sábado, 5 de febrero de 2011

Monseñor Fernando Sebastián escribe un libro sobre el desafío del Cristianismo en España



"Evangelizar" (424 páginas, 19.00 €)
Ediciones Encuentro
Madrid, 2011


L.M.A.



El libro "Evangelizar" de monseñor Fernando Sebastián, arzobispo emérito de Pamplona y Tudela, publicado por Ediciones Encuentro, versa sobre el desafío que atraviesa el cristianismo en España. Entre otras cosas dice:

“España está a punto de romper la continuidad de su tradición espiritual cristiana y católica, para instalarse en un contexto cultural nuevo, ateo, materialista y nihilista. No es cuestión de promover la guerra entre creyentes y no creyentes, ni se trata de estimular la resistencia numantina. El Evangelio de Jesús es capaz de vivir en todas las situaciones imaginables y puede sobrevivir a todas las agresiones, y de vencer convenciendo a sus mismos agresores. El Evangelio de Jesús sigue siendo la única levadura capaz de transformar la masa inerte de nuestro viejo mundo egoísta y resignado a morir, la única luz capaz de iluminar nuestras tinieblas y alumbrarnos nuevos caminos de esperanza y de alegría.

No podemos decir ya que la sociedad española es una sociedad católica. Hay muchos bautizados que no piensan ni viven de acuerdo con su Bautismo. Otros muchos han abandonado explícitamente la fe bautismal. Otros rechazan elementos de la doctrina católica, ya sean dogmáticos o morales. En algunas ciudades, es frecuente encontrar familias que no bautizan a sus hijos... Está claro que no podremos cambiar las cosas de la noche a la mañana, pero, con la ayuda de Dios y nuestra colaboración entusiasta, sí podemos cambiar la tendencia y comenzar una nueva era que llegue a su esplendor cuando Dios quiera. La urgencia resulta más apremiante si tenemos en cuenta que lo que ahora ocurre en Occidente es muy probable que pase en pocos años a otros continentes menos afectados hoy por el secularismo. No nos engañemos, nadie se librará de pasar la crisis de la confrontación con la modernidad laicista.
Reacción al proceso secularizador


No hemos logrado despertar en nuestras Iglesias un movimiento auténticamente evangelizador. Lo que sí se percibe es una reacción al proceso secularizador y descristianizador, de tipo restauracionista y formalista que, si en algunas cosas puede estar justificada, no coincide con lo que tiene que ser el núcleo ni la inspiración de una época evangelizadora, orientada a romper el cerco cultural del cristianismo y a abrir nuevos espacios a la fe. Restaurar los usos externos de los años pasados no es lo mismo que recuperar la fuerza espiritual y la eficacia transformadora de las convicciones religiosas de los primeros cristianos. Tengo la impresión de que no se quiere reconocer esta situación de descristianización generalizada. Es preciso fortalecer la fe de los cristianos.

Tenemos que aprender a vivir todos como miembros de una Iglesia verdaderamente evangelizadora y misionera. No podemos aceptar como normal la situación actual en la que tantos cristianos desertan de la Iglesia, en la que las generaciones jóvenes crecen en un mundo prácticamente ateo, sin una relación vital con la persona de Jesucristo ni con el Dios de la salvación. Todos los demás problemas que podamos señalar, por importantes que nos parezcan, son secundarios en relación con esta tarea primordial de la evangelización. Tenemos que ver cómo podemos llevar el Evangelio de Jesús a los ateos, a los indiferentes, a los agnósticos, pero también a los protestantes, a los musulmanes, a los budistas, a los animistas que viven con nosotros.

La presentación del Evangelio de Jesús tiene que producir en los oyentes una verdadera crisis de conversión. Crisis que es juicio sobre la vida anterior, esa vida normal que malgastamos dejándonos absorber y dominar por las cosas y los afanes de este mundo. Son pocas las actividades pastorales que buscan realmente esta conversión. Nos olvidamos de que la vida cristiana comienza con la conversión personal, o bien damos por supuesto que esta conversión quedó hecha anteriormente.
Tenemos que comenzar de nuevo”.

* Más información: http://www.ediciones-encuentro.es

Venancio Blanco homenajeado por los críticos de Arte de Madrid en su estudio



Julia Sáez-Angulo


Es de los escultores con más renombre en el circuito del arte en España y su obra figura en numerosos monumentos, museos, fundaciones y colecciones privadas. Venancio Blanco cuenta hoy con una Fundación que lleva su nombre y la Asociación Madrileña de Críticos de Arte AMCA le ha homenajeado en su taller madrileño con una visita en la que el artista ha explicado numerosos aspectos de su obra.

Tomás Paredes, presidente de AMCA, ha subrayado en la presentación de Venancio Blanco Martín (Matilla de los Caños del Río, Salamanca, 1923) que la obra del artista tenía tres vertientes principales: la escultura religiosa, la música y la naturaleza (fundamentalmente el mundo del caballo y el toro).

Recientemente, el escultor ha llevado a cabo una gran exposición en la sala de La Salina de Salamanca para mostrar sus distintos trabajos en diferentes materiales como la madera, el cemento, el bronce, el papel... La muestra tenía el título de “Dibujar con la materia”, pues para V. Blanco “el dibujo abarca todas las acciones de la vida”. El escultor recibió la Medalla de Oro de Salamanca en 2009.

El bronce es el material preferido del escultor por encontrar en él “la materia más rica y con mayores posibilidades. Es muy agradecida para plasmar lo que se busca y gracias a él se ha conservado buena parte de la estatuaria clásica. El bronce es la materia que menos te condiciona a la hora de trabajar”.

Su estudio está repleto de moldes a la cera, de distintos proyectos o para llevar a fundir. “No es lo mismo que te fundan la pieza a que lo hagas tú mismo”, asegura Blanco, al tiempo que elogia el cuidado de las pátinas por el propio artista, para seguir el proceso de la pieza hasta el final. “El dibujo conlleva siempre una parte de síntesis. El dibujo y el oficio son muy importantes para dominar el proceso de la fundición”, dijo en otro momento el escultor. “El mejor maestro eres tú mismo ante el taller”, añadió.

Anthony Quiin, un coleccionista entusiasta


El actor Anthony Quinn fue un entusiasta coleccionista de la escultura de Venancio Blanco y poseía más de una veintena de piezas suyas. Recientemente Venancio Blanco adquirió una de las piezas que le compró y que se puso a la venta en subasta, después de la muerte del actor. “Está claro que una obra de arte gusta a un coleccionista que es el que la elige y paga por ella”, comentó el escultor.

El Museo MAPFRE, situado en El Plantío (Madrid), que contiene una buena relación de obras religiosas de Venancio Blanco, está actualmente cerrado por obras, hasta principios del verano. Allí se comienza por la Anunciación y termina por la Piedad, “que es otra anunciación de la vida eterna”, declara el artista. “Todo arte es sagrado porque trasmite una idea profunda del ser”.

Venancio Blanco, que dice gozar de un ángel protector en todo momento, ha llevado a cabo esculturas de numerosos santos, entre ellos “mis santa Teresa de Jesús y san Juan de la Cruz", además de san Francisco y san Sebastián. Los cuatro se encuentran en el Museo MAPFRE. Entre los proyectos en cera: el papa Juan XXIII, san Josemaría Escrivá, una Virgen sedente con Niño y un sinfín de bustos, caballos, toros, toreros...

El estudio de Venancio Blanco se encuentra en el Madrid norte, junto a los de otros dos escultores, Donaire y Montaña, ya desparecidos. Todos los años el escultor imparte una serie de cursos en la localidad de Priego de Córdoba, donde asegura que disfruta mucho con la docencia entre jóvenes.

