.



Pedro Sandoval nos revela en este Caleidoscopio su habitual diálogo con la Pintura, a través de los grandes maestros del arte, como lo demuestran algunos de sus títulos o de sus series de cuadros, con referencias a nombres como Monet, Picasso, De Kooning, Cy Twombly... El autor parece decirnos que el arte se enraíza en el arte, al mismo tiempo que se asienta en la vida, que su relación o preferencias van por los nombres citados y que el arte avanza en las sendas de esos célebres nombres en el conocimiento y la sabiduría.



Los elementos materiales que utiliza Sandoval van desde el lienzo, lino egipcio, al papel hecho a mano, como soportes exigentes y precisos de sus pigmentos: óleo –siempre óleo-, carboncillo, grafito... y, a veces resinas espléndidas que invitan al tacto. Un cuidadoso enmarcado pone punto final a la presentación de una obra que, primero, fue intuición, idea, y terminó en ejecución precisa del cuadro.



Materia, color, gestos, grafismos...



En la dinámica del artista persiste la idea de innovar y renovarse dentro de la Abstracción como apartado infinito en el campo de la Pintura, por esa razón en sus distintas series podemos rastrear el debate continuo entre el gesto y la geometría abierta de las formas o los ritmos marcados por ellas. Lo apolíneo y lo dionisiaco compiten en aflorar según las piezas. El color, con toda su carga emotiva y definitoria, da cuerpo a la batalla sobre la piel del cuadro; los grafismos automáticos de escrituras misteriosas e imposibles siguen a las masas cromáticas para afianzar el concepto deseado. Todo ello en el lenguaje particular de la pintura, con el saber preciso del lenguaje y la caligrafía del artista.



En unos casos es la espesa capa de pintura, la que con cremosidad cubre y se extiende en la totalidad de la obra, en otros, el pintor deja a la vista parte de la superficie del cuadro para hacerla partícipe del mismo o para que los dibujos y grafismos asuman el protagonismo requerido. Algunas breves palabras, casi siempre en inglés, se cuelan en ocasiones para incorporar de manera tímida, sutil, casi velada, el lenguaje escrito, un recurso que también utilizaba el maestro Cy Twombly, al enterrar palabras en la “arena” de la pintura que, en su caso, aludían a Virgilio o a Italia.



Pedro Sandoval dialoga con un desnudo de Picasso en un formidable cuadro en el que podemos leer “Naked”, un término en grafito que aparece inmediatamente tachado en una negación que es, al mismo tiempo, una afirmación visible y contundente. El conoce bien los recursos expresivos para insinuar o enfatizar lo buscado, para subrayar la expresividad o hacer un guiño al espectador.



En la pintura abstracta de este pintor venezolano/español vemos como las composiciones y ritmos ayudan a configurar el cuadro, unas veces siguiendo la diagonal barroca, otras, en composiciones lineales siguiendo una suerte de módulo dibujístico, que va desde el vacío a la abundancia cremosa y matérica, a modo de rondó sinfónico.



En el Caleidoscopio –conjunto diverso y cambiante” según del diccionario de la R.A.E.- de esta exposición vamos a ver obras de distintas series de Pedro Sandoval, desde Monet Google Universe hasta Paisajes Fragmentados, pasando por Metro o Cíclopes- Constelaciones. Un trabajo pictórico que abarca los cuatro años de 2008 -2011, en los que el artista va y vuelve a sus ideas y obsesiones, avanza, bebe, dialoga, deja o retoma las ricas vetas que bullen en la mente de su creatividad.



Para este pintor la Abstracción no tiene límites, es un campo infinito al que se puede abordar de una y mil formas sin riesgo a repetirse. Él trabaja con un rico alfabeto de formas y color con el que elabora el sucesivo vocabulario de sus cuadros. El pintor sabe que la Abstracción es un campo que nació para no morir jamás, en manos de un artista atento y virtuoso.



A la vista de su pintura, nadie puede negar el talento de Pedro Sandoval”.


