sábado, 19 de diciembre de 2009

Juan Vida Romeu, Conciertos de música sacra en Navidad



Julia Sáez-Angulo

Juan Vida Romeu ha dirigido en Navidad diversos conciertos de música sacra y villancicos en distintas iglesias y colegios de Madrid, bajo el patrocinio del Ayuntamiento de la Villa y Corte. Bajo su batuta han interpretado las corales Jácara y El Madroño en la parroquia del Santísimo Sacramento y en la basílica de Atocha respectivamente.

Vida Romeu, director musical, docente y conferenciante ha recibido el premio al Mejor Director Musical Sinfónico en la ceremonia de los Premios Anuales de Teatro y Bellas Artes en la capital de España. Su trayectoria musical se ha llevado a cabo en distintos ámbitos como la catedral castrense, la iglesia de los Jerónimos, la del Perpetuo Socorro y otras, así como en Televisión Española o el Teatro Real.

Además de la dirección musical y de orquesta, Juan Vida interpreta el piano, el acordeón y el saxo.

Treinta voces de la Coral Jácara

La Coral Jácara, compuesta por 30 miembros, cuenta en su repertorio con temas del Renacimiento, Barroco y Romanticismo en España, Alemania, Francia e Italia. Entre los tema interpretados en la Navidad 2009 destacan el “Wiegenlied” de J. Brahms; el “Aurtxo Seascan” del País Vasco; el anónimo “No a debemos dormir” y el castellano “Ya viene la vieja”, entre otros.

El próximo lunes, día 21 de diciembre Vida Romeu dirigirá un concierto de la Coral El Madroño en la Basílica de Atocha, a las 20 horas. Los temas serán sacros junto a algunos villancicos.

Juan Vida prepara también una coral de voces blancas, con niños de colegios madrileños.



Madrid se enriquece de conciertos durante las fiestas navideñas. Por su parte, la Asociación Cultural Navarra ha llevado a cabo, igualmentese su tradicional CONCIERTO DE NAVIDAD, a cargo del coro de cámara "Aizaga" de Pamplona, en la Iglesia de San Fermín de los Navarros.

viernes, 18 de diciembre de 2009

"Arte contra la meningitis", exposición de Pro Arte y Cultura en Caja Navarra



Tauromaquia de Mayte Spínola



Arte contra la meningitis
Grupo pro Arte y Cultura
Salas de Caja Navarra
Hasta el 28 de Diciembre 2009
Juan Bravo, 3. Madrid



Julia Sáez-Angulo


El Grupo pro Arte y Cultura ha realizado una donación de obras de 67 artistas de su agrupación para el proyecto científico del Doctor Casado, del Hospital del Niño Jesús, bajo el título de “Arte contra la meningitis”. La exposición con fines de venta en pro del citado proyecto tiene lugar en Caja Navarra en Madrid hasta finales de enero de 2010, con la colaboración de la Fundación Irene Megías contra la meningitis.

La organización y coordinación de la exposición se ha llevado a cabo por dos de las artistas participantes: Manuela Picó, Rosa Gallego, además de Carlos Navarro y Amalia Campos.

En el acto de la inauguración intervinieron con sus palabras Jorge Mejías, presidente de la Fundación CLM y la actriz Alicia Borrachero, junto a Manuela Picó.

El Grupo pro Arte y Cultura fue creado por Mayte Spínola y tiene una trayectoria de siete años durante los cuales ha creado varios museos de arte contemporáneo en Sofia (Bulgaria); Azuaga (Badajoz); Calviá (Mallorca) y tiene en perspectiva otro en el palacio de la Princesa de Éboli en Pastrana (Guadalajara).

Entre los artistas expuestos en “Arte contra la meningitis” se encuentran: Mayte Spínola; Linda de Sousa, Hilario Ranera, Maica Noïs, Elisa Mancini; Álvaro Torroba; María Robles; Hector Delgado; Ana Vivas; Paloma Porrero; Álvaro Alcázar; Sebastien Pérez; Pilar Sagarra; Lyane Katsuki; Gardenia Mayo; Raul Apausa; Marta Maldonado; Gómez-Acebo; Marina Gómez; Pedro Sandoval; Nati Cañada; Tomás Santos y otros.

Mayte Spínola con SAR doña PIlar de Borbón y el pintor Claudio Bravo

Donaciones de la Embajada Argentina y la Fundación Surikov

Por otra parte, la Embajada Argentina en Madrid, donó tres obras para esta exposición y su objetivo científico, así como la Fundación Surikov de pintura rusa, que donó igualmente una obra del artista ruso Aron Buj.

La exposición será itinerante por Pamplona, Marbella y otras ciudades.

Entre los invitados presentes: la directora de la Fundación Surikov, Dolores Tomás; la empresaria hotelera Consuelo Mas, que adquirió una de las obras; el abogado José Antonio Laguna y Rafael de Solís; la pintora italiana Anna Hamouda; el marchante de arte Christian Prevost; el pintor Juan Jiménez; Luisa María Arroyo, miembro de AIMA; Carmen Balmaseda, escritora;
Sol Durini, Ministro Argentina (Embajada Rep. Argentina en España);Marcos de Quinto, Presidente de Coca-Cola España y Portugal; Pedro Antonio García: Director de la Fundación Coca-Cola;Dolores Tomás, Presidenta de la Fundación Surikov.

También: Alberto Zapata,Director de la revista Vértice; Mayte Spínola de Barreiros,mecenas del Grupo Pro Arte y Cultura;Rosa Gallego, vicepresidenta de la Asociación Española de Pintores y Escultores;Liane Katsuki,presidenta de la Asociación Española de Joyas de Autor; Ana Luisa del Claux, segunda teniente de alcalde y concejal de Cultura de Villanueva de la Cañada. Ana Verde, directora general de la Federación Española de Museos de España y antropóloga-Conservadora del Museo de América y Jesús Martínez, presidente de la Federación Española de Agencias.





ARCOmadrid_2010 quiere dinamizar el mercado del Arte





Del 17 al 21 de febrero, la Feria de Madrid acogerá la 29º Feria Internacional de Arte Contemporáneo, ARCOmadrid_2010, lo que vendrá a significar una vez más la apertura de la temporada artística de citas internacionales. En esta ocasión participan un total de 227 galerías de 25 países y alrededor de tres mil artistas con propuestas que dibujarán las tendencias más destacadas del panorama artístico actual. Una edición que pone su acento en su programa invitado, protagonizado por primera vez por una ciudad, Los Ángeles, elegida por su vitalidad y pluralismo y por su peso como uno de los grandes focos artísticos de la escena mundial.

En un año en el que según todos los indicadores, el mercado del arte parece estar dando los primeros pasos hacia la recuperación, con un alza en las cotizaciones del 1'2% y una reactivación del índice de confianza de los profesionales de entre 20 y 40 puntos desde el pasado mes de marzo, según el Art Market Confidence Index (AMCI) elaborado por Artprice, ARCOmadrid representa una oportunidad para la dinamización del mercado. Un objetivo que ha movido el trabajo que se ha llevado a cabo desde la Organización, a cargo de IFEMA, así como de los distintos equipos de comisarios que han configurado el perfil de la Feria. Un perfil de calidad, en el que no faltarán algunos de los grandes nombres y figuras de panorama artístico, que sin duda moverán el interés de coleccionistas y compradores. En este sentido, la Feria está diseñando un importante programa de Coleccionistas internacionales que serán invitados a conocer la oferta artística que reunirá la muestra.

Los Ángeles, metrópolis del siglo XXI

Uno de los más significativos atractivos que encierra esta nueva edición de ARCOmadrid_2010 es la presencia de Los Ángeles, como ciudad invitada. Se trata de un giro en el concepto del programa Panorama, que traslada el foco de un país, como venía mostrándose en los últimos años, a una ciudad con el objetivo de retratar de forma más homogénea la vitalidad artística que concentra un determinado área que por sí solo constituye uno de los grandes centros del arte de Estados Unidos. Precisamente su dinamismo y diversidad creativa, sitúan a L.A. en los primeros puestos del mercado del arte mundial.

