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sábado, 21 de febrero de 2026
“ELEGÍA JOSEPH CORNELL” de María Negroni, entre el poemario caligramático y el libro de arte, sobre el artista del collage surrealista
María Negroni, escritora argentina
Julia Sáez-Angulo
21/2/26.- Madrid.- El libro “Elegía Joseph Cornell” de María Negroni, publicado por la editorial Acantilado es el registro de un descubrimiento de María Negroni: el cine de Joseph Cornell, artista del assemblage cercano al surrealismo que también cultivó el film-collage con un estilo lírico-documental, cuya capacidad de catalogar lo insólito fascinó a la poeta. A medio camino entre el poemario caligramático y el libro-arte, esta pequeña joya se lee como el diario íntimo de una observadora tras la estela de una imagen, «la de una nena que pasa desnuda, montada sobre un corcel blanco, con el pelo que la cubre, como si fuera una versión diminuta—y perturbadora—de Lady Godiva».
María Negroni es escritora, poeta y traductora argentina. Ha publicado los libros de poesía Arte y Fuga, Islandia, Interludio en Berlín, Exilium, Archivo Dickinson y Oratorio, entre otros; los ensayos Museo Negro, Galería Fantástica, Pequeño Mundo Ilustrado y El arte del error; y las novelas El sueño de Úrsula, La Anunciación y El corazón del daño. Beca Guggenheim en poesía, Premio Internacional de Ensayo Siglo XXI, Premio al Mejor Libro de Poesía en Traducción del año 2002 del PEN American Center (Nueva York) y Premio Internacional de Poesía Margarita Hierro, su obra ha sido traducida al inglés, francés, italiano, sueco y portugués. Acantilado ha publicado La idea natural (2024) y Elegía Joseph Cornell (2026).
ALBERTO REGUERA. Exposición "Materia y Luz" en Lisboa
L.M.A.
21.02.2026.-
La mayoría de las 25 obras de paisajes abstractos, que están realizadas entre 2023 y 2025, y tienen formato grande , para ocupar el gran espacio de una de las dos sedes que la galería tiene en Lisboa. Es la tercera ocasión que esta galeria de Lisboa, muy respetada en Portugal, por su trayectoria expositiva con artistas con Cruzeiro Seixas, y Cesariny,asi como por su labor de galerista comprometido con la carreras de los artistas que representa.
El concepto de la exposición subraya la influencia de la luz, en la materia que sobresale en las capas finales de algunas de sus obras. La luz se expande gracias a la intensidad del pigmento aplicado en las capas centrales del cuadro. Los diferentes puntos de vista lumínicos observados por el espectador, según se va desplazando en torno a la obra, le proporcionan dinámicas instantáneas visuales.
La superficie del cuadro asume un papel central. La pintura se acumula, crea relieves y márgenes inestables, otorgando a las obras una fuerte presencia física. Algunas piezas superan el plano de la pared y se proyectan en el espacio. Sin embargo, es precisamente en ese exceso de materia donde surge la sensación de ligereza: entre capas densas y gestos más abiertos, el color comienza a respirar.
La luz actúa como un elemento transformador, esculpiendo el color y revelando texturas, zonas de silencio y áreas de mayor intensidad visual. Azules, blancos, dorados y rojos aparecen como campos inestables, en constante mutación. La mirada es invitada a una observación lenta, basada en acercamientos y distancias.
Cuatro temáticas que se entrelazan entre sí, aparecen en estas obras, presentadas en Lisboa.La noche, El aspecto cósmico ;la influencia de la pintura de paisaje oriental, que se presenta en formatos verticales, con imaginados paisajes ascendentes donde se funden montaña y mar; Y el aspecto telúrico de algunas de las obras, como el mas grande de la muestra, titulado “ Tierras luminosas”.