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miércoles, 7 de septiembre de 2011

Jorge Rando, primer artista católico que expone en la Iglesia Luterana de Alemania

Jorge Rando
Pintura y Escultura
Iglesia Luterana de Alemania (EKD)
Hannover (Alemania)
Agosto-Septiembre, 2011




Julia Sáez-Angulo


El artista Jorge Rando (Málaga, 1941) es el primer artista católico que lleva a cabO una exposición de sus obras en la Iglesia Luterana de Alemania (EKD), además uno de sus cuadros presidirá en el futuro la Capilla central de la EKD, que equivale a la sede más importante de los luteranos como lo es el Vaticano para los católicos. Un acontecimiento cultural y artístico importante que no ha pasado desapercibido como un ejemplo de ecumenismo entre las iglesias cristianas.

Es la primera vez en la historia, desde Lutero, que un artista católico expone su obra en el corazón de la Iglesia Luterana. Éste honor le ha correspondido a un pintor español del siglo XXI.

La muestra se compone de 35 obras de motivos religiosos y de África, que estarán expuestas al público durante dos meses en las Salas de la EKD en Hannover (Alemania). El tema de los marginados como niños, pobres, hambrientos o prostitutas, ha sido propio de algunas series pictóricas del autor malagueño.

Rando, artista que prepara una Fundación que llevará su nombre, en la sede de un antiguo convento mercedario en su ciudad natal, cuenta como se desarrollaron los hechos:

“En los primeros días de marzo, se puso en contacto conmigo el Oberkirchenrat Dr. Michael Schneider para proponerme un proyecto expositivo en la Sede de la EKD, que es la Sede Central desde donde se dirige la Iglesia Protestante en Alemania y para el extranjero”. A partir de aquí todo vino rodado.

La exposición se inauguró el día 17 de agosto pasado y fue amenizada con un conjunto musical africano, con asistencia del Presidente del Kirchenamtes Dr. Hans-Ulrich Anke, que recibió personalmente el cuadro pintado por Jorge Rando, que presidirá la Capilla Central de la EKD. Este encargo se le había hecho al pintor unos meses antes.

Encuentro ecuménico


La presentación del artista la realizó el Vicepresidente del Kirchenamt de la EKD Dr. Friedrich Hauschildt y a continuación hubo un diálogo del pintor con el director de Educación y Cultura del Kirchenamt de la EKD, Dr. Jürgen Frank.

El acto terminó con unas palabras de Jorge Rando, quien centró su discurso sobre el encuentro ecuménico de la religión católica y protestante.

Durante la visita del Papa Benedicto XVI a la Jornada Mundial de la Juventud en Madrid, se organizó una exposición de arte sobre temas y motivos cristianos en la se de la Fundación Pons en la capital de España, en la que participaron artistas de las distintas iglesias cristianas, en decir, de aquellas que creen en la Santísima Trinidad y por tanto en la divinidad de Cristo.

Jorge Rando expondrá en la galería Victor i Fills de Madrid la próxima temporada.

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domingo, 6 de febrero de 2011

Victor Bardía, un anticuario de prestigio que se abre al Arte Contemporáneo




Julia Sáez-Angulo



Victor Bardía, hombre de gran personalidad, es uno de los anticuarios más prestigiosos del panorama español y cuenta con dos establecimientos en Madrid y Barcelona bajo el rótulo de Victor i Fills Anticuaris en Barcelona, especializado en arte moderista y decó. Su stand en FeriArte es siempre uno de los más sobresalientes. También es dueño de Victor i Fills Art Gallery en Madrid, dirigido por su hijo David Bardía, espacio en el que se han llevado a cabo exposiciones sobre las vanguardias históricas de los años 20 y de artistas como Jaume Estartús, Jorge Rando, José Antonio Legorburu y otros...


¿Cómo definiría usted al coleccionista de antigüedades y cuáles son los productos por los que más se inclinan?

Lo primero que me gustaría aclarar es que, pese a la definición de coleccionista: aquélla persona que colecciona cosas y objetos, los clientes de antigüedades y arte, no siempre es tal coleccionista, y el coleccionista no es siempre cliente de arte.
En cuanto a los compradores y lo que a las obras se refiere, los gustos han cambiado poco en los últimos años; si una antigüedad es buena y bella, se sigue adquiriendo. Lo que sí ha cambiado es el modo de presentarla y colocarla en las casas.
Pero sí es cierto que el anticuario del siglo XXI ha evolucionado y con él el gusto de una mayoría del público por artículos más modernos, como pintura y escultura del siglo XX, así como las nuevas tendencias artísticas.