Con una selección de 17 galerías, comisariada por Kris Kuramitsu y Christopher Miles, la singularidad de Panorama: Los Ángeles vendrá de la mano de la selección de artistas de distintas generaciones, recorridos y proyección, y de sus producciones que se caracterizan por una gran diversidad en técnicas, género y expresión. Una selección que ha buscado ante todo mostrar de la forma más fiel la vitalidad y la diversidad del panorama artístico de esta gran ciudad. "Esta metrópolis del siglo XXI -según sus comisarios- disfruta de una cultura artística con una gran riqueza multigeneracional, en buena parte por la posición influyente que mantiene -desde hace décadas- su red de academias y escuelas de arte privadas, así como los departamentos de arte de las universidades públicas y privadas".

Programa General + ARCO 40

La sección troncal de la ARCOmadrid_2010, integrada por el Programa General+ARCO40, reunirá la selección de 170 galerías seleccionadas por el Comité Asesor, y confirmadas por el Comité Organizador, las cuales aportan propuestas que dibujan el panorama artístico mundial.

ARCO40, como segmentación del Programa General, propondrá dialogar con los discursos de los jóvenes creadores nacionales e internacionales. De esta manera, las galerías articularán las redes de la actual efervescencia. Fiel a sus señas de identidad, las salas seleccionadas mostrarán obras de un máximo de tres artistas realizadas en los últimos tres años en espacios fijos de 40m2. Un compromiso que concentra, dentro de la sección general de galerías, la producción artística más reciente que conquistará el interés del público y de los coleccionistas y compradores en la feria.

Programas comisariados

Junto al Programa General+ARCO 40, otro de los ejes de innovación de ARCOmadrid_ 2010 serán los programas comisariados: SOLO PROJECTS, EXPANDED BOX, CINEMALoop y PERFORMING ARCO que recogen las más recientes tendencias artísticas.

Sin fronteras geográficas ni artísticas, el consolidado espacio dedicado a los proyectos de un solo artista de ARCOmadrid traerá en 2010, de la mano de un equipo de 10 comisarios, una ecléctica selección de 34 proyectos, en los que confluyen las propuestas más emergentes y experimentales de la creación actual. Discursos con un alto nivel conceptual son la clave de esta nueva edición de SOLO PROJECTS, que busca interpelar y mostrar las sinergias de creadores procedentes de diversas latitudes, abrir un diálogo que parte de ámbitos de pensamiento muy diversos, y poner de relieve la riqueza de las investigaciones y preocupaciones de creadores contemporáneos en constante movimiento.

La selección ha sido realizada por Jacopo Crivelli Visconti, comisario independiente, Brasil; Juan de Nieves, comisario independiente, España; Sergio Edelsztein, director de The Center for Contemporary Art de Tel Aviv; Iván López Munuera, crítico y comisario independiente, Madrid; Shamim M. Momin, comisaria adjunta del Museo Whitney de Arte Americano; Adriano Pedrosa, comisario independiente, escritor y editor, Brasil; Susanne Neubauer, comisaria independiente, Alemania; Mª Inés Rodríguez, Comisaria Jefe del MUSAC (León) y Editora de Point d'Ironie, París, Francia; André Magnin, comisario independiente, París; y la rusa Olesya Turkina, crítica y comisaria de exposiciones, además de senior Research Fellow en el Russian State Museum de San Petersburgo, Rusia.

Así mismo, un año más, ARCOmadrid_ 2010 abre, bajo el programa EXPANDED BOX, las creaciones de artistas que utilizan para sus obras las técnicas más innovadoras; nuevas tecnologías y herramientas digitales al servicio de la creación. El protagonismo de la incorporación electrónica al arte podrá constatarse a través de los ocho espacios que compondrán el programa EXPANDED BOX, comisariado por el crítico y comisario italiano Domenico Quaranta, especialista en arte digital y en red, y patrocinada por BEEP_Data logic..

El género de la performance contará, por tercer año consecutivo, con un espacio para la interpretación, patrocinado por Mango. A través de la selección del asesor artístico de PERFORMING ARCO, Javier Duero, el público podrá acercarse a la presentación de diversas actuaciones en vivo que transmitirán a sus espectadores las principales tendencias de las artes performativas que se están desarrollando en el panorama nacional e internacional.

Completa el círculo otra de las propuestas comisariadas más innovadoras de este año: CINEMALoop, un espacio dedicado de forma específica al videoarte y las instalaciones audiovisuales. Seleccionado por los comisarios independientes, Carolina Grau y Paul Young, este monográfico, coordinado por primera vez con LOOP, Feria y Festival Internacional de Videoarte de Barcelona, representa la consolidación del discurso del vídeo en el programa expositivo del certamen. La propuesta de CINEMALoop se desplegará en tres modalidades. Una será de instalaciones de vídeo, en la que participan tres galerías europeas; otra consistente en la proyección en bucle en un auditorio de distintas piezas de videoarte; y, en último lugar, la muestra de vídeos a través de diversas pantallas individuales que los espectadores podrán escoger.

Otras presencias

La oferta de la feria se completará con la sección ARCO Instituciones, destinada a promover y apoyar el conocimiento de aquellas entidades públicas o privadas implicadas en el hecho artístico, a través del coleccionismo. Asimismo, los visitantes encontrarán el tradicional espacio destinado a publicaciones de arte y pensamiento en especial de arte contemporáneo, que englobará un importante número de Editoras y Revistas.

Como espacio de debate y contextualización teórica, se celebrará la octava edición del Foro de Expertos que, reunirá a reconocidos profesionales, artistas, editores y teóricos del mundo del arte en torno a los temas que hoy marcan la actualidad de este sector. Un programa que completará las distintas dimensiones de la Feria Internacional de Arte Contemporáneo, ARCOmadrid_ 2010, un certamen imprescindible para conocer y disfrutar la escena del arte contemporáneo.

jueves, 17 de diciembre de 2009

José Carlos Balanza, singular exposición titulada "Es Lógico"

José Carlos Balanza, “Es Lógico”
Sala Amós Salvador
c/ Once junio s/n
Del 17 de noviembre al 10 de enero de 2010
Logroño, La Rioja


J.S.A.


Ha sido uno de los artistas seleccionados recientemente para exponer en el Museo Würth; ahora José Carlos Balanza lo hace en la Sala Amós Salvador de Logroño, dentro del programa Cultural Rioja, una singular muestra de su quehacer artístico bajo el título de “Es Lógico”.

Miguel Fernández Cid dice en el catálogo de la exposición que “tiene el perfil del artista que inquieta y descoloca: por su manera controlada de llevar las obras y con el giro con que suele cerrarlas. Balanza es autor de una obra de apariencia densa, dura, drástica, pero con un atractivo fondo de diálogo, de debate. Ni quiero ocultar mi sintonía hacia buena parte de las acciones que motivan sus proyectos, ni puedo negar que la atracción que siento hacia sus obras crece cuando lo que analizo son sus fragmentos, sus detalles, sus matices”.

“Los objetos de arte –con la palabra “objetos” quiero precisar la “materialidad” de la obra de arte como resultado “tangible” de pensamiento”, afirma José Manuel Balanza (Logroño. La Rioja, 1952). Su trabajo artístico participa de la pintura, la escultura, el dibujo, la fotografía, el video... en una situación límite.

El Dibujo sobre la piel

“Dibujo sobre mi piel lo entendido, no trazo las líneas incomprendidas; sólo lo obvio, lo que la distancia a lo mirado permite a la imaginación recrear el origen. De este modo lo obvio se confirma universal, y el dibujo aparece como un lugar donde puedo mirar”, declara el artista riojano, que cuenta con tres esculturas públicas en su tierra..