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viernes, 4 de febrero de 2011

Cinco ferias convierten a la región madrileña en capital del Arte Contemporáneo



· L.M.A-


La región madrileña se convierte durante los próximos días en la capital mundial del arte contemporáneo con una completa oferta cultural de primer orden que abarca ferias, galerías, salas de exposiciones y museos, y que tendrá su momento álgido en la semana del 16 al 20 de febrero. ARCO, la feria de arte contemporáneo más importante de España y una de las principales del mundo, y otras cuatro ferias que complementan su oferta, llenan Madrid de innovadoras propuestas artísticas: se trata de Art Madrid, MadridDeArte, Flecha y JustMad. A este escenario se suma la programación de 145 exposiciones en galerías, museos, fundaciones y otras instituciones.

La viceconsejera de Cultura de la Comunidad, Concha Guerra, y el coordinador general del Area de Las Artes del Ayuntamiento de Madrid, Carlos Baztán, presentaron hoy esta semana de arte contemporáneo acompañados por los responsables de las ferias que abren sus puertas estos días, así como de diversas instituciones. Según destacó Guerra, “las cinco ferias que se celebrarán en los próximos días ejercen un importante papel dinamizador de la vida cultural y turística de nuestra región, como demuestran las más de 300.000 personas que las visitaron en su última edición. La Comunidad de Madrid ha sumado esfuerzos con el sector, el Ayuntamiento de Madrid, Metro y los empresarios hoteleros para dar un nuevo impulso a esta oferta y acercar el coleccionismo a todos los madrileños y visitantes”.

Por su parte, el coordinador general del Área de Las Artes, Carlos Baztán ha querido reiterar la importancia de la colaboración entre instituciones públicas e iniciativas privadas que han conseguido, en los últimos años, convertir el mes de febrero madrileño en una fecha imprescindible en el calendario internacional del arte contemporáneo, demostrando de este modo el progresivo crecimiento del tejido cultural español, y madrileño en particular. El Ayuntamiento se ha propuesto convertir la cultura y la creatividad en los ejes de desarrollo de la ciudad, como factor de riqueza, competitividad y desarrollo económico.

‘Mirarte en Madrid’, la mayor exposición de arte contemporáneo

Así, desde la semana que viene, se va a desplegar en Metro una campaña bajo el eslogan MirARTEnMADRID, la mayor exposición de arte contemporáneo, invitando a los usuarios de la red de transporte a visitar las cinco ferias, todas ellas conectadas mediante el suburbano. Las vallas irán acompañadas de la distribución de un mapa desplegable que localiza toda la oferta expositiva en estas fechas, tanto la de las ferias, como la de galerías, museos, centros culturales… Este folleto también estará disponible en las oficinas de turismo y hoteles.

En la presentación, Guerra y Baztán estuvieron acompañados por el director de ArcoMadrid 2011, Carlos Urroz; la directora de ARTMADRID, Gemma Lazcano; el director de Madrid DeArte, Miguel Tugores; el director de Flecha, José Luis Aguirre; y la directora de JustMad2, Giuletta Speranza; así como del presidente de la Asociación Empresarial Hotelera de Madrid, Jesús Gatell, y el responsable de Unidad de Relaciones con el Sector de Metro de Madrid, Javier Otamendi.

Las cinco ferias acercan todo el panorama artístico actual a visitantes, galeristas y compradores, y sitúan a Madrid, un año más, en el epicentro del mercado del arte. ARCO (en Ifema), una de las ferias más importantes del mundo que en 2010 registró 148.000 visitas, celebra sus 30 años con Rusia como invitado y nueva dirección. Art Madrid (Pabellón de Cristal de la Casa de Campo), que alcanza su sexta edición, ofrece un espacio para el arte emergente: el Programa Young Art. MadridDeArte (Palacio de Congresos de Madrid) atrajo en 2010 a miles de amantes del arte que se adentran en el coleccionismo buscando obras de calidad. Flecha (en el Centro Comercial Arturo Soria Plaza) reúne desde ayer más de 500 obras de variadas técnicas de 53 artistas. Y JustMad (Velázquez, 29), en su segunda edición, estrena varias iniciativas, como METRO Sound, un programa de arte sonoro en el Metro de Madrid.

Guerra destacó que este tipo de actuaciones conjuntas entre promotores privados e instituciones públicas contribuyen a consolidar la Comunidad de Madrid como referente cultural internacional y potencia su atractivo turístico. “La completa oferta expositiva que ofrece Madrid a lo largo del año, y especialmente en este mes, ha contribuido sin duda a que nuestra región alcanzara en 2010 un récord histórico en el número de visitantes, rozando los 10 millones de turistas (9,8 millones).

Programación especial de la Comunidad de Madrid

Por otro lado, la Vicepresidencia y Consejería de Cultura y Deporte de la Comunidad celebra estos días con su stand en ARCO, el Premio ARCO Comunidad de Madrid para Jóvenes Artistas y varias exposiciones en sus salas y centros.

El CA2M-Centro de Arte Dos de Mayo acoge Colección III (una selección de los fondos de la colección de arte actual de la Comunidad de Madrid), y una muestra monográfica dedicada a Wilfredo Prieto, que reúne instalaciones, esculturas, objetos, intervenciones, perfomances y dibujos de este artista cubano que vive y trabaja en la Habana y Barcelona.

La Sala Canal de Isabel II, expone desde el próximo lunes Travesías, una creación de Daniel Canogar realizada para la sede del Consejo de la Unión Europea en Bruselas. Simultáneamente, la Fundación Canal ofrece la muestra Vórtices, firmada por el mismo artista.
Por su parte, la Sala Alcalá 31 presenta la primera exposición individual del artista anglo nigeriano Yinka Shonibare en España. Las obras que componen esta exposición, creadas en su mayoría desde el 2008, retoman los métodos, símbolos y características de las obras más reconocidas de Shonibare, pero esta vez el artista utiliza la historia, el arte, la literatura y el teatro para discutir metafóricamente el clima político global de nuestro tiempo y su legado.

Pero también hay espacios abiertos a los proyectos más emergentes. En la Sala de Arte Joven de la Avenida de América podremos conocer de primera mano el dibujo contemporáneo utilizado como medio de expresión por nueve jóvenes artistas a lo largo de tres exposiciones en el primer semestre de este año.

Premio Arco Comunidad de Madrid para Jóvenes artistas 2011

El Premio ARCO de la Comunidad de Madrid para Jóvenes Artistas fue creado en 2004 para reconocer la mejor obra de artes plásticas (incluyendo pintura, dibujo, cómic, grabado, esculturas, técnicas mixtas, fotografía, instalaciones así como cualquier otro soporte de expresión artística, sin limitación de tema ni técnica) realizada por artistas de edad no superior a 40 años, cuyo precio de venta no exceda 35.000 euros, y que haya sido expuesta en la edición correspondiente de la Feria ARCO. La Comunidad de Madrid adquiere la obra premiada y ésta pasa a formar parte de la Colección del CA2M Centro de Arte Dos de Mayo, que acoge la entrega del premio, en esta ocasión el 18 de febrero.

Programación especial del Ayuntamiento de Madrid

El Ayuntamiento de Madrid, a través de Matadero Madrid y Medialab Prado, incorpora varias actividades a la oferta de arte contemporáneo que inundará Madrid en los próximos días.

Dentro de la feria ARCOmadrid Matadero Madrid ha organizado, para el próximo 17 de febrero, un foro abierto en el que, bajo el título Site-specific: desvelar la condición, se reflexionará sobre los distintos modelos de trabajo site-specific: desde los más vinculados al arte público a los que se inscriben dentro de la institución, desde los más arquitectónicos a los que subvierten su contexto cultural y social, poniendo especial interés en la potencialidad crítica de estos trabajos en la actualidad.

El programa Abierto X Obras de Matadero Madrid acoge, desde el pasado viernes 28 de enero la videoinstalación de Cabello/Carceller Off escena: Si yo fuera... una reflexión y una acción colectiva que trabaja en torno a las poéticas de inclusión y exclusión en la actual sociedad capitalista neoliberal. Libertad, género y poder económico están presentes en este cortometraje realizado y expuesto en la antigua cámara frigorífica de Matadero con la participación de mujeres presas.