Para que un objeto se adquiera, no basta con que posea una antigüedad de determinados años, sino que debe incorporar un cierto nivel de arte y belleza.
Y en este sentido me gustaría precisar que existen productos para todos los bolsillos. Las antigüedades en contra de lo que se cree, no tienen porqué ser caras. El abanico de precios es muy amplio y la oferta acoge desde objetos griegos o romanos, hasta obras del siglo XXI, pasando por todas las épocas y estilos.

¿Cree que es necesaria la especialización para facilitar al comprador la búsqueda de sus objetos preferidos?

Siempre he estado a favor de la especialización. Sobre todo porque es un modo de obtener un conocimiento muy amplio del producto con el que se está especializado. De esa manera también se ofrece al comprador una garantía mayor.
No obstante no se trata de la especialización de un único producto, sino más bien en una línea que englobe a varios, ya sea una época, un estilo, una forma de vivir…

Su establecimiento de Barcelona es rico en Art Nouveau y Art Déco. ¿Es esta su especialización? ¿Se encuentran en Cataluña los mejores coleccionistas al respecto?

Es cierto que un segmento de nuestra empresa, está especializada en el mobiliario y las Artes decorativas de la época Art Nouveau y Art Déco. Dentro de las artes decorativas destacaría el cristal francés de reconocido prestigio elaborado entre otros por Emile Gallé o los Hermanos Daum, así como las estatuillas Criselefantinas elaboradas en bronce y marfil de la época Art Déco, cuyo máximo representante es Demeter Chiparus.
El estilo de estas obras que en Cataluña se conoce como Modernista, siendo ésta la región española, debido a la proximidad geográfica con Francia, donde más se desarrolló, tiene grandes adeptos pero no solamente en Cataluña. En el resto de España consta de seguidores incondicionales, quienes no dejan de sorprenderse por la soltura del estilo y sus formas características, además de ser un estilo que propagó el amueblamiento total.


Nos gustaría una mayor participación en ARCO

¿En qué más están especializados?

Nuestro espacio de Madrid, dirigido por mi hijo David, está dedicado exclusivamente a Galería de Arte. Este proyecto parte de las inquietudes por fomentar el interés por la Cultura y el Arte de nuestro país, con una galería donde exponer tanto obras de los Grandes Genios de la pintura y escultura de Vanguardia del Siglo XX y XXI, como promover a nuevos artistas contemporáneos del panorama artístico nacional.
En los últimos años hemos realizado exposiciones de artistas de primera línea, tanto nacionales como internacionales, donde se han podido apreciar obras de Barceló, Plensa, Tapies, Clavé, Lucio Muñoz, Miró, Dalí, Damian Hirst, Hans Hartung, Palazuelo, Anthony Caro, Tra Bouscaren, Javier Marín, Christo y Jeanne Claude, etc.

Se ha desarrollado también la promoción de artistas vivos y emergentes con múltiples exposiciones tanto en la galería como en organismos institucionales. Además, mantenemos un estrecho contacto con Museos, Fundaciones, Colecciones privadas e Instituciones públicas para dar a conocer a nuestros artistas y posicionarlos en el panorama artístico nacional e internacional.

¿En qué Ferias asiste Victor i Fills Art Gallery?

Como visitante, a muchas. Seguimos con gran interés todos los eventos, ferias y manifestaciones artísticas, tanto a nivel nacional como internacional, para poder estar bien informados de todas las novedades dentro del mundo del arte a nivel mundial.

Como expositores, hemos seleccionado las dos ferias de referencia de nuestro país, Antiquaris Barcelona y Feriarte, en Madrid.

¿Cuál es el balance que puede hacer del último Feriarte?

Sin duda, positivo. No solamente se han cumplido las expectativas de asistencia de público, si no que creo por los comentarios de mis compañeros que se han logrado las que conciernen a la venta.
Además Feriarte goza de todo el prestigio y confianza del sector. La institución funciona a la perfección y ello lo agradecemos tanto expositores como visitantes. En la celebración del certamen nos reunimos los mejores Anticuarios y Galeristas de toda España y los mejores clientes, coleccionistas y amantes del arte en general.