Los materiales que utiliza Balanza van desde el papel a la azulejería... “Borrar devuelve las cosas al saber” dice el autor en una inscripción de tiza sobre pizarra que recoge en un video con su propio sonido. Una pieza singular, interesante.

Balanza reflexiona sobre el arte de crear, sobre la lógica del pensamiento, sobre la materialidad/inmaterialidad de las ideas... Es el artista conceptual por excelencia, con el que vamos siguiendo un discurso de pensamiento que viene o va a la ora de arte que se muestra.

“No paro, sigo dibujando, con los pies, el trazado de mi vida”, dice Balanza al final del catálogo de la exposición en la Sala Amós Salvador.

Comunidad de Madrid, Programa de restauración de órganos

J.S.A.


La Comunidad de Madrid ha restaurado el órgano centenario del Santuario de Nuestra Señora del Perpetuo Socorro de la capital. Es uno de los cinco instrumentos rehabilitados dentro del Plan de Recuperación de Organos del Gobierno regional. El profesor Felipe López, musicólogo, concertista y organista titular, inaugura el órgano mañana viernes, 18 de diciembre, con un concierto. Patrimonio Histórico edita una monografía sobre la historia de este órgano romántico y el proceso de recuperación

La Comunidad de Madrid ha presentado la restauración del órgano centenario del Santuario de Nuestra Señora del Perpetuo Socorro, en Madrid, y mañana se inaugurará con un concierto a las 20.30 horas a cargo del profesor Felipe López, musicólogo, concertista de órgano y organista titular del Santuario. Este instrumento data de 1902 y está incluido en el inventario de bienes culturales de la Comunidad de Madrid. Su restauración ha supuesto una inversión de 287.500 euros entre 2005 y 2009, y se enmarca dentro del plan de recuperación de órganos del Gobierno regional.


El director general de Patrimonio Histórico, José Luis Martínez- Almeida, visitó hoy el órgano y presentó tanto su restauración como el monográfico que sobre esta actuación ha editado la Dirección General de Patrimonio Histórico. El libro aborda la historia de este instrumento, lo acontecido durante sus más de cien años de vida, incluidos los años de decadencia del órgano y el posterior proceso de restauración acometido por la Comunidad.

Construido en París en 1902 por la casa Merklin, este órgano se instaló en Madrid al año siguiente como donación del barón de Montevillena al Santuario de Nuestra Señora del Perpetuo Socorro. La pieza responde a la estética romántica francesa de finales del siglo XIX. Se trata de uno de los órganos más interesantes de España, por su tamaño, sonoridad y la elegancia de su mueble. La calidad de construcción de su tubería confiere a este instrumento una categoría a la altura de los mejores órganos románticos de Europa. Entre sus cualidades destaca el haber sido concebido como un órgano destinado a concierto, al disponer de tres teclados manuales y un teclado de pedales.

Contribuye a su importancia el hecho de que conserve toda su tubería original. Su sonoridad se ve realzada, tanto en el plano puramente musical como en el plano estético por estar emplazado en el interior de un edificio neogótico. Desde su instalación, el órgano ha tenido, en sus más de cien años de vida, una gran actividad musical como instrumento litúrgico y de divulgación cultural, utilizándose para autos sacramentales y montajes escénicos.

La caja del órgano es un mueble de estilo neogótico tallado en madera de roble macizo. Musicalmente es un instrumento de grandes recursos técnicos. Entre sus características destaca la sonoridad de los juegos, unidos a la redondez de la trompetería francesa.

Deterioro histórico y restauración mecánica

Debido a que el sistema de transmisión electro-neumático del órgano resultó ser precario y poco duradero, a lo largo de su historia se fue realizando toda una serie de intervenciones con el fin de mejorar y subsanar estos defectos producto de su diseño experimental. Dichas intervenciones, sin embargo, provocaron la pérdida de gran parte de su autenticidad sonora, lo que hizo necesaria una rehabilitación. La Comunidad de Madrid llevó a cabo la restauración sobre la mecánica, transmisión y viento; sobre la tubería y sonoridad y sobre el mueble que lo aloja. Finalmente, se realizó la entonación final y la afinación general del instrumento, devolviéndole su calidad musical.

Antonio López gana el Premio Penagos de Dibujo en la Fundación Mapfre


Antonio López ha ganado el Premio Penagos de Dibujo se otorga a la trayectoria de un artista vivo que en su carrera haya dedicado una especial atención al dibujo.

El Premio Penagos de Dibujo se crea en 1982 en memoria del famoso dibujante Rafael de Penagos (Madrid, 1889-1954), considerado como el más importante representante del movimiento de renovación que se produce en el campo de la ilustración gráfica española durante los años veinte y treinta.

Desde su creación, el Premio Penagos de Dibujo se sigue convocando anualmente y ha sido concedido a algunos de los más importantes artistas de nuestro panorama actual. A partir de 2008 el premio, que entra en una nueva fase, se otorga como reconocimiento a
la trayectoria profesional de un artista vivo de significación nacional o internacional, que dentro de su carrera haya dedicado una atención sobresaliente al dibujo.


Representante del Realismo Contemporáneo Español

Antonio López es uno de los representantes del realismo contemporáneo español. Su obra se caracteriza por un sentido investigador de la realidad y está considerado como el padre de la escuela hiperrealista madrileña. Su estilo ha influido en numerosos artistas. Desde joven demostró un gran talento con el dibujo, por lo que su tío Antonio López Torres, reconocido paisajista, le animó a dedicarse a la pintura. Desde entonces el dibujo estará muy presente en toda su obra.

Entre 1950 y 1955 estudió pintura en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando de Madrid. Una vez finalizados sus estudios, alternó su trabajo entre Tomelloso y Madrid. Es en esa época cuando realiza sus primeras exposiciones individuales (entre 1957 y 1961) en esta última ciudad.

A partir de 1957, su obra registra un cierto giro surrealizante: figuras y objetos que flotan en el espacio, imágenes sacadas de contexto que se relacionan de forma conflictiva empiezan a poblar sus cuadros. La veta fantástica se mantiene al menos hasta 1964 -todavía es muy perceptible en Atocha, terminado ese año-, aunque, desde 1960, pierde intensidad. Desde 1964 y hasta 1969 fue profesor encargado de la Cátedra de Preparatorio de Colorido en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando.

En los años sesenta y buena parte de los setenta su prestigio crece de manera silenciosa pero efectiva, exponiendo poco, pero con éxito cada vez mayor. Hasta los años ochenta las exposiciones individuales han sido escasas: París y Turín en 1972, y París, de nuevo, en 1977. En 1985 coincide su primera antológica en el Museo de Albacete con una retrospectiva en Bruselas en el marco de Europalia '85, que ese año se dedicó a España. Un año después, dos nuevas muestras en Nueva York y Londres son el pórtico de la gran antológica celebrada en 1993 en el Museo Reina Sofía de Madrid, definitiva consagración de una talla universal que estaba reconocida ya desde hace años.
Influencia de Salvador Dalí

Su obra está influida por Salvador Dalí, de quien tomó el gusto por la realidad y el predominio del dibujo sobre la pintura. Asimismo, en su estilo hiperrealista se identifican la temporalidad y el deterioro de lo material. Antonio López García es, en definitiva, un artista que busca, dentro de la realidad que lo circunda, los aspectos más cotidianos tratados con un enorme detallismo fotográfico como, entre otras obras maestras demuestra el cuadro Cuarto de baño.

En el año 1985 fue galardonado con el Premio Príncipe de Asturias; y desde enero de 1993 es miembro de número de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.