El 18 de febrero y también en Matadero Madrid el colectivo ruso Chto Delat, que aúna artistas, filósofos, sociólogos, activistas y todo aquel interesado en la investigación crítica independiente, ofrecerá un seminario teórico y posterior debate titulado Sociedad, política y estética después de una transición, en que tratará el fenómeno de los procesos transitorios, como los experimentados tras los periodos franquista y soviético.

Además, el sábado 19 de febrero el comisario e investigador Jorge Blasco propone un recorrido crítico a través de la muestra, Archivo Archivante (Modos de habitarlo) dentro de Intermediae una exposición que trata de señalar la labor del que interpreta el archivo como figura significativa y activa en su construcción.
Por último, MediaLab Prado acogerá el 17 de febrero una conferencia de Golan Levin, uno de los artistas digitales más conocidos a nivel mundial, que trabaja en el ámbito de la intersección entre la tecnología y la comunicación humana, a través de performances, artefactos digitales y entornos virtuales.


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FUNDACIÓN MAPFRE CONCEDE LA IV AYUDA BIENAL IBEROAMERICANA GARCÍA-VIÑOLAS



L.M.A.



El Instituto de Cultura de FUNDACIÓN MAPFRE ha concedido la IV Ayuda Iberoamericana García Viñolas para la catalogación de colecciones de dibujo. El objetivo de esta ayuda, dotada con un máximo de 65.000 euros, es contribuir a la catalogación y difusión de colecciones de dibujo artístico de instituciones públicas o privadas de América Latina, España y Portugal.

El jurado, que ha estado presidido por Alberto Manzano, Presidente del Instituto de Cultura de FUNDACIÓN MAPFRE, e integrado por Pablo Jiménez Burillo, Director General del Instituto de Cultura de FUNDACIÓN MAPFRE; Eugenio Carmona, catedrático de Historia del Arte de la Universidad de Málaga; Natalia Majluf, Directora del Museo de Lima; María Fernanda Matos Moctezuma, Directora de Exposiciones Nacionales del Instituto Mexicano de Bellas Artes; Jorge Schwartz, Director del Museo Lasar Segall de São Paulo; y Daniel Restrepo, Director General Adjunto de FUNDACIÓN MAPFRE, acordó conceder la IV Ayuda Iberoamericana García-Viñolas, en las cantidades que en cada caso se especifican, a las siguientes instituciones y proyectos:

· Museo Torres García (Montevideo), por el proyecto Digitalización, catalogación y difusión de los dibujos de Joaquín Torres García presentes en el Archivo del Museo Torres García, por una cuantía de 25.000 euros.
· Fundacion Pan Klub / Museo Xul Solar (Buenos Aires), por el Proyecto de catálogo razonado de la obra de Xul Solar, por una cuantía de 22.000 euros.
· Centro Artes Visuales / Museo del Barro - Fundación Carlos Colombino Lailla (Asunción), por el proyecto Catalogación de la Colección de dibujo indígena, por una cuantía de 18.000 euros.

La Ayuda García-Viñolas se convoca cada 2 años desde 2002, año en que el crítico de arte y periodista Manuel Augusto García-Viñolas donó a FUNDACIÓN MAPFRE su colección de dibujos. La colección, formada por 160 obras, recorre prácticamente todo el arte español del siglo XX hasta los años ochenta y en ella destacan las obras de Mariano Fortuny, Daniel Vázquez Díaz, Rafael Alberti o Luís Gordillo, entre otros.


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El libro electrónico no avanza en España

L.M.A.

El avance del libro electrónico no acaba de ocurrir en nuestro país, pese a que, según un estudio realizado por la consultora GFK, durante la última campaña de Navidad se han vendido un 200% más de dispositivos de lectura digital que el mismo periodo del año anterior.

Importante dato teniendo en cuenta que las ventas de e-readers son un factor decisivo para las editoriales a la hora de establecer si merece la pena invertir en sacar las obras en formato digital.

Si embargo parece que, a pesar del aumento de ventas de e-readers, no se descarga la suficiente cantidad de libros como para que a las editoriales les salgas rentable invertir en este formato. Aún sigue siendo un mercado muy pequeño.

Antonio María Ávila, director ejecutivo de la FGEE, declara que aunque se ha extendido la idea de que el libro electrónico es más barato que la edición en papel y que eso no es real, dado que hay una gran inversión inicial en sistemas informáticos y en personal técnico y todo ello repercute en el precio de la obra electrónica. Ségún él «los datos demuestran que las fuertes inversiones que requiere la edición digital no tienen retorno, no resulta rentable».

Sólo al cabo del tiempo, cuando se alcanza cierto nivel de amortización de esas inversiones, el precio del libro electrónico baja.

Por tanto, en opinión de Antonio María Ávila, el hecho de que el precio del libro electrónico sea menor no obedece actualmente a la lógica y sí a la presión existente y la política que instaló Amazon cuando comenzó a comercializar títulos digitales: bajó mucho el precio para introducir el producto.


Lectura en formato digital

Según la Federación de Gremios de Editores de España (FGEE), en cifras de 2010, el 47,8% de la población lee formato digital. En su mayoría (37,6%) leen webs, redes sociales, blogs; el 30,7% lee prensa. Sólo 5,3% lee libros, de ese 5.3% sólo el 1% lo hace a través de e-readers.

Por otra parte, Luis González, director general adjunto de la Fundación Sánchez Ruipérez, asegura: «Mientras en Estados Unidos ves un título en el catálogo y lo puedes descargar para leer en el momento, en España todavía no existe un acceso cómodo y agradable a los libros electrónicos… eso será así cuando las editoriales tengan un mercado suficiente. Todavía es incipiente»”.

Experiencia con lectores mayores de 55 años

La Fundación Sánchez Ruipérez emprendió en 2009 la operación Territorio E-book.
Se trata de una investigación sobre los libros digitales, acerca de la experiencia de lectura electrónica, las sensaciones, la satisfacción (no desde el punto de vista de la tecnología, ni su comercialización, ni sobre la protección de derechos)
La primera parte, ya concluida, se ha centrado en un grupo de lectores compuesto por personas de más de 55 años pertenecientes a un entorno rural, a las que se les dio una misma novela en e-readers.

Las primeras conclusiones que se sacan es que este grupo no encuentra especiales problemas para manejar los dispositivos y encontrarse a gusto con ellos. Los aparatos más sencillos les aportan una respuesta adecuada a su deseo de lectura lineal.

Según indica Luis González esos lectores se aficionan mucho a la lectura en dispositivo digital y, al acabar el plazo tras el cual debían devolver el aparato, hasta el 85 % de los participantes indicaba que estaban dispuestos a comprarse uno.

Haruki Murakami, el escritor japonés convertido en fenómeno literario



1Q84, LIBROS 1 y 2
Haruki Murakami
Tusquets Editores
Colección Andanzas
Ilustración: Silvia Sans
Madrid, 2011 (736 pags)



Julia Sáez-Angulo

Es un escultor de culto que ha merecido ser galardonado con la Orden de las Artes y las Letras en España. Sus novelas, más de una decena, ha sido superventas en Japón, España y otros muchos países. Haruki Murakami (Kyoto. Japón, 1949) se ha convertido en un fenómeno literario, similar al del chileno Roberto Bolaño, que crece a medida que pasa el tiempo. Es hijo de dos profesores de literatura que debieron inocularle el amor a la narración.

Murakami estuvo en España en 2009 y visitó entre otros lugares Santiago de Compostela, que pasó allí una jornada de turismo y encuentro con estudiantes, con motivo del premio Arcebispo Juan de San Clemente. “Escribir es una magia que comparto con vosotros”, dijo.

El título “1Q84”, -Libros 1 y 2- difícil de pronunciar, hacer referencia a la obra de Orwell, en un juego fonético en japonés, ya que la “Q” se pronuncia de igual manera que el nueve, por lo que el título equivaldría a “1984”. La editorial Tusquets ha publicado la mayor parte de la narrativa de Harukami y figura en su catálogo como un escritor estrella.

