MERCEDES DEAMBROSIS, autora de la novela "La extraña aparición de Tecla Osorio", presentada en la Librería Ad Hoc

 

Presentación del libro por Lola Vivas, directora de la librería Ad Hoc (F. Sáez)

   Carmen Valero Espinosa

20/2/25.- Madrid.- La novela “La extraña aparición de Tecla Osorio”, de la escritora hispano-francesa Mercedes Deambrosis ha sido presentada por el traductor Eduardo Gallarza y el editor Max Lacruz en la madrileña librería Ad Hoc, en presencia de la autora. Lola Vivas, directora de la librería, abrió el evento. 

    El libro ha sido publicado por la editorial Funambulista.

En principio, la presentación cobró el formato de dialogo de Max Lacruz con la autora, haciendo un recorrido sobre su vida y trayectoria profesional, nacida en Madrid, con residencia posterior en Portugal y llegada a París, donde se casó con el escultor Esteban Royo, fallecido en 2024.

Seguidamente, Eduardo Gallarza comentó la escritura y la obra de Mercedes Deambrosis, “una amiga perfecta, y una escritora feroz”. “Una vos muy particular, un talento singular y una narrativa que engancha al lector, a través de una prosa diáfana, que va in crescendo, con trama rigurosa y finales tremendos… Con todo, la autora está más cerca de Camus, que de Celine… En su escritura no sobra ni una coma…El paisaje desolado de su novela sería como el de un cuadro de Benjamín Palencia... 

    “Deambrosis tiene maestría a la hora de trenzar los elementos narrativos, sin imponerse… Su novela tiene una ironía tragicómica…admite una lectura psicoanalítica… Trae a la memoria la obra de Sartre “Huis clos”, en la que el infierno son los otros… En “La extraña aparición de Tecla Osorio” se produce un malentendido que causa desasosiego…El tema de su novela es la incomunicación. Tecla es una presencia muda, una extraña aparecida, una paradoja…”.

Mercedes Deambrosis, residente en París, con “identidad fronteriza”, escribe en francés y con frecuencia temas españoles sobre la guerra civil o la posguerra, o citas siempre españolas en sus novelas. “Es una manera de indagar y recrear la vida de mis abuelos que nunca me contaron”, explicó la autora, quien confesó que nunca releía sus libros, una vez publicados.

La autora agradeció sus palabras a los presentadores y señaló que la aparición de una persona al cabo de once años, es un tema que “hace cosquillas a un escritor”, que ha de trabajar con el tiempo, la ausencia y los otros. “Tecla no tenía sitio al reaparecer, un lugar que ha vivido sin ella, donde el decorado envejece y se desgasta. Su vuelta es casi una hecatombe”.

La extraña aparición de Tecla Osorio es un thriller exquisito que nos va haciendo saber, sin saber, y querer seguir sabiendo, que no impone su final.

    Mercedes Deambrosis (Madrid,1955) es una escritora de ficción hispanofrancesa. Nació en España, pero a los 12 años se trasladó a Francia. Realizó estudios de periodismo en París, donde comenzó a escribir influenciada por autores como Anaïs Nin, Federico García Lorca y Simone de Beauvoir, entre otros. Autora de una docena de obras, todas ellas saludadas por la crítica francesa, algunas de sus novelas tratan sobre la vida de las mujeres en la España de la Guerra Civil y de la posguerra. Deambrosis ha sido en numerosas ocasiones jurado de premios literarios en Francia y ha impartido talleres de escritura. Dos de sus obras habían sido traducidas al español: Una tarde con Rock Hudson y El paseo de las delicias. Ganó el Prix du Printemps du Roman en 2015 con La extraña aparición de Tecla Osorio.

    Entre los asistentes, diversos escritores y artistas como Lourdes Ventura, Pepa Roma, Inmaculada de la Isabel León, Fernando Verdugo...

        Más información

https://lamiradaactual.blogspot.com/search?q=Mercedes+Deambrosis

Mercedes Deambrosis, escritora

ÁNGEL BARAHONA, autor del libro “La guerra perpetua. Apocalipsis y Redención", frente "La paz perpetua" de Kant

L.M.A.

        20/2/25.- Madrid.- Frente al conocido título de Inmanuel Kant “La paz perpetua, el escritor Ángel Barahona ofrece el libro “La guerra perpetua. Apocalipsis y Redención”, ensayo publicado por Ediciones Encuentro.

Sinopsis.- No estamos preparados para la guerra. La guerra que ya está entre nosotros, aunque no está declarada formalmente más que en contados sitios, amenaza con extenderse más allá del control político que la pone en marcha. La incertidumbre es el pronóstico de los tiempos caóticos que vendrán. Nadie sabrá a qué atenerse.

          Las preguntas que surgen en este ensayo son inquietantes: ¿por qué la hostilidad guerrera ha sido un hecho constatable, permanente a lo largo de la historia de la humanidad y podemos sospechar que lo seguirá siendo? ¿Por qué la actividad política se muestra impotente para detener la presumible «escalada a los extremos»? Por último: ¿hay alguna alternativa a la guerra que no sea la destrucción de todo?

            Obras de René Girard y Jean-Pierre Dupuy guían al principio esta inusual y sugestiva reflexión de Ángel Barahona sobre la guerra: desde Troya hasta Napoleón, de la Primera Guerra Mundial hasta Gaza. Al final, el autor dedica algunos capítulos al apocalipsis, esta vez guiado por las Escrituras judeocristianas y la filosofía de la historia para demostrar que la esperanza puede encontrarse donde menos se la espera.

        Ángel J. Barahona Plaza (1957), padre de cuatro hijos, es doctor en Filosofía, licenciado en Ciencias de la Educación (Psicología Escolar) y licenciado en Teología Dogmática. Director del Departamento de Humanidades de la Universidad Francisco de Vitoria; investigador principal del Grupo internacional de investigación Violencia y religión. Director de la Revista Digital Violencia y religión. Miembro del International Colloquium on violence and religión, COV&R. Es autor de numerosas publicaciones sobre la familia, el amor y la violencia, temas antropológicos y teológicos, colaborador de diversas revistas periódicas, codirector del Máster de Acompañamiento de la UFV, y profesor de la Facultad de Filosofía de la Universidad San Dámaso.

El estudio Mesura diseñará el Guest Lounge de ARCOmadrid 2025

 

     L. M. A.

Madrid, 20 de noviembre de 2024.- El estudio de arquitectura Mesura será responsable del diseño del Guest Lounge de ARCOmadrid 2025, que se celebrará del 5 al 9 de marzo en IFEMA MADRID. Tras la convocatoria lanzada por ARCO, junto con el Foro de Marcas Renombradas Españolas (FMRE) y la revista AD, el jurado* ha fallado a favor del proyecto presentado por este estudio catalán.

    En base al tema propuesto como guía de la edición de ARCOmadrid 2025, Wametisé: ideas para un amazofuturismo, el proyecto ganador se basa en una interpretación de los elementos simbólicos de la selva amazónica para construir una narrativa creativa y equilibrada. Un diseño que combina la filosofía y temática de la feria con la función de servir de espacio de descanso, de encuentro y zona gastronómica en ARCOmadrid. Del mismo modo, plasma los valores del Foro de Marcas Renombradas Españolas (FMRE) a través de sus empresas asociadas, que son ejemplo de calidad, innovación, sostenibilidad y contemporaneidad, y que cederán productos para la adecuación de este espacio.