Miembros del Jurado

Los miembros del jurado de este premio son los siguientes: Presidente Alberto Manzano Martos, Presidente del Instituto de Cultura de Fundación Mapfre ;Vicepresidente: Pablo Jiménez Burillo, Director General del Instituto de Cultura de Fundación Mapfre .Vocales : Manuel Borja-Villel (Director del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía); Francisco Calvo Serraller (Catedrático de Hª del Arte y crítico de arte); Eugenio Carmona Matos (Catedrático de Hª del Arte); Juan Fernández-Layos Rubio (Vocal del Consejo Asesor del Instituto de Cultura de Fundacion Mapfre); Julián Grau Santos (Artista), Leandro Navarro Ungría (Galerista); Rafael de Penagos (Escritor); Guillermo Solana (Conservador Jefe Museo Thyssen-Bornermisza). Secretario no vocal: Daniel Restrepo Manrique. En esta edición no pudieron estar presentes Eugenio Carmona y Guillermo Solana.

miércoles, 16 de diciembre de 2009

Asociación Internacional de Mujeres en las Artes, 20 años de vida




Julia Sáez-Angulo


La Asociación Internacional de Mujeres en las Artes celebra el 20 aniversario de su fundación en Madrid, al tiempo que recuerda a su primera presidenta y fundadora, la escultora Pruden Sanz fallecida hace un año. La nueva presidenta, Rosa Moreno Hernández, declara que el objetivo de AIMA es ayudar y llevar a las mujeres artistas, especialmente a sus asociadas, al máximo reconocimiento de su arte.

En el seno de AIMA hay artistas de todos los campos: pintoras, escultoras, acuarelistas, compositoras, pianistas, fotógrafas, poetisas, rapsodas, intérpretes de Bel canto, etc. En la reunión celebrada recientemente con motivo de la Navidad y fin de año se encontraba, además de su presidenta: Pepa Serrano, poetisa y rapsoda que prepara su nuevo libro; Mar Díaz, acuarelista; Sofía Chu, maestra de caligrafía oriental; Carmen Rosés, cantante de zarzuela; Pilar Fernández, experta en Moda; Concha Moncada, pintora; Luisa María Arroyo, coleccionista; Candela Rojas, pintora y Carmen León, que expondrá en breve en la sede de AIMA en la madrileña General Pardiñas.

Para Rosa Moreno Hdez. queda mucho por hacer en favor de la mujer artista, como lo pone de relieve la actividad contestaria del grupo americano de las Gorilla Girls, que denuncian la baja presencia artística de las mujeres en los museos e instituciones, pese a su gran dedicación y alto rendimiento académico.

“Ahora todas las mujeres pintan, recriminan algunos hombres artistas. ¡Naturalmente! Han sido muchas las mujeres que han pintado a lo largo de la historia, pero sus nombres no podían aflorar porque la sociedad no lo permitía y camuflaban sus cuadros bajo el anónimo o el nombre de su padre o su esposo”, declara Rosa Moreno Hernández. “Hay que pensar que lo anónimo del pasado es de mujer”, añade.

“No olvidemos que la pintura la inventó una mujer, la hija de Plinio en Grecia, tal y como cuentan los mitos. ¿De qué se sorprende entonces?”, recuerda la presidenta de AIMA.

Presencia Internacional de AIMA

La Asociación Internacional de Mujeres en las Artes estuvo presente de modo activo en la Conferencia Internacional de la Mujer en Beijing de 1995 y en la Marcha Mundial de la Mujeres en Bruselas en 2000. Entre sus actividades está la de facilitar la expresión de las artes en su sede, así como la docencia y la exposición conjunta de obras como la que tuvo lugar en el Museo Fukuyama (Japón), junto a artistas japonesas en los 90.

Entre las socias de AIMA se encuentra la fotógrafa Maica Noïs; Carmen Egea Torre, escultora; Mª Isabel de la Oliva, especialista en óleo sobre terciopelo; Lola Catalá, acuarelista; Marisa Fernández Arderíus, pianista; Sigrid Grawert de Bruno, escultora y pintora o Rosa Moreno Moreno (Rosim), pintora, grabadora, ceramista.

El logo de AIMA, una mujer con una paleta, es de la pintora Teresa Poza.

Sabala y Fernando Martínez García en el Museo Würth de La Rioja

Museo Würth

DOS EN UNO . Sabala y F.M.G
Inauguración y cocktail: 21 de noviembre a las 20:00h.
Exposición del 22 de noviembre de 2009 al 21 de febrero de 2010
Museo Würth La Rioja
Pol Ind El Sequero, Avda. Cameros Pals 86-88
26150 Agoncillo
Tel. 941 010410 Fax. 941 010411
museowurth.larioja@wurth.es http://www.museowurth.es/





J.S.A.

La exposición Dos en uno presenta por primera vez en La Rioja la obra de los artistas Sabala y F.M.G, los dos nuevos artistas de los fondos de la Colección Würth España, a la vez que propone un pequeño recorrido por la carrera profesional de estos dos artistas plásticos desde sus inicios en los años 80 hasta la actualidad.

Elisabeth Sabala nació en Barcelona en el año 1956 y Fernando Martínez García (F.M.G) nació en El Ferrol en 1949. Se conocieron en la Universidad Central de Barcelona en el año 1980 cuando comenzaban la carrera de Bellas Artes. Previamente, Sabala había estudiado Diseño Industrial y F.M.G trabajaba como topógrafo en el Instituto Nacional de Topografía en Madrid. Desde entonces han dedicado su vida al arte siendo espectadores de excepción cada uno del crecimiento profesional del otro. Espectadores y actores, porque si bien la trayectoria artística individual de cada uno avala una personalidad plástica bien diferenciada, son compañeros de estudio (primero en Barcelona y ahora en Masdenverge, Tarragona) compañeros de vida, compañeros sentimentales y compañeros de aventuras y experiencias profesionales.

Representación del ser humano

Sabala es una figurativista convencida que le ha otorgado todo el protagonismo de su obra a la representación del ser humano en sus aspectos más triviales. En un momento en el que el panorama artístico ensalza el arte abstracto y conceptual concentrado en los grandes temas universales, Sabala sigue concentrándose en los pequeños defectos que nos acercan a lo colectivo y a lo humano. La progresión artística de Sabala transcurre, en un primer momento, de un periodo sombrío a otro vitalista y, más adelante, de la representación de personajes aislados (En el súper, Leyendo las historias de las historias de los cuadros) a la recreación de grandes concentraciones de sus peculiares individuos caracterizados en un sin fin de situaciones (El gran baile, Las Chicas del Coro). La obra de Sabala es vital y enternecedora, a la vez que mordaz y satírica: confronta a sus personajes en las más variadas situaciones captando, al mismo tiempo, la atención del espectador con una inusual yuxtaposición de colores que no busca armonía cromática, sino expresión y movimiento a través de la materia.

F.M.G es meticuloso, técnico y tendente a la introspección. Construye sus obras a partir de grandes superficies de colores planos que son activadas con dibujos y formas a medio camino entre lo onírico, lo abstracto y lo metafísico (Interacciones, Desde el Cielo, Mundo Interior). Sus piezas están compuestas a partir de la yuxtaposición de intensos rojos, amarillos y azules entre los cuales aparecen dibujos con gruesas líneas en blanco y negro. Sus formas son mínimas en su primera época, multiplicándose en un siguiente periodo en el que se disponen en la superficie pictórica como si estuvieran trazando una superficie topográfica (Mundo Fragmentado), y cediendo espacio en la época más reciente a representaciones cada vez más figurativas (Ella y el, Cariños). F.M.G sigue fiel a su propio proceso de introspección artística, independiente de los ritmos del mercado artístico y de sus modas, trazando los mapas de su propia geografía interior.

Una vocación de Antología

Dos en uno está compuesta por 17 piezas de Sabala y 18 de F.M.G. tanto de obra pictórica como escultórica que provienen de obras de la Colección Würth España y de colecciones privadas. En ambos casos, los espacios individuales comparten cierta vocación de antología, y muestran piezas de los años 80 y 90, mientras que el espacio compartido, la pasarela central de museo, se ha reconvertido en un puente entre la obra de ambos artistas, albergando la etapa más reciente como si fuese este periodo el momento en que existe un crecimiento paralelo de la obra de Sabala y F.M.G.