Personajes complejos y extravagantes


Los personajes de Haruki Murakami son siempre complejos, extraños, extravagantes y arrastran consigo vidas con asuntos secretos, lo que motiva una trayectoria o acción que el lector va siguiendo con perplejidad e interés. La acción por los vericuetos capta, más bien secuestra al lector, capaz de dejar el turismo en una ciudad y quedarse en el hotel a terminar el libro.

Murakami estudió en la Universidad de Waseda y regentó durante varios años un club de jazz. Es una figura muy respetada por sus colegas, por más que él se vanaglorie de no tener amigos escritores. Los títulos de sus libros son sugerentes: “Sauce ciego, mujer dormida”, “Kafka en la orilla”, “El pájaro que da cuerda al mundo”, Tokio blues”...

Su libro “De qué hablo cuando hablo de correr”, uno de los más singulares del autor, ha sido leído con avidez por muchos atletas y corredores de footing. Murakami es avezado corredor y triatleta. Sale a practicar cada día por lo que se encuentra muy en forma a sus 63 años.

Los dos libros “1Q84” en un volumen se estructura al modo de “El clave bien temperado” del compositor Juan Sebastián Bach. Ciertamente el autor japonés enlaza las palabras en la trama y urdimbre como una sinfonía melódica.Murakami se confiesa admirador del escritor argentino Manuel Puig.







jueves, 3 de febrero de 2011

Rosa Escalona, Pinturas e Instalación sobre la "Representación del Bosque"



“Representaciòn de El Bosque”
Rosa Escalona
El Rincón de Rosa
c/ Sobral, 3
San Lorenzo de El Escorial
www.rosaescalona.com



Obra de Rosa Escalona


Julia Sáez-Angulo


Artista versátil, Rosa Escalona ha abierto un espacio monográfico de arte en San Lorenzo de El Escorial, con una “Representación del Bosque” a base de pinturas y una instalación de tronco y hojas que completa la atmósfera poética y la visión del tema. Sus cuadros, de gran viveza cromática son espectaculares y entre ellos destaca el titulado “Fantasía del bosque”.

En su fecunda trayectoria, Rosa Escalona (Madrid, 1947) ha llevado a cabo diversas exposiciones como “La Representación de la Ciudad”, “La Representación del Agua”, “Memorias del Tiempo”, “Recuerdos del Cantábrico” o “Toledo desde Toledo”, en las que conjunta pintura, collage, escultura e instalación. Su obra ha podido verse en Marugame (Japón), el Museo Sefardí de Toledo o la Fundación Universitaria Iberoamericana.

Para esta artista madrileña, de raíces toledanas, el arte es concepto que se desarrolla en una plasticidad máxima, en la que se busca un lenguaje propio dentro de la estética del tiempo que le toca vivir. Sus instalaciones dan cuenta del gran poder evocador que es capaz de lograr con los materiales más diversos.

El grabado es una de las actividades cultivadas por Escalona y es fácil verla junto al tórculo en su estudio de Torrelodones o en las fotografías que reviven ese trabajo de estampación. Sus grabados sobre el Museo Guggenheim fueron de gran belleza.

El paisaje como género dilecto

Rosa Escalona ha expuesto en Alemania, país en el que ha logrado un mercado de su obra firme y continuado. Su reto está ahora en Dan Lorenzo de El Escorial, con un espacio especializado en su sola obra abierto al público de manera permanente en horario comercial.

El paisaje en grande, pequeño y mediano formato es su especialidad más presente en la muestra actual, pero todavía quedan en la retina sus pasadas series a base de manipulación de fotografías familiares, dentro de una composición matérica de pigmento y paja de gran efecto icónico.

La exposición “Memorias del tiempo” (2006) con las mencionadas fotos que recorrían el hito vital de la antropología: nacimiento, matrimonio y muerte, tuvo lugar en el sitio histórico visigótico de Santa María de Melque (Toledo) y mereció un buen catálogo con el título de la muestra.

Fue una representación de “ambiente rural”, con salas ambientadas con sonidos de campo y granja. Las gasas fueron textiles muy potentes y presentes en el trabajo plástico de la autora.



Vladimir Holan en “La gruta de las palabras”, traducido por Clara Janés



“La gruta de las palabras”
Obra Selecta
Vladimir Holan
Traducción y prólogo de Clara Janés
Galaxia Gutenberg/Círculo de Lectores
Barcelona, 2011-02-03


Clara Janés



Julia Sáez-Angulo


“La gruta de las palabras” es el título de un poema del escritor checo Vladimir Holan, muy admirado por la poetisa española Clara Janés, quien lo conoció y trató y del que ha traducido buena parte de su obra para ofrecernos este libro. La traductora ha contado en en sus libros como entró en contacto con Holan, un poeta que se había confinado a sí mismo en su vivienda de la isla de Kampa, donde vivía de noche y dormía de día, después de los acontecimientos políticos en su país, principalmente tras la primavera de Praga. El encierro de Vladimir Holan (1905 – 1980) pronto se hizo mito en el país.

Para Clara Janés (Barcelona, 1940), Holan es “un alquimista de las palabras” que parte de Mallarmé; inventa de continuo y sus versos emiten numerosas resonancias. Recordó las palabras de María Zambrano ante la poesía, cuando “el corazón está a punto de poder hablar” o como dicen los sufíes: “todo el universo cabe en el corazón”.

En suma, el lugar de la poesía es el corazón, su gruta y esto se aprecia al leer los versos de Holan, para quien la palabra es enigma. En su país, donde se le acusó de “formalismo decandente” en 1948, tiempos del comunismo, es hoy una figura celebrada, si bien se le considera un poeta de pensamiento y difícil de comprensión, según señaló Vera Zaptkova, directora del Centro Cultural Checo en Madrid.


Poemas y microrrelatos


Holan tiene poemas en verso o microrrelatos plenos de metafísica; sabe aproximarse al hombre que es el “enigma máximo”, señaló Clara Janés El libro de Holan publicado por Galaxia Gutenberg/Círculo de Lectores comprende: Sin título, Avanzando, Soldados del Ejército Rojo, Miedo, Dolor, Una noche con Hamlet, Toscana y Una noche con Ofelia, junto a una selección de sus poemarios.

Janés destacó la relación literaria de Rilke y Holan; para ambos era importante la infancia, como búsqueda de la pureza y la esencia; para el checo la madre era el paraíso incontaminado, el amor puro. Ambos escritores se interesaron por los ángeles, si bien para Rilke representaban la belleza inaccesible y para Holan eran más cercanos, hasta el punto de ofrecerles “un vaso de vino”.

Para la traductora, Holan era pura esencia en la poesía, muy superior a Jaroslav Seifert, premio Nobel de Literatura 1984, al que también a traducido. El propio Seifert dice en su libro “Toda la belleza del mundo”: “Como tendréis curiosidad por saber quien de nosotros era el mejor poeta, os lo revelaré directamente: era Vladimir Holan, el ángel negro”.

Por otra parte, la escritora Clara Janés ha publicado recientemente dos hermosos libros de poemas en la editorial Vaso Roto: “Poesía erótica y amorosa” y “Variables ocultas”. También participa en el libro “De la realidad y la poesía (Tres conversaciones y un poema) de Antonio Gamoneda, Clara Janés y Mohsen Evadí, igualmente publicado en Vaso Roto.



miércoles, 2 de febrero de 2011

Mónica Rodríguez y David Fernández, premios Ala Delta y Alandar 2011



L.M.A.



La escritora Mónica Rodríguez Suárez, con su obra Diente de león, ha resultado ganadora del XXII Premio de Literatura Infantil Ala Delta, convocado por el Grupo Editorial Luis Vives y dotado con 12 100 € .

El jurado, presidido por doña Mª José Gómez-Navarro, e integrado por doña Marina Navarro,bibliotecaria; doña Ana López Andrade, profesora; doña Carmen Blázquez, crítica; don Ignacio Sanz,escritor; doña Violante Krahe, coordinadora del departamento de publicaciones generales de la editorialy don Ignacio Chao, que actuó como secretario, decidió, por mayoría, premiar el original presentadocon el título Diente de león.

