VIRGEN DE LA ALMUDENA, patrona de la diócesis de Madrid: Historia, leyenda y teología

Virgen de la Almudena. Madrid

L.M.A.

  https://www.youtube.com/watch?v=WNv670x5WTM

8/11/25.- Madrid.- La imagen de la Virgen de la Almudena es una de las más queridas y veneradas en la ciudad de Madrid, tanto por su historia legendaria como por su valor espiritual y teológico. En este artículo exploraremos su historia y anécdotas, su significado teológico y devocional, y su vigencia en la vida de los creyentes madrileños.

    Historia y leyenda.- El origen del nombre.- El nombre “Almudena” procede del árabe al-mudayna, que significa “la ciudadela” o “la ciudad amurallada”.  Esta voz hace referencia a la antigua muralla de la villa que fue Madrid, y se vincula a la leyenda del hallazgo de la talla de la Virgen junto a los muros de la ciudad amurallada. 

    La leyenda del hallazgo.- Según la tradición, cuando los musulmanes invadieron la península en el siglo VIII, los cristianos de la villa de Madrid ocultaron una imagen de la Virgen para preservarla.  Se habría colocado en una hornacina de la muralla, junto a dos velas encendidas, y se tapió para que no fuera profanada. 

    El día 9 de noviembre de 1085, tras la conquista de Madrid por Alfonso VI, se descubrió la imagen milagrosamente: un tramo de la muralla se derrumbó y apareció la Virgen con el Niño, y las dos velas seguían encendidas. Esta fecha ha quedado como su festividad principal.

    La talla actual y su traslado.- La imagen que veneramos hoy data de finales del siglo XV o inicios del XVI, y probablemente pertenece al círculo de Diego Copín de Toledo o a éste mismo autor. La talla ha tenido varias ubicaciones: tras su hallazgo quedó en la iglesia de Santa María, luego fue trasladada al templo del Santísimo Sacramento, y finalmente, en 1993, tras la construcción del nuevo templo, la Catedral de Santa María la Real de la Almudena fue consagrada por el Juan Pablo II y la imagen regresó a su emplazamiento definitivo. 

    Su Proclamación como patrona de Madrid.- La Virgen de la Almudena fue declarada patrona de la diócesis de Madrid el 1 de junio de 1977 por el Pablo VI. Su veneración fue reconocida oficialmente mucho antes, y el día de su fiesta, 9 de noviembre, se convirtió en fiesta local de la ciudad. 

    Anécdotas curiosas.- Una de las anécdotas más populares es que la tez morena de la Virgen de la Almudena se atribuye al humo de las velas que permanecieron junto a la imagen mientras estuvo oculta en la muralla durante siglos. 

• En 1978, el Gremio de Pasteleros de Madrid convocó un concurso para un dulce conmemorativo: así nació la “Corona de la Almudena”, un bollo redondo que cada 9 de noviembre muchas pastelerías madrileñas ofrecen en honor a la patrona. 

• Durante la Guerra Civil española, la imagen resistió en la cripta de la catedral los bombardeos y el saqueo, lo que refuerza su simbología de protección para la ciudad. Estas pequeñas historias ayudan a entender cómo la Virgen de la Almudena no es solo una talla, sino un símbolo vivo de la identidad y la fe de Madrid.

    Mariología: fundamentos teológicos

    La mariología es la rama de la teología que estudia a la Virgen María en su relación con Cristo, la Iglesia y la salvación. En el documento de la Congregación para la Educación Católica se afirma que la figura de María debe verse “en la historia íntegra de la salvación, en su relación con Dios; con Cristo, Verbo encarnado; con el Espíritu Santo; con la Iglesia… con el hombre y su destino de gloria”. A Dios se adora y a la Virgen se la venera.

    Entre los dogmas marianos más relevantes están: la maternidad divina de María (Theotokos), su perpetua virginidad, la Inmaculada Concepción y la Asunción al cielo. Estos dogmas fundamentan el lugar singular que ocupa María. 