Proyecto Guest Lounge ARCOmadrid 2025, por Mesura

Un nuevo paisaje – De lo público a lo íntimo

El proyecto se basa en una interpretación de los elementos simbólicos de la selva amazónica para construir una narrativa creativa y equilibrada. Su enfoque explora las dualidades intrínsecas del entorno selvático: densidad y claridad, oscuridad y luz, lo salvaje y la comunidad. Estas dicotomías permiten reinterpretar el espacio, promoviendo percepciones que van más allá de lo literal y directo.

    En la configuración de los espacios, analiza cómo los entornos abiertos y cerrados afectan la percepción de seguridad y confort. Mientras los espacios abiertos pueden sentirse expuestos y caóticos, los espacios pequeños generan una mayor intimidad y confianza. Así, el proyecto busca diseñar ambientes que proporcionen equilibrio y bienestar.

    Además, da prioridad a la sostenibilidad en el diseño de estos espacios efímeros, utilizando materiales reciclables y soluciones desmontables para minimizar el impacto ambiental. Su propuesta para ARCOmadrid apuesta por el uso de materiales que trasciendan su función temporal, favoreciendo su reutilización y contribuyendo a una cultura de responsabilidad ecológica.

    Mesura es un despacho de arquitectura y diseño fundado en 2010 con base en Barcelona. Busca soluciones duraderas y creativas explorando lo desconocido y replanteando las formas tradicionales de practicar la arquitectura y el diseño.

    Trabaja en una amplia gama de disciplinas, que incluyen arquitectura y diseño de interiores, diseño de mobiliario, investigación y proyectos editoriales. Cada una de ellas le permite dar vida a nuevas ideas, que afronta con dedicación y un compromiso con la excelencia.

    Su proceso de trabajo se apoya en un enfoque transdisciplinario, buscando puntos de conexión entre los diversos campos en los que opera. Cada proyecto se convierte en un espacio de ensayo y experimentación, en el que el equipo valora tanto el proceso como el resultado final y cree que la verdadera innovación surge cuando diferentes perspectivas e ideas confluyen e intersectan. 

    *Jurado: Teresa Carretero, responsable de operaciones Joquer; Maribel López, directora de ARCO; Iñigo Navarro, Galería Leandro Navarro y miembro del Comité Organizador de ARCOmadrid; Maite Sebastiá, directora de la revista AD, Jorge Sobejano, BURR Studio, Proyecto ganador Guest Lounge ARCOmadrid 2024, y Pedro Vargas, director de Proyectos Internacionales de Foro Marcas Renombradas Españolas.

La Fundación ARCO concede los Premios “A” al Coleccionismo en su 29ª edición

              

  L.M.A.

Madrid, 28 de enero de 2025.- La Fundación ARCO, impulsada por IFEMA MADRID, ha otorgado los Premios “A” al Coleccionismo que este año ha reconocido cinco colecciones: Patricia Phelps de Cisneros -Premio “A” Honorífico por su apoyo al arte-, Fundació Sorigué -Premio “A” Colección Corporativa-, Colección Juan Carlos Maldonado -Premio “A” al Coleccionismo Internacional-, Fernando Arriola y Yolanda Zugaza -Premio “A” al Coleccionismo en España- y Álex Ruas Wege -Premio “A” Colección Joven Internacional-.

En esta vigésimo novena edición, la Fundación ARCO ha concedido estos galardones que reconocen el valor artístico de los fondos de coleccionistas e instituciones, así como su labor en el apoyo a la difusión del arte contemporáneo.

El acto de entrega de los premios tendrá lugar el martes 4 de marzo en el Círculo de Bellas Artes de Madrid donde a continuación se celebrará la tradicional cena de la Fundación ARCO, con la colaboración de Cartier, destinada a recaudar fondos para la adquisición de obras en ARCOmadrid 2025 para su colección, alojada actualmente en CA2M Museo Centro de Arte Dos de Mayo de la Comunidad de Madrid.

PATRICIA PHELPS DE CISNEROS | Premio “A” Honorífico por su apoyo al Arte

Fundada en la década de 1970 por Patricia Phelps de Cisneros y Gustavo Cisneros, la Colección Patricia Phelps de Cisneros (CPPC) tiene como misión preservar y promover el arte y la cultura de América Latina y el Caribe. Con sede en Caracas y Nueva York, está presidida desde 2008 por su hija, Adriana Cisneros de Griffin.

La colección abarca cinco áreas principales, destacando la abstracción geométrica latinoamericana del siglo XX y la Colección Orinoco, que conserva las expresiones culturales de comunidades indígenas del Amazonas venezolano. Además, alberga obras de artistas que retrataron el paisaje latinoamericano entre los siglos XVII y XIX, arte colonial de Venezuela y el Caribe, y obras contemporáneas de artistas latinoamericanos y caribeños.

La CPPC ha desarrollado un extenso programa de publicaciones, exposiciones y préstamos, en más de 196 museos y casi 400 exposiciones, además de donaciones a más de 20 museos de América y Europa. También establece alianzas estratégicas con universidades y centros culturales, fortaleciendo la investigación sobre arte latinoamericano, entre las cuales destaca el Instituto Cisneros en el Museum of Modern Art New York.

Patricia Phelps de Cisneros, reconocida por su labor filantrópica, ha recibido prestigiosas distinciones como la Gran Cruz de la Orden Civil de Alfonso X el Sabio y el León de Oro de San Marco. Es miembro fundador de los Amigos Internacionales del Museo del Prado y de la Fundación Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona. Impulsó la creación de la Fundación Museo Reina Sofía, en la cual ejerció como patrona fundadora. Su compromiso con la educación y el arte sigue marcando un legado invaluable para la historia cultural universal.

FUNDACIÓ SORIGUÉ | Premio “A” Colección Corporativa

La Fundació Sorigué, creada en 1992 por Julio Sorigué y Josefina Blasco, representa el compromiso social, cultural y educativo del grupo empresarial Sorigué. Su labor nace con un centro para personas con discapacidad intelectual y años más tarde se inicia la creación de su destacada colección de arte contemporáneo, reconocida como una de las más importantes de España.

La colección comenzó en el año 2000 con la donación de pinturas noucentistas por parte de sus fundadores. Desde entonces, bajo la dirección de Ana Vallés, se ha ampliado a más de 450 obras que exploran el concepto del human being, abordando cuestiones universales que conectan a las personas. Combina piezas de artistas consagrados como Anselm Kiefer, William Kentridge y Bill Viola, con creadores emergentes, generando un diálogo entre disciplinas artísticas y sensibilidades humanas. A través de exposiciones, programas educativos y colaboraciones, la fundación promueve el arte como herramienta de comunicación y conciencia social.

El proyecto PLANTA, presentado en 2013, encarna la visión más reciente de la fundación. Ubicado en un entorno industrial, este espacio integra arte, arquitectura, conocimiento y paisaje, convirtiéndose en un punto de encuentro para la reflexión y la creatividad. PLANTA se ha convertido en el buque insignia de Sorigué, una herramienta de liderazgo empresarial innovadora que muestra el propósito y los valores del grupo.