La autora y la obra Mónica Rodríguez Suárez nació en Oviedo en 1969. Desde hace casi veinte años reside en Madrid consu pareja y sus tres hijas. Licenciada en Ciencias Físicas, especializada en Energía Nuclear, actualmentedisfruta de una excedencia de su trabajo en el Centro de Investigaciones Ciemat del Ministerio deCiencia e Innovación que le ha permitido centrarse profesionalmente en la escritura. Ha publicado unadecena de libros infantiles, algunos de ellos reconocidos con destacados galardones, como el de novelajuvenil del Ayuntamiento de Pozuelo de Alarcón (Madrid), el premio de literatura infantil Ciudad de Málaga o el premio de la crítica de Asturias en Literatura Infantil y Juvenil.


Sobre la obra premiada, Mónica cuenta: «Diente de león es un libro en el que he querido hablar de la soledad y de los recuerdos, de la amistad y de la traición, también del amor. Narra la historia de un abuelo que de manera azarosa se encuentra acompañando a una anciana a la que le relata los recuerdos de un verano de su infancia. Es un viaje difícil hacia su pasado por lo que encierra la historia y mediante su relato el protagonista busca su propia salvación. La infancia perdura en nosotros y aúnregresa y se vuelve más cercana en la vejez. He intentado escribir esta historia desde la emoción. Hedisfrutado y he sufrido escribiéndola y espero que a los lectores también les llegue esta emoción».


En cuanto a lo que supone este galardón, reconoce que «recibir el premio Ala Delta, uno de los premios más prestigiosos en este campo, es para mí un sueño y un espaldarazo. Supone una motivación y también una recompensa al esfuerzo que implica dejarlo todo para intentar escribir algo que interese.Ser valorada por esta editorial es un gran privilegio. Me siento feliz y también halagada».


David Fernández, XI Premio Alandar

El escritor David Fernández Sifres, con su obra El faro de la mujer ausente, ha resultado ganador del XI Premio de Literatura Juvenil Alandar, convocado por el Grupo Editorial Luis Vives y dotado con 12 100 € .

El jurado, presidido por doña Belén Martul, e integrado por doña María José Gómez-Navarro, editora;doña Luisa Mora, bibliotecaria; doña Rosa Huertas, escritora; don Pablo Barrena, crítico literario; doña Andrea Villarubia, profesora; y don Juan Nieto Marín, que actuó como secretario del mismo, decidió,por mayoría, premiar el original presentado con el título El faro de la mujer ausente.

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SAQUEO

L.M.A.

La horrible convulsión que estos días está sufriendo Egipto había dejado hasta ayer al menos 190 muertos. El país está pasando, como nos informan los medios, por una crucial situación.
También hay otros daños colaterales irreversibles: los monumentos y obras de arte del patrimonio egipcio -que nos han llegado a traves de los siglos y que no solo encarnan la identidad cultural de la población egipcia sino que forman parte del legado de la Humanidad- están siendo expoliados y destrozados. Lo ha dvertido Irina Bokova, Directora General de la Organización de Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura.

I. Bokova recordó que "las 120.000 obras del Museo Egipcio de El Cairo", hasta el que se han extendido las acciones de pillaje durante las protestas, "tienen un valor científico y económico incalculable, pero su valía es ante todo inestimable porque encarnan la identidad cultural de la población egipcia".

Tras expresar su dolor por las víctimas humanas y sus familias, pidió que se adoptaran medidas para proteger los tesoros de Egipto en enclaves como El Cairo, Luxor y demás sitios culturales e históricos del país.

Entre las destrucciones han sufrido daños irreparables algunas momias y también, según fotos publicadas hace un par de días, se encuentran desaparecidas las magníficas estatuas doradas de Tutankhamón sobre una barca de papiro o sobre una pantera. Ese desastre puede verse en:

http://www.eloquentpeasant.com/2011/01/29/statues-of-tutankhamun-damagedstolen-from-the-egyptian-museum/

martes, 1 de febrero de 2011

Jesús Cobo escribe sobre el poeta Bécquer, Alejandra y la ciudad de Toledo



“Alejandra (y otros temas becquerianos)”
Jesús Cobo
Almud Edciones.
Biblioteca Añil Literaria
Toledo, 2010




Julia Sáez-Angulo


Toledo, su mitología, magia y embrujo no podían pasar desapercibidos a un escritor de leyendas maravillosas como Gustavo Adolfo Bécquer (1836 – 1870). Ahora Jesús Cobo (Toledo, 1946) publica en una serie de pequeños ensayos sobre esta relación del poeta romántico con la Ciudad Imperial, en lo literario y en lo personal, así cómo sus relaciones con Alejandra, el último amor del vate.

La figura de Bécquer, tan estudiada por los escolares y poetas españoles e iberoamericanos es continua fuente de mira literaria como fue la novela “El poeta sin párpados” de la escritora Lourdes Ventura o la obra teatral del dramaturgo Manuel Muñoz Hidalgo “El poeta y la bruma”, que se puso en escena en el bello teatro de cámara de Alcalá de Henares.

Los nombres femeninos en torno al escritor Bécquer son varios: “Julia Cabrera, su novia sevillana; Elisa Rodríguez Palacios, frustrada novia madrileña; Josefina Espín, hermana de Julia, y, tal vez amiga y confidente de Bécquer; Casta Esteban, esposa del poeta, con quien se caso en mayor de 1861, y Elisa Guillén, invento pintoresco y travesura literaria, que no pasó de ser una curiosa contribución imaginaria de un exaltado becquerista”, se dice en la Introducción. Alejandra como nombre sin más “ha venido flotando como una nube indescifrable, sobre el recuerdo de los últimos años del poeta”, se añade.

Polémica apreciación del poeta

“La difusión y permanencia de las obras de Bécquer han parecido siempre sorprendentes” se dice al comienzo del libro. “Guillermo García-Plaja en la introducción a una antología de Bécquer, le consideraba como el más asombroso caso de supervivencia poética de nuestro tiempo”.

No es que coincida en las apreciaciones y juicios de Cobo sobre el poeta romántico, a quien en ciertos momentos minusvalora, casi como don Juan Valera que calificó a Bécquer de romántico menor. El vate sevillano toma elementos de la oralidad del pueblo para devolver a la fuente su elaboración literaria, algo así como hiciera García Lorca en el “Romancero Gitano”, al que Alberti también reprochó sus raíces populares (el propio Alberti también las tiene si se rastrea en su prolífica obra).

El libro de Cobo habla de las primeras visitas de Bécquer a Toledo, de los tiempos tranquilos de la familia en aquella ciudad según narra Julia, con sus gratas comidas campestres y las alusiones a distintos lugares y fechas, que nutren al poeta sevillano para su escritura.

El recorrido del visitante o turista por Toledo permite ver algunas placas en las que se recuerda los lugares donde Bécquer sitúo determinadas leyendas.




La Colección Clark se expone en diversas ciudades europeas en un gran tour






Julia Sáez-Angulo



“Arte en la Naturaleza” es el contenido de la gran exposición de pintura procedente del Sterling y Francine Clark Art Institute , de Williamstown (EE.UU.), que comprende un buen número de pinturas del siglo XIX, principalmente impresionistas con autores como Renoir, Monet, Manet, Pizarro o Berthe Morisot. El palacio real de Milán será el primer lugar de exhibición de las 73 obras previstas, del 2 de marzo al 19 de junio, seguido de CaixaForum en Barcelona. El catálogo se publicará en cinco idiomas.

En la presentación a los medios informativos estuvieron: Richard Rand, comisario de la exposición y jefe de Conservación de Pintura y Escultura de The Clark; Tom Loughman, subdirector de The Clark; Domenico Piraina, director Palazzo Reale; Diego Candil, director del Musée de Impressionnismes; Isabel Salgado Gispert, subdirectora del Área de Cultura de la Obra Social/Fundación “la Caixa”; y Margaret Rennolds Chace, de Skira Rizzoli, editora asociada del catálogo.