    La Virgen de la Almudena en clave teológica-pastoral

• Madre del Redentor y Madre de la Iglesia: Al ser María madre de Cristo, ella está íntimamente unida a la obra redentora de Él y, por tanto, se le reconoce como “Madre de la Iglesia”. En este sentido, la advocación de la Almudena es una invitación a que la ciudad de Madrid reconozca a María como madre protectora y guía del Pueblo de Dios.

• Advocación local con dimensión universal: Aunque es patrona de Madrid, su figura interpela a toda la Iglesia a vivir la fe con hondura, y la historia de su culto —oculto, hallazgo milagroso, protección en tiempos difíciles— resuena con la experiencia de muchas comunidades.

• Icono de esperanza y conversión: La leyenda de la Virgen que fue escondida y después descubierta puede interpretarse teológicamente como símbolo de la Iglesia que atraviesa la prueba y siempre vuelve a encontrarse con Cristo.

• Devoción y práctica espiritual: La veneración a la Almudena muestra cómo la teología no queda en los libros, sino que se traduce en devoción popular, peregrinaciones, fiestas y en la vida comunitaria. Según el congreso mariológico recientemente citado, la reflexión sobre María tiene “grandes implicaciones pastorales” para la misión de la Iglesia. Algunas claves para el creyente:

• Ver a María no como un personaje de otro tiempo, sino como modelo de discípula y criatura que acoge la voluntad de Dios.

• Reconocer que la advocación (Almudena) concreta esa relación de María con una comunidad particular —la ciudad de Madrid— sin que se limite a ella.

• Comprender que la devoción mariana auténtica debe orientar hacia Cristo, ya que María “no hace nada, sino por medio de Cristo y hacia Cristo”. Ella es la "omnipotencia suplicante" por sus hijos.

    La Virgen de la Almudena es mucho más que una imagen venerada: es un puente entre la historia de Madrid, la fe cristiana y la vida cotidiana de sus habitantes. Su leyenda nos habla de esperanza en medio de la adversidad; su talla, de continuidad y memoria; su advocación, de una fe que construye ciudad. Y su dimensión teológica nos recuerda que María sigue siendo, en el corazón del cristianismo, una guía segura hacia Cristo y un signo de la comunión de los santos.

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Imagen profesional de la Virgen de la Almudena

Con los símbolos del Ayuntamiento y la Comunidad de Madrid, al fondo.

Guadalupe Luceño: Geometría y concretismo: la esencia inspiradora. Exposición en la Galería Cano

Guadalupe Luceño, artista visual

L.M.A.

8/11/25.- Madrid.- La artista visual Guadalupe Luceño inaugura su exposición de pintura en la Galería Cano (c/Alonso Cano, 7. Madrid), el próximo día 14 de noviembre y permanecerá abierta hasta el 16 de diciembre de 2025.  La crítica de arte Julia Sáez-Angulo hará la presentación de la muestra en el acto de la inauguración.

    Buena parte de la vida de Guadalupe Luceño (Santander, 1960) transcurre en Suiza. Desde su infancia recibe clases particulares de arte, piano, violín y danza. Fascinada por los idiomas cursa Bachiller Superior de Lenguas Modernas (Kantonsschule Typus D) y obtiene el Certificate of English Proficiency, el Großes Goethe-Diplom y el Accès au D.A.L.F. (Diplome Approfondi de la Langue Française). Posteriormente cursa estudios en los conservatorios profesionales de Santander, Zaragoza y Madrid, además de filología hispánica, estudios que abandona para formarse como intérprete de conferencia y jurada. En 1991 aprueba el examen-oposición del Mº AA.EE. y obtiene el nombramiento como Traductora e Intérprete Jurada de alemán. Miembro de la Asociación de Interpretes de Conferencia de España (AICE) de 2001 a 2020. Compagina ambas actividades hasta 2023, año en que ingresa en el AAAeE (Archivo de Artistas Abstractos en España/Fundación Juan March).