La Fundació Sorigué reafirma su compromiso con el retorno social y cultural, consolidándose como un símbolo de innovación y sensibilidad en el ámbito empresarial y artístico.

COLECCIÓN JUAN CARLOS MALDONADO | Premio “A” al Coleccionismo Internacional

Nacido en Venezuela, Juan Carlos Maldonado es un destacado empresario especializado en los sectores de seguros, banca y salud, cuya pasión por el arte lo ha llevado a convertirse en un referente en el coleccionismo de abstracción geométrica. Su colección, iniciada en 2005, ha crecido de forma cronológica y geográfica en el tiempo, incluyendo el núcleo de la abstracción geométrica, contemporánea, indígena ye’kwana de Venezuela y precolombina del Perú. Los artistas que conforman la colección abarcan desde latinoamericanos, norteamericanos, y europeos, como, Lygia Clark, Joaquín Torres García, Jesús Rafael Soto, Josef Albers, Leon Polk Smith y Max Bill, entre otros.

En 2016, Maldonado consolidó su compromiso con el arte al establecer su colección en Miami, donde inauguró una sede en el Design District. Desde este espacio, se han organizado exposiciones y publicaciones que promueven el estudio y la difusión del arte abstracto geométrico en un contexto universal.

Además de su labor como coleccionista, Maldonado forma parte del Consejo Internacional del Museo Reina Sofía en Madrid y del Consejo Asesor de Adquisiciones del Instituto de Arte Contemporáneo de Miami, contribuyendo activamente al desarrollo y promoción del arte contemporáneo.

Con una visión integradora, Juan Carlos Maldonado continúa impulsando el diálogo entre artistas, colecciones e instituciones, consolidando su legado como promotor del arte abstracto geométrico y la cultura latinoamericana en el ámbito internacional.

FERNANDO ARRIOLA Y YOLANDA ZUGAZA | Premio “A” al Coleccionismo en España

La Colección de Arte Contemporáneo Alkar Contemporary Collection   ACC Bilbao, fundada hace 20 años por Fernando Arriola y Yolanda Zugaza, se ha consolidado como un referente del arte contemporáneo en España. Con más de 450 obras de 210 artistas internacionales y emergentes, la colección abarca una amplia gama de disciplinas como pintura, escultura, fotografía, instalación y video, reflejando la diversidad y riqueza de la expresión artística contemporánea.

En sus primeros años, ACC Bilbao se centró en artistas locales como Ignacio García Ergüin, Txomin Badiola y Eduardo Chillida, cimentando su identidad con un fuerte compromiso hacia el arte vasco. Posteriormente, la colección amplió su enfoque, incorporando obras de renombrados artistas nacionales como Miquel Barceló, Luis Gordillo y Antonio Saura, consolidando así su relevancia dentro del panorama contemporáneo español y marcando un diálogo entre las expresiones artísticas locales y nacionales.

Desde entonces, ha incluido obras de figuras icónicas como Georg Baselitz, John Baldessari, Louise Bourgeois, Anselm Kiefer y Richard Serra, y ha ampliado su alcance para incorporar artistas de renombre mundial como Olafur Eliasson y Tracey Emin. En su compromiso con el arte emergente, también apoya a creadores prometedores como Jacobo Castellanos, June Crespo o Secundino Hernández, impulsando nuevas voces en el panorama artístico.

Nacida como una iniciativa privada enfocada en talento local, la colección ha evolucionado hacia una proyección global, integrando piezas de artistas internacionales que enriquecen su narrativa. Este crecimiento se reforzará en 2025 con la apertura de un Centro de Arte en Bilbao, diseñado por el prestigioso arquitecto Juan Herreros, consolidando a ACC Bilbao como un espacio dinámico y en constante evolución, símbolo de la riqueza cultural del País Vasco y su conexión con el mundo.

ALEX RUAS WEGE | Premio “A” Colección Joven Internacional

Alex Ruas Wege es un joven diseñador de interiores brasileño que ha vivido fuera de Brasil durante casi una década. Actualmente reside en Lisboa, donde ha fundado ARW DESIGN STUDIO, que opera en Londres, Lisboa y São Paulo. Alex ha cultivado una profunda apreciación por la belleza y la innovación creativa, inspirada en sus numerosos viajes por todo el mundo. Además de su interés por la arquitectura, Alex es un apasionado coleccionista de arte, buscando transmitir emociones y belleza a través de la cuidada curaduría de la colección.

La colección se encuentra en sus residencias de Lisboa y Londres y es una rica mezcla de de artistas brasileños e internacionales, reflejando su amplia visión y profunda apreciación por las expresiones innovadoras. Creadores brasileños como Erika Verzutti, Laura Lima y Aislan Pankararu aportan perspectivas frescas, desafiando las estéticas tradicionales. Anna Maria Maiolino y Carlito Carvalhosa exploran el poder expresionista de las formas y los materiales. Lucia Koch y Marina Perez Simão transforman los espacios y las emociones con sus vivas instalaciones y su vibrante uso del color. A nivel internacional, Alex incluye obras de artistas como Studio Drift, Tomás Saraceno y Olafur Eliasson, cuyas instalaciones integran elementos como la luz y el movimiento para crear experiencias envolventes e interactivas. Además, Teresa Solar Abboud, Ugo Rondinone y Étienne Chambaud aportan sus líneas de trabajo únicas, que van desde narrativas coloridas hasta esculturas meditativas.

Estos artistas enriquecen la colección de Alex con una variedad de estilos que complementan sus diseños arquitectónicos y promueven un diálogo entre el arte brasileño e internacional. Cada pieza, seleccionada por su capacidad de armonizar y realzar los espacios, refleja su compromiso con la innovación y una visión artística global, convirtiendo su colección en un reflejo vibrante de su trayectoria profesional y personal.

La Fundación ARCO lanza una nueva edición de ARCO GalleryWalks en Madrid

        L.M.A.

    Madrid, 11 de febrero de 2025.- Del 19 al 22 de febrero, la Fundación ARCO organiza, como antesala de ARCOmadrid 2025 (5 al 9 de marzo), diferentes visitas guiadas por las galerías de arte de la capital madrileña. De manera gratuita, la nueva

edición de ARCO GalleryWalks brinda a los visitantes la posibilidad de explorar el trabajo de diferentes artistas.

En esta ocasión, se han programado itinerarios que recorrerán los barrios de Carabanchel, Centro, Chamberí, Dr. Fourquet, Barrio de las Letras, Salamanca y Salesas.

A través de ARCO GalleryWalks, la Fundación ARCO tienen como objetivo acercar el arte contemporáneo al público, de manera que los asistentes puedan descubrir el trabajo de las galerías y sus exposiciones, además de tener contacto directo con la creación artística actual.

Para conocer en detalle el calendario de visitas y reservar plaza: ¡Confirma tu asistencia!

Contacto: arcogallerywalk@ifema.com

Miércoles 19 de febrero

17H. LETRAS

17H. SALESAS 

Jueves 20 de febrero

11H. CENTRO

17H. CHAMBERÍ 

17H. FOURQUET II

 

Viernes 21 de febrero

11H. SALAMANCA

17H. FOURQUET I

17H. CHAMBERÍ

Sábado 22 de febrero

11H. CARABANCHEL

11H. SALESAS

Egresadas del máster del Museo Universidad de Navarra seleccionan las obras de la Colección Fundación ARCO que se expondrán en ARCOmadrid 2025

Las comisarias realizarán este proyecto curatorial con la supervisión de un equipo del CA2M, que acoge actualmente la Colección

La Sala Consejo, del arquitecto Pedro Pitarch, acogerá esta selección de obras durante la celebración de la feria, que tendrá lugar en IFEMA MADRID del 5 al 9 de marzo

        L.M.A.

