jueves, 12 de enero de 2012

Jaume Estartús presenta “Relieves Comprometidos y Esculturas” sobre conflictos sociales



Obra de Estartús



L.M.A.


La Galería Victor i Fills Art Gallery, inaugura el próximo día 19 de Enero la exposición “Relieves Comprometidos y Esculturas”, donde se presentarán la obras más recientes del artista Jaume Mestres Estartús.

Este referente del informalismo catalán, se aleja en esta ocasión de la experimentación con soportes y técnicas, refugiándose en el lienzo para tratar problemáticas actuales en los nuevos procesos de globalización.

Estartús plantea en cada obra una interpretación íntima de los distintos conflictos sociales. Identidad, género o igualdad, son algunas de las cuestiones abordadas tras un proceso de investigación a su paso por distintos países de Asia y África.

Partiendo de citas de grandes maestros de la historia del pensamiento, Estartús desarrolla manifiestos pictóricos donde materiales y estilos se mezclan. Así, pigmentos, resinas o colas conviven con la figuración más pop y analítica.

Texto/Materia/figuración confluyen ahora en este creador “radicante”, generando una poética cuyo fin busca remover concienciasen estos tiempos de tanta incertidumbre.

Completará la muestra un conjunto de esculturas de nueva producción. Piezas de estética minimalista de gran pureza en sus formas, donde se vuelve a hacer evidente el dominio de la técnica en materiales tan dispares como el mármol o el hierro.

Jaume Estartús, suma de esta manera otra nueva etapa aúna extensa carrera donde figuran exposiciones para centros de referencia a nivel internacional como Centro Conde Duque, Sala Retiro o Fundación Vicente Ferrrer Chicago. Y sus obras forman parte de importantes colecciones en más de 25 instituciones públicas y privadas, como el Centro de Arte Contemporáneo CAC de Málaga, Casa Real, Biblioteca Nacional o Fundación Álvaro Mutis.



Compromiso social de un artista


David Bardía, director de la galería Victor i Fils en Madrid recuerda en la presentación que “J.M. Estartús ha regresado al lienzo. Nos sorprende una vez más con una obra contemporánea de connotaciones mágicas, de una modernidad rabiosa y con una preocupación social y política importantes.

Se trata de una obra eminentemente conceptual, que parte de un pensamiento el cual se traduce en una frase digna de meditación y que origina en si misma el desarrollo de cada una de las obras.

Dice Estartús, que todo artista tiene la obligación ética y moral de intentar influir a través de su obra en denunciar lo mejorable de la sociedad en que le ha tocado vivir; condensando su filosofía en que “cualquier artista al menos debe tratar de ser notario en la dinámica social en la que se desenvuelve”.

Se trata de una obra ciertamente intelectual con una carga reflexiva sobre una serie de problemas de la actualidad social, como la guerra, el hambre, la explotación infantil, la revuelta social, la familia, la homosexualidad, entre otros temas.

Algunas de estas obras se han gestado durante las estancias del artista en la India y el Vietnam.

El monocromatismo de esta serie titulada: “Relieves Comprometidos”, sintoniza con la trascendencia del mensaje que expresa, sin ninguna concesión gratuita a la colorimetría.

Completan la muestra un conjunto de esculturas de nueva producción. Piezas de estética minimalista de gran pureza en sus formas, donde se vuelve a hacer evidente el dominio de la técnica en materiales tan dispares como el mármol o el hierro.

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Música en español por el mundo a través del Instituto Cervantes y las Sociedad de Artistas



L.M.A.






El Instituto Cervantes y la sociedad de Artistas, Intérpretes y Ejecutantes (AIE) han renovado el convenio que suscribieron en 2009, con el objetivo de seguir colaborando en la promoción de músicos españoles e hispanoamericanos por todo el mundo.



Con la prórroga del acuerdo, ambas entidades continuarán organizando conciertos de música en directo que sirvan para difundir la cultura y la música en español. Los artistas, de distintas procedencias y estilos, forman parte del proyecto AIEnRUTa y actúan tanto en las sedes del Cervantes repartidas por los cinco continentes como en diversos espacios de las ciudades en las que el Instituto está presente.



A lo largo de 2012 está previsto organizar diversos conciertos de artistas y grupos que ya han tenido un recorrido notorio en el circuito musical nacional.



Durante el año 2010 se celebraron un total de 13 conciertos de artistas como Pony Bravo (que actuó en Budapest), We are Standard y At Versaris (que ofrecieron conciertos en Estocolmo), Anabel Rosado y Antonio Higuero (en Rabat, Casablanca, Tetuán, Tánger y Fez), Kumar (en Dublín) o Tío Calambres (en Argel).



En 2011 el número de conciertos de incrementó hasta llegar a 24, con nuevos intérpretes como Triángulo de Amor Bizarro (Mejor grupo de pop-rock de los premios UFI 2011, y que ofreció un concierto en Estocolmo), Fuel Fandango (en Budapest) o Jenny and the Mexicats (en Praga).



Además, se ha promocionado a jóvenes valores del flamenco con actuaciones como la del cantaor Jesús Corbacho en el prestigioso Festival de Músicas Sagradas del Mundo de Fez (Marruecos). Y en Madrid, en la fiesta del pasado 12 de octubre, más de 2.500 personas asistieron en la sede central del Instituto Cervantes a las actuaciones de cuatro representantes de la música que se crea en castellano y las lenguas cooficiales de España: Jesuly (en castellano), Woyza (gallego), Guillamino (catalán) y Gari (euskera).