    Luceño es artista autodidacta. Estudia en profundidad los tratados sobre técnicas y materiales de Max Doerner, Kurt Wehlte y Ernst Berger. Conoce bien los tratados sobre el color y sus interacciones de J.W.Goethe (Farbenlehre), Kandinsky, Johannes Itten y Josef Albers. Es indudable que el ambiente que se respiraba en los años 1970/80 en Suiza, país-refugio de las dos grandes guerras, ha moldeado el gusto estético y la concepción del mundo (Weltanschauung) de Luceño, en cuya ciudad de Zúrich nace el movimiento Dadá como experimentación de prácticas artísticas y sociales radicales que chocan de frente con los concretos típicamente zuriqueses, sobrios protestantes calificados cariñosa y sarcásticamente de “Club de los cuadraditos”. El movimiento había conseguido acuñar en 1949 la marca de Zürcher Konkrete (Movimiento Concreto Zuriqués) de la mano de Max Bill, Camille Graeser, Verena Loewensberg –recientemente reivindicada en una gran retrospectiva realizada en 2022 en Ginebra– y Richard Paul Lohse. La figura de un personaje tan peculiar como el esotérico Johannes Itten, de influencia decisiva en las prácticas docentes de la Bauhaus, representa la “corriente” espiritualista en el arte concreto, frente a la concepción matemática pura, lógica y carente de sentimentalismos que propugna Josef Albers, alumno de Itten. Dos corrientes que se han mantenido a lo largo del tiempo. Suiza ha sabido conciliar de forma pacífica, liberal y tolerante contradicciones aparentemente irreconciliables, como ser la democracia más real y directa del mundo, en ausencia del sufragio femenino, que no se instaura hasta bien entrada la segunda mitad del s. XX (se establece primero a nivel cantonal en 1959 (cantones de Vaud, Neuchâtel y Ginebra) y a nivel federal en 1971), lo cual sigue sorprendiendo poderosamente. Pero Suiza le ha dado a Luceño el sentido de la disciplina, la tolerancia y el orden, pues, en palabras de Ignacio Gómez de Liaño, “la artista sabe que sólo de forma coordinada, armónica, la psique puede crecer y madurar” (Prólogo al catálogo de la exposición “Alles begann in Damaskus”, Hypothekenbank in Essen, 2005), con independencia de que el orden, la armonía y las proporciones medidas matemáticamente  tengan, para quienes los aplican, un carácter espiritual o sean mera lógica, mero cálculo matemático.

    En España también han sido de gran inspiración para Luceño artistas como Elena Asins, Julián Gil, Eusebio Sempere, Soledad Sevilla o José María Yturralde, entre otros.

    Además de Ignacio Gómez de Liaño, han escrito sobre su trabajo Jesús Cámara, Mª Sol G. Moreo, Luis Luna, Hella Nocke-Schrepper, Julia Sáez-Angulo, Gregorio Vigil-Escalera y Elisabeth Walther-Bense.

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La riqueza de la seda y el encanto del agua de Jiangsu conquistan Madrid

* La exposición “Tejiendo Agua en Seda: Encanto Oriental” y la promoción cultural y turística “Jiangsu, el Encanto del Agua” deslumbran en la capital española

Ruta de la seda

        L.M.A.

        08.11.25.- Madrid.- La promoción cultural y turística “Jiangsu, el Encanto del Agua”, junto con la exposición de arte textil “Tejiendo Agua en Seda: Encanto Oriental”, en el Centro Cultural de China en Madrid, están conquistando a los madrileños que se animan a conocer esta bella región, uno de los destinos más interesantes de China, aún relativamente desconocido. Esta provincia además de una historia milenaria, ofrece también la visión de un país pujante, con grandes contrastes en sus ciudades en las que los rascacielos se elevan majestuosos tras cuidados barrios de casas antiguas y grandiosos jardines.