Si bien ambos artistas desarrollan la mayor parte de su carrera artística en la pintura, son interesantes los dos conjuntos escultóricos que se muestran en la pasarela central y que son el resultado de un proyecto artístico llevado a cabo por Sabala y F.M.G en el año 2004. Las obras se realizaron sobre troncos de madera recogida en el Delta del Ebro; los artistas se enfrentaron a la materia en bruto, descubriendo en las formas de las ramas y troncos su propio lenguaje artístico, y transformándolas en seres de sus particulares imaginarios artísticos sin transformar las formas originales de la madera.

Dos en uno se inaugura en el Museo Würth La Rioja el día 21 de noviembre de 2009 a las 20:00h y en ella se llevará a cabo un encuentro con los artistas. La exposición estará en curso hasta el día 21 de febrero de 2010. Durante estos tres meses las intrigantes formas de F.M.G trazarán las preguntas de los entrañables personajes de Sabala, y juntos llenarán de acción, vitalidad y color las salas del Museo Würth La Rioja.


martes, 15 de diciembre de 2009

Esperanza Aguirre inaugura la exposición de fotografías de Pierre Gonnord

Pierre Gonnord
Sala de Exposiciones Alcalá 31. Madrid
Desde el 17 de diciembre hasta el 28 de febrero de 2010

J.S.A.

La muestra descubre la reflexión del artista sobre la vida en entornos rurales y mineros de España y Portugal · Gonnord fue Premio de Cultura de la Comunidad de Madrid, en la modalidad de Fotografía, en la edición de 2007 .· La presidenta destaca su contribución al enriquecimiento cultural de Madrid, donde reside desde hace dos décadas

La presidenta de la Comunidad de Madrid, Esperanza Aguirre, ofrece a los madrileños la oportunidad de contemplar la obra de Pierre Gonnord, a quien considera “una de las figuras más importantes de la fotografía contemporánea española”. La muestra, Terre de Personne, que estará en la Sala de Exposiciones Alcalá 31, desde el 17 de diciembre al 28 de febrero de 2010, es el nuevo proyecto de Gonnord, Premio de Cultura de la Comunidad de Madrid en la modalidad de Fotografía en la edición de 2007.

“Su inconfundible sello creativo ha convertido a Pierre Gonnord en una de las figuras más importantes de la fotografía española contemporánea”, explicó Aguirre, y añadió que “su contribución al enriquecimiento cultural de Madrid, donde reside desde hace dos décadas, le hace merecedor de todo nuestro reconocimiento”. Además, la presidenta afirmó que “Terre de Personne” (“Tierra de Nadie”) es una serie de 38 fotografías inéditas con las que Pierre Gonnord retrata la vida rural del Norte de España (Galicia, Asturias y León) y de Portugal. En esta serie, por primera vez, Gonnord ha convertido el paisaje en protagonista de buena parte de sus imágenes, lo que demuestra su versatilidad como creador.

La visión del mundo rural de Pierre Gonnord, que incluye una especial atención a las cuencas mineras de Asturias y León, no va a dejar indiferente a nadie. Sus impresionantes retratos de mineros, tal y como salen de trabajar de los pozos, tienen las cualidades esenciales para convertirse en clásicos de la fotografía contemporánea. “Tenemos, por tanto, la suerte de mostrar las últimas creaciones de Pierre Gonnord a todos los madrileños, que han demostrado ser unexcelente público para la fotografía”, continuó Aguirre. Así lo confirmó, en esta misma Sala de Exposiciones de la Comunidad de Madrid, el éxito de la exposición monográfica de Annie Leibovitz del pasado verano, que tuvo más de 100.000 visitantes.

Rostro y mirada de personas en los retratos

Durante los últimos doce años Pierre Gonnord ha realizado retratos individuales de diversos colectivos en los que ha primado la singularidad del rostro y la mirada de la persona elegida y contemplada. El retrato, género predilecto de la fotografía, es el espacio único que ha utilizado Gonnord durante todos estos años, para acercarse a diversas comunidades de personas con rasgos compartidos. De esta manera, al fotografiar a un individuo es capaz de fotografiarlo en su doble dimensiónde persona y de ser perteneciente a un clan o a un grupo.

Este proyecto consta de 37 obras inéditas de Gonnord: 19 retr atosy, por primera vez en el trabajo de Gonnord, 18 paisajes: género este inexplorado hasta el momento por el artista y que han sido producidas en 2009, ex profeso para esta exposición. Como complemento a la muestra se podrá contemplar también un proyecto videográfico que contiene dos entrevistas al artista. Una está realizada por el comisario de la exposición, Rafael Doctor Roncero, en la que profundizan en el contenido de esta exposición, y la otra, del director del FRAC Auvergne - Clermont-Ferrand, fue realizada con motivo de su exposición en 2008.

El comisario de la exposición, actualmente director de la Fundación Santander 2016, organismo de gestión de la candidatura de Santander a la capitalidad cultural europea y ex director del Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León ha reunido, para este proyecto,retratos de personas que pertenecen a comunidades rurales aisladas que tienen un desarrollo de trabajo y vida muy alejado del convencional urbanita imperante.

Pueblos aislados del norte de España y Portugal

La serie Terre de personne se comprende dentro de un proyecto que no ha hecho nada más que empezar con esta exposición, y que tiene en presenta a sus primeros protagonistas en pueblos aislados del Norte de España y Portugal, en aldeas que mantienen un estilo de vida apegado a unos valores que están desapareciendo. La mirada hacia estas personas le ha exigido al fotógrafo
involucrarse en sus espacios, comprender su naturaleza y sentir el por qué de su existencia y dignidad, incorporando un componente nuevo: el campo, lugar donde trabajan directamente estas personas, el espacio que da sentido a su mundo. De esta forma, por primera vez en estos años, el objetivo ha virado del rostro y se ha posado en el espacio. Así aparecen estos paisajes que han salido al paso y que han ido a buscar al fotógrafo.

La exposición estará abierta al público desde el 17 de diciembre al 28 de febrero, en horario de martes a sábado, de 11.00 a 20.30 horas, y los domingos, 24 y 31 de diciembre, de 11.00 a 14.00 horas. Los lunes, 25 de diciembre, 1 y 6 de enero, la sala estará cerrada. Se podrán efectuar visitas guiadas gratuitas en el siguiente horario: sábados y domingos por la mañana a las 12:00 y 13:00 horas; y sábados por la tarde a las 18:00 y 19:00 horas.

Andrés Pérez Domínguez triunfa con la novela "El violinista de Mauthausen"


El violinista de Mauthausen
Andrés Pérez Domínguez
Editorial Algaida
Madrid, 2009


LMA

En los próximos días llegará a las librerías la tercera edición del libro "El violinista de Mauthausen", del escritor Andrés Pérez Domínguez, esta obra, Premio de Novela Ateneo de Sevilla 2009, está siendo uno de los éxitos del otoño literario en nuestro país. La mezcla de intriga, aventura, espionaje y el hecho de que sea una de las primeras novelas que trata el drama de los republicanos confinados en el campo de concentración de Mauthausen está convirtiendo a esta obra editada por Algaida en un éxito de ventas.

A propósito del campo de concentración de Mauthausen, según palabras del propio autor, "se han escrito muchos ensayos, pero casi no se ha tratado el tema en la ficción, y al abordarlo desde esta perspectiva, es una manera de llegar a un público más amplio y que más gente conozca esta tragedia en la que murieron tantos españoles".

Desde agosto de 1940 hubo grupos de republicanos españoles que fueron trasladados al campo de concentración, al que se le comenzó a conocer como "el campo de los españoles". En total entre 1940 y 1945 pasaron por Mauthausen cerca de 10000 españoles, de los cuales fallecieron en torno a 7.000.