Más información en:

· Página web del Instituto Cervantes (www.cervantes.es)

· Cervantes Televisión (www.cervantestv.es).

Siga al Instituto Cervantes en Twitter (www.twitter.com/instcervantes).

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miércoles, 11 de enero de 2012

“Diálogos Escultóricos” en el Espacio de las Artes de El Corte Inglés en Madrid





Julia Sáez-Angulo



Dentro de los grandes almacenes de “El Corte Inglés” del madrileño Paseo de la Castellana, 85, se ha creado un Espacio de las Artes, dirigido por María Porto, que ha iniciado su andadura con una exposición denominada “Diálogos Escultóricos”, en el que se presenta la obra de una decena de escultores españoles contemporáneos. La próxima muestra será sobre la obra de José Manuel Ballester en el mes de febrero

Los artistas seleccionados son: José Manuel Ballester, Alberto Bañuelos, Arturo Berned, Martín Chirino, Alberto Corazón, Xavier Mascaró, Blanca Muñoz, Miquel Navarro, Gervasio Pérez, Rablaci, José Sanleón y Mar Solís.

Interesante el comienzo por el arte de la tercera dimensión, junto a la obra gráfica de esos mismos autores. Interesante la obra de Mar Solís por su singularidad y solidez, con ciertos ecos de Louise Bourgeois; también la de Blanca Muñoz, lo que pone de manifiesto que la mujer en la escultura es un dato a tener en cuenta.

Curiosa la cabeza de Martín Chirino, que se acerca a la figuración y rompe con su habitual mundo de círculos y espirales. Los cortes limpios en las piedras de Alberto Bañuelos son de gran fuerza y belleza. Presentes, las esculturas casi seriadas y perforadas esculturas de Xavier Mascaró, que se escapan a otros puntos de los grandes almacenes. Divertida, la obra de Rablaci. La obra de Ballester, relacionando fotografía y obra en tercera dimensión, queda un tanto recortada en el diseño. Elegante, las geometrías frías o pintadas de Arturo Berned. Interesante la “arquitectura” de Rueda. Mecanicista, la escultura de Miquel Navarro y lúdico, el trabajo de Gervasio Pérez.

El arte como expresión y lenguaje

Escultores del siglo XX y XXI, cercanos a los departamentos de Decoración de los almacenes, después de todo, el arte no ha perdido ni debe perder su carácter ornamental, aunque tenga concepto en su entraña. El arte no es sagrado aunque algunos lo pretendan, es una manifestación singular de la creatividad humana, una expansión de su expresión y lenguaje, unos lugares donde habitar con la sensibilidad y pensamiento.

El Espacio de las Artes de El Corte Inglés es una oferta que enriquece el panorama de las artes plásticas en la capital de España. Una variada oferta de obra gráfica puede verse en sus gavetas. Envuelto en el abundoso mundo de unos grandes almacenes, el arte muestra su humildad y fulgor al mismo tiempo.

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Jesús López Cisneros imparte un Taller de Microrrelato en la Fundación FiArt



L.M.A.



Dentro del Taller de Escritura de la Fundación Fiart se imparte un nuevo Taller de Microrrelato por Jesús López Cisneros, escritor y formador de escritores.

El contenido del curso tiene los siguientes apartados:
-Cómo crear un microrrelato a partir de una estructura argumental. Creación de conflictos. Complicación argumental. Variantes para un desenlace.
-Cómo crear un microrrelato a partir de una frase. Creación de secuencias temporales, variaciones, antítesis, analogías.
-Cómo crear un microrrelato a partir de la construcción de un personaje: evoluciones, transformaciones y revoluciones.

Jesús López Cisneros es escritor y formador de escritores desde hace más de 40 años. Licenciado en Letras, Profesor Universitario y Director del Centro Argentino de Lingüística Aplicada, desarrolla sus actividades en América Latina y Europa, en instituciones como el Instituto Cervantes, la Universidad de Viena y la Universidad del Salvador de Buenos Aires, entre otras.


INFORMACIÓN PRÁCTICA

Fechas y horario del curso:
Duración del curso: 4 horas
Fechas: Días 25 y 27 de enero de 2012
Horario: De 20:00 a 22:00 horas.

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Historia de los Recortables en una exposición itinerante por la Comunidad de Madrid




L.M.A.


La Comunidad de Madrid muestra desde mañana en San Fernando de Henares la exposición Recortables:Sueños de Papel, que refleja la historia de este juguete fabricado en España entre 1880 y 1960 a través de cien recortables originales enmarcados y acompañados de paneles explicativos sobre su origen, historia y tipologías.

Recortables: Sueños de Papel muestra cómo los recortables eran y siguen siendo láminas aptas para todos los bolsillos y para todas las edades.Son juguetes infantiles que abarcan todas las variantes existentes, desde medios de transporte hasta casas, muñecas, teatrillos o soldados. La mayor parte de las veces fueron creados como juguetes u objetos para el entretenimiento,lo que no les resta valor como instrumentos pedagógicos.

Esta exposición permite valorar el juguete como documento que aporta datos acerca de la época en la que se imprimió. La visita a la muestra permite apreciar su valor pedagógico y el contenido estético que poseen muchos de los recortables.

Tienecuatro secciones: ‘Recortables planos de soldados’, ‘Recortables planos de muñecas’, ‘Recortables volumétricos’ y ‘Teatros de papel’.La visita descubre cómo eran los juguetes de las clases populares de las generaciones pasadas, sin dejar de lado una mirada crítica sobre los aspectos del juego, del rol de género y de los valores de la época.