¿Qué piezas se han vendido mejor?

Yo creo que de todo un poco. El mobiliario y las artes decorativas en general se siguen adquiriendo, pero apostaría que la pintura es lo más solicitado. De todos modos no debe sorprendernos pues es la pintura la reina de las Artes y la que ostenta el mayor número de ventas.

¿Y ArcoMadrid?

Arco es la Feria internacional de arte contemporáneo que se celebra en Madrid, y considerada una de las mejores europeas, con asistencia de parte de las más prestigiosas Galerías de arte del territorio español e internacional. Se caracteriza por la exposición de artistas de gran renombre mundial en cuanto a las vanguardias clásicas del s. XX- XXI se refiere y a la presentación de nuevos proyectos artísticos actuales por artistas noveles desconocidos y de países extranjeros.

No obstante creemos que Arco debería dar entrada a muchas galerías españolas que se lo merecen por su trayectoria y aportación al mundo del Arte y de ese modo se conseguiría potenciar la importancia del sector español en el panorama Mundial. Creemos que Arco debería ser una plataforma de difusión y comercialización que diese cabida a manifestaciones artísticas actuales, dignas y de una cierta calidad desconocida por el gran público amante del arte.

miércoles, 12 de enero de 2011

Jaume Estartús expone “Retablos del siglo XXI” en la Galería Victor i Fills de Madrid



“Retablos del siglo XXI”
Estartus
Víctor i Fills Art Gallery
Madrid
Del 20 de enero al 19 de febrero de 2011





L.M. A.

Tras la última etapa (2000-2009) en la que el pintor catalán Jaume Estartús utilizó el hierro y centró, casi de forma exclusiva, su creatividad en la realización de sus obras sobre dicho soporte, ahora vuelve con la madera como medio de expresión artística. Como ya nos demostró con sus puertas, su inquietud investigadora lo lleva mucho más allá y no solo se limita a pintar sobre el soporte, sino que lo talla, quema, moldea a su antojo hasta conseguir que cobre vida y expresión ante el espectador.

En ningún otro país como en España, el retablo alcanzó tanto volumen e importancia durante el siglo XIV, aunque hay que señalar que durante los dos últimos siglos el retablo desaparece como medio de expresión artística general. Estartús da al retablo una vuelta de tuerca y, con su propio lenguaje, ofrece una particular visión de este elemento artístico en la madrileña galería Victor i Fills a partir del 20 de enero.

Homenaje a Luís María Anson
Por otro lado, el próximo miércoles 19 de enero, se celebrará un homenaje al académico en la galería de arte Víctor i Fills Art Gallery de Madrid. Se trata de un reconocimiento que el mundo del arte, por iniciativa de Víctor i Fills Art Gallery en colaboración con el club de medios, quiere hacerle a Luís María Anson por sus años de compromiso e implicación en la defensa y promoción de las artes y artistas de nuestro país, a través de sus años de trabajo en los medios de comunicación.

El gran artista catalán Estartús, ha creado una obra titulada “Newspaper”, un cuadro de 200 x 150 cm., en el que aparecen las cabeceras de los principales periódicos nacionales e internacionales, y que refleja la visión del artista sobre el mundo del periodismo y la comunicación, que tanto han influido en nuestro país gracias a figuras tan destacadas como Luís María Anson y su conexión directa con el arte y los artistas.

La obra será entregada de manos del propio artista. El evento tendrá lugar, el próximo miércoles día 19 de enero, a las 19.30h, en la galería de arte Víctor i Fills Art Gallery, sita en la c/ Villanueva, 40 de Madrid.


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jueves, 11 de febrero de 2010

Jaume Estartús, Presentación de su libro "Obra Completa" en Madrid



Estartús. Obra Completa
Alberto Bartolomé, Ubaldo serrano,
Julia Sáez-Angulo y Félix Rúiz de la Puerta
Victor i Fils Editores
Barcelona, 2010
(429 pags)




L.M.D.


      “Estartús. Obra completa” ha sido presentada en la galería Víctor i Fills de Madrid por el profesor Félix Ruiz de la Puerta y la critica de arte Julia Sáez-Angulo, en presencia del pintor.