Pamplona, 20 de diciembre de 2024 - Cuatro egresadas de la VII promoción del Máster en Estudios de Comisariado del Museo Universidad de Navarra han sido invitadas a curar la selección y disposición de las obras de la Colección Fundación ARCO, que se exhibirán en la Sala Consejo de ARCOmadrid, del 5 al 9 de marzo. Un equipo de CA2M (Centro de Arte Dos de Mayo), liderado por su directora, Tania Pardo, colabora con las comisarias en este proyecto, que se presentará en un espacio diseñado por el arquitecto Pedro Pitarch.

Este trabajo de comisariado ha sido encargado a las estudiantes cuyo Trabajo de Fin de Máster (TFM) fue seleccionado entre los de su promoción el curso pasado. Bajo el título “Querido espectador, ¿qué miras?”, este proyecto expositivo podrá visitarse próximamente en el MUN, e incluye 35 obras de la Colección Fundación ARCO, que desde 1987 aglutina producciones de artistas de renombre del panorama nacional e internacional, incluyendo obras de Jon Mikel Euba, Sigmar Polke, Eva Fábregas, Teresa Solar Abboud, Anish Kapoor, Thomas Schutte, Teresa Margolles, Mario Merz, Elena Asins, Boltanski o Jorge Macchi. En la propuesta recogida en su TFM, invitan a cada visitante a ser protagonista del recorrido y a reflexionar sobre su modo de mirar, adoptando posibles modos de vinculación con las obras.

La oportunidad de llevar a cabo este proyecto surge de la propia naturaleza de la Fundación ARCO. Tal como cuenta su directora, Maribel López, una de las misiones de la Fundación es “ofrecer oportunidades, herramientas y visibilidad a las nuevas generaciones de comisarios y comisarias”. Es por esto por lo que han puesto su Colección a disposición del proyecto de las egresadas del Máster del Museo Universidad de Navarra, reafirmando de este modo su compromiso “con el impulso de los jóvenes”. “Apoyar las nuevas voces del arte contemporáneo es una responsabilidad que asumimos como feria”, completa.

Las comisarias -Florencia Baliña, Andrés Ruiz, Aroa Urteaga y Andrea Vargas- plantean una muestra que pone el foco en la figura del espectador de arte contemporáneo y que se pregunta qué modos de mirar se activan en contacto con cada obra. Su premisa de partida es que el acto de mirar es en sí mismo una forma de acción, pues quien observa también “hace”: selecciona, compara e interpreta.

“Es un privilegio abordar una colección de esta relevancia, con obras que nos resultan tan estimulantes - cuenta Florencia Baliña, miembro del equipo de comisarias. - También es una oportunidad de compartir nuestra mirada sobre la Colección ARCO con otros interlocutores”. Explica que, en su proceso de trabajo, el equipo está otorgando un papel central a la reflexión sobre a quién se dirige cada pieza, y quién es el destinatario que se visualiza cuando se piensa en una exposición; en esta ocasión, en concreto, los profesionales del mundo del arte que acudirán a la feria ARCOmadrid.

La Sala Consejo de ARCOmadrid es un lugar de encuentro de mecenas, coleccionistas y agentes culturales nacionales e internacionales. Este espacio acogerá, entre otros, el Almuerzo Anual del Consejo Internacional o encuentros privados con directores de instituciones museísticas.

“LA SEÑORITA DE TREVÉLEZ” (1916) de Carlos Arniches y “CALLE MAYOR” (1956) de Juan Antonio Bardem. Coincidencia en el tema de la broma cruel contra la soltera de cierta edad

* Versión de Ignacio García May y Dirección: Juan Carlos Pérez de la Fuente de “La señorita de Trevélez” en el Teatro Fernán Gómez

Carmen Valero Espinosa

20/2/25.- Madrid.- La historia teatral es cruel, brutal, solo el humor de Carlos Arniches sofoca un tanto la angustia, algo que no hace la película neorrealista “Calle Mayor”, que transcurre igualmente en una pequeña ciudad de provincias (Logroño y sus soportales de los años 50 en el rodaje).

    Desde que empecé a ver la obra de Arniches “La señorita de Trevélez” (1916) recordé en todo momento la película “Calle Mayor” (1956). Sorprende no haber encontrado crítica alguna que las relaciones. Es más, que la segunda en el tiempo no haya tomado como referencia a la primera: la broma pesada de los señoritos aburridos de casinos en una ciudad de provincias.

    Dicho esto: una amable puesta en escena teatral en el Fernán Gómez, humor, danza, baile, decorados rodantes, buenos actores… Un poco larga en día laborable, quizás.

    Sinopsis: En Villanea, pequeña ciudad de provincias, un grupo de jóvenes ociosos decide gastar una broma cruel a Doña Florita, la mujer menos agraciada de la comunidad, haciéndole creer que el joven forastero Numeriano está locamente enamorado de ella. La broma tiene éxito al principio, pero una vez puesta en marcha ya no hay manera de pararla y se encamina hacia la catástrofe; sobre todo porque el hermano de ella, Don Gonzalo, un hombre de físico hercúleo y temperamento colérico, es uno de los ciudadanos más poderosos de Villanea y está dispuesto a absolutamente todo con tal de que Florita consiga la felicidad que merece…

    “La señorita de Trevélez de Carlos Arniches, considerada su obra maestra, es la obra elegida para iniciar esta nueva etapa al frente del teatro Fernán Gómez Centro Cultural de la Villa”, escribe Juan Carlos Pérez de la Fuente, director de la obra.

    “Creo que es misión de un teatro público revisar a nuestros autores fundamentales, solo así conseguiremos que el público y sobre todo las nuevas generaciones conozcan y disfruten de nuestro repertorio teatral”.

    “Posiblemente a esta decisión ha contribuido el haberme adentrado ya por los territorios tragicómicos arnichescos. En los años noventa del siglo pasado tuve la oportunidad de llevar a la escena Es mi hombre y La locura de Don Juan. He vuelto a leer todas las obras de Arniches, preguntándome cuál era la que más posibilidades ofrecía para una escenificación en el siglo XXI, la que más conectaba con nuestra sociedad y, sin duda, solo podía ser La señorita de Trevélez. Era la obra que realmente me había conmovido y también divertido (no hay que tener miedo a esta palabra)”.

    “Como Valle-Inclán, aunque a su manera, con la comicidad del brazo, Archiches sitúa un espejo deformante ante la realidad española y hace de los Trevélez una tragedia grotesca. He aquí la historia de una broma cruel que llevan a cabo unos jóvenes diletantes y ociosos contra una mujer”.

Reparto:

Don Gonzalo de Trevélez - Daniel Albaladejo.

Tito Guiyola - Críspulo Cabezas.

Flortita Trevélez - Silvia de Pe.

Torrija - Juan de Vera.

Numeriano Galán - Daniel Diges.