Recortables: Sueños de Papel va acompañada de una actividad dirigida a escolares que tiene como objetivo dar a conocer, mediante la práctica lúdica y creativa, los diferentes tipos de modelos de papel, así como la influencia y el potencial de los recortables en el arte contemporáneo.

Integrada en la Red de Exposiciones Itinerantes de la Comunidad de Madrid,Red Itiner, podrá verse hasta el 29 de enero en el Sala Juan Carlos I deSan Fernando de Henares (Plaza Fernando VI, s/n), de miércoles a viernes de 17:30 a 20:30, y los sábados y domingos de 11:30 a 14:30.

Recortables: Sueños de Papel estará, además de en San Fernando de Henares, en Humanes, Mejorada del Campo, Rivas Vaciamadrid, Móstoles, Pinto, San Lorenzo de El Escorial, San Martín de la Vega, Tres Cantos,Soto del Real, Patones, Hoyo de Manzanares, Villanueva de la Cañada y Aranjuez.


Durante2011 esta exposición la han visitado cerca de 8.000 personas en Navalcarnero, Coslada, El Álamo, Velilla de San Antonio, La Hiruela, Torrejón de Ardoz, Fuente el Saz, Villanueva del Pardillo, Collado Mediano, Fresnedillas, Cadalso de los Vidrios, Ajalvir, El Escorial y Alpedrete.


La Red Itiner de la Comunidad


La RedItiner de la Comunidad de Madrid es una plataforma cultural de colaboración con los municipios, entre cuyos objetivos está la promoción del arte mediante exposiciones de marcado carácter participativo y didáctico con un público potencial de más de dos millones de personas.

La Red Itiner colabora con un programa de la Confederación Española de Aulas de la Tercera Edad a través del cual los voluntarios culturales desarrollan una labor de información y guía de las exposiciones.

Las exposiciones incluidas en la programación de la Red Itiner del año 2012 son: Paisajes de Madrid. Fernando Manso; Recortables: sueños de papel; foto CAM 2011. IV Premio de Fotografía Periodística de la Comunidad de Madrid, Santos Yubero y su tiempo, Ellas. Creadoras de los siglos XX y XXI y El cómic español .contemporáneo.

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martes, 10 de enero de 2012

La Tertulia Ilustrada, cinco años de conferencias y debate en los salones de María Eugenia Martínez




"Tertulia de Ramón en el Café Pombo", por el pintor José Gutierrez Solana


L.M.A.

         Madrid es una ciudad con larga tradición en tertulias, a la que en su 2007 se sumó la Tertulia Ilustrada, que tiene lugar el último domingo de mes en los salones de María Eugenia Martínez y está dirigida por Julia Sáez-Angulo. Literatura, arte, filosofía, poesía… son, entre otros los temas que allí se abordan. Como la condesa de Noailles en su salón parisino, M.Eugenia Martínez acoge con generosidad a los miembros de la Tertulia Ilustrada.

         Por la Tertulia Ilustrada han pasado conferenciantes como la doctora Dolores Gallardo que habló sobre los hermanos Siret en Andalucía; el escritor Mario Soria, sobre poesía; el periodista Ángel Maestro sobre China en una ocasión y sobre Rusia, en otra; Juana Pericás, sobre costumbres en la Isla de Mallorca; Laura López de Ayllón sobre la batalla de Las Navas de Tolosa o la escritora Ana Alejandre, que habló sobre la política editorial en una ocasión y organizó un recital de poesía en otra.

        Después de la exposición del tema durante media o tres cuartos de hora, los asistentes a la tertulia, siempre con rigurosa invitación y de los componentes de la misma y aprobación de las anfitrionas, se lleva a cabo un coloquio sobre lo expuesto.

       Durante el curso del 2012 se tiene prevista la intervención, entre otros de Marísa Rozalén, campeona internacional de kárate, que hablará de “Couching”; el profesor Antonio Zuazo, sobre periodistas españoles y sus seudónimos, o la doctora en Físicas, Emilia Currás que hablará sobre “El caos”.

Las tertulias de Madrid se organizan en su mayoría en torno a un personaje que la coordina o dirige, generalmente en un café o taberna, como el Gijón, El Comercial, el del Círculo de Bellas Artes o El Alabardero. “Contra aquello y contra esto” la dirigió el narrador de cuentos Medardo Peraile, emulando la Díaz Cañabate, “Contra esto y aquello”. En la actualidad la dirige el pintor Zamorano. El Gijón, café literario por excelencia, acoge en su seno diversas tertulias, entre ella una nocturno-poética, a la que concurren vates y artistas plásticos.

La célebre Tertulia del Café Pombo, que inmortalizó el pintor Solana en un célebre cuadro, se encuentra en el Museo Nacional Reina Sofía, acoge en su representación a diversos escritores como José Bergamín, Ramón Gómez de la Serna, Tomás Borrás, Becarisse o el propio pintor José Gutiérrez Solana.

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XXVI Premio BMW de Pintura en la Casa de Vacas del Retiro madrileño



"XXVI Premio BMW de Pintura
Casa de Vacas
Parque del Retiro. Madfid
Del 10 al 29 de enero de 2012




Julia Sáez-Angulo





  1. Cristina Gamón Lázaro (Valencia, 1987), ganadora del XXVI Premio BMW de Pintura, dotado con veinticincomil mil euros, ha visto expuesto su cuadro abstracto titulado Infinito II (190 x 190 cm.) en la Casa de Vacas del parque del Retiro madrileño, junto al medio centenar de cuadros seleccionados para esta convocatoria. Diego Vallejo Pierna es el ganador de una beca de ocho mil, por el cuadro “Frost •From a tree-house” e Inés Rodríguez porrero, ganadora en su versión infantil "Talento", con cuatro mil euros, por su cuadro “La casa gigante”.