Reguera ha participado en exposiciones relevantes relacionadas con Portugal, como la que organizó la Fundacao Portuguesa das Comunicacoes de Lisboa en 2008, titulada "Caligrafías. Uma realidades inquieta “ . Fuera de Portugal, con numerosos artistas portugueses en la exposición titulada “Passion d´Art , Collections privées," en L´Espace d´Art Contemporain Saint Martin, de Montelimar,Francia, junto a autores como Julio Pomar, Leonel Moura, Julio Resende, Julia Sarmento, Noronha Da Costa, entre otros. En 2010, en la Bienal Internacional de Arte y Diseño Industrial de Boavista, en la Marinha Grande portuguesa.En 2029, performance pictórica en el Instituto Cervantes de Lisboa. En 2021 participó en la MOSTRA ESPANHA, precisamente en una individual que ocupaba uno de los espacios de la galeria Sao Mamede.
Inauguración: 27 de febrero, a partir de las 18:00 Lugar: Galería São Mamede
Rua Maestro Pedro Freitas Branco, no 11 A y B, Lisboa.
viernes, 20 de febrero de 2026
EUGENIO MONTALE. Edición bilingüe italiano/española de su “Cuaderno de cuatro años”, editado por Cántico
L.M.A.
20/2/26.- Madrid.-
Publicado en 1977, Cuaderno de cuatro años es el último gran libro de Eugenio Montale. Profundizando en la línea que había abierto con Diario del 71 e del 72, Montale alcanza aquí su escritura más espontánea, improvisada al hilo del presente.
A pesar de la distancia estilística que se establece frente a sus primeros libros, más crípticos y formales, los poemas del Cuaderno no renuncian al misterio: bajo su apariencia de sencillez, encontramos frases aplazadas, conexiones intangibles y palabras que resuenan en múltiples direcciones.
A través de la ironía y la maestría rítmica, captan el instante en voz baja, casi sin literatura. En buena medida, Montale escribe ya como si se despidiese, pero convencido de que ese adiós tampoco importa demasiado. Ni siquiera la concesión del Premio Nobel en 1975 parece dejar rastro en estos poemas, que oscilan entre la serenidad, la emoción y una discreta pero incisiva crítica a su época. Una de las obras más singulares de un autor fundamental para entender la poesía italiana contemporánea.
Eugenio Montale (1896-1981) fue un destacado poeta, ensayista y crítico musical italiano, galardonado con el Premio Nobel de Literatura en 1975. Representante clave del hermetismo, su obra, caracterizada por un tono pesimista, la soledad y la búsqueda de sentido en la vida, incluye clásicos como Huesos de sepia (1925).
Vida y Obra: Nacido en Génova, combatió en la Primera Guerra Mundial. Dirigió el Gabinete Vieusseux en Florencia, cargo que abandonó por su rechazo al fascismo. Durante la Segunda Guerra Mundial, se dedicó a la traducción de autores como Shakespeare y Faulkner.
Editorial: Editorial Cántico; 265 pags.
ISBN: 9788419387288
ROMERAL, artista visual. Homenaje por sus 50 años de creatividad artística, en la Tertulia Peñaltar, dirigida por Pablo Reviriego
L.M.A.
Fotos: Mercedes Ballesteros
20/2/26.- Madrid.- El artista visual José Luis Romeral ha sido objeto de un homenaje de reconocimiento por su trayectoria artística en la Tertulia Peñaltar del Hogar de Ávila en Madrid, dirigida por Pablo Reviriego. En el acto, muy concurrido de público, amigos y admiradores, se encontraba Tomás Paredes, presidente honorario de la Asociación Española de Críticos de Arte, AECA/Spain.
José Luis López Romeral nace en San Martin de Montalbán (Toledo) el día 9 de septiembre de 1.952, en el seno de una familia humilde, su padre Teodoro López Rodríguez falleció a los 37 años cuando López Romeral contaba con 6 años recién cumplido. Su madre Sagrario Romeral Espinosa es la que hace frente a la difícil vida que les sobreviene.
Cuando Romeral cumple 10 años, le conceden una beca de estudios, viaja primero a Talavera de la Reina y luego a Toledo para estudiar en el Seminario Menor durante 4 años. Interrumpe sus estudios cuando acaba la beca y se pone a trabajar en oficios diversos. Con 15 años viaja a Madrid, a trabajar y proseguir sus estudios, simultaneando ambas cosas.