Peña - Oscar Hernández.

Don Marcelino - Jose Ramón Iglesias.

Lacasa - Edgar López.

Del 16 de febrero al 20 de abril de 2025

HORARIO De martes a sábado a las 20:00 horas

Domingos a las 19:00 horas. Ningún festivo se modifica el horario de la función.

DURACIÓN 130 minutos. LUGAR Sala Guirau

PRECIO Entrada general - 22€. Tarifa reducida -  18€ (Todos los días): Carné joven, mayores de 65, familia numerosa, discapacidad y acompañante.

PEDRO BETANCOURT, pintor y actor cubano. Documental sobre su vida artística afrocubana en España

Pedro Betancourt, actor y pintor cubano

Julia Sáez-Angulo

    19/2/25 .- MADRID.- A Pedro Betancourt Montalvo (La Habana, 1954), pintor y actor cubano, residente en Madrid desde hace varios 30 años, posa, pinta y actúa para un Documental sobre su vida artística en Cuba y España. El Grupo de Afromayores ha querido honrar así a este artista polifacético, “para poner de relieve la influencia de la Cultura Africana en mi obra artística”, cuenta con entusiasmo y emoción. Sabe cantar canciones afrocubanas en un idioma popular en Cuba, el lucumí, lengua derivada del yoruba originada en Cuba.

Pedro Betancourt, es egresado de la Escuela de Bellas Artes de San Alejandro, la primera que hicieron los españoles en América. Se especializó en pintura y dibujo. Era jefe de escena del Conjunto Folklorico Nacional de Cuba, donde hacia diseños de vestuario y decorados.

    "En España trabaja atendiendo los talleres de pintura y dibujo; colaboro con la Compañía de Danza Afrocubana Javier Monier, donde hago diseño de vestuario, decorados y jefe de escena", declara el artista afrocubano. Trabajó en la película de Pedro Almodóvar "Carne trémula".

     Betancourt ensaya como cantante una representación de la "opereta bíblica" La Corte de Faraón (1910), y prepara un espectáculo singular afrocubano, para representarlo en Baleares.

Domina el escenario con gracia y humor. Se siente orgulloso de sus orígenes y los pone de manifiesto en su trabajo artístico. Recientemente hizo una representación con un monólogo narrativo yoruba, en honor de la pintora malagueña Victoria Márquez, que expone actualmente la madrileña Galería de Arte  Loona Contemporary Art, que dirige Claudio Fiorentini.

     Como artista plástico, actualmente esta trabajando en una serie de acuarelas y collages, en su domicilio de Valdemorillo (Madrid).

    Casado, en su día, con mujer española, Pedro Betancourt tiene un hijo, Aarón, alto y guapo, del que presume con orgullo. "Estudia Matemáticas en la Universidad y sabe inglés perfectamente", cuenta.

Acuarelas y collage de Pedro Betancourt

Pinturas de Pedro Betancourt, acuarela y collage

Pedro y Victoria Márquez

Pedro con Victoria Márquez y María Cangiano

Pedro Betancourt, artista polifacético

ARCOmadrid 2025: Un total de 214 galerías de 6 países. La feria de Arte se afianza por sus propuestas artísticas

MARIBEL LÓPEZ, directora de ARCOmadrid 2025, junto a Arancha Priede directora de Negocio Ferial  de IFEMA en la rueda de prensa en el Círculo de Bellas Artes

            L.M.A.

    Madrid, 19 de febrero de 2025.- Organizada por IFEMA MADRID, la Feria Internacional de Arte Contemporáneo, ARCO, celebra su 44ª edición del 5 al 9 de marzo. Con una selección excepcional de galerías nacionales e internacionales, la feria abre un amplio diálogo entre innovadoras propuestas del panorama internacional. Un encuentro que trasciende el mercado para fomentar también el descubrimiento, la reflexión y la investigación artística.

Contenidos artísticos en ARCOmadrid 2025

    Un total de 214 galerías de 36 países convertirán a Madrid en capital internacional del arte contemporáneo. En esta ocasión, 178 galerías integran el Programa General, sumándose a ellas las secciones comisariadas: Wametisé: ideas para un amazofuturismo, con 15 galerías; Opening. Nuevas galerías, con 18, y Perfiles | Arte latinoamericano, con 10 galerías.

    La representación nacional este año se sitúa en el 33% de la oferta a través de la participación de galerías 71 españolas. Por su parte, el segmento internacional se eleva al 67% -143 galerías-, y de éste, más del 32% lo acapara la presencia latinoamericana, con la participación de 46 galerías de 11 países, con especial presencia de Brasil y Argentina. De esta manera, ARCOmadrid sigue proyectando su posición única como referente latinoamericano en Europa.

    La solidez de la escena española, así como su riqueza y pluralidad se verá ampliamente reflejada en el Programa General con la participación de galerías como 1 Mira Madrid, Alarcón Criado, ATM, Elba Benítez, Elvira González, CarrerasMugica, Luis Adelantado Valencia, Nordés, ProjecteSD, Sabrina Amrani o T20, entre los proyectos provenientes de diferentes puntos del país. A éstas se suman galerías internacionales con reciente sede también en España como carlier | gebauer o Mai 36.

    Entre las galerías internacionales participantes en el Programa General, ARCO celebra la incorporación de Massimo Minini y Francesca Minini, Casas Riegner, dépendance, Gomide&Co, Plan B, Luciana Brito, Bernier/Eliades, Raquel Arnaud, Sylvia Kouvali o Waddington Custot. También la fidelidad de otras como Thaddaeus Ropac, Jocelyn Wolff, Chantal Crousel, Ruth Benzacar, Peter Kilchmann, Perrotin, neugerriemschneider, Esther Schipper o Thomas Schulte. Y vuelven a depositar su confianza en la feria Capitain Petzel, Max Hetzler o Mendes Wood Dm, Nicolai Wallner, Fortes D'Aloia & Gabriel y Kalfayan Galleries. 

    Paralelamente al Programa General, ARCOmadrid contará con tres secciones comisariadas.  Incorpora como proyecto central de 2025 el Amazonas, con el programa Wametisé: ideas para un amazofuturismo, comisariado por Denilson Baniwa y María Wills, en colaboración con el Institute for Postnatural Studies, que reflexionará sobre nuevos modos de creación que representan existencias híbridas entre cuerpos humanos, vegetales, físicos y metafísicos. Participarán 23 artistas como Carlos Jacanamijoy, con Almine Rech, que regresa a la feria desde 1999; Naine Terena y Coletivo Mahku, con Carmo Johnson Projects; Dhiani Pa'saro, Duhigó y Paulo Desana, con Manaus Amazônia; galerías por primera vez en ARCOmadrid. Se suman otros creadores como Claudia Andujar, con Vermelho; Carlos Motta, con Mor Charpentier; Chonon Bensho y Brus Rubio, con Livia Benavides y Mapa Teatro, con Rolf Art, galerías que tendrán también espacio en el Programa General.

    Opening. Nuevas galerías volverá a ser el espacio de descubrimiento de innovadoras propuestas en ARCOmadrid. La selección de Cristina Anglada y Anissa Touati representará la apuesta del joven galerismo nacional e internacional con la participación de 18 galerías como Artbeat, Blue Velvet, Eins Gallery, Fermay y Remota, que repiten su participación en el programa, y otras nuevas como Callirrhoë, El Chico, Brigitte Mulholland y Reservoir.