  2. Tiene 24 años y estudió Bellas Artes en la Universidad de Valencia. Cristina Gamón comenzó a exponer a principios del 2000 y su empeño profesional le hace seguir con gran vocación su carrera pictórica. Rosa Caniego Ruiz, directora de Comunicación de BMW elogió los méritos de cada uno de los ganadores y se felicitó por la continuidad y fecundidad del galardón BMW.



  3. Frente al celebrado premio de L´Oreal que se agotó en su día, BMW sigue adelante en sus convocatorias y eso le honra. La empresa alemana, al igual que la Würth en La Rioja, con un museo de ricos fondos, son dos ejemplos alemanes de mecenazgo empresarial ejemplar en España.

  4. “No son tiempos fáciles para las artes plásticas y por ello se hacen más imprescindibles, si cabe, iniciativas como esta de BMW, y por supuesto la colaboración de las Administraciones en la celebración de las mismas, tal y como en este caso, desde hace muchos años, venimos haciendo por parte del Ayuntamiento de Madrid”, dice Ángel Garrido, en el catálogo. (Habría que empezar por dejar de cobrar alquiler por la Casa de Vacas, dejada últimamente al mejor postor)

  5. En la inauguración estuvieron numerosos artistas y personas del circuito cultural como Cristóbal Colón, duque de Veragua, el galerista Javier Aguado; la coleccionista Gema Piñana, el profesor Parralo; el presidente de AMCA, Tomás Paredes; la comisaria Manoli Ruiz y los pintores Mercedes Ballesteros, Antonio de Ávila, Albano Hernández, Pablo Reviriego, Luís Javier Gayá con una bella arquitectura en construcción, Lola Saelices, Teruhiro Ando (ganador del BMW 2012), Ana Muñoz, Eugenio López-Berrón…

  6. Le exposición del BBW de este año contiene los numerosos estilos de la pintura que va desde el realismo prácticamente fotográfico a la abstracción de la ganadora pasando por la figuración deshecha y matérica de otros participantes.

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Javier Celaya, Converdaciones en la Fundación March


L.M.A.





El próximo viernes 13 de enero, a las 19,30 horas, tiene lugar en la Fundación Juan March (www.march.es, también en Facebook y Twitter: @fundacionmarch) la cuarta sesión de CONVERSACIONES EN LA FUNDACIÓN, que tiene este viernes como protagonista al experto en comunicación digital Javier Celaya, experto en el uso de las nuevas tecnologías en estrategias de comunicación y marketing. Anteriormente han conversado en la Fundación Juan March el actor y director teatral Josep Maria Flotats, el arquitecto Rafael Moneo y el editor Jorge Herralde.

Una vez al mes, el periodista Antonio San José, de larga trayectoria radiofónica y televisiva -fue durante doce años el director del programa de entrevistas “Cara a Cara” en CNN+-, mantiene una conversación en profundidad, un diálogo pausado con algunos nombres significativos y diferentes de la cultura y la sociedad españolas, buscando ese amplio espectro posible. En el curso de esta entrevista, el periodista pedirá al invitado que enuncie tres propuestas que, a su juicio, puedan contribuir a mejorar la sociedad. El diálogo se complementa con imágenes relacionadas con la actividad del invitado.

Tal como podemos leer en su propio perfil de Facebook, Javier Celaya es socio-fundador del portal cultural Dosdoce.com, miembro del Observatorio de la Lectura de la Junta de Andalucía, y co-Director del Máster de Comunicación Corporativa e Institucional 2.0 y del Máster de Edición Digital, ambos de la Universidad de Alcalá de Henares. El portal cultural Dosdoce.com nació en marzo de 2004 con el propósito de convertirse en un nexo entre todas las entidades del sector cultural. Desde su inicio, el objetivo de Dosdoce.com ha sido animar a las entidades del sector cultural (editoriales, librerías, bibliotecas, museos, fundaciones, etc.) a utilizar las nuevas tecnologías sociales (blogs, wikis, podcasts, redes sociales, etc.) y a entender mejor las implicaciones y beneficios derivados de su utilización en sus estrategias de comunicación y marketing cultural. Ese mismo año 2004 Dosdoce.com fue galardonado con el Premio “Mejor Proyecto Empresarial Remprende 2004”, otorgado por la Cámara de Comercio de Madrid y la Comunidad de Madrid.

En enero de 2008, Javier Celaya fue nombrado vicepresidente de la Asociación de Revistas Digitales de España (ARDE) y en julio de 2010 vocal de la Junta Directiva de la Asociación Española de la Economía Digital. En marzo de 2011 obtuvo el Premio Especial Revistas de Letras de Divulgación destinado a profesionales que han hecho de la comunicación e información digital su campo de batalla.

Ha publicado varios libros y estudios sobre el uso de las nuevas tecnologías en la estrategia de comunicación y marketing. Es autor de los estudios El papel de la comunicación en la promoción del libro (2005), El uso de las tecnologías Web 2.0 en entidades culturales (2006) y Tendencias Web 2.0 en el sector editorial (2007) y coautor de los libros Los blogs en la comunicación empresarial (2006) y Comunicación Empresarial 2.0 (2007). Ha colaborado como coautor en la elaboración de los siguientes libros: 15 años de Internet (2008), “Blogbook” (2008) y Manual Web 2.0 y la empresa (2008). Recientemente publicó La empresa en la web 2.0.