      David Badía, director de Víctor y Fills en Madrid, abrió la presentación, que tuvo lugar en la inauguración de la uestra “Estructuras Neoinformalistas” en la misma galería. La exposición permanecerá abierta hasta el 27 de marzo. Al acto de inauguración acudieron, ademas de los prologuistas, numerosos escritores y artistas, entre otros Jorge Rando, Carmen Pallarés, Amparo Ayllón, Christian Prevost, Elisa Mancini, Eugenio López Berrón, Pilar Sagarra, Juan Miguel Guiralt, Yolanda Fernández, Víctor Badía; Hélène de Medem, condesa de Medem; Carmen G. Pando, Pepa Calvo, María Antonia Román Prado...



Julia Sáez-Angulo dijo en sus palabras de presentación del libro:



"Siempre es un acontecimiento presentar la Obra Completa de un autor. En este caso se trata de un pintor, Jaume Mestres Estartús, con la firma de Estartús para su obra plástica. Un total de 915 piezas que quedan inventariadas en este libro, con su ficha técnica de título, año de ejecución, medidas, técnica y material utilizado. Son por tanto obras fijas, identificadas y firmes en cuanto a su autenticidad. La catalogación razonada, segundo paso en la historiografía de una obra, vendrá de seguro más adelante, porque Estartús en un artista muy riguroso y profesional, no sólo a la hora de pintar sino también a la de inventariar y catalogar sus obras. Eso le honra y facilita el trabajo a los críticos e historiadores de arte que con el tiempo se vuelven locos para identificar o seguir la trayectoria de las obras que ha ejecutado y anotado.

Estartús con Sabina



Cuatro son los autores que han participado en el libro, Alberto Bartolomé; Ubaldo Sedano; Felix Ruiz de la Puerta y quien les habla.



Después de estos textos analíticos, el libro presenta un denominado Decálogo de Estartús en el que se recogen sus creencias y vivencias más acendradas sobre el arte y, entre otras cosas, se dice “Ante una obra, considero más importantes las sensaciones y emociones que origine, que incluso su propia comprensión”.



“Si tu obra no refleja tus sentimientos, es imposible que llegue a emocionar”, dice en otro aserto del Decálogo.



Estartús es un artista que reflexiona sobre el arte y su génesis, sobre las motivaciones que lo originan, sobre las ideas o pensamientos que lo sustentan... Por ello sus máximas del decálogo conectan con la afirmación de Paul Klee de que “el arte no expresa lo visible sino lo invisible” y en ese invisible está la manera singular del artista con su bagaje cultural y sensorial.



El critico de arte John Berger, que ha sido homenajeado hace dos día sen el Museo del Prado por la Asociación de Amigos de nuestra primera pinacoteca, habla de que “el arte es un misterio” en sus libros que son consulta obligada para todos los profesionales del circuito artístico, sobre todo su libro “Modos de ver”, que es muy elocuente.



El arte es un misterio, insiste este sabio autor, al que cada cual a de afrontar en su manera de descubrirlo. “La apariencia y la percepción son ilusorias en la obra artística, hay que ir más allá para buscar la verdad que late en el interior de esa obra de arte. Una verdad que se esconde a veces en la oscuridad de la materia.



Cuando Matisse pintó su celebre cuadro “Lujo, calma y voluptuosidad”, estaba transmitiendo, más allá de las imágenes relajadas en una playa, ese deseo de vida tranquila junto al Mare Nostrum, el Mediterráneo azul, cuenca de cultura y civilizaciones. El arte va más allá de sus componente de líneas, manchas y formas, aunque a veces nos cueste expresarlo, porque el lenguaje es muy otro al de la palabra. El arte plástico suele gozar de la simultaneidad de tiempo y espacio, algo de lo que no siempre gozan otras artes.




Un total de 911 obras catalogadas

Volvamos al libro de Estatus que nos ocupa. En él se habla de exceso de mediatización, lo cual es malo si hablamos de exceso, pero el discurso teórico ayuda a comprender la obra de arte, sobre todo a los menos iniciados.

El arte es un cordón umbilical que viene de las cuevas de Altamira y Lascaux, de las Venus del Neolítico como la de Brassenpuy... y ello nos habla de que en arte no hay evolución sino metamorfosis. ¿Quién se atrevería a decir que Picasso es superior a Velázquez o viceversa? El artista vive y bebe de su cultura y su tradición artística, de lo contrario sería un ingenuo.