Por tanto "El violinista de Mauthausen" , ademas de sumergir a los lectores en el París ocupado por los alemanes, en el Berlín en ruinas después de la Segunda Guerra Mundial, sirve para dar a conocer a los lectores una parte de nuestra historia que para muchos era desconocida y que a tenor de los más de 15.000 ejemplares vendidos, interesa y mucho en nuestro país.

En el París ocupado por los alemanes

En París, una pareja está a punto de casarse en la primavera de 1940, pero la Wehrmacht invade Francia y él, republicano español exiliado, es detenido por la Gestapo y enviado al campo de exterminio de Mauthausen. Ella colaborará con los servicios secretos aliados, dispuesta a cualquier cosa para salvar la vida de su prometido. Entre ellos, un ingeniero alemán que ha renunciado a su trabajo en Berlín para no colaborar con los nazis, se dedica a recorrer Europa con un violín bajo el brazo. Muy pronto, las vidas de los tres se entrelazarán para siempre. El violinista de Mauthausen es su historia. En París ocupado por los alemanes, el Berlín en ruinas después de la Segunda Guerra Mundial y el campo de exterminio de Mauthausen son los principales escenarios donde se desarrolla un relato que mezcla intriga, aventura, espionaje, Historia y romance, que atrapará al lector desde la primera página

“Un escritor capaz de imaginar historias que parecían ajenas a la ficción española, sin abandonar ni los escenarios reconocibles ni el empeño en conseguir una decidida palpitación literaria”.
José María Merino


Datos biográficos del autor
Andrés Pérez Domínguez (Sevilla, 1969), es autor de las novelas El síndrome de Mowgli (2008), El factor Einstein (2008) y La clave Pinner (2004), de las colecciones de cuentos El centro de la Tierra (2009) y Estado provisional (2001), el relato Ojos Tristes (2001) y de las novelas cortas Los mejores años (2002) y Duarte (2002).Su obra ha obtenido más de un centenar de reconocimientos en distintos géneros, entre otros, el premio Luis Berenguer de Novela, los premios Max Aub, Elena Soriano, Ángel María de Lera, José Calderón Escalada y Gaceta de Salamanca de Cuentos, o los premios José Luis Castillo-Puche y Tierras de León de Novela Corta. Ha sido colaborador de varios medios de comunicación, como Punto Radio, Onda Cero y El Correo de Andalucía.


lunes, 14 de diciembre de 2009

Enrique Jardiel Poncela y "Angelina o el honor de un brigadier" en los Teatros del Canal



Los Teatros del Canal de la Comunidad de Madrid presentan Angelina o el honor de un brigadier, de Enrique Jardiel Poncela, bajo la dirección escénica de Juan Carlos Pérez de la Fuente. Este será el estreno en Madrid de este espectáculo, que se podrá ver en la Sala Verde de los Teatros del 17 de diciembre hasta el 17 de enero.

Con un reparto de lujo, el montaje cuenta con Chete Lera, Soledad Mallol, Jacobo Dicenta, Carolina Lapausa, Luis Perezagua, Zorión Eguileor, Carmen Arévalo, Daniel Huarte, Paco Blázquez, Samuel Señas, Ana del Arco y Sara Rivero. También ha contado con las voces de María Teresa Campos y Carles Canut en una colaboración especial. La escenografía ha sido diseñada por el propio Pérez de la Fuente y completan el equipo artístico Javier Artiñano, en vestuario, José Manuel Guerra, en iluminación, y Luis Miguel Cobo, en espacio sonoro.

La presentación de este montaje ha contado con presencia de la viceconsejera de Cultura, Concha Guerra, el director artístico de los Teatros del Canal, Albert Boadella, y Juan Carlos Pérez de la Fuente, quien ha comentado que Angelina surgió como propuesta artística de la necesidad de dar a conocer uno de los textos menos representados en nuestros días del dramaturgo madrileño Enrique Jardiel Poncela, a su vez una de las figuras más controvertidas del teatro español.

Esta obra fue la primera que Jardiel Poncela compuso atendiendo a su propia concepción innovadora del teatro de humor, y con la que declara haberse sentido auténticamente libre. Por fin dejaba atrás el camino trillado de la comedia sentimental de humor y lograba un gran éxito con la parodia hilarante de los dramones de honor del teatro decimonónico y del donjuanismo, lo que por otra parte pone de manifiesto el escepticismo de Jardiel en torno al amor.


La obra con la que Jardiel conquistó Hollywood

Tras su estreno en 1934, Jardiel Poncela consigue imponer su particular revolución. Un año más tarde, Hollywood le encarga la adaptación cinematográfica en verso de Angelina, con la que alcanzará también un notable éxito. Este montaje pretende acercar al espectador del siglo XXI el Jardiel más delirante, original y vanguardista, y que sin embargo trata temas de gran actualidad y arraigo en la cultura española.
Angelina transcurre en la primavera de 1880. Angelina, la hija de Don Marcial, el brigadier, se escapa con Germán el día de su petición de mano. Su padre y Rodolfo, el novio abandonado, les persiguen. Don Marcial se bate en duelo con Germán y le hiere, enterándose entonces de que su mujer, Marcela, le estaba engañando también con el mismo galán. El brigadier ve su honor mancillado y decide tomar medidas drásticas.

Reparto de lujo dirigido por Pérez de la Fuente

Juan Carlos Pérez de la Fuente, ganador entre otros galardones de la Medalla de Oro de las Bellas Artes 1999 y el Premio Cultura de la Comunidad de Madrid 2008. Ha sido Director del Centro Dramático Nacional, de 1996 a 2004, cuando retomó su profesión de forma privada. En 2005 vuelve a la escena en su faceta de director y de productor con Oscar o la felicidad de existir, de Eric-Emmanuel Schmitt, con Ana Diosdado, en el Teatro Liceo de Salamanca. En 2008 dirige a la Compañía Siglo de Oro de la Comunidad de Madrid en La vida es sueño, de Calderón de la Barca, y Puerta del Sol, un Episodio Nacional, espectáculo teatral para la conmemoración del Bicentenario del Dos de Mayo de 1808, basado en la tercera parte de los Episodios Nacionales de Benito Pérez Galdós.

Chete Lera, que en este montaje tiene el papel de Don Marcial el brigadier, coincidió con Juan Carlos Pérez de la Fuente en la conmemoración del Bicentenario del Dos de Mayo de 1808. Un actor con una prolífica carrera, entre sus papeles en teatro destacan Prometeo (1992), escrito y dirigido por Rodrigo García, La tentación vive arribe (2000), por Verónica Forqué y ¿Dónde estás, Ulalume, dónde estás? (2007), de A. Sastre, también por Juan Carlos Pérez de la Fuente. En su carrera cinematográfica destacan los últimos títulos como Los muertos van deprisa (2009), de Ángel de la Cruz; La noche que dejó de llover (2008), de Alfonso Zarauza y Tocar el cielo (2007), de Marcos Cortés.

La mujer de Don Marcial está interpretada por Soledad Mallol. Conocida por la formación del grupo Las Virtudes (1986-2000), en teatro destacan sus papeles en Calipso! (2006), dirigida por Angel Martínez Roger para el Festival de Mérida y La dama boba (1998), de Lope de Vega. Además de sus papeles en teatro, Mallol ha sabido compaginar esta actividad con la de guionista y actriz para RNE en la sección Los López, del programa de Nieves Herrero entre 2002 y 2009. En televisión destaca su trabajo en Escenas de matrimonio (2007-09) para Telecinco. También es coautora de los libros Rimmel y castigo y Amor en bote.

El papel de Germán, el amante, el causante de todo el desaguisado, lo hace Jacobo Dicenta. Sus últimos trabajos en teatro son Obsession Street (2009), de Diana de Paco, dirigido por Mariano de Paco; Margarita la Tornera (2007-08), de José Zorrilla, por Juan Polanco y Don Juan Tenorio (2007), de José Zorrilla, por Natalia Menéndez. Dicenta también ha participado en algunos musicales, el más reciente Rocío no habita en el olvido (2009), por Juan Polanco. Destacan para televisión La chica de ayer (2009) para Antena 3; Fago (2008), de Roberto Bodegas para TVE.