Una vez celebrado el acto, puede escucharse el audio de las conferencias en el archivo sonoro de la página web de la Fundación, donde están recogidas más de dos mil conferencias pronunciadas desde 1975 en la sede de la Fundación Juan March en Madrid.


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Taller del Prado, Espacio de Arte y Obra Gráfica, prepara una exposicion de Bibliofilia



Julia Sáez-Angulo



Varios centenares de artistas españoles y extranjeros han estampado su obra gráfica en el Taller del Prado, situado en un espléndido edificio de la Gran Vía madrileña con más de quinientos metros de superficie, desde donde se contempla la centenaria calle de la capital de España, desde donde el pintor Antonio López pinta otra de sus versiones pictóricas.

A finales de enero de 2012, después de la muestra de Juan Alcalde, Taller del Prado presenta una exposición de bibliofilia con las ediciones más sobresalientes y suntuosas de la casa, entre ellas, una gran carpeta con obra del artista mallorquín Joan Miró.

Los fondos y el escaparate grabados del Taller va desde Valerio Albani hasta Antonio Zarco, pasando por Marc Chagall, Joan Brossa, Miguel Berrocal, Susana Solano, Antoni Tàpies, Antonio Guijarro, Miguel Viribay, Cristóbal Toral, Belén Elorrieta, Andy Warhol, Macarena Ruiz, Oyonarte, Karel Appel, Eduardo Vicente, Carlos Morago, Mompó…

Ciertamente más nombres de varones que de mujeres, pese a que ya se equiparan en número en el circuito artístico. (Durante el próximo mes de marzo la MAV –Mujeres en las Artes Visuales- ha coordinado una magna rede de exposiciones con la presencia de mujeres artistas en museos, fundaciones y galerías. Taller del Prado podría sumarse a la iniciativa con sus nombres de mujer).

Para Francisco Molina Montero (Torreperogil, Jaén, 1962), director de Taller del Prado, la empresa de ediciones gráficas ha sido un reto dentro de su vida profesional y artística, que exige energía y trabajo, para compaginarla con su propia obra pictórica, pero se siente satisfecho. Su continua presencia en la feria de Estampa lo avalan como uno de los mejores talleres de estampación de grabado.

“La situación ha estado muy parada a mitad de la temporada pasada, pero a partir de octubre se dinamizó y estamos contentos”, explica Molina Montero, que muestra con orgullo el nuevo espacio, en el que lleva más de un año y en el que caben un amplio espacio expositivo, además de un tórculo, clases de dibujo y pintura con la colaboración de profesores como Hanoos o Jorge Pedraza en el espacio de la rotonda de Gran Vía 16, sala de conferencias, de reuniones, despachos…

La nueva estampación no tóxica de los grabados anima a numerosos artistas a experimentar la obra gráfica, que nació para difundir la iconografía del autor de manera múltiple. Taller del Prado hace también ediciones de escultura múltiple con autores como Venancio Marcos o Joaquín Donaire.

José Hernández, Fernando Bellver, Ana de Juan, Eduardo Chillida, Max Erns, Gerardo Rueda, Carlos Morago, Celia Muñoz, Antonio Saura, Eduardo Naranjo, Gustavo Torner y el mismo Paco Molina Montero, también figuran con su obra gráfica en el rico catálogo del Taller del Prado.

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lunes, 9 de enero de 2012

Juan Alcalde expone Pintura sobre lienzo y papel en el Taller del Prado





Juan Alcalde
Pintura sobre lienzo y papel
Taller del Prado
Gran Vía, 16, 5º. Madrid
Diciembre, 2011 – Enero, 2012








Julia Sáez-Angulo




El pintor Juan Alcalde expone su pintura en el Taller del Prado. Un recorrido por todo el repertorio iconográfico del artista: figuras, bodegones, paisajes de arquitecturas urbanas, tauromaquias, escenas de fútbol…

El catálogo editado para la exposición de Juan Alcalde Alonso (Madrid, 1918) acoge textos escritos por distintos colegas pintores como Manuel Alcorlo, Rafael Canogar, Miguel Viribay Abad, Rafael Ruiz Romero, Eduardo Naranjo, Remo Ruiz, Oscar Estruga, José Sánchez Carralero y la coleccionista Pilar Fernández.

La publicación, editada igualmente por el Taller del Prado, lleva una litografía, original de Juan Alcalde, numerada y firmada por el artista.

Mención especial merecen los cuadros resueltos en blancos y grises, con ligeros toques de ocre, en los que el pintor refleja las ciudades en sus calles solitarias, poéticas o fantasmales, que traen a la memoria la espléndida serie que sobre Praga realizó Juan Alcalde en la desparecida galería Biosca de Madrid.

En la muestra actual en el Taller del Prado es la ciudad de París la protagonista de esas “grisallas” muy particulares del autor, como si quiera reflejar ese color plata y espejo de la ciudad del Sena, en la que él vivió muchos años y de la que siempre guardó un gran recuerdo y nostalgia. De la catedral de Notre Dame de París ha hecho dos versiones para esta exposición. En París conoció y trató con cierta frecuencia a Marcel Marceau, artista del mimo, de quien hizo numerosos apuntes.