    La sección Perfiles | Arte latinoamericano seguirá reforzando el vínculo histórico entre ARCOmadrid y el arte en Latinoamérica. José Esparza Chong Cuy, comisario de la sección, realiza una investigación centrada en presentar un solo artista por galería.  La sección estará formada por 10 artistas como Bárbara Sánchez Kane, con Kurimanzutto; Dan Lie con Barbara Wien; Chaveli Sifre con Embajada; Mariela Scafati con Isla Flotante, o Jota Mombaça con Martins&Montero, así como Ofelia Rodríguez, con Instituto de Visión, y Rember Yahuarcani con Crisis, dos galerías que también participan en la sección Wametisé: ideas para un amazofuturismo.

     A esto se suman los 32 Proyectos de Artista, presentados por 32 galerías, entre los que figuran Etel Adnan –Lelong-, Katinka Bock -Meyer Riegger-, Rocío García -El Apartamento-, Karlos Gil -Francisco Fino-, Jonathan Hammer -F2 Galería-, Pablo Helguera -Espacio Mínimo-, Hessie -Marc Domènech-, Luz Lizarazo -Casa Riegner-, Manuel M. Romero -Artnueve-, Ana Mendieta -Prats Nogueras Blanchard-, Toni Schmale –Krinzinger-, Julia Spínola -Ehrhardt Flórez-.

    Por otro lado, ArtsLibris volverá a estar presente en ARCOmadrid con más de ochenta editores de veinte países a los que se sumarán diferentes presentaciones de publicaciones en el espacio Arts Libris Speaker´s Corner.

Coleccionistas y adquisiciones

    ARCOmadrid pone en marcha diferentes iniciativas para fomentar el coleccionismo; First Collectors by Fundación Banco Santander, el reconocido servicio gratuito de asesoramiento en la compra de obras durante la Feria, que en sus quince años ha asesorado a más de 700 personas. A ello se suma el clásico Programa Internacional de Coleccionistas y el de Invitados Especiales, que traerán a Madrid a cerca de 400 coleccionistas y 200 profesionales de unos 40 países.

    ARCOmadrid ha confirmado la presencia de coleccionistas patronos y miembros de museos como Amis du Centre Pompidou, París; ADIAF, París; Palais de Tokio, París; Museo Reina Sofía, Madrid; Museo Universidad de Navarra, Pamplona; Museum of Fine Arts Houston, Houston; MAMCO, Ginebra; Contemporary Art Center of Geneva, Ginebra; Museum S.M.A.K., Gante; Phileas -The Austrian Office for Contemporary Art,Viena; MALBA, Buenos Aires; The Bass Museum of Art, Miami; MALI, Lima; Saikalis Bay Foundation, Milán; MOLAA, Long Beach; Musée National de Monaco, Mónaco; MACBA, Barcelona; Fundación Joan Miró, Barcelona; Guggenheim, Bilbao; Meadows Museum, Dallas; Triennale Milano, Milán.

    Un año más, diferentes empresas privadas de ámbito nacional e internacional se suman a distintas iniciativas en forma de adquisiciones y de reconocimientos a la creación artística, a través de la entrega de diferentes premios como el Premio Lexus al Mejor Stand en ARCOmadrid 2025, Premio Cervezas Alhambra Arte Emergente, Premio illy Sustainart, ARCO/BEEP de Arte Electrónico, Premio ENATE-ARCOmadrid 2025, Premio Talento Joven en Opening, Premio Pilar Forcada ART Situacions, Premios MACAM, Premio ARCO Antoni Vila Casas, Premio Artepuntoes, Premio Catalina D´Anglade, Premio Emerige-CPGA, Colección Rucandio, Fundació Úniques y Premio Opening. De la misma manera, ARCOmadrid 2025 tiene la confirmación de compras de diferentes instituciones como el Museo Reina Sofía, Es Baluard Museu d’Art Modern i Contemporani de Palma, Comunidad de Madrid, Junta de Andalucía, Centro de Arte Fundación María José Jove, Fundación Sorigué y Fundación María Cristina Masaveu Peterson, entre otras.

    Por otro lado, la tradicional cena de la Fundación ARCO, que cuenta con la colaboración de Cartier, volverá a estar destinada a recaudar fondos para la adquisición de obras en la feria para su colección, en depósito en CA2M Museo Centro de Arte Dos de Mayo de la Comunidad de Madrid. También se incorporarán las piezas procedentes de las donaciones de MIA Art Collection, de Frédéric Malle y del Consejo Internacional de la Fundación ARCO. En el marco de la cena se celebrará el acto de entrega de los Premios “A” al Coleccionismo, otorgados por la Fundación ARCO que, en su 29ª edición, ha reconocido las colecciones: Patricia Phelps de Cisneros, Fundació Sorigué, Colección Juan Carlos Maldonado, Fernando Arriola y Yolanda Zugaza y Alex Ruas Wege.

    Foro y Encuentros Profesionales

    El Foro de Coleccionismo constituye el punto de encuentro de la comunidad artística internacional donde conocer y compartir ideas sobre el coleccionismo de arte en sesiones abiertas al público. Contará con la participación de Karen y Christian Boros, Armando Martins, Adelaide Ginga, Emir Bahadir, Richard Massey, Rosina Gómez-Baeza, José Noé Suro, Ariel Jiménez, Maria Wills, Rodrigo Gutiérrez, Juan Carlos Maldonado y Catherine Petitgas.

    El Foro Wametisé: ideas para un amazofuturismo se centrará en el tema central de esta edición en unas sesiones dirigidas por Institute for Postnatural Studies, con la participación de María Wills, Denilson Baniwa, Bárbara Santos, Rember Yahuarcani, Suely Rolnik, Uyra, Olinda Silvano, Carlos Motta, Vânia Leal, José Roca, Synnove Urgilez, Aycoobo y Susana Mejía.

    Por su parte, el Foro de artistas, organizado por MAV Mujeres en las Artes Visuales, contará Marina Vargas, Marta C. de la Dehesa, Lucía Egaña, Sandra Gamarra Heshiki, José Luis Pérez Pont y Fefa Vila.

    También se suma el Foro ArtsLibris Speakers´ Corner, con presentaciones de publicaciones, libros de artista y otras iniciativas editoriales.

    Por otro lado, los Encuentros Profesionales, reservados solo para profesionales y bajo invitación, se centrarán en esta ocasión en el Encuentro Un baile institucional, dirigido por Martí Manen, y el Después de… Programar en el mundo real. Encuentro de Museos de Europa e Iberoamérica, dirigido por Amanda de la Garza.

    Con el apoyo de Acción Cultural Española (AC/E), ARCOmadrid programará diferentes encuentros entre museos españoles e instituciones internacionales liderados por Jackie Herbst -Es Baluard-, Catalina Lozano -ARTIUM-, Sergio Rubira -TEA-, Claudia Segura -MACBA-.

        Diseño, arquitectura y espacios

    El estudio de Pedro Pitarch es el responsable del diseño espacial de las zonas comunes de ARCOmadrid 2025, con un proyecto titulado Metropolitanismo Ferial: Urbanismo Orientado a los Objetos - vol.2.  Por su parte, Institute for Postnatural Studies diseñará el espacio de galerías de la sección Wametisé: Ideas para un Amazofuturismo.