Estartús viene de la tradición occidental del arte, de la pintura informalista –al menos en los últimos años- que a su vez ha bebido en Oriente, sobre todo en el minimalismo japonés, como lo confiesa el propio Antoni Tápies.

Estartus nos ofrece su trayectoria de 40 años en este libro, con sus propias reflexiones, que a veces contrastas con las de los críticos ¿Por qué no?

Su pintura se ordena por series temáticas y cronológicas: Adolescencia Impresionista; Sports, Piscis; Objeto; Zoolandia; Eros, Clowns, El origen de la vida; Sombreros; Hábitat humano; Mundo vegetal y animal; Cruces; Extremidades; Cosmos; Mundo Onírico; Escaleras, Signos, Abstracciones...

La profesora Catherine Lampert dice que no hay abstracción en sentido puro, porque la abstracción nace después del sentimiento y la mirada del artista. Las “Estructuras Neoinformalistas” que hoy nos presenta Estartús responden a su equipamiento mental y sensorial que se traduce en manipulación de materiales para expresarlo de alguna manera aun sin referencias naturalísticas.


El "color de la herrumbre"

Sus obras sobre planchas de hierro nos lleva a gozar de los logros de la oxidación con toda su gama cromática. Andrea Mantegna hablaba de su admiración por el “color de la herrumbre” . Estatus conecta con el italiano en este campo.

Voy a dejar aquí, por mi parte, la presentación del libro de Estatus porque queda Felix Ruiz de la Puerta, que seguramente les dirá cosas más interesantes.

Sólo me queda felicitar a Estatús y a los coleccionistas que tienen obra suya por la aparición de este libro hermoso y completo que nos da una visión de su trabajo fecundo, intenso y tocado por el Misterio del Arte. Muchas gracias".




jueves, 22 de octubre de 2009

Jaume Estartús, potencia de la pintura informalista


Jaume Estartús


Julia Sáez-Angulo

Es hombre de ciencia y de humanidades, un renacentista de nuestros días. El foco vital de Estartús, a partes iguales o casi idénticas –si es que la pintura no devora con creces al Doctor en Medicina- se debate entre el arte y la consulta. Su consagración a la pintura es tan fuerte que, cuando expone al público, sus obras fascinan al espectador y se adquieren hasta en tiempos de crisis. Recientemente mostró su último trabajo plástico en la madrileña galería Victor i Fills. Actualmente prepara un libro antológico sobre su obra, que se presentará en primavera de 2010 en Madrid y Barcelona.

A Jaume Mestres Estartús (Barcelona, 1949) le gusta reflexionar por escrito y en voz alta sobre el arte: “La vida de un hombre y la acción de pintar están indisolublemente unidas. Creo que la posible dotación de talento para cualquier manifestación artística tiene una determinación genética. El artista nace, no se hace; otra cuestión es el grado de habilidad para la ejecución de una obra que esto sí que puede ser enriquecido o madurado por una formación artística o intelectual más o menos académica. Pero el talento, no para la ejecución, sino para la concepción de una obra es más primario, más visceral, más vital y mucho más autónomo en cualquier artista.
Yo empecé a garabatear paredes a los tres años para desespero de mis abuelas (no de mi madre que me dejó huérfano a esta edad) y cuentan que mi regalo favorito en mi infancia eran las cajas de lápices y tizas. Desde que recuerdo he pintado durante toda mi vida”.

Sin embargo su comienzo profesional estuvo en la Medicina: “Desde pequeño tuve expresamente prohibido por mi padre el dedicarme a cualquier manifestación artística, pues no lo consideraba ni serio ni formal ya que lo equiparaba a una vida bohemia desconfiando de la posibilidad de hacer de la pintura un medio de vida por lo que nunca tuve su apoyo. Para poder estudiar Bellas Artes, tuve también que matricularme en Arquitectura y en Medicina. Me licencié en 1974 y me doctoré en 1977. Tengo que agradecer sin embargo que estos estudios me permitieran el vivir para pintar y no el pintar para vivir. Ciertamente es un privilegio, ya que te permite hacer lo que realmente sientes prescindiendo de arropar o adornar los aciertos, porque esta actitud suele ser fatal, se estará confundiendo creatividad con buen hacer, y el acierto superficialmente grato con el arte”.