Juan Alcalde gusta del dibujo como idea germinal y en su exposición presenta algunos dibujos al óleo sobre papel de enorme soltura y belleza. El artista diseñó en su día un tipo de marco especial en plata y dibujos azules, que enmarca y caracteriza la presentación de buena parte de su obra.

Buena parte de su obra, pintada al óleo, parte del blanco con toques de magenta, cyam y tonos melosos. El artista no necesita grandes recursos cromáticos para plasmar los temas de sus cuadros.

El artista, casi centenario, ha tenido una fecunda trayectoria artística, principalmente en España, Francia, Venezuela y la República Dominicana, donde pintó algunos retratos para Trujillo. A Santo Domingo acudió junto a otros pintores como Vela Zaneti, Manolo Ortega y Zamorano.

Se exilió tras la guerra civil española de 1936 – 39, al poco de estudiar Bellas Artes en la escuela de San Fernando. En un hotel de Montauban pintó el rostro de Manuel Azaña fallecido, segundo presidente de la segunda república española, por encargo del cónsul de México en Francia.

Al pintor le gusta recordar que nació en Madrid cerca de la plaza de Cascorro, en una familia humilde. Su padre era zapatero. Fueron sus profesores los que se empeñaron en que siguiera estudiando Bellas Artes, pese a cierta resistencia de la familia que necesitaba más ingresos para vivir. Afortunadamente el arte y la vocación de Juan Alcalde triunfaron sobre las dificultades.



Más información
http://www.tallerdelprado.com/autor.asp?IDAUTOR=244

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El Antoni Tapies de los 60 y 70 expone en la galería Elvira González



L.M.A.






El próximo 19 de enero la Galería Elvira González inaugurará la exposición Antoni Tàpies. Años 1960 y 1970. La muestra recogerá una selección de obras realizadas en las décadas de los sesenta y los setenta por el maestro del informalismo español, uno de los nombres imprescindibles del arte contemporáneo español.

La exposición, que podrá verse en la galería hasta el 3 de marzo de 2012, incluirá piezas representativas de esta etapa del artista, en gran formato sobre diferentes soportes realizadas en técnica mixta.

La evolución de la obra de Antoni Tàpies (Barcelona, 1923) se ha mostrado, ante todo, coherente a lo largo de su carrera y hasta nuestros días. Desde los años cuarenta y cincuenta, Tàpies comenzó a tratar motivos, temas y líneas creativas que desarrollaría durante el resto de su trayectoria. Pero sin duda, como él mismo ha afirmado, es a finales de los cincuenta cuando comienza su recorrido como un artista verdaderamente maduro. Durante la década de 1960 y 1970 su estilo se afianza y se produce la evolución más interesante, que da lugar a las obras más características de Tàpies.

Así, es durante los años sesenta cuando el interés por experimentar con la textura de la obra da lugar a lo que se ha venido a llamar “materias”. Aparecen nuevos motivos iconográficos, signos de escritura, huellas de pisadas, marcas de la mano del artista en la tela.

En las obras de estos años comienza a insertar objetos de la realidad exterior al cuadro que, transformados por la mano del artista, cambian su naturaleza. Tàpies trabaja como un alquimista que es capaz de transformar materiales perecederos e innobles en permanentes y nobles a través de su nueva vida dentro de la obra. Este interés en las transformaciones están influenciadas por la filosofía Zen, que el artista conoce bien, y con la que aprendió a dotar de nueva significación a materiales despreciados e insignificantes. Este nuevo tratamiento de los materiales de Tàpies coincide el periodo con la expansión del arte Povera en Europa, postminimal y conceptual en EEUU.

En la obra de los años 1960 y 1970 no solo se produce una madurez en el tratamiento plástico de la forma, si no también ideológica. Desde mediados de los años 60 y los años setenta su obra adquiere una carácter fuertemente político, coincidiendo con el último tramo del franquismo.

Es en los sesenta cuando el cuadro se convierte para él en una obra verdaderamente tridimensional y comienza a construir objetos. El creador catalán investiga y busca las características plásticas de los objetos mediante la manipulación por parte del artista.

La obra de Tàpies alcanzó ya en los años 50 de gran proyección internacional a través de las galerías Martha Jackson de Nueva York y Maeght en París. Participó en 1952 en la XXVI Bienal de Venecia y 1957 en la IV Bienal de São Paulo. Su obra se ha expuesto en el museos y centros de arte de prestigio como el Museum of Modern Art y en el Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York; la Neue Nationalgalerie de Berlín; la Kunsthaus de Zurich; el Museum of Contemporary Art de Los Ángeles; el Institute of Contemporary Arts y la Serpentine Gallery, de Londres; el Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, en el Jeu de Paume y en el Centre Pompidou de París; el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, de Madrid; el Institut Valencià d’Art Modern, de Valencia y el Museu d’Art Contemporani de Barcelona, entre muchos otros.

La actividad de Tàpies se ha extendido de la producción pictórica y objetual y desde 1947 destaca el desarrollo de su obra gráfica. En este sentido, vale la pena destacar que el artista ha realizado un gran número de carpetas y libros de bibliófilo en estrecha colaboración con poetas y escritores como Alberti, Brossa, Daive, Dupin, Foix, Gimferrer, Guillén, Paz, Saramago, Taniguchi, Valente y Zambrano, entre otros.

Asimismo, Antoni Tàpies ha desarrollado una tarea de ensayista que ha dado lugar a una serie de publicaciones, muchas traducidas a distintos idiomas: La práctica del arte (1971), El arte contra la estética (1977), Memoria personal (1983), La realidad como arte. Por un arte moderno y progresista (1989), El arte y sus lugares (1999) y Valor del arte (2001).