El tour europeo que llevará a cabo la colección durará año y medio y Barcelona será en España la ciudad que exhiba la muestra, puesto que la Fundación Thyssen ya mostró al público madrileño buena parte de estas obra en la exposición sobre el Imprsionismo. La colección Clark cubre todos los movimientos franceses del XIX, con Corot, pre- impresionista y seis Monet, además de representantes de la escuela de Barbizón como Rousseau o Millet, seguidos de los post-impresionistas como Gauguin o Bonnard, más decorativos. Más de 30 obras de Renoir dan el grueso de la muestra.

El Sterling y Francine Clark Art Institute, situado en un lugar paradisíaco, es una institución abierta al público para contemplar la colección y de aprendizaje y debate sobre el arte para estudiantes y expertos. El ambiente del Clark Art Institute es hogareño y las obras se muestran en grandes salones con chimeneas, alfombras, pianos...

Los coleccionistas fueron una pareja entusiasta del arte: el marido por la pintura renacentista en un principio, y la esposa por la francesa impresionista, hasta convencer a su conyuge. En 1940 la colección Clark del matrimonio de americano y francesa ya estaba formada. En 1955 se inauguró el Instituto como un gran acontecimiento local- el señor Sterling Clark no gustaba de la prensa- y en 1956 falleció. Su esposa moriría al año siguiente.

Los grandes mecenas de los impresionistas



Sin los grandes marchantes norteamericanos, el impresionismo no se hubiera desarrollado tanto como lo hizo. De alguna manera “los americanos han creado el impresionismo”, se dijo en la presentación del tour europeo de la colección Clark. Pese a todo no respondieron a la pregunta de si hay más cuadros impresionistas o están los mejores en los Estados Unidos. André Malraux, ministro de Cultura con De Gaulle, prohibió la salida de obras impresionistas de Francia, por miedo a que los americanos esquilmaran la veta.

Nadie duda del éxito de la exposición, ya que el impresionismo atrae al gran público como la miel a las moscas. No se arriesga nada cuando se expone este movimiento, ya que el éxito está asegurado y a él se agarran algunos museos como el Thyssen, que buscan la gran afluencia de público por encima de todo, sin arriesgar muestras novedosas.











Convento de las Capuchinas, una joya artística y sagrada en Palma de Mallorca



Joan Oliver i Torrents



Palma de Mallorca. Hoy me apetece caminar por la “part baixa” de mi ciudad.
Rambla dels ducs de Palma de Mallorca, paseo tapizado de hojas, floristas que nos obsequian con colores y perfumes, bellos edificios, tapia del Convento de Santa Magdalena, Iglesia y Convento de Santa Teresa de Jesús, construcción de 1624, y, gracias a la caída de las hojas, luz, mucha luz.

En un receso me paro en la bodega La Rambla, de imborrables recuerdos infantiles por ir acompañados de mis padres. Hoy sigo deleitándome con sus inmejorables tapas.

Por la calle de Can Oliva me encamino a “Les Caputxines”. De no haber algún que otro coche parecería que estos momentos fueran vividos por antepasados míos hace cien, doscientos o trescientos años, que seguro recorrieron estas mismas calles. ¡Que experiencia volver a revivir lo vivido hace tantos años¡

El Convento y la Iglesia de las Capuchinas ocupan una manzana irregular rodeada por las calles de las Capuchinas, de Can Pinós, de Can Oliva y de Can Jaquotot que acaba en una placeta, antes llamada “sa conqueta de ses Capuxines (*)”, en la que tienen la entrada principal.
Isla de oración y recogimiento donde un grupo de mujeres, elegidas por Dios, dedican sus vidas a orar por nuestras almas y las suyas propias. Es su antesala a la eternidad.

Antes de adentrarme, en este hogar de Dios, me he recreado con las fachadas de las “casas-palacio” de Can Fuster, Can Morell (antigua Can Montaner o Cal Reguer),
Ca n’Oneille, Can Aixertell, Can Pinós, etc. ¡Que estética, que belleza, que sobriedad! Cuántas vidas, cuántas historias, cuánto lujo encierran estas paredes.

El monasterio de la Purísima Concepción de clarisas capuchinas de Palma de Mallorca,
les Caputxines, fue fundado por Teresa María Gómez de Sanabria y Ponce de León (Granada, 1624-Ciutat de Mallorca, 1705).
Al casarse con Don José de Bayetota, oidor de la Real Sala de Zaragoza, se traslado a dicha ciudad. A los pocos meses enviudo.
Se caso, por segunda vez, con Don José de Torres Pérez de Pomar y Mendoza, nombrado en 1644 virrey de Mallorca.
En 1647, después de volver a enviudar, profeso en el convento de capuchinas descalzas de Nuestra Señora de los Ángeles de Zaragoza, tomando el nombre de sor Clara María. Llega a Mallorca acompañada de sor Dionisia Bernarda Gómez y sor Clemència Camporells.
Para la redacción de las constituciones del monasterio siguieron el modelo del de Zaragoza.
Sor Clara María y sor Dionisia Gómez fueron alternándose, como abadesas del monasterio, hasta el 1705, fecha del fallecimiento de la primera. Sor Dionisia fue reelegida hasta su muerte, 1719. A las dos les cabe el honor de haber fundado, edificado y engrandecido el monasterio y la iglesia que hoy comentamos.

La edificación del monasterio es de 1668 y 1720. La iglesia entre 1687 y 1695.
Antes de su actual domicilio probaron en la calle de San Miguel y en la de
Monti-Sión. Don Antoni Núniç de Santjoan les legó unas casas cerca de la parroquia de San Jaime, donde se trasladaron en 1668 después de unas reformas necesarias. Hasta disponer de la actual isla tuvieron que ir comprando, poco a poco, diferentes edificaciones con la ayuda de benefactores.

Todo el conjunto arquitectónico es reflejo de la vocación religiosa que se vive en su interior; recogimiento para la oración y austeridad franciscana siguiendo las enseñanzas de San Francisco de Asís. Estancias para encontrar dialogo y unión con Dios.

Espacios interesantes: Sacristía grande, donde encontramos una imagen de marfil hispanofilipina de la Purísima, custodia mayor de plata (1725-1737), mobiliario litúrgico, platería sacra, etc. Sacristía interior, con mobiliario original y suelo de baldosas de principios del siglo XVIII. Refectorio, mobiliario y decoración de época, obra maestra son sus bóvedas de piedra, cuadro de la Santa Cena. Claustro, de trazado irregular principios del s. XVIII con cuatro galerías y arcos carpaneles, muy íntimo y suficiente. Sala Capitular, austerísima, embellecida con pinturas del convento y retratos de abadesas del convento. La Iglesia, del modelo barroco de planta de cruz latina cubierta con vuelta de medio cañón y cúpula sobre el crucero. El templo fue bendecido el 25 de agosto de 1695 por Don Pedro de Alagón y Cardona (Caller, Cerdeña) arzobispo de Mallorca. Uno de los grandes prelados que ha tenido Mallorca
-reformista-. Retablo mayor (1775-1780) de estilo barroco con la Purísima, san Francisco y santa Clara, atribuido al pintor Joan Muntaner i Cladera (1744-1802). Huerto, con varias plantas originales y la tapia más alta de Mallorca, Cantina del pozo, lugar donde se guardaban los víveres y líquidos necesitados de frescor. Lavandería, con lavaderos, aljibe, tinas, etc. Habitación del planchador y de la celda, donde se muestra el mobiliario de las antiguas celdas, el planchador y muestra de planchas de hierro, vidrio, madera y piedra. Etc.