Habla de sus maestros: “No sé si referenciales porque es evidente que aún de forma inconsciente nuestra retina asimila lo que nuestro cerebro después procesa, almacena y luego puede ser que en muchos casos termina por fagocitar. Le listaré los maestros más admirados por mí: en un primer grupo situaría a Turner, Sisley, Sorolla, y Gimeno. En un segundo a Redon, Derain, Kandinsky, Poliakoff, Münch y Ludwing-Kischner. En el tercero a Séller, Matisse, Ernst , Picasso, Gris, Delaunay, Braque y Pollock. En el cuarto a Tapies que siempre me ha fascinado por su capacidad de transmitir un mensaje sintético, unidireccional y con pocas referencias estéticas en general pero con una gran dosis de autenticidad y honradez pictórica.



Trabajo sobre planchas de cobre, plomo y aluminio



       De consejos y técnicas pictóricas: “Durante los estudios de Bellas Artes, más que aprender lo que debía hacer, aprendí lo que de ninguna manera quería terminar haciendo. No querría dar la impresión de presuntuoso, pero creo que el mejor consejo plástico que puede uno recibir es que nunca te den ninguno. Es probable que cualquier “consejo” te lleve a que los cuadros solo tengan buen gusto y es precisamente el “buen gusto” ( el gusto de una época, los cánones de la sensibilidad o moda imperante) quien pinta ese cuadro. Ese es un peligro que siempre hay que mantener a raya. El pintor de genio, el artista con personalidad, es capaz de sobreponerse a ese gusto y crear su propio lenguaje, en un proceso que puede ser complicado o menos, más intuitivo o menos, más consciente del contexto en el que se utiliza su obra o menos, pero en definitiva siempre libre”.

Sobre materiales para su trabajo explica: “Utilizo la pintura al óleo, acrílico, lápiz graso, ceras, grafito y tinta china, sobre soporte de lienzo o cartón. Como material volumétrico empleo arena filtrada de playa , cemento, alquitrán, colas sintéticas, polvo de mármol y resinas de poliéster junto con pasta de hierro. Los collages son por lo general de cartón roto, arpillera, madera y fibras sintéticas. A partir de 1998 cambio el soporte del lienzo por el de las planchas de hierro sometidas a procesos naturales de oxidación y posteriormente tratadas al fuego y distintos ácidos para modular dicha oxidación. También he trabajado sobre planchas de aluminio, plomo y cobre. No soporto ni la acuarela, ni el pastel. Me encanta aplicar técnicas de gratage sobre pintura fresca”.

El acto creativo y el proceso son decisivos: “La filosofía de la vida y la concepción pictórica se utilizan como un medio para expresar libremente las ideas, metas y problemas. Para mí, empezar cada trabajo es sumergirme en una aventura hacia lo desconocido, pues lo primordial es el propio proceso creativo. A lo largo de este proceso surgen recuerdos, ideas o sentimientos, determinantes en el resultado final. El credo es la capacidad que tiene el soporte y la materia pictórica de contener y transmitir emoción, además de construir la forma. Son cuadros dirigidos a nuestro cuerpo, a nosotros como materia espiritual. También están dirigidos a nuestro ojo, por supuesto, pero desaparece la figura de la pintura como intermediaria con otros mundos, y la figura de la pintura como lugar de la belleza. Siguen existiendo cuando se apaga la luz. Están ahí, respiran, pesan crecen, actúan”.

“La filosofía del existencialismo, centrada en el absurdo existencial y en la búsqueda de la libertad personal más allá de toda cultura adquirida y de todo prejuicio, esta detrás de mi obra. Para mí, es un medio de liberar mi inconsciente y desasosiego interior a través de un gesto automático a veces violento que se proyecta sobre la obra. Ahí radica la base del acto creativo, entendido como una proyección psíquica del artista sobre el soporte material de la obra, relegando a un segundo plano el resultado formal de la obra terminada”.