    El evento reunió a profesionales del turismo, artistas, diseñadores y periodistas españoles, quienes disfrutaron de una muestra excepcional de estética oriental. La exposición ofreció al público una ventana hacia la profundidad cultural y la singular belleza de Jiangsu, reforzando los lazos históricos de amistad entre China y España, y abriendo un nuevo capítulo de intercambio cultural a través de la moda y la artesanía tradicional.

    Durante el acto inaugural, presentado por la polifacética y multilingüe Esperanza Liu, el vicegobernador de la provincia de Jiangsu, Chen Zhongwei, pronunció el discurso principal. Destacó que Jiangsu es una provincia líder en economía, educación, cultura y apertura, con un rico patrimonio histórico y abundantes recursos turísticos. Chen recordó que los lazos entre Jiangsu y España se remontan a la era de la navegación y el comercio de la seda, y que hoy se renuevan en el diálogo artístico contemporáneo. Invitó a los amigos españoles a visitar Jiangsu, “una tierra donde el agua une las culturas y la seda enlaza las amistades”.

    La vice directora del Departamento de Cultura y Turismo de Jiangsu, Qian Ning, presentó los recursos turísticos más emblemáticos de la provincia e invitó al público español bajo el lema “Jiangsu, el Encanto del Agua: Contigo, más bella aún”. La directora del Centro Cultural de China en Madrid, Yang Changqing, subrayó el papel del evento como puente cultural entre ambos países. La directora de Travel Trade de Turismo del Ayuntamiento de Madrid, Sabine Schwantz, expresó su deseo de fortalecer la cooperación turística con Jiangsu. Por su parte, Antonio Carmona, presidente de la Asociación de Amistad Hispano-China, destacó la importancia del intercambio cultural entre los pueblos. El embajador de China en España, Yao Jing, felicitó la iniciativa y señaló que este tipo de actividades “aportan nueva vitalidad a la amistad y al entendimiento mutuo entre China y España”.

    La seda como Puente Cultural

    Los asistentes disfrutaron del vídeo promocional “Jiangsu, el Encanto del Agua”, compuesto por tres capítulos —“Armonía del Agua”, “Huella del Agua” y “Tierra de Agua”—, que ofrecieron una experiencia inmersiva sobre la relación entre el agua, la naturaleza y la cultura de Jiangsu. A continuación, artistas chinos y españoles interpretaron conjuntamente la danza “El abanico de la amistad”, una fusión entre la danza tradicional del sur de China y el flamenco, símbolo de diálogo y convivencia entre las dos culturas. El acto concluyó con una ceremonia artística en la que los invitados pintaron juntos un mural de puntos de color, marcando la apertura oficial de la exposición “Tejiendo el Agua en Seda: Elegancia Oriental”.

    La provincia de Jiangsu, situada en la costa este de China, es reconocida por su rica tradición en la producción de seda. Este arte milenario ha florecido gracias a la interacción armónica entre el agua y la tierra, donde ríos, lagos y canales han sido esenciales tanto en la producción como en la transmisión cultural de la sericultura una técnica que tiene una historia que se remonta a más de 3.000 años. Tradicionalmente, las mujeres desempeñaban un papel fundamental en este proceso, que incluía el cultivo de moreras, la crianza de gusanos de seda, el hilado y el tejido de la seda. Estas prácticas se transmitían de generación en generación, formando parte integral de la vida rural en la región.

    El agua, la otra riqueza natural de la provincia, desempeña un papel crucial en la sericultura de Jiangsu. Los residuos de los gusanos de seda se utilizan como alimento para los peces en los estanques locales, mientras que el barro de estos estanques fertiliza los árboles de morera. Las hojas de morera, a su vez, alimentan a los gusanos de seda, creando un ciclo ecológico sostenible que refleja la profunda conexión entre la naturaleza y la cultura local.