Patrimonio conventual; Frontales de seda bordados con piezas que van del siglo XV al XVIII. Manto de la Virgen del Pilar del siglo XV. Mobiliario que las fundadoras aportaron, mobiliario participado por las monjas al ingresar, o el regalado por familias benefactoras, etc. La riqueza del mismo no es por su calidad, sino por pertenecer a una comunidad de espíritu franciscano de pobreza y humildad. Es un muestrario del mueble mallorquín que con los siglos poco ha cambiado.
Belenes. La gran devoción hacía el nacimiento de Jesús y la plástica del Belén nos ha dejado una importante colección que podemos admirar en época navideña. Conjuntos barrocos de los siglos XVII y XVIII, y otros del XIX, nos acercan al perfeccionismo artesanal en la talla, la madera, la tela, las colas, el barro, los colores, etc. Infinidad de belenes de vitrina, y, destacando, en la sala de labor, un Belén de grandes dimensiones instalado todo el año, con profusión de figuras colocadas a modo de teatro, en el que no falta detalle paisajístico ni ambiental. Se cierra con dos grandes puertas (4X3,3) de tela pintada con motivos de la Navidad y la huida de Egipto. Se inició hacía 1710. Algunas figuras, se cree, son del siglo XVII. Los Reyes Magos miden entre 70 y 80 cm. San José 1,1 m, y la Virgen 1 m., el Niño Jesús 40 cm. A partir del uno de enero el Niño cambia su cuna por un trono, norma aceptada en la isla. En contraste con la pobreza de la comunidad religiosa, el Betlem poseía gran cantidad de joyas donadas por familias bienhechoras. En 1937 fueron entregadas, en su mayoría, en una suscripción patriótica durante la guerra civil.
La sala del Betlem es centro elegido para la celebración de distintas celebraciones religiosas desde su fundación, enmarcadas dentro del ambiente navideño. Es devoción de las monjas hacia el Misterio de la Natividad.
Otra de las joyas belenistas es el llamado “Naixament de les Fundadores”, de mediados del siglo XVII. La Virgen y San José de 50 cm., y el Niño, de 16 cm. puesto en una magnífica cuna dorada de 28 cm. (En la Iglesia del Crist de la Sang, Hospital General, podemos admirar el Belén del Convento de Jesús del siglo XV, considerado el más antiguo de España. Se cree es de procedencia italiana)
Etc.

La restauración y conservación del edificio y del patrimonio artístico, Bien de Interés Cultural (BIC), precisa sumas de dinero que las religiosas no pueden aportar. A través del Obispado se ha comisionado a Aina Pascual Bennasar y Jaume Llabrés Mulet para el proyecto museístico y de rehabilitación de les Caputxinas. Conseguir tal logro es un trabajo vocacional muy de agradecer. Organizan y montan, anualmente, la exposición de belenes, publican libros monográficos, de los que me he valido para este escrito (**), exposiciones, conciertos, conferencias, etc. Todo, con el fin único de conseguir medios económicos que les permita mantener tan sentido y original patrimonio, para nuestro presente y el de futuras generaciones. Todas las ayudas que reciban serán agradecidas y bien empleadas.

(*) Conqueta: confluencia de calles.
(**) Els betlems de les Caputxines, El franciscanismo a Mallorca, Tres segles d’arts sumptuaries a Mallorca (s.XVII-XIX), L’Âmbit Femení en els segles XVII i XVIII del Palau al Convent, etc.


lunes, 31 de enero de 2011

Arte Africano, Espléndida Exposición en el Teatro Fernán Gómez



“África, Objetos y sujetos”
Comisarios: Francisco de Santos y Salvador Nadales
Teatro Fernán Gómez. Centro de Arte
Del 27 de enero al 1 de mayo de 2011
www.cajastur.es
Entrada gratuita




Julia Sáez-Angulo


Se dice que África es el continente madre del hombre, el solar de sus orígenes. El Ayuntamiento de Madrid y Cajastur nos brindan una espléndida exposición titulada “África, Objetos y sujetos”, que antes estuvo en el palacio de Revillagigedo de Gijón. Un total de 53 obras de artistas africanos que contrastan su trabajo con la tradición del formidable arte tribal del continente hasta sumar 173 objetos. Los artistas Leandro Mbomio y Sandou Dickou estuvieron presentes.

De 25 países se despliegan piezas procedentes de 56 grupos étnicos, contextualizados con fotografías o retratos antiguos y actuales que ilustran la cultura de los diferentes etnias. Máscaras, esculturas, cuadros, fotografías... una manera de expresar una vida y una estética. Francisco de Santos y Salvador Nadales son los comisarios y Mora Apreda, directora del Teatro Fernán Gómez hizo la presentación.

Pedro Ramos ha sido el artífice del excelente montaje que se abre con una cruz etíope y termina con una pieza islámica; entre medias piezas que hablan de las creencias animistas, en un recorrido en que “ideas y creencias” como día Ortega y Gasset van imbricadas. La muestra se articula siguiendo un orden geográfico y cultural que abarcan la geografía de África oriental, central, ecuatorial, meridional y occidental.


Erradicar estereotipos

“Se trata de un proyecto sincero y comprometido para erradicar estereotipos”, dijo Cesar Menéndez, representante de Cajastur. “A través del objeto, se descubrirá el sujeto”. Se trata de un arte de poblaciones comprometidas con su futuro, piezas procedentes del Quai Branly de París; el Museo Etnológico de Berlín; los museos de antropología de Lisboa y Coimbra; el museo IFAN de Dakar; el Museo Antropológico Nacional y el MNCARS, ambos de Madrid; los museos de Tervuren y de Neuchatel, y grandes colecciones como la Pigozzi, la Brancilini-Grimaldi, de Florencia, y emblemáticas galerías como Oliva Arauna de Madrid; la Momo Gallery de Johannesburgo; Kuckei + Kuckei, de Berlín y otros.

Francisco de Santos resaltó la dignidad con la que la población africana humilde y sobria es capaz de posar ante la cámara de Angèle Etoudi, por ejemplo. La ironía de los cuadros de Chèri Samba es otra aportación valiosa de la muestra. Dickou, “ladrón de sombras” mostraba un gran mural de fotos sobre la sombra de personajes en un paisaje fronterizo para eliminar la apariencia. Hay 24 artistas vivos exponiendo, de los que 9 son mujeres. Nelson Mandela figura con dos piezas. Una proporción razonable en el panorama comparativo habitual. Hay artistas emergentes de menos de 40 años.

Interesante el alfabeto Beté de 428 pictogramas, con fonemas y sonidos. Piezas que hablan del genocidio de Ruanda, de rituales ante la muerte de un hermano gemelo; objetos con los clásicos cauris... En suma una gran exposición abarcadora del telúrico continente africano.




“Encontrarás dragones”, una película apasionante del director de “La Misión”




L.M.A.


El próximo 25 de marzo se estrena en España la película 'Encontrarás dragones' sobre la vida de San Josemaría Escrivá y otros personajes.

El título, “There be Dragons”, hace referencia a la antigua expresión cartográfica latina Hic sunt dracones, que se empleaba para señalizar lugares de peligro o desconocidos y se refiere a la exploración que la película hace sobre los desconocidos territorios del odio, la culpabilidad y el perdón.

Es un drama histórico escrito y dirigido por el director británico Roland Joffé, conocido por títulos como “La Misión” y “Los Gritos del Silencio”. La película, ambientada en la época de la Guerra Civil Española, entremezcla las historias de soldados revolucionarios, un periodista, su padre y un personaje real, el sacerdote católico Josemaría Escrivá, fundador del Opus Dei.

La película está protagonizada por Charlie Cox, actor londinense que trabajó en películas como "El Mercader" y "Casanova", en el papel de Josemaría; y Wes Bentley ("American Beauty") como su amigo Manolo. Dougray Scott ("Dr. Jekyll y Mr. Hyde" y "Mujeres Desesperadas") interpreta a Robert, el periodista, hijo de Manolo. Olga Kurylenko ("Quantum of Solace") asume el papel de Ildiko, una joven húngara que se une a las Brigadas Internacionales. Rodrigo Santoro (Xerxes en "300") interpreta a Oriol, el joven revolucionario que dirige la Columna de Hierro.