Si en Toledo descubre al Greco, en Madrid descubre el Prado, y en el a Velázquez, Zurbarán y Goya, pilares importantes en su pintura, toma la decisión de ser pintor cuando consigue una cierta estabilidad económica a los 22 años.
En 1975 realiza su primera exposición individual y desde entonces no ha cesado de exponer en ga‐ lerías de Madrid, Toledo, Córdoba, Granada, Sevilla, Málaga, Santander, Valencia, Asturias, La Coruña, Murcia, Alicante, Logroño, Bilbao, Zaragoza, Burgos, Salamanca, Ávila, Valladolid, Segovia, León, Za‐ mora, Canarias, Barcelona, Ciudad Real, Cuenca, Albacete Guadalajara, Cáceres, Badajoz, Huelva, …… y en lugares importantes de todo el mundo como Alemania, Francia, Italia, Portugal, Holanda, Bélgica, Luxemburgo, Argentina, Centroamérica, México, EEUU, Japón, etc. su obra está presente en diversos museos, en colecciones particulares y publicas de todo el mundo.
Algunas galerías que han ayudado a propiciar su desarrollo en el arte han sido: Ramon Duran, Alfama, Balboa 13, Sokoa, Rafael García, Tolmo, Artelancia, Espín, Santiago Casar, Sardón, Cerdán, Arjana, Marmuran, Artecasa, Armas+ 52, Zurbaran, Pedro Flores, Juan de Juanes, Art‐Dam, etc.
Su obra ha sido comentada por los expertos de arte más destacados del país.
Son importantes en su obra los distintos homenajes que ha dispensado a “Santa María de Mélque”, Antonio López Mozos , al Greco en su IV centenario, Cervantes y a la 1ª y 2ª publicación del Quijote, de estos homenajes surgen las “Dulcineas de Mélque”, obra muy singular de este artista, así como su aportación en los años 80 de “Las Lijas” y Las Flechas o en los 90 con “Los Astronautas”.
Con motivo de sus 50 años en la creación está celebrando exposiciones por diversos lugares iniciando este periplo en Getafe con “Orígenes” que recoge los 10 primeros años de sus trabajos, en Valdepeñas con “El Sueño Eterno”, Trujillo con Romeral…y Toledo, y en Marmuran Alcázar de San Juan, Museo López Torres en Tomelloso, Museo del Quijote en Ciudad Real, Sitio Histórico de Santa María de Mel‐ que en San Martin de Montalbán, Talavera de la Reina, etc.
Siempre ha trabajado libre sin someter su creatividad a modas o tendencias generando un estilo pro‐ pio donde conviven varias dicciones diferentes y sigue abierto a cualquier forma nueva de expresión
Actualmente está trabajando con el paisaje volviendo a sus orígenes después de su trayectoria tan extensa y variada.
RUBÉN FABUEL entrega a la Reina Letizia un joyero en marquetería de paja de centeno en el marco del Madrid Design Festival 2026
L.M.A.
Madrid, 19 de febrero de 2026. — El artesano Rubén Fabuel, fundador de Rubén Fabuel Atelier, hizo entrega ayer a Su Majestad la Reina Letizia de España de un joyero realizado artesanalmente en marquetería de paja de centeno, durante la presentación de la iniciativa “Alianza por la lana”, celebrada en el marco del Madrid Design Festival.
La pieza fue creada por encargo del Gobierno de Castilla-La Mancha como símbolo de la tradición, el talento y la dedicación de los artesanos castellanomanchegos. El joyero representa la excelencia de los oficios artísticos de la región y la vigencia de técnicas históricas reinterpretadas desde una mirada contemporánea.
La entrega tuvo lugar en el espacio “Materia Expandida”, diseñado por el interiorista Tomás Alía, ubicado en el edificio de la Institución Libre de Enseñanza. La instalación podrá visitarse hasta el próximo 22 de febrero de 2026, dentro de la programación oficial del festival.
La marquetería de paja de centeno, técnica artesanal que Rubén Fabuel investiga, preserva y proyecta desde su atelier, se convierte así en vehículo de representación institucional y cultural, poniendo en valor el legado material e inmaterial de Castilla-La Mancha.