    La sericultura y la artesanía de la seda de China, especialmente en las provincias de Zhejiang y Jiangsu, han sido reconocidas por la UNESCO como Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad. Este reconocimiento destaca la importancia cultural y la maestría técnica de estas tradiciones, que continúan siendo una parte vital del patrimonio chino. Hoy en día, la producción de seda en Jiangsu no solo es una actividad económica, sino también una expresión cultural que conecta el pasado con el presente. Las técnicas tradicionales se mantienen vivas a través de la enseñanza y la práctica, asegurando que el arte de la seda continúe siendo una parte vibrante de la identidad de Jiangsu.

        Invitación a conocer Jiangnsu

    Apreciando una mínima parte de lo que Jiangnsu ofrece, nace el deseo de conocerla más a fondo. Hablando de agua y de seda es imprescindible visitar Suzhou, situada en la parte baja del río Yangtsé, a orillas del lago Tai, en la provincia de Jiangsu. Con una historia que se remonta a más de 2.500 años y que encumbró esta ciudad de canales como importante centro político, industrial y comercial. Y es que además de su singular belleza, Suzhou fue un notable paso de la Ruta de la Seda, tanto la terrestre como la marítima y por ello todavía se mantienen ciertos negocios tradicionales vinculados al gremio textil. Suzhou ha sabido armonizar su significativo desarrollo económico con su reputación de Ciudad de los Jardines, ciudad acuática, ciudad de los canales, bañada por el Gran Canal.

    La historia de la provincia de Jiangsu corre paralela al Gran Canal, construido para que las riquezas agrícolas y naturales de la región pudieran llegar a la gran capital imperial, Beijing. La parte que recorre su territorio tiene 690 kilómetros de largo, lo cual ha hecho de Jiangsu la provincia donde se encuentran el curso del Gran Canal más extenso y los patrimonios del Canal más numerosos conservados en la mejor condición. El resultado es una de las poblaciones más bellas de Asia. Así se descubren ciudades y pueblos bañados por aguas tranquilas, preciosos lagos, innumerables jardines milenarios, que configuran un paisaje perfecto para explorar con calma, descubriendo la historia y la vida de un país tan grande como sorprendente.

    Porque, en efecto, el agua es el símbolo más dinámico de la región que ha hecho que la provincia prospere gracias a su relación con el agua, ya que es la única región de China que posee ríos, lagos, mares y océanos. El agua es el alma de los jardines de Jiangnan que son Patrimonio de la Humanidad. Con sus mil caras, el agua pinta la belleza de estos jardines y refleja la filosofía de “imitar a la naturaleza” y “la unión del cielo y el hombre”. Viviendo en armonía con el agua y haciendo amigos con los bosques y las colinas, la vida se condensa en estos jardines, donde cada rincón oculta un paisaje hermoso, invitando a la contemplación y al disfrute de la verdadera belleza. En su época de mayor esplendor Suzhou llegó a tener 400 jardines rodeados por canales y canalillos.

    Maravillosos jardines

    Aunque todos son muy hermosos y muy distintos, como el Jardín del León (Lín Yuán) o el Jardín del Retiro de la pareja (?u Yuán), si hubiera que quedarse con uno sería el que lleva el curioso nombre de (ya se sabe el gusto de los chinos por bautizar a palacios, jardines y cosas con nombres sugerentes) Jardín del Administrador Humilde (Zhu?zhèng Yuán) que es uno de los cuatro jardines clásicos más importantes de China. Situado en la esquina noreste de Suzhou, fue construido a partir de 1.509. Desde entonces, el jardín ha cambiado de manos y ha sido reconstruido varias veces. Reparado y ampliado a principios del siglo XX, el jardín es ahora una reliquia cultural clave bajo la protección del Estado.