     En cuanto al  Guest Lounge de ARCOmadrid 2025, en esta ocasión el estudio Mesura será el responsable del diseño con la colaboración del Foro de Marcas Renombradas Españolas (FMRE) a través de Actiu, Ondarreta, Fama Sofás, Jóquer, Cosentino, Simon, Crevin, Lladró. Además, contará también con la intervención de otras como ClaseBCN – gráfica-, y Anoche -iluminación En su interior acogerá el espacio de Ruinart, Lexus, Bodegas ENATE y Hotel Radisson Red. La Sala 44 será un proyecto de Mausha Marsá y David Jiménez, en colaboración con Casa Decor, con el diseño de iluminación de BMP Iluminación y obras de Claudia Andújar, de la galería Vermelho. En esta ocasión, la Sala Fundación ARCO contará con el diseño de Manuel Espejo, con intervención de Poolins, Jardinería Niza y Polight, y el Studio Mo será responsable de la Sala A Very Welcoming Lounge (AVWL), iluminada por Años Luz. Y L.A. Studio volverá a decorar la Sala Presentaciones. De nuevo este año, los visitantes a ARCOmadrid tendrán la oportunidad de disfrutar de la oferta gastronómica de Artigot en el Food Court -nexo de los pabellones 5 y 7- diseñado por Pedro Pitarch con mobiliario de Isimar.

    El apoyo constante a la creatividad tiene también en 2025 una presencia reforzada y expandida en las publicaciones. Así, el estudio Ponce Contreras ha sido responsable del diseño del catálogo de ARCO, y Cthulhu Books (Institute for Postnatural Studies) de la publicación de Wametisé: ideas para un amazofuturismo.

Maribel López y Arancha Priede. ARCOMADRID 2025

SECUNDINO HERNÁNDEZ. Exposición a su universo artístico en la Sala Alcalá, 31de la CAM

* El consejero De Paco Serrano  presentó la muestra, que se podrá visitar de manera gratuita en la Sala Alcalá 31 hasta el 20 de abril

 Es una de las figuras más destacadas del arte actual, que triunfa en grandes galerías y ferias internacionales

 Incluye cerca de 70 obras, en las que Hernández aborda el dibujo, la superficie pictórica, la forma y la figura humana

SECUNDINO HERNÁNDEZ Y MARIANO DE PACO

        L.M.A.

18 de febrero de 2025.- La Comunidad de Madrid dedica una exposición al universo artístico y creativo del pintor Secundino Hernández hasta el próximo 20 de abril en la Sala Alcalá 31. La muestra recorre la trayectoria de este artista, una de las figuras más destacadas del arte actual, a través del dibujo, la superficie pictórica, la forma y la figura humana.

El consejero de Cultura, Turismo y Deporte, Mariano de Paco Serrano, ha presentado hoy el montaje Secundino Hernández en obras donde ha destacado que “visitando esta antología no queda la más mínima duda de que el creador madrileño ocupa ya una posición preeminente dentro del arte pictórico, no solo actual sino de todas las épocas”.

La exposición ofrece al visitante cerca de 70 creaciones procedentes tanto de colecciones privadas como de instituciones nacionales e internacionales, que van desde la más antigua realizada en 1996 hasta una de gran formato fechada en 2025. A través de ellas, se pone de manifiesto la insistencia de la práctica por investigar el lenguaje de la pintura.

El título, Secundino Hernández en obras, hace referencia tanto al objetivo de la exhibición de resumir toda una carrera artística, como al carácter temporal de la selección, que deberá irse ampliando y variando con el tiempo en futuras antologías.

Se propone así un análisis sobre los aspectos fundamentales que el pintor ha desarrollado en su expresión pictórica y sobre los que continúa trabajando desde sus inicios hasta la actualidad. El visitante podrá disfrutar así de una muestra que se divide en cuatro secciones: la importancia del dibujo como base de la pintura; la superficie como espacio de representación y como elemento plástico; la forma en la composición pictórica y en la creación de un lenguaje propio y la figura humana, que supone la única incursión del pintor fuera de la

abstracción.

Como parte de la experiencia, la Sala Alcalá 31 ofrece actividades complementarias como talleres escolares y familiares, recorridos dialogados o encuentros con el artista y el comisario. De la misma manera, la Comunidad de Madrid ha coeditado una publicación sobre Hernández, que incluye textos del comisario, así como de las especialistas Sonia Fernández Pan y Rocío Robles Tardío.

Más información en https://www.comunidad.madrid/actividades/2025/exposicion-

secundino-hernandez-obras

Carlos Urroz y Julia Sáez-Angulo ante una pintura de Secundino Hernández

Carlos Urroz y Antonio Calderón

JUAN DIEGO ROLDÁN. Recientes dibujos al ritmo de la actualidad

HUGUETTE CALAND:Una vida en pocas líneas Museo Nacional de Arte Reina Sofía –Edificio Sabatini

Exposición: Del 19 de febrero al 25 de agosto de 2025

 

Mayca NÖIS

    18/02/2025.- Se presenta a los medios  con la asistencia del director del Deichtorhallen (Hamburgo) Dirk Luckow, la comisaria de la muestra e historiadora de arte contemporáneo de la cátedra Keith ,Hannah Feldman y Manuel Segade director del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en colaboración con Hamburgo donde la exposición pasará en octubre.

“Una vida en pocas líneas” procede en título de una de las obras que permanecen en Beirut en número de treinta correspondientes unas a sus primeras obras de juventud en el Líbano y las últimas de su trayectoria no han podido formar parte de la exposición por el reciente conflicto en el país invadido por Israel que ponía en peligro su traslado.

El número de obras exhibido de Hugette Caland -apellido de su esposo – nacida Huguette El Khoury(Beirut 1931-Beirut 2019) son alrededor de unas 300, muchas inéditas.Dibujos, pinturas, textiles, collages,  escultura, escritura, diseño, dibujo…..que proceden de Europa y Estados Unidos. Es la primera gran retrospectiva en Europa.Se organiza de forma cronológica. Avanza y vuelve para ocupar doce salas que van revelando sus diferentes fases artísticas desde sus primeros trabajos de los sesenta y setenta hasta la segunda década del siglo XXI demostrando que la artista recurría para expresarse no sólo con los elementos convencionales. Su creatividad se ligaba a su primordial necesidad de liberación y el desapego a las normas sociales-legalistas conservadoras para comunicarse con un espíritu provocador. Una vez quiso ser escritora ya que dominaba el árabe, el francés y el inglés. Todo contribuyó a dotar su obra con la utilización de recursos y estrategias plásticas que se construían sobre colores y formas que eran acompañadas por la palabra en muchas de sus obras.

El recorrido bajo las denominaciones: “Devenires”, “Ser carne.Bribes de corpos”,”Seducciones”,“Interioridades.Criaturasdeensueño”,”Exterioridades.Espacios blancos””Entre los Angels y París”, “Juego”, “Retiros”, “Cuadriculas”, “Finales,regresos, nuevos comienzos o,hacia el mar”.