Desde el informalismo catalán al rigor de los materiales


“He intentado sentir físicamente la materia, en un austero y sobrio dramatismo, ajeno a cualquier efectismo retórico. Un mínimo detalle puede cobrar una importancia enorme, puede decidir el sentido de un cuadro que está lleno de recovecos. Pintar para mí es una manera de acercarme a la trascendencia. Un hombre inteligente, capaz de extremar el rigor frío del análisis racional, encuentra en la pintura una manera de decir, de decirse a sí mismo e ilusionarse con ello, que el hombre esté sostenido por un espíritu”.

El informalismo catalán late en su primera obra: “El desarrollo de mi pintura habría llegado a un punto en el que demandaba el paso desde la representación convencional a la de íntima percepción de la realidad. El secreto está en que es imposible contemplar objetivamente un objeto, ya que siempre hay una reacción personal y esta reacción, la mayoría de las veces, no tiene nada que ver con el objeto en sí. El abandono de la figuración fue el resultado lógico de un proceso gradual. Las obra son realidades en sí mismas, no por lo que representan y como objetos reales, provocan una reacción que nos invita a entrar en el mundo personal e íntimo del autor, abriéndonos la puerta a su imaginación, sus pensamientos y problemas, en definitiva, a su realidad más interna. El proceso de creación no es sino el proceso vital, un cuadro es un fragmento de recorrido, un pequeño resumen de la experiencia vivida”.

“He ido depurando mi personal mirado sobre la abstracción contemporánea. La exploración de las posibilidades expresivas de los elementos geométricos, así como de los diversos terrenos del informalismo. Ello dio paso a partir del 2000 al tratamiento recurrente del hierro como soporte ideal para plasmar la sensibilidad condicionada por múltiples inquietudes intelectuales. El despojamiento consiguiente de toda referencia extraña a la materia pictórica misma fue labrando una producción cada vez más exigente, presidida por el afán de alejamiento respecto a los conceptos tradicionales de representación que habían determinado el curso de mi pintura. Esta estética despojada de convenciones, incluida la de la aspiración a cualquier ideal de belleza, se refleja en cada una de las piezas que arrancadas de la realidad, cobran forma y sentido en la profusión de pigmentos y oxidaciones hasta exigir a éstos y al propio soporte férrico en los elementos esenciales de un lenguaje capaz de intentar transmitir la seducción espiritual”.


Más de mil obras durante 40 años en lienzo, papel y chapa


Todos tenemos metas: “Supongo que para cualquier artista lograr que el espectador se interese por su obra, pierda su tiempo en analizarla, trate de comprenderla, sintonice con la misma y termine por emitir un juicio de valor en función de lo que esta le comunique, es la culminación de su realización como pintor. Para mí, sin embargo, solo el hecho de el espectador se pare ante mi obra, aunque esta le incomode, le disguste o llegue a darle arcadas me gratifica mucho más que el que pase por delante de ella sin pararse o le deje indiferente”.


“He pintado a lo largo de 40 años unas 700 obras sobre papel y cartón y más de 600 sobre tela, madera y planchas metálicas. A pesar de lo que dijo Picasso:” el verdadero arte no es pintar un cuadro sino venderlo porque se necesita mucho arte para vender una obra”, tengo que decir que personalmente no me ha interesado demasiado entrar en el circuito de la distribución comercial de mis obras. He llegado a tener aparcadas más de 200 en mi taller varias veces a lo largo de mi vida sin “salir al mercado” a pesar de la insistencia de varios Galeristas interesados en ello. Para mí, una obra que se vende es como un hijo que se va y no volveré a disfrutar. Supongo que en mi caso el hecho carece de valor ya que me considero un privilegiado que no ha tenido que vivir de su pintura. Me disgusta el que se pueda terminar comprando con dinero un trozo de mis vivencias, de mis sentimientos, de mis frustraciones, de mi cerebro, de mi alma, de mi ser en definitiva”.

“Estoy convencido que lo expuesto es puro egoísmo. A quien Dios le hadado la posibilidad de poder ofrecer a sus semejantes una realización artística, adquiere el compromiso y la obligación de mostrarla para su aprobación o su rechazo. Resulta evidente que más tarde o más temprano todo artista sucumbe a éste reto y capitula. También es verdad que en nuestro íntimo ego el que alguien termine hipotecando algún metro cuadrado de su hábitat con una de sus obras, resulta muy gratificante”.