    Una zona escarpada con colinas, arroyos y bosques de bambú rodea el área central protagonizada por el gran lago, alrededor del cual se disponen pabellones y salones; y la parte occidental, que acoge los edificios más sensacionales del complejo –otra vez los bellos nombres chinos–: el salón de las Dieciocho Camelias y el Salón de los Treinta y Seis Patos Mandarines. Cultura, naturaleza y arte se dan la mano en esta majestuosa construcción conceptos que pueden aplicarse al recorrido entero por la provincia de Jiangnsu y su capital Nankín.

“SOBRE LA ESCRITURA”, ensayo de May Sarton, editado por Gallo Nero

• «El tema, los personajes y la situación forjan la trama»

May Sarton, escritora (Foto Amazon)

Julia Sáez-Angulo

8/11/25.- Madrid.- “Sobre la escritura” es el ensayo de May Sarton, traducido por Blanca Gago y publicado por la editorial Gallo Nero. “El tema, los personajes y la situación forjan la trama.»

  «La idea fructífera bien puede surgir de algo percibido por el rabillo del ojo, tal vez un lugar, tal vez una persona, tal vez una situación sugerida por un comentario oído al azar…»

    La obra de May Sarton, poeta, novelista y ensayista, inspira estas esclarecedoras reflexiones sobre la creación literaria, que sirven a la autora (tras señalar que ella no es crítica, salvo de su propia obra) para abordar cuestiones que han atormentado su práctica creativa, como los conceptos de «tensión y equilibrio»: equilibrar pasado y presente, idea e imagen.        También cita poemas escritos por otros para hablar sobre la alegría de escribir y de cómo debemos entregarnos y convertirnos en instrumentos de nuestro arte.

    La escritura de ficción es un tema muy presente: de dónde surgen las ideas, cómo el tema y los personajes determinan la trama, los errores que cometen muchos autores noveles y cómo y por qué la novela difiere del poema. Otros textos examinan el acto de componer versos, el papel del inconsciente, y la revisión del texto como la forma más elevada de creación. A lo largo del libro, Sarton también advierte sobre los peligros de intentar analizar el proceso creativo demasiado de cerca.

    May Sarton (1912-1995) fue una novelista, poeta y escritora de memorias estadounidense, nacida en Bélgica, conocida por su obra prolífica y sus diarios. Su escritura exploró temas como la amistad, el amor, la soledad, el envejecimiento y el arte de escribir. Sarton tuvo un origen cosmopolita, con padres de diversas nacionalidades, y su familia se trasladó a Inglaterra y luego a Estados Unidos huyendo de la Primera Guerra Mundial. 

CAROLINA ANDRADA EXPONE SU PINTURA EN LA GALERÍA WHITE LAB

Carolina Herrera

Carolina junto al poeta Antonino Nieto

L.M.A.

Fotos: Adriana Zapisek

7/11/25.- Madrid.- El próximo 13 de noviembre, White Lab abre sus puertas a la exposición “Color en la Danza de las Emociones: Bosques y Palacios del Alma” de Carolina Andrada —una muestra que celebra la libertad del gesto y la emoción del color, tendiendo un puente entre naturaleza, música y conciencia estética. 

A través de lienzos y biombos al óleo, Andrada nos invita a recorrer un universo onírico donde la pintura respira como la música y el color se convierte en una danza del alma.

En una visita previa a la inauguración, estuvieron presentes, personalidades del grupo diplomático en España y las fundadoras del Grupo Brillantina. Carolina Andrada lucía un vestido de la diseñadora española Margarita Nuez.

    Más información

https://www.instagram.com/galeriawhitelab/reel/DQt0ZYOgrKQ/

Leticia del Valle está junto a Andrea Souto, esposa del Cónsul actual de Argentina

Fernando Saavedra ante uno de los trajes de colección

Fernando, Carolina y Adriana

Baruc Corazón, artista, diseñador de moda e hijo de Alberto Corazón, con Carolina Estrada Pellicer, nieta del pintor Rafael Pellicer, y dos buenos e íntimos amigos de Carolina

Tres obras de Goya, procedentes del Museo del Prado, en la Colecciones Reales

     

Carlos III cazador, pintura de Goya

  

L.M.A.