Más información:
Fundació Antoni Tàpies
www.fundaciotapies.org


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Jonathan Coe, autor de “La espantosa intimidad de Maxwell Sim”, una novela brillante



"La espantosa intimidad de Maxwell Sim”
Jonathan Coe
Editorial Anagrama
Barcelona, 2011 842 ( pags.)







Julia Sáez-Angulo




Jonathan Coe (Birmingham, 1961) es el autor del libro “La espantosa intimidad de Maxwell Sim”, una novela inglesa con to el sabor de la sagacidad, ironía y humor, a veces absurdo, de la narrativa en ese país. Las cosas se dicen pero con una gracia corrosiva que lleva al lector a disfrutar de la literatura. El libro ha sido traducido con acierto por Javier Lacruz.

“El hombre es una palanca cuya longitud y potencia definitivas debe decidir él mismo”, con esta cita de Donald Crowhurst, se abre la novela y a ella se añade la de Alasdair Gray: “La geografía ya da igual porque nada está cerca ni lejos, la envoltura monetaria que recubre el globo ha destruido la geografía de las distancias”.

El protagonista es un antihéroe de nuestros días y un perdedor sereno, que no acaba de creer en la bonhomía de la condición humana y no busca la cercanía de los ciudadanos. Casado y con una hija, sus avatares tienes sus costumbres que han derivado en manías. Un hombre de soledades, como lo son muchos en el siglo XXI. Los soliloquios desternillantes son clave. La picaresca se cruza en su vida y da lugar a situaciones finamente hilarantes.

“Gran parte de esta novela fue escrita durante una estancia en la Villa Hellebosch en Flandes, subvencionada por el gobierno flamenco según el plan de Residencia de Flandes gestionado por Her Berchrijf de Bruselas”, explica Jonathan Coe en los agradecimientos de la novela, que transcurre en diversos lugares.

Antes de entrar en el primer capítulo “Sidney-Watford”, se inserta una crónica de “La Gaceta de Aberdeenshire” del 9 de marzo de 2009, titulada: “Hallado un vendedor desnudo en su coche”. A partir de ahí se dispara la jugosa narración que es un regalo de lectura.

Jonathan Coe ha publicado diversas novelas en España como “La casa del sueño”, “El Club de los canallas”, “El Círculo Cerrado”, “La lluvia antes de caer”…


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domingo, 8 de enero de 2012

La pintura de Manuel Santiago Morato en el libro “El teatro de sus sueños”




Julia Sáez-Angulo




“El teatro de sus sueños” es el libro que recoge el discurso conceptual y plástico del pintor Manuel Santiago Morato (Los Santos de Maimona, Badajoz, 1934), que expuso recientemente con el mismo título en el espacio de la Vaguada de Madrid.

El libro será presentado el próximo día 17 de enero a las 19 horas en la sala Estafeta del Ateneo de Madrid, por Diego Hidalgo Shur, Fernando Mora Carrascosa, Gianna Prodan, Manoli Ruiz y el editor Tomás Paredes.

Morato es un dibujante y pintor de fuerte personalidad, con una dicción plástica propia que se traduce en una serie de personajes singulares, extraños, hieráticos, ensimismados, inquisidores, juguetones, oníricos que conforman ese “mundo de los sueños” de que habla el libro y que vienen a representar el gran teatro del mundo, el que refleja la condición humana en todos sus aspectos.

Su iconografía plástica se desenvuelve en un dominio del dibujo y un cromatismo vivaz, sin olvidar algunas obras en grises de gran solemnidad y misterio. Todos sus personajes, bien dibujados, como corresponde a un buen maestro del dibujo. La yuxtaposición del tiempo es otra de las características de su obra realizada con una pincelada suelta que en ocasiones bordea la abstracción.


Licenciado en Bellas Artes por la Escuela de Bellas Artes de san Fernando, Morato llevó a cabo en París, con una beca de investigación, un trabajo sobre Toulouse-Lautrec titulado “El dolor en la obra de arte”.
Melancolía, tristeza o ternura, no exentas de humor con frecuencia, se trasluce de algunos de los cuadros de Morato. Toulouse-Lautrec y la época azul de Picasso laten detrás de la obra bien hecha del artista extremeño residente en Madrid. También Goya y Solana, pero con un color más encendido.

La soberbia paleta de Morato, en técnica mixta, hace de sus cuadros una pintura dinámica y vibrante, junto a la poética de su representación. Su sentido del color convierte cada cuadro en una panoplia de armonías.

Más información
www.manuelsantiagomorato.es

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Muntadas, Gigantesca exposición en el Museo Reina Sofía



"Muntadas, Entre/Between”
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
c/ Santa Isabel, 52
Madrid, 28013








Julia Sáez-Angulo





Con un título anfibio, poco claro para un gran público, de “Muntadas, Entre/Between”, el artista catalán goza de una gigantesca y extenuante exposición en el Museo Reina Sofía. Artista interesante y conceptual ha visto sus instalaciones y montajes reproducidos en el gran museo español de arte contemporáneo, en una dinámica contradictoria porque lo que se creó para un espacio, difícilmente tiene sentido en otro o queda mancado de origen.