Asimismo, Rubén Fabuel Atelier anuncia su participación del 5 al 8 de marzo en la feria FORMA, que se celebrará en Matadero Madrid, donde presentará nuevas piezas que continúan explorando las posibilidades expresivas y técnicas de la paja de centeno aplicada al diseño contemporáneo.
RAIMUNDO DE MADRAZO, exposición organizada por el Museo Meadows y la Fundación Mapfre y tras su éxito en Madrid donde fue visitada por más de 100.000 personas
En el Museo Meadows de Dallas se podrán ver dos obras que no se vieron en Madrid: Saliendo de la iglesia y Jardín de los Fortuny
L.M.A.
20/2/26.- Tras su estreno y gran éxito en la Fundación MAPFRE de Madrid, Raimundo de Madrazo, donde fue visitada por más de 100.000 personas, se abre al público a partir del 22 de febrero en el Museo Meadows de Dallas de la SMU la primera retrospectiva de Raimundo de Madrazo en los Estados Unidos de América, que permanecerá abierta hasta el 21 de junio, La exposición, comisariada por Patricia Manzano y Amaya Alzaga, recorre la carrera internacional de Raimundo de Madrazo y Garreta (Roma, 1841-Versalles, 1920), un pintor que alcanzó el éxito en la época de la Belle Epoque para coleccionistas y museos europeos y americanos.
Este proyecto expositivo ha sido fruto de una colaboración entre la Fundación MAPFRE y el Museo Meadows de Dallas. Reúne alrededor de 75 obras, cedidas por importantes museos internacionales y coleccionistas privados y permite un acercamiento desde sus primeros años en Madrid hasta su irrupción en los salones de París y la América de la Edad Dorada. Y el Meadows va a ser la única sede de la exposición en el continente americano.
Junto a las obras que se exhibieron en Madrid, el Museo Meadows colgará dos obras nuevas en Dallas: Saliendo de la Iglesia (hacia 1870), una pintura en la que Madrazo acentuó los contrastes entre clases sociales al reunir a jóvenes elegantes con mendigos pidiendo limosna, gracias a su dominio del color y de las texturas; y Jardín de la casa de Fortuny (1872-1877), una composición que comenzó su cuñado Mariano Fortuny y que Madrazo retocó años después por la muerte inesperada del primero en 1874 cuando solo tenia 36 años; Madrazo añadió la figura de su hermana Cecilia y de un peroo, hasta convertir esta colaboración en una de las mejores entre los dos artistas
«El Meadows Museum tiene el honor de presentar esta exposición histórica dedicada al pintor académico y árbitro del gusto más influyente de España», afirmó Amanda W. Dotseth, directora del Meadows Museum y titular de la Cátedra del Centenario Linda P. y William A. Custard en la Meadows School of the Arts de la SMU. «Nuestra larga colaboración con la Fundación MAPFRE ha hecho posible presentar al público de Texas el alcance completo de la carrera de Madrazo y reunir un conjunto extraordinario de sus obras, la mayoría de las cuales nunca se han mostrado fuera de España».
Raimundo de Madrazo y Garreta fue un destacado pintor de escenas de género y retratista de la alta sociedad, cuyos interiores refinados, paleta luminosa y precisión técnica lo convirtieron en uno de los favoritos de las élites europeas y estadounidenses. Figura central de la escena artística cosmopolita de París, desarrolló una carrera que tendió puentes entre la tradición académica y el emergente mercado del arte comercial. Aunque alcanzó un grado de éxito poco común como pintor, la reputación y su legado de Madrazo se vieron eclipsados tras la irrupción de las vanguardias que marcarían la producción artística del siglo XX.
jueves, 19 de febrero de 2026
"Sáhara español (1958-1976). Historia militar de la última provincia en África", libro de Raúl José Martín Palma, editado por Almuzara
Raúl José Martín Palma, escritor
Javier Donesteve, Antonio Ramos Izquierdo, Marqués de Quintanar presidente de la Gran Peña, Carlos Blond y Álvarez del Manzano y Raúl J. Martín Palma
Julia Sáez-Angulo
Fotos: Adriana Zapisek
20/2/26.- Madrid.- El libro “Sáhara español (1958-1976)”. Historia militar de la última provincia en África, por Raúl J. Martín Palma, ha sido presentado en la Real Gran Peña de Madrid. El acto, moderado por Javier Donesteve, fue presentado por Antonio Ramos Izquierdo Zamorano, Carlos Blond y Álvarez del Manzano, además del propio autor. El evento fue presidido por el marqués de Quintana, presidente de la Gran Peña. El libro ha sido publicado por la editorial Almuzara.