        07.11.2025.- Madrid.- Patrimonio Nacional presenta tres nuevas obras invitadas que acoge la Galería de las Colecciones Reales. Se trata de tres obras de Francisco de Goya: Carlos III, cazador y los cartones para tapices La vendimia o El Otoño y El cacharrero, procedentes del Museo del Prado. 

    En el acto de presentación participan la presidenta de Patrimonio Nacional, Ana de la Cueva; el director del Museo del Prado, Miguel Falomir; y el director de la Galería de las Colecciones Reales, Víctor Cageao.

    Estos cuadros, ejemplo de la mejor producción de Francisco de Goya para Carlos III, se podrán ver en la planta de Borbones, en el ámbito dedicado a este monarca.

    La llegada de las obras de Goya se enmarca en un acuerdo de préstamo cruzado por el que el Museo del Prado podrá incorporar a su próxima exposición de Antonio Rafael Mengs varias obras de Patrimonio Nacional.

CHARO MARÍN expone "Sueños y Origen" en la Sala Cívica de Torrente

ROSA ESCALONA visita Madrid y Toledo con toda su vida cultural

Rosa Escalona y Santiago Falcón en el Hotel Suecia. Madrid

Julia Sáez-Angulo

Fotos: J.S.A.

7/11/25.- Madrid.- La pintora toledana Rosa Escalona, junto a su esposo Santiago Falcón, ha visitado Madrid y Toledo con toda su vida cultural y se ha encontrado con amigos de siempre del mundo del arte, entre otros, Jesús Cámara, Wifredo Rincón, Julia Sáez-Angulo... Un almuerzo en el Hotel Suecia, tras visitar el Círculo de Bellas Artes, dio lugar a larga conversación sobre arte y cultura.

“Visitamos Madrid y Toledo con frecuencia, porque aquí tenemos los hijos, y los padres en el cementerio de Villasequilla, donde los visitamos cada año por la festividad de Todos los Santos.

Residentes en Jávea (Alicante), después de haberlo hecho en Madrid, concretamente en Torrelodones, donde Rosa, natural de Villasequilla (Toledo) se construyó una gran casa, estilo toledano para evocar su tierra. Allí residió varios lustros hasta buscar el Mediterráneo como refugio climático grato durante todo el año.

Anteriormente residió en Bilbao y Zaragoza, siguiendo el destilo laboral de su esposo ingeniero. Lo cierto es que Rosa, donde resida, es una animadora cultural nata. En Jávea abrió “El Rincón de Rosa”, una galería de arte, en la que muestra su arte, pintura y dibujo fundamentalmente, y periódicamente sus instalaciones o performance, como la que llevó a cabo recientemente sobre el Romanticismo, una belleza y un lujo de puesta en escena. 

“Me decidí a tener mi propia galería, el día en que no me permitieron mostrar un video en una exposición. Los audiovisuales informan muy bien a los visitantes sobre el artista y su forma de trabajo”, explica. “El Rincón de Rosa” estuvo abierto en San Lorenzo de El Escorial y ahora en Jávea.

Ahora su aspiración está en llevar a cabo una antológica de su obra en su tierra, Toledo, para mostrar una secuencia ordenada de su trabajo artístico. Trabajadora nata, Rosa Escalona cuenta con un amplio estudio en Jávea que da acogida a su obra, perfectamente ordenada en peines para todos sus cuadros.