El cuarto personaje en discordia, Angelina, es interpretado por Carolina Lapausa. Esta actriz, especializada en danza, ha destacado por papeles en El cuento de invierno, de W. Shakespeare, dirigido por Magüi Mira; La calumnia, de Lilian Hellman, por Fernando Méndez-Leite y Noche de Reyes sin Shakespeare, por Mercedes Lezcano, entre otros. En televisión destacan sus apariciones en La señora (TVE), Con dos tacones (TVE), Policías (Antena 3), y El comisario (Telecinco).

María Ángeles de Armas, Recopilación de su Obra Pictórica




Julia Sáez-Angulo


La catalogación y estudio de la obra artística, fundamentalmente pintura y dibujos, de la pintora madrileña María Ángeles de Armas, que falleció en Maqueda (Toledo) a los 74 años en 2006, ha sido llevado a cabo por el Doctor José Sánchez Barrado. El trabajo en DVD se ha distribuido por las bibliotecas y centros de investigación de los museos de arte contemporáneo de España y otros países.

La pintora, residente en la localidad toledana de Maqueda en sus últimos años, dejó allí su último cuadro, casi su testamento pictórico, un lienzo de gran formato titulado “La Virgen de los Dados”, sobre Santa María de los Alcázares, patrona de la ciudad. La obra se encuentra en la iglesia fortaleza de Maqueda.

La pintura de Maria Ángeles de Armas, miembro de la Academia de Bellas Artes de Toledo, se caracteriza por su fuerte contenido simbólico en una figuración entre onírica y narrativa. El fallecimiento de su hija Eva, a los 24 años de edad en un accidente, fue un motivo recurrente en su representación iconográfica.

“Nunca se irá” es uno de los títulos más célebres y reconocidos de la pintora, referente al cuadro que muestra un ángel junto a una carcasa de árbol con la silueta femenina, sin lugar a dudas referida a su hija. “Puentes para la fuga del olvido” y “Sólo importa el después”, son otros cuadros importantes de su repertorio.

Artista galardonada y poeta

Artista galardonada, entre otros, por la Bienal de Venecia y la Europa Mediterránea, María Ángeles de Armas era una maestra del dibujo y una creadora de mundos entre oníricos y fantásticos que le conferían unas señas de identidad muy singulares. Su gran exposición final tuvo lugar en el Espacio CEU-San Pablo.

Su tarea como animadora cultural fue importante en Escalona del Prado durante los años 80, donde organizó numerosos encuentros de artistas y poetas en honor de la figura histórica del Infante Don Juan Manuel, que residió en la citada localidad toledana. En la década posterior, María Ángeles de Armas organizó diversos homenajes a artistas en la Asociación Española de Artistas y Escritores (AEAE), de la que era miembro de la Junta Directiva.

Además de su labor artística, María Ángeles de Armas publicó dos libros de poemas.

 

Raili y Reima Pietilä, Un desafío a la Arquitectura Moderna

UN DESAFÍO A LA ARQUITECTURA MODERNA
Raili y Reima Pietilä
Del 17 de diciembre de 2009 al 21 de febrero de 2010
MUICO. Museo Colecciones ICO
C/ Zorrilla 3, MADRID
De martes a sábados: 11:00 a 20:00 h
Domingos y festivos: 10:00 a 14:00 h
Lunes cerrado; Entrada Gratuita
Teléfono: 91 420 12 42
www.fundacionico.es




J.S.A.

Entre el 17 de diciembre y el 21 de febrero tendrá lugar en el MUICO. Museo Colecciones ICO la exposición "Un desafío a la Arquitectura Modena"de Raili y Reima Pietilä.

Reima Pietilä nació en 1923 en Turku, Finlandia. Además de sus estudios como arquitecto, trabajó y reflexionó en profundidad sobre lingüística y filosofía, y esto se convirtió en parte inseparable de su obra como arquitecto. Desde que en 1956 ganara el concurso para diseñar el Pabellón de Finlandia en la Expo '58 de Bruselas dio comienzo para él su carrera como arquitecto independiente.

A principios de la década de los 60, Reima Pietilä empezó a trabajar con Raili Paatelainen, graduada como arquitecta en 1956. Se casaron en 1963, y más tarde el nombre del estudio se transformó en "Raili y Reima Pietilä Arquitectos". Realizó gran parte de su obra en colaboración con su mujer, buscando un camino que fuera más allá de la arquitectura moderna. Para dar con una solución a un problema de diseño, experimentaban realizando innumerables bocetos, renovando sin cesar su lenguaje arquitectónico individualista. A causa de la posición pública de Reima Pietilä, el trabajo del estudio fue identificado a menudo con él, mientras que la contribución de Raili Pietilä solía pasar desapercibida a pesar de que Reima recordaba una y otra vez el papel de su esposa.

Reima Pietilä murió en 1993. En 2002, Raili Pietilä y la hija de ambos, la arquitecta Annukka Pietilä, donaron el archivo del estudio, con cerca de 30.000 dibujos y material diverso, al Museo de Arquitectura Finlandesa.




Arquitectura Finlandesa
Un desafío a la arquitectura moderna es una muestra de la obra de estos dos famosos arquitectos. Realizada en colaboración con el Museo de Arquitectura Finlandesa de Helsinki, se centra en 9 de sus proyectos más importantes, presentados mediante una amplia selección de bocetos originales, material fotográfico, copias de dibujos y breves textos descriptivos. Varias maquetas hacen posible observar, por ejemplo, las diferentes etapas de la construcción de Mäntyniemi (1983-1993), la residencia oficial del Presidente de Finlandia, proyecto ganador de un concurso de diseño. En la exposición podrán contemplarse, además de proyectos ejecutados, algunos otros que no pasaron de los planos y una pequeña selección del trabajo artístico de Reima Pietila. 16 maquetas y la película "Estaciones - Cuatro recorridos a través de la arquitectura de Raili y Reima Pietila" completan la exposición.

Henry Moore, Obra Gráfica en el Museo de Arte Abstracto de Cuenca


A partir del próximo viernes 18 de diciembre, y hasta el 14 de febrero de 2010, puede verse en el Museo de Arte Abstracto Español, de Cuenca, la exposición "Henry Moore, Obra Gráfica" , que presenta tres series de grabados realizados por Henry Moore (Castleford, Yorkshire, Gran Bretaña, 1898 - Perry Green, Hertfordshire, Gran Bretaña, 1986). En ellos, el que es considerado como el escultor británico más importante del siglo XX explora algunos de sus temas preferidos: el desnudo femenino reclinado, las figuras de madre e hijo y los estudios de animales y otros seres vivos.

Moore ya había tratado esos temas en su obra escultórica, pero en la segunda parte de su larga vida lo hizo también y cada vez más en dibujos y en el grabado, el género menos conocido de su trabajo artístico. En esta exposición se muestran 12 litografías y 2 aguafuertes, en color y en blanco y negro, de la serie Meditations on the Effigy, publicada por la Marlborough Gallery de Londres con motivo del 70º aniversario del artista en 1968. Además, se presentan los 28 grabados al aguafuerte en blanco y negro, editados en 1970 por Gerald Cramer bajo el título Elephant Skull, y que se inspiran en el cráneo monumental de un elefante africano que le regalaron en 1966 el biólogo Sir Julian y Lady Juliet Huxley. El cráneo fascinó a Moore, y a partir de él creó esta serie de aguafuertes.