Martín Palma hizo un recorrido de la presencia de España en África desde el siglo XV, y los dos militares narraron su experiencia en el territorio del Sáhara. Se habló del gran mito de la monarquía alauita sobre el Gran Marruecos, resucitado cada vez que hay problemas en el país, como los durante los dos atentados contra Hassan II en el año 1973, pues el Sáhara nunca fue marroquí.
Se afirmó también que el Frente Polisario ha sido contraproducente y negativo para el pueblo saharaui, al no conseguir sus objetivos frente a la posición de España de llevar a cabo una autodeterminación del territorio. Y se concluyó con el elogio a la gran hospitalidad y generosidad del pueblo saharaui y el gran recuerdo del Sáhara, un territorio hermoso que se hace amar por quienes han residido en él. La retirada del Sáhara, por decisión política, no se entendió.
Preguntas en el aire
¿Por qué Juan Carlos de Borbón sancionó una ley, el día previo a la muerte de Franco, que negaba que el Sáhara español hubiera formado parte del territorio nacional? ¿Cabía descolonizar un área que poseía la consideración de provincia? ¿De qué modo acogió Marruecos el reconocimiento del Gobierno en 1956? ¿Cómo era la vida en El Aaiún? ¿Iba la mina de Fos Bucraa, propiedad del INI, camino de convertir al pueblo saharaui en «el más rico de África»? ¿Contribuyó Estados Unidos a la Marcha Verde?
La historia de la que fue la provincia número 53 de España parece haber quedado envuelta, forzosamente, en una densa bruma de tensión geopolítica y hostilidad. ¿Sabías que el presupuesto estatal destinado a ella se acercó a los novecientos millones de pesetas en 1968? Hospitales, puertos, aeródromos, carreteras, escuelas, estaciones de radio o explotaciones mineras yacen hoy en el basurero de la memoria colectiva, sepultados por la imagen de infinitas banderas marroquíes invadiendo la región; ¿qué tornó la aparente prosperidad en retórica anticolonialista y terrorismo?
La presente obra acomete un minucioso análisis de una página trascendental en la singladura histórica española, cuyas secuelas se extienden inapelables hasta hoy. La Legión capturó una compañía entera del ejército del reino alauí sin disparar un solo tiro, pero un rotundo éxito militar no evitó un gran desastre político y una profunda herida: el doctor Martín Palma lo aborda de manera ilustrativa y sin rehuir la crítica. ¿Quién traicionó a los soldados desplazados? ¿Cuál fue el error del Frente Polisario? ¿Con qué táctica logró Hasán II que su enemigo abandonase su tierra y a su pueblo?
Raúl José Martín Palma (Madrid, 1972) es licenciado y doctor en Ciencias Físicas por la Universidad Autónoma de Madrid, de cuyo Departamento de Física Aplicada es actualmente catedrático y director. Además, es doctor en Historia por la Universidad CEU San Pablo, en la que ejerce como profesor colaborador de Historia Contemporánea.
Es autor de varios libros y de cerca de dos centenares de documentos de investigación, trabajos académicos y monografías, tanto de carácter científico como relacionados con la historia militar; en este último ámbito, ha publicado Los vehículos acorazados españoles «Verdeja» (2022), Carros de asalto en la guerra de África. Primeras unidades acorazadas del Ejército español (2022), Vehículos blindados españoles de la guerra de África: 1909-1927 (2022), Bestias de acero. Cien años de unidades acorazadas en el Ejército español (2024) y El desembarco de Alhucemas: hito en la historia militar mundial (2025). Colabora habitualmente en prensa escrita, principalmente en el medio digital El Debate. En 2022 fue distinguido con el premio al mejor trabajo de un civil publicado en la revista Armas y Cuerpos de la Academia General Militar. Es presidente del Grupo de Trabajo de Cultura de Defensa (GT14 CULDEF) del Clúster de la Industria de Defensa.