Las grandes muestras fatigan, la de Antoni Muntadas (Barcelona, 1942) también. Lo poco y bueno enseña más que lo abundoso y esto se sabe desde hace tiempo en el Centro Georges Pompidou que huyen de las exposiciones magnas y repetitivas.
El artista se resistía al coloquio en la rueda de prensa y todo su empeño estuvo que los periodistas pasaran a la exposición para verla y entender su sentido. Con buen criterio, el director del Museo insistió para que los periodistas pudieran preguntar, pues toda obra se sustenta –les guste o no a sus autores- en un discurso teórico que ha de articularse en el verbo suyo o de su comisaria. Después de todo el lenguaje dela palabra escrita está muy presente en su trabajo.


El título alude a una posición desplazada de una obra de contenido social y político, que sin ser claramente narrativa sí alude a situaciones y momentos. Tiene mucho de arte efímero aunque se rescate para una recapitulación general como se ha hecho ahora.
Los títulos de los distintos apartados son: Paisaje de los Media; Esferas de poder; La construcción del miedo; Territorios de lo público; El Archivo; Ámbitos de la traducción y Situación 2011.

La muestra –según datos previos- recorre la dilatada carrera de Muntadas, desde los años 70 hasta la actualidad, proponiendo un itinerario que recurre al concepto de constelación como vínculo temático entre trabajos pertenecientes a distintas etapas de la producción del artista. A lo largo de estas cuatro décadas de trayectoria artística, Muntadas ha utilizado la performance, el vídeo, la fotografía, las instalaciones multimedia, publicaciones, Internet y el arte público para tratar asuntos clave de nuestro tiempo, tanto políticos como sociales.



La exposición incluye un nuevo proyecto desarrollado por el artista para esta ocasión: “Situación 2011” que reanuda la investigación llevada a cabo en 1988 por Muntadas en el propio Museo Reina Sofía y en el que indagaba sobre el papel de esta institución. Para esta “instalaciónsite-specific”, el artista recurre al Museo como caso de estudio, para explorar el fenómeno actual de las ampliaciones de los museos y sus implicaciones para el futuro.

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Martin Creed, Exposición individual en la Sala 31 de Madrid




L.M.A.



La Sala Comunidad de Madrid-Alcalá 31 presenta “Martin Creed: Things/Cosas”, exposición individual en España del artista británico. La Vicepresidencia y Consejería de Cultura y Deporte ha organizado esta muestra con las obras de Martin Creed, uno de los artistas internacionales más interesantes de su generación, que combina su faceta de artista plástico con su grupo de música, formado en 1994.



Sus esculturas, instalaciones, vídeos y dibujos están inspirados en objetos, palabras, y sonidos de la vida diaria, en lo cotidiano. Creed está constantemente investigando la naturaleza básica de las cosas, creando un mundo de clasificaciones, categorías y excepciones inesperadas a través de objetos, palabras y sonidos.



En la Sala Comunidad de Madrid-Alcalá 31 se presenta su primera gran individual en España, con un recorrido por sus veinte años de trayectoria artística. El espacio expositivo será una gran sala donde Creed mostrará obra concebida para la ocasión, como sus nuevas pinturas murales, combinándolas con piezas tan conocidas como “Work No. 88 Asheet of A4 paper crumpled into a ball” (Una hoja de papel A4 hecha una bola), 1995, o su vídeo Work No. 670 Orson and Sparky, 2007, nunca hasta ahora presentadas en España.



Martin Creed sedio a conocer por la utilización de materiales simples para crear un mundo donde la realidad parece transformada, como la masilla azul adhesiva pegada enuna pared en “Work No. 79 Some Blu-Tackkneaded, rolled into a ball and depressed against a Wall” (Un poco de Blu-Tack amasado, hecho una bola yaplastado contra un muro), 1993, o una hilera de clavos ordenados de mayor a menor en Work No. 701 Nails(Clavos), 2007.



Sus trabajos son a veces el resultado de una rigurosa fórmula, presentados en forma de instrucciones: “Work No. 150 Half of anythingmultiplied by two” (La mitad de cualquier cosa multiplicada por dos), 1999, o frases tan simples escritas en signos de neón como “Work No. 251Things (Cosas)”, 2000.Estos trabajos que parecen simples gestos, a veces con un sentido del humor absurdo, pueden conseguir cambiar la percepción del espectador sobre los objetos y materiales que le rodean en su entorno diario.




Otras facetas del artista




Su obra está íntimamente relacionada con otras facetas de la creación artística, especialmente con la danza y la música. Martin Creed creó en 1994 Owada, un grupo musical cuyo primer CD apareció con el título Nothing, lo que constituía toda una declaración de intenciones al presentar obras con limitadas notas musicales que se interpretaban de forma repetida, acompañadas de letras banales.



En 1997 el nombre del grupo cambió por el de Martin Creed and his band. Con él ha seguido realizando actuaciones y lanzando nuevos discos, el último de los cuales, Thinking / Not thinking, ha aparecido junto a un vídeo dirigido y escrito por el artista.



Martin Creed nació en Wakefield (Inglaterra), en 1968, y se crió en Glasgow. Actualmente vive y trabaja en Londres y Alicudi (Italia). Estudió en la Slade School of Fine Art,en Londres, de 1986 a1990. Ha participado en multitud de exposiciones en todo el mundo, y en 2001 fue ganador del Turner Prize con la obra titulada WorkNo. 227 The lights going on and off (Las luces encendiéndose y apagándose).



La exposición puede visitarse del 15 de diciembre al 26 de febrero de 2012, en la Sala Comunidad de Madrid-Alcalá 31 (Calle Alcalá, 31. Madrid), de martes a sábado, d e 11 a20.30 horas; y domingos y festivos, de 11 a 14 horas.

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