La serie titulada La poésie, editada en 1976 por la Asociación de Bibliófilos Art et Poésie en París, se compone de 8 litografías en color realizadas por Henry Moore en los Curwen Studios de Londres. El álbum le había sido encargado inicialmente para ilustrar los poemas de un grupo de poetas franceses elegidos por el entonces presidente francés, Georges Pompidou, pero como no recibió los textos a tiempo, Moore escogió los motivos libremente, recurriendo a sus temas preferidos: figuras de pie y reclinadas, retratos femeninos, ideas para esculturas, formas de piedra, etc. En esta serie Moore empleó la técnica llamada “litografía de diazo”, desarrollada por él junto con Stanley Jones: consiste en dibujar el motivo con tinta negra sobre una película y transferirlo luego sobre la piedra litográfica mediante luz ultravioleta. El mismo motivo se puede repetir sobre varias piedras con intensidades y tonalidad diferentes, según el tiempo de exposición a la luz ultravioleta.


Biografía del artista británico

Henry Moore (Castleford, Yorkshire, Gran Bretaña 1898 - Perry Green, Hertfordshire, Gran Bretaña, 1986) era hijo de un ingeniero de minas, en 1916 se ganaba la vida dando clases en la escuela elemental a la que había asistido de niño. En la Primera Guerra Mundial, en la que resultó herido, sirvió en el regimiento de Fusileros del Servicio Civil. En 1919 asistió a las clases de la Leeds School of Art, gracias a su pensión de excombatiente. Dos años después ganó una beca para estudiar en Londres, en el prestigioso Royal College of Art, donde fue profesor hasta 1931, año en el que se trasladó a la Chelsea School of Art, de cuyo departamento de Escultura fue director. En la década de los años veinte estudió las esculturas de otras culturas en el British Museum de Londres. También viajó a otras ciudades europeas, ampliando su formación. En 1926 celebró su primera exposición individual y en 1930 participó en la Bienal de Venecia. Tras suscitar duras reacciones de la crítica, que consideraba que sus esculturas distorsionaban las proporciones de la figura humana, en 1948 obtuvo el Premio Internacional de Escultura en la Bienal de Venecia de ese año, galardón con el que Moore fue reconocido internacionalmente. Sus esculturas de bronce y mármol tallado de gran formato contribuyeron a introducir una particular forma de modernismo en su país. Fallecido en 1986, Henry Moore es considerado hoy el escultor británico más importante del siglo XX, y uno de los más relevantes de esa centuria.

Isabelle Hirschi expone su serie "Mujeres y Secretos" en el Studio de Arte de Abogados



“Femmes et Secrets”
(Mujeres y Secretos)
Pinturas y Dibujos
Studio D´Art des Avocats
26, Place Bellecour. Lyon. Francia
Diciembre 2009 – Enero 2010


L.M.A






Con la mujer como tema y argumento, la artista francesa nacida en Madagascar, Isabelle Hirschi, ha expuesto su última serie pictórica denominada “Femmes et Secrets” (Mujeres y Secretos). Una reflexión sobre el universo femenino a través de distintos tipos de mujer, desde “Nefertari” a Sherezade pasando por la “Matadora del Torreón, la “Fashionata”, la “stara” y otras como la mujer perturbadora o fatal.

La obra de Hirschi participa por igual de dibujo, pintura, collage y sobre todo color, a base de una enriquecida técnica mixta de acrílicos, gouaches, tintas y diferentes soportes: lienzo, cartón y papel principalmente.

La autora nos muestra un discurso conceptual sobre la mujer en un sentido amplio, susceptible de estar en el poder, en el arte o en la seducción. Es la condición femenina que se extrae de la misma condición humana. Hirschi declara que tiene intención de seguir abundando en esta serie sobre la mujer, porque todavía quedan cosas que decir sobre ella.

Muy interesantes los cuadros con las damas que llevan relojes en uno de sus ojos, lo que las hace mujeres inquietantes, oníricas o expresionistas, en medio de unos fondos trabajados a base de roleos o geometrías de audaz cromatismo. Hirchi no pone límites al color.



Cajas marinas y Dibujos espléndidos


Desde el punto de vista plástico, se trata de una pintura enriquecida de ornamentación collagista: joyas, botones, cristales, teselas, fragmentos de fotografía o de papel... Esto se aprecia sobre todo en sus “cajas marinas”, en las que diminutos peces recortados animan la visión de una escena abisal en la que los animales marinos se mueven a la menor agitación. Esta especie de vitrinas forma parte de otro campo de interés de Hirschi por la naturaleza.

La pintora, al igual que Francis Bacon, viene del mundo de la Decoración de Interiores y, quizás, deba hacer como el artista británico, desprenderse de la ornamentación y cierta decoración en sus pinturas para que el espectador pueda apreciar la firmeza de su dibujo, la seguridad de su gesto y la pincelada del pigmento. De esta manera podremos ver con más claridad la visión primera de su impulso y creatividad. Sus dibujos taurinos sin aditamentos son espléndidos.

Artista polifacética y premiada


Pintora, dibujante, collagista, fotógrafa, diseñadora de interiores y autora de objetos escultóricos, como la soberbia “Silla Poema - Polichinaise”, que mereció un premio en el Museo de Artes Decorativas de París en 1974, Isabelle Hirchi se muestra como un artista polifácética (Picasso también lo era) que gusta de manipular diferentes soportes, texturas y géneros. Entre sus proyectos inmediatos se encuentra el acercamiento a la cerámica.

La inauguración de “Femmes et Secrets” en el Studio d´Art des Avocats de Lyon, dirigido por Jacques Grange, estuvo muy concurrida por la sociedad lionesa. Entre otros el diputado Dominique Perben y Señor Broliquier; los empresarios industriales Sr Porcher y Sr. Decaens; el Profesor François Larbre y su esposa Susanne, de la Universidad del Lyon; los señores; la señora Andrea Darmon, del Hotel Sofitel; Mr y Mme. Georges, empresarios de moda; Xavier e Olivier Damon; los doctores Jean-Paul Larbre; Y. François; G. Aulagner; Ph. Pierlot y J. Bienvenu. Entre los distintos artistas que acompañaron a Isabelle Hirschi en la velada: Alfonso Sebastián, Guía Boix; Sophie Mahet, Gerard Puvis y la escritora Julia Sáez-Angulo.


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Tesoros del Museo Británico en el Centro de Arte Canal

Tesoros de las Culturas del Mundo
Centro de Arte Canal
Madrid


La presidenta de la Comunidad de Madrid, Esperanza Aguirre, acompañada de Ignacio González, vicepresidente regional y presidente del Canal de Isabel II han inaugurado la exposición Tesoros de las Culturas del Mundo en el Centro Arte Canal, una muestra que incluye 250 piezas representativas de todas las culturas y civilizaciones del mundo procedentes del British Museum que llega a España tras su exitoso paso por América y Asia.

La exposición, planteada como un viaje fascinante por las grandes creaciones de las distintas civilizaciones de la humanidad está dividida en siete ámbitos siguiendo un criterio geográfico y cronológico: África, Oriente Medio, Europa, Asia, Oceanía, Las Américas y el mundo moderno. Cada ámbito cuenta con una pantalla de proyección donde se pueden ver imágenes del continente, mapas, paisajes y alguna de las piezas.

Entre las más destacadas, se puede ver, por ejemplo, la Piedra Rossetta, una pieza por la que el estudioso francés Jean-François Champollion pudo descifrar los jeroglíficos egipcios, piezas del famoso ajedrez de la Isla de Lewis (1150-1200) o esculturas clásicas de la antigua Grecia y Roma. El recorrido comienza con los objetos procedentes de África y del Antiguo Egipto, donde destacan un retrato de momia procedente del papiro del libro de los muertos, un ataúd de la época ptolemaica o la momia de una mujer adulta con forma de escarabajo, fechada entre el 1070 y el 945 a.C.

Grecia y Roma también tienen su lugar destacado en la muestra, donde se puede ver alguna de las esculturas clásicas de la antigüedada tamaño natural, joyas de las excavaciones de la antigua Mesopotamia, como el Guardian Divino neoasirio o piezas del oriente islámico como las lámparas de mezquitas. Entre las piezas exhibidas, también destaca una estatua de Buda de pie (Antigua Gandhara, Pakistán).