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PÁGINAS: 312; TAMAÑO: 15 X 24 CM
ENCUADERNACIÓN: RÚSTICA CON SOLAPAS
PUBLICACIÓN: 23/01/2026, EDICIÓN ILUSTRADA; COLECCIÓN: HISTORIA
Profesor J.M. Riesgo, Adriana Zapisek y Carlos S. Tárrago
miércoles, 18 de febrero de 2026
APOTEOSIS DE LA NOVENA DE BEETHOVEN, bajo la batuta de Pascual Osa y Coro de Rafael Albiñana, en el Auditorio Nacional
Pascual Osa saluda junto a la soprano, mezzo, tenor y barítono
Fotos: J.S.A.
19/2/26.- Madrid.- La interpretación de la Novena sinfonía de Beethoven en el Auditorio Nacional por la orquesta Filarmonía de Madrid, dirigida por Pascual Osa y del coro -300 voces-, dirigido por Rafael Albiñana, llegó a una apoteosis tal, que el público entusiasta y agradecido, se levantó y aplaudió sin límites.
La Sinfonía Nº 9 en Re m Op.125. “Coral” logró una de sus mejores manifestaciones en la escena madrileña bajo la batuta de Osa. El concierto contó con la presencia de la presidenta de honor de la Orquesta Filarmonía, Mayte Spínola.
La primera parte fue para “Concierto para violín en re mayor. Op.35, de Tchaikovsky y contó con la actuación del violín de Naoka Aoki, concertino de la Münchner Phiharmoniker, una gran virtuosa en su especialidad, muy aplaudida por el público.
La novena Sinfonía de Beethoven dejó el sabor final de la música sublime en el oído y sensibilidad del público asistente, con la repetición del coro:
¡Alegría, hermoso destello de los dioses,
hija del Elíseo!
¡Ebrios de entusiasmo entramos,
diosa celestial, en tu santuario!
Tu hechizo une de nuevo
lo que la acerba costumbre había separado;
todos los hombres vuelven a ser hermanos
allí donde tu suave ala se posa.
Actuaron la soprano Cristina Domínguez; la mezzo Manuela Mesa; el tenor Quintín Bueno y el barítono. Enrique Sánchez Ramos.
A la salida del concierto, se saludaron Mayte Spínola y María Dolores de Cospedal, ex presidenta de Castilla-La Mancha, y ambas comentaron el virtuosismo de Pascual Osa y el éxito del concierto.
La Orquesta Filarmonía celebra 25 años sobre los escenarios
Un cuarto de siglo marcando el pulso musical de una institución que nació con el sueño de compartir la música con todos los públicos. Desde entonces, la orquesta ha sido el corazón de un proyecto en constante evolución, reuniendo a intérpretes de gran nivel con una energía única y un compromiso contagioso. Junto al Coro Filarmonía, que ha crecido de la mano de la orquesta y se ha convertido en parte esencial de su identidad artística, esta gran familia musical ha construido un camino compartido de excelencia y emoción. Bajo la dirección artística de Pascual Osa, cuya visión ha marcado la identidad sonora y emocional de la agrupación, y con la dirección general de Elena Menor, artífice del desarrollo y solidez del proyecto, la Orquesta Filarmonía ha crecido temporada tras temporada, conquistando escenarios emblemáticos y forjando una conexión especial con su audiencia. Este aniversario celebra a quienes han formado parte de la orquesta a lo largo de los años, a quienes la han escuchado y sentido, y también a todo lo que queda por sonar… y por soñar, como mínimo, durante otros 25 años más.
https://www.facebook.com/watch/?v=1732883844032271
HELEN LEVITT (FOTOGRAFíA) en la Fundación Mapfre.
Exposición: HELEN LEVITT (FOTOGRAFÍA)
Fundación Mapfre. Recoletos 23-Madrid
Del 17 de febrero al 17 de Mayo de 2026
L.M.A.