Puedes ver el trailer de la película en:
http://cine3.com/2011/01/25/there-be-dragons-primer-trailer/

domingo, 30 de enero de 2011

Alfonso Sebastián prepara exposiciones en Madrid y Marsella para 2011




Julia Sáez-Angulo


Alfonso Sebastián es un artista consagrado a la pintura desde su juventud. Dada su formación, no sólo pictórica sino de arquitecto técnico, ha llevado a sus óleos la representación de numerosos monumentos histórico-artísticos como fachadas de catedrales, iglesias, claustros... que conforman una serie intensa, arriesgada y misteriosa. Actualmente prepara una gran exposición para la sala del Colegio de Arquitectos de Madrid, que tendrá lugar a mediados del próximo mes de mayo.

El paisaje ha sido uno de los géneros que ha cultivado con amplitud y en sus cuadros ha reflejado vistas de viñedos de La Rioja; tierras del norte, sobre todo de Asturias, campos toledanos... El cromatismo de cada lugar refleja su propia poética.

La Tauromaquia es otro apartado de interés para el pintor, ya que es un gran aficionado a la fiesta de los toros. En la célebre “Peña del 7” ha expuesto cuadros con representaciones de toros y toreros. La fuerza de sus imágenes taurinas con los colores de los capotes ha sido muy aplaudida por la crítica.

El retrato de personajes del mundo de la empresa, la política, el toreo y la cultura constituye otro capítulo importante en la trayectoria artística de Alfonso Sebastián (Torrijos. Toledo, 1941). Con sólo retratos llevó a cabo una exposición monográfica en el palacio renacentista de Don Pedro I, en su localidad natal de Torrijos, que tuvo un gran éxito.

Propietario del Torreón de Atocha, un edículo circular en lo alto de un céntrico edificio madrileño, frente a la plaza de Atocha y al Museo de Arte Contemporáneo Reina Sofía, Alfonso Sebastián ha convocado un certamen de pintores taurinos en los que han participado numerosos artistas, entre ellos el propio convocante.

“En la pintura se busca el misterio que late tras el color, que late detrás de las cosas”, dice el artista, que fue seleccionado en 2002 para el Salón de los XIII en Madrid.

Actualmente, Alfonso Sebastián prepara una serie de óleos sobre los cielos y nubes de Toledo.

EL ESCULTOR JUAN MORAL EN LA UNIVERSIDAD COMPLUTENSE DE MADRID


L.M.A.


El pasado miércoles día 26, dentro del Seminario anual de Iconografía de la Facultad de Geografía e Historia de la Universidad Complutense, tuvo lugar la conferencia impartida por la Prof.ª Dra. Dolores Gallardo López, que contó con la presencia e intervención del escultor jienense Juan Moral. El seminario ya va por su XVIII edición.

En la foto aparece el escultor Juan Moral entre Dña. Pilar González Serrano, fundadora de este seminario y Dña. Isabel Rodríguez, actual directora.

La presentación de escultor y conferenciante fue hecha por la directora del Seminario, Prfª. Dra Isabel Rodríguez López.

La conferencia versó sobre de la parte de la obra en la que Juan Moral, dentro del lenguaje plástico que le es propio, pasa revista a diversos momentos del pasado de nuestro legado cultural.

La novedad de este acto consistió en que el autor, el consagrado escultor Juan Moral, estuvo presente y contestó en la segunda parte del acto a las numerosísimas preguntas que los asistentes le hicieron.

La exposición estuvo dividida en tres partes

En la primera se mostraron imágenes de las obras de Juan Moral que tienen como referente la Mitología Griega.

La segunda se mostraron las obras en las que el escultor rinde homenaje a artistas señeros del Renacimiento italiano y español.

Cabe destacar que, por especial delicadeza del autor, las imágenes de las obras que componen la serie Homenaje al Ranacimiento fueron “presentadas en sociedad” y exhibidas en público por primera vez en este acto de la complutense

La serie Homenaje al Renacimiento, últimas obras creadas por Juan Moral, ocupan un bello espacio en el Museo al aire libre que el artista tiene en su finca El Olivar, cercana a Madrid.

En la tercera parte de la conferencia se presentaron y explicaron algunas de las obras de la serie Estelas íberas, entre ellas De Cástulo a Iliturgi -que representó al arte español actual en el Kennedy Center de Washinton – y Tutugi viaja a oriente, obra que también fue representante de España, en este caso en el Museo de Bellas Artes de Pekín.

Entre la numerosa concurrencia, además de alumnos y doctorandos, se encontraban la crítica de arte y vicepresidenta de la AMCA (Asociacion Madrileña de Críticos de Arte) Dña Julia Sáez Angulo; los profesores de la Complutense Dr. D. José Jiménez, Dras Alicia Esteban, Mercedes Aguirre, y Cristina Delgado, además de la directora del Seminario, Dra Isabel Rodríguez; la mezzo soprano Carmen Lominchan, la arquitecto Idelma Cano, el actor y fotógrafo Alejandro Arroyo, D. Miguel Angel Mártinez, etc.

Como ha quedado dicho, los asistentes aprovecharon la oportunidad que la presencia del autor les brindaba e hicieron numerosas preguntas, tanto en el propio acto como en el posterior café que profesores y asistentes compartieron con el escultor en el bar de profesores.
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Carlos Boix expone en Madrid por primera vez



pintura de Carlos Boix


Dolores Gallardo López

Artista cubano-sueco con orígenes catalanes –uno de sus abuelos era catalán- Carlos Boix lleva poco tiempo en Madrid y por primera vez expone en la capital de España. En el Centro Cultural Pérez de la Riva de Las Rozas, en la sala Maruja Mallo. Es obra reciente, de los años 2009 y 2010.


La exposición la conforman una treintena de obras, una visión surrealista de paisajes urbanos y playeros en la que lirismo y metáfora se unen para reinterpretar el mundo que nos rodea.

Las diferentes imágenes se mezclan y cambian sucesivamente. En ellas, como habitual en este pintor, se muestran los excesos de la sociedad de consumo pero siempre con la mirada entre irónica y cínica de quien reconoce que estamos en una carrera imparable de alocado consumismo…que nadie sabe hacia donde nos va a conducir.

El pintor, con mucha ironía e innegable humor, se limita a exponer este hecho en su obra y, como en la presentación dijo el escritor canario J.J. Armas Marcelo, “hay que saber leer en sus cuadros”.

En efecto en ellos se mezclan de forma aparentemente incongruente -pero NO inocente- imágenes, símbolos, vínculos y algunas palabras.

Metáforas que en principio crean estupor y sorprenden al espectador, por eso hay que “leer sus cuadros”. Y es muy posible que el espectador no avisado, sorprendido por la multitud de imágenes que contempla a la vez, no lo consiga en una primera visita.

Claro queda el consumismo desaforado y sin sentido en obras como Hot Love y en la serie de su moderna versión del Arca de Noé, especialmente en la obra Noah de 173 por 203: en ella aparece a la derecha del espectador la mano que acumula dentro del Arca todo tipo de objetos del moderno consumismo.

Menos claro resulta, quizás, en las imágenes, nunca inocentes, de obras como Raining Cats & Dogs, Touch and Go y algunos otros.



Finalmente deseo resaltar que en esta exposición, además de la lectura irónica general del desaforado consumismo actual, también están presentes (ignoro si de forma intencionada o casual, pero ciertamente REAL) las referencias a las dos corrientes del pasado en las que se basa toda nuestra cultura occidental: por un lado la del mundo clásico grecolatino y por otro el judeo- cristianismo.

Dentro de la primera encontramos obras como La ducha de Venus con todo tipo de artilugios excesivos y modernos… pese a lo cual no deja de ser una versión postmoderna de la Venus anadiomene, cuya larga andadura en el Arte conocemos desde la época del clasicismo griego hasta el día de hoy. O El Baño de Dánae.

En la segunda corriente cabe destacar The Miracle of the five Loaves and two Fisch, además de las ya menciona serie Noash´s Ark.

En definitiva una exposición llena de referencias que hay que “leer” cuidadosamente. Se puede visitar desde el 26 de enero al 2 de marzo.


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