Caland hija única de Bechara El Khoury primer presidente de la República Libanesa independiente-1943-  cuando tenía doce años, lo que la situó dentro  de la élite libanesa. Criada dentro  del catolicismo maronita. Con expectativas muy definidas. Realizó sus primeros estudios de arte en su país natal. Con 33 años se matricula en la universidad americana de Beirut donde se desarrolla ya entonces con originalidad entre el pop y el surrealismo como indican los críticos.

Su siguiente etapa en  París  desde 1970 donde se viste con el caftán, liberándose de sus vestimentas europeas. La imagen de la época situaba a la mujer con un ideal estilizado y Caland tenía tendencia a engordar. El “abayat”, vestido tradicional de algunas regiones del norte de África permite, al colgar  de los hombros, una figura  elegante. Su primer diseño en caftán se tituló “The first Dress”. Constituye su propia personalidad cuando aparece rodeada de otras mujeres con vestidos,pieles y joyas.

Apenas expone. Trabaja intensamente en su pequeño estudio en Paris. En esta época elabora una de sus series más celebres “Bribes de corps” que actualmente figura en las colecciones de los principales museos internacionales.

Persisten en sus dibujos las líneas sinuosas de las clases recibidas de John Carswell,estudioso del arte islámico, en la Universidad Americana de Beirut, con la línea continua que significaba no levantar el lápiz o pluma del papel hasta término y resolución del tema planteado. Como explicó la artista “una única línea que atraviesa el universo. Ha sido mi gran fantasía. Es una línea elástica y totalmente imaginaria. Para mí existe. Cada vez que dibujamos algo, atrapamos esa línea y luego la dejamos ir” En la década de los setenta lleva los dibujos lineales a la superficie textil del caftán que fueron exhibidos en una exposición titulada las Mil y una noches  de Scheherazade (1985).

En la década de 1980 en su viaje a un pequeño pueblo de piedras calizas y robles se impregna del paisaje y lo expresa “nada se parece tanto a un cuerpo como un paisaje…Las mismas líneas podrían semejar un rostro,una flor, un paisaje o tal vez el perfil de un litoral costero”. Lo que posteriormente  va  a desarrollar en Venice,Los Ángeles, en 1987.

En otra inspiración y obra maestra monocromática “Nude Letters”(Cartas desnudas) (1991) cuando rompe las cartas personales, sobre todo las  de amor. Todas en base a personas reales y las inserta en sus trabajos. Cuentan de manera minimalista y ya “sin voz” la vida que tuvieron en sus renglones. Junto a una serie de autorretratos que mezclan escritura  con fragmentos de letras ininteligibles y pintura para realzar su larga investigación del lenguaje. La palabra  con su poder está  en su entorno desde muy joven y la escritura juega un papel importante en su vida con la que llegó a desarrollar un estilo cargado de ingenio con un tono irónico a veces en frases concisas y llenas de humor.

California con ese nombre que le encantaba porque California Land se parecía a su nombre Caland. Se instala en Venice “Me encanta Venice, me encanta cada minuto de mi vida”  “La exprimo como una naranja y me como la piel, porque no quiero perderme ni un detalle”.Entra en un ambiente competitivo que no sabe si va a producir sus frutos en una lucha individual femenina en un mundo de artistas blancos. “Tengo miedo, pero eso me hace sentirme viva” le confiesa a un periodista en 1992 cuando se inaugura su exposición “Memoirs of a Past Life”(Recuerdos de una vida pasada) en la Gallery 5 de Santa Mónica. Y fue una de las contadas ocasiones en que consiguió mostrar su obra en la costa oeste antes de regresar en 2013 al Líbano

Esta etapa con su estudio en Venice produjeron varias series: “L´Argent ne fait pas le bonheur, mais il contribue largement” (el dinero no compra la felicidad pero contribuye en gran medida a ella)1994. Crea un pequeño cuadro a partir de alguna moneda de algún lugar del mundo. Como apenas vendía incluye esta forma humorística irónica sobre el mercado del arte y la inseguridad financiera. Creó una serie cápsula para Pierre Cardin llamada “Nour” con varios diseños de caftanes exhibidos en 1979.

El regreso al Líbano en la última década de su vida -2013-Reflexiones en la decadencia física que acompaña con una lesión de rodilla la une al personaje de Rocinante el “corcel demacrado” de Don Quijote que desarrolla  con la serie “Rossinante”con un lenguaje pictórico de puntos, surcos y marcas diacríticas.

Sus últimas obras de grandes lienzos en murales y tapices o colchas con teñidos efectuados manualmente en las telas. Se refieren sobre todo a recuerdos de juventud y ensoñaciones de lugares nunca visitados. Predominan los colores vivos entre los que destaca un brillante azul (evocación del mar Mediterráneo), lejos de los rojos de juventud. Los cuerpos se reemplazan por flores.

 Luchó siempre por la libertad de comportarse, vestirse, amar ….. vivir en suma y por supuesto en lo relacionado en cómo hacer arte. Siempre fuera de convencionalismos. Tardó en ser aceptada en su lugar como artista. Hoy en día su obra se encuentra ampliamente reconocida y presente en colecciones de los grandes museos de arte contemporáneo como: Hammer Museum y LACMA de Los Ángeles, el MOMA el MET de Nueva York, la Tate Moderno el British Museum de Londres, en 2017 participación en la 57ª Bienal de Venecia

Las diferentes fases artísticas que jalonan las salas de la exposición nos sitúan progresivamente en las diferentes fases artísticas y personales. Los tumultuosos años de Beirut posterior a la independencia anterior a la Guerra Civil, el liberalismo utópico del Paris de los sesenta, la década bohemia de Los Ángeles. En todas aún con sus temas políticos siempre se  mantuvo al margen aún con las implicaciones paternas y de su marido que era una figura de la oposición y con quien tuvo tres hijos. En 1969 cofunda la ONG Inaash para ayuda a las mujeres palestinas de los campos de refugiados libaneses y que aún hoy en día continúa ayudando con una de las tradiciones de las labores libanesas el bordado palestino llamado “tatreez “y que figura en algunas de sus obras.

El catalogo de la exposición con textos de la comisaria Hannah Feldman que recorre la carrera artística. Alessandra Amin que analiza las implicaciones políticas, ideologicas y regligiosas, Rachel Haidu las ideas sobre género, feminidad, erotismo y sexualidad desde la perspectiva crítica y política de la artista, Kaelen Wilson-estudia sus ideas sobre cuestiones del dinero y sus implicaciones económicas, sociales, culturales y políticas. Aram Moshayedi el periodo de Caland en Los Ángeles. Maite Borjabad la influencia del entorno urbano en su obra.y Brigitte Caland,hija de la artista, el uso que hace de la escritura.

Manuel Segade explicita en el catalogo “… Es la primera gran retrospectiva dedicada en Europa a la creadora libanesa, cuya trayectoria artística y vital encarnó un constante desafío a las convenciones estéticas, sociales y sexuales de su tiempo……. En la aproximación al trabajo de esta artista, caracterizado por la multiplicidad de lenguajes, tanto escritos como plásticos, y por el dialogo constante entre la abstracción y la figuración, lo reflexivo y lo experiencial, esta muestra da cuenta de las transformaciones y derivas que experimentó su práctica en relación con los contextos geográficos y culturales específicos en los que participó, así como el impacto de su experiencia migratoria y multilingüe o su condición de artista mujer”.