17/02/2026.- Se presenta por primera vez a partir de la totalidad de su obra y sus archivos, accesibles para su consulta solo recientemente, de una de las fotógrafas más celebres de la primera mitad del siglo XX que abordó con gran interés sus orígenes en las calles de Nueva York. En la muestra se propone un recorrido integral por la obra de una de las pioneras de la fotografía de calle que supo captar con su sensibilidad la espontaneidad de la vida urbana y su poética con lo que ha dejado una huella indeleble en el medio.
Helen Levitt (1913-2009) nació en Bensonhurst-un barrio de Brooklyn- en el seno de una familia de origen ruso-judío. Muestra desde joven una gran sensibilidad artística. Comienza a fotografiar las calles de Nueva York, su ciudad natal a finales de la década de 1930 donde se interesa fundamentalmente por los barrios pobres, como el Harlem hispano o Lower East Side. Lugar donde la calle es la protagonista con su escenario diario y sabe documentar las escenas íntimas y fugaces de las conexiones humanas,
Su aprendizaje formativo comienza como aprendiz en un estudio del Bronx en 1931 adquiriendo su primera cámara en 1934 para unirse a la New York Film and PhotoLeague, un colectivo comprometido con el cambio social a través de la imagen. Conocer a Henri Cartier Bresson en 1935 (en la exposición figura una fotografía que le dedica) y Walter Evans en 1938 fue fundamental ya que contribuyeron a su crecimiento personal junto a la gran actividad artística e intelectual de Nueva York en los años 30.
Los años decisivos en que capturó muchas de las imágenes que la consagrarían como una de las grandes fotógrafos del siglo XX se sitúan entre 1938 a 1942. Con los que su obra se difunde en revistas como Fortune y PM. The Museum of Modern Art (MoMA) le dedica su primera exposición individual en 1943.
Junto con su amiga y mecenas Janice Loeb comienza a filmar en 1940 con una cámara de cine casera, lo que contribuyó a los principios del cinema verité que culmina en 1952 con el título “In the street”.
Con la ayuda de su amigo el escritor y crítico James Agee proyecta la edición de un libro con sus imágenes de Nueva York para el que redactó un extenso ensayo en el que alababa las cualidades líricas de la fotografía que “en conjunto exponen una visión unificada del mundo en un manifiesto no insistente pero irrefutable”-El libro tras diversas vicisitudes vio la luz en 1965 con el título “A way of seeing” (una forma de ver)
Realiza un viaje a México en 1941 lo que supone un nuevo entorno para hacer fotografías.Pero logra encontrar su camino artístico y produce la obra con la que se reconocen las realidades sociales más crudas al tiempo que le trasfería un lirismo sutil propio de sus gentes y ciudad. Este sería su único viaje al extrajero
Tras triunfar más de dos décadas haciendo fotografía en blanco y negó decide solicitar una beca de la Gouggenheim Foundation con el objetivo de experimentar con las técnicas más novedosas de la fotografía en color en el que logra un sistema intuitivo en el tratamiento el color con lo que en 1974 cuarenta de sus diapositivas se presentan en un pase continuo en The Museum of Moderm Art (MoMA).
En la edición del catalogo de la exposición Joel Sternfeld la denomina con estos cambios “una jugadora de póquer en el mundo del arte”. El comisario e historiador de arte Kevin Moore escribió “Helen Levitt introdujo con tacto el color en su bien asentado trabajo de fotografía de calle en blanco y negro”. Un robo en 1970 le hizo perder gran parte de su obra en color.
Durante las décadas siguientes, continuó fotografiando de forma intermitente regresando al blanco y negro y explorando nuevos escenarios como el metro de Nueva York, o zonas rurales del noroeste estadounidense
La exposición realiza un recorrido por su trayectoria a través de las secciones :Primeras obras/Gitanos/dibujos a tiza; 1938-1940/Ciudad de México; A way of seeing, Color/metro/años 1980-1990; In the street. En alrededor de 200 fotografías que incluyen obras inéditas, así como los trabajos de México, y gran parte de su trabajo en color. Se presenta su película “In the street” con su dirección junto a Janice Loeb y James Agee y una proyección de diapositivas en color realizadas por la artista.
Fue una de las primeras mujeres en abrirse camino en el mundo de la fotografía, especialmente en la fotografía de calle. Evitó construir una narrativa explicita de su trabajo y prefería no hablar sobre sus imágenes. Una decisión que lejos de restarla valor hacen su obra más interesante puesto que son sus fotografías quienes logran captar al espectador gracias a las emociones universales que transmiten. Saber captar como nadie los momentos fugaces de conexión humana sobre todo en los complejos entornos urbanos.
Las líneas que dirige José Manuel Inchausti –Vicepresidente de la Fundación Mapfre en el catalogo la definen “El trabajo de Helen Levitt se distingue por su espontaneidad, simpatía y sensibilidad ante el gesto y el movimiento, pero sobre todo por su aceptación de los placeres, los terrores y la complejidad de la existencia, algo que con frecuencia pasamos por alto cuando estamos inmersos en la cruda realidad del paisaje urbano”
Joshua Chang, comisario de la exposición lo desarrolla extensamente con su testimonio escrito bajo el título“La mirada de Helen Levitt” “Se acercó a la escena con instintiva anticipación dando vueltas a su alrededor mientras disparaba……” Esa era la forma de ver de Helen Levitt.
JORDI TEXIDOR. “No-res”, exposición antológica con medio centenar de obras en la Sala 31
L.M.S.
Fotos: J.S.A.
18/2/26.- Madrid.- En la Sala Alcalá 31 se ha presentado “No-res”, una exposición antológica sobre Jordi Teixidor (Valencia, 1941) que reúne más de medio centenar de obras, desde la década de los 60 hasta la actualidad, entre las que se encuentran todos los cuadernos de trabajo del artista.
Una muestra que invita al espectador a indagar en los diferentes períodos de la amplia trayectoria de Teixidor cuyo título, “No-res”, hace alusión al concepto de la nada: ante la ausencia total es donde nace la posibilidad de una presencia, según el artista. Por ello, más que una antología, la muestra es una invitación a la pausa y la introspección, a través de un encuentro con la obra y el diario íntimo de Teixidor, que hace de la Sala Alcalá 31 un espacio para el diálogo y el encuentro.
La espina dorsal de “No-res” la componen los 31 cuadernos de trabajo del artista, por primera vez juntos. Estas publicaciones recogen toda la producción que Teixidor ha realizado, y también la que no, desde 1965 hasta hoy. No son solamente bocetos, sino el planteamiento de toda la obra de Teixidor y una manera de acercarse al artista y su obra a través de esta especie de diario.
Sobre Jordi Teixidor
Jordi Teixidor es considerado uno de los máximos representantes de la abstracción española, cuya obra es reconocida por sus pinturas casi monocromas y el uso riguroso del color negro. Teixidor reside en Madrid desde comienzos de la década de 1980, ciudad a la que se trasladó después de una estancia de dos años en Nueva York.
Ha participado en eventos clave como la Bienal de Venecia dentro de la histórica España: Vanguardia artística y realidad social. 1936-1976 (1976) o New Images from Spain, en The Solomon R. Guggeheim Museum de Nueva York (1979). Ha expuesto de manera individual en la Fundación Juan March de Palma de Mallorca (2025); el Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca (2024); el Institut Valencià d’Art Modern (IVAM) de Valencia (1997 y 2022) o el Museo Universitario Contemporáneo de Arte-UNAM, Ciudad de México (1998), entre otros.
Su obra está presente en numerosas colecciones públicas y privadas internacionales, como The Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, el Institut Valencià d’Art Modern (IVAM) de Valencia, la Fundación Juan March, o el San Francisco Museum of Modern Art.
En 2014, su trayectoria fue reconocida con el Premio Nacional de Artes Plásticas del Ministerio de Cultura y es, desde 2002, académico de número de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.
Más información
Lugar: Sala Alcalá 31 (Calle Alcalá, 31. Madrid)
Fechas: 19 de febrero - 19 abril 2026
Horario de la exposición*:
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