    Más información

https://rosaescalonajavea.com/

https://lamiradaactual.blogspot.com/2024/12/rosa-escalona-textiles-pigmentos-y.html

Rosa Escalona y Santiago Falcón

JOSEPH PEYRE, autor de "El puente de las suertes" en la Cafebrería Ad Hoc

"HUELLAS DE MUJER". Antología del Certamen de Relatos, convocado por MDE

ESCULTURA EN EL MUSEO DEL PRADO. Leticia Azcue y Manuel Arias, conservadores de escultura en la primera Pinacoteca

Leticia Azcue Brea, académica de Bellas Artes de San Fernando y conservadora del Museo del Prado

Manuel Arias, conservador del Museo del  Prado, junto a la escultura de Mena (Ars Magazine)

Julia Sáez-Angulo

    Fotos: Carmen Valero

6/11/25.- Madrid.- Según la IA, el Museo del Prado tiene aproximadamente mil esculturas. Esta cifra se complementa con más de 3.600 piezas de artes decorativas, 9.000 dibujos y 6.000 grabados, entre otros. 

Los conservadores del Museo del Prado: Manuel Arias, Jefe de Colección de Esculturas hasta 1700 y  Leticia Azcue Brea, Jefa de Colección de Escultura desde 1700 y Artes Decorativas han respondido a este cuestionario:

    1. El Museo del Prado es una primera pinacoteca mundial, ¿Es también una buena gliptoteca? 

    Sí, lo es, en escultura civil. Tiene una destaca colección clásica, una reducida pero excepcional representación de escultura renacentista y barroca, y un gran conjunto que testimonia, en gran medida, la escultura española del siglo XIX y principios del XX.

    2. ¿Qué puesto ocupa respecto a otros museos? 

    En España la mayoría de los Museos, y el monográfico de Valladolid, reúnen tallas policromadas, recogiendo sobre todo la tradición religiosa. Como conjunto civil destaca claramente por su singularidad y excepcionalidad, junto con las colecciones del Museo Arqueológico Nacional, sobre todo, clásica y medieval.

    3. ¿Por qué se ha dividido la sección de Escultura en dos partes? ¿Cuándo se hizo?

Son consideraciones de la Dirección del centro con el diseño de un nuevo organigrama desde febrero 2025.

    4. ¿Qué piezas más relevantes alberga?

 Desde la monumental y única cabeza helenística en bronce, a las versiones en mármol romanas como el “Grupo de San Ildefonso”, pasando por los excepcionales retratos de cuerpo entero en bronce y mármol de los Leoni, o los leones de Bonuccelli que trajo Velázquez de su segundo viaje a Italia, representaciones del siglo XVIII de escultura francesa y española, hasta completar el periplo por lo mejor de la escultura neoclásica española (Álvarez Cubero, Solá, Salvatierra o Barba), junto con la escultura romántica y realista, hasta los escultores más destacados de finales del siglo XIX y principios de siglo XX ( Benlliure, Querol, Blay).

    5. ¿Qué lagunas tiene?

La colección de tradición civil tiene poca escultura medieval, y en cuanto a la Renacentista y Barroca se está ampliando con las últimas adquisiciones a través de piezas excepcionales que vienen a enriquecer considerablemente el panorama. 

    6. ¿Por qué canales más relevantes han llegado? ¿Qué supuso la donación de Claudio Bravo?

Una parte esencial procede de las colecciones reales, y otra de las Exposiciones Nacionales de Bellas Artes desde 1856. Hay un número menor de donaciones y legados, así como adquisiciones a lo largo de su historia.

    El conjunto de obras donado por Claudio Bravo es una muestra de cómo la sociedad civil se implica en el enriquecimiento de las colecciones de un museo público como el Prado

    7. ¿Qué materiales dominan en los fondos escultóricos? ¿Se aceptan nuevos materiales más moderno o ligeros?

    Sin duda el mármol es el material más relevante, pero hay un importante conjunto de bronces, y otro algo menor de esculturas en escayola decimonónicas. Dado que el discurso del Museo del Prado se centra en artistas anteriores a 1881, no se plantean en general, cuestiones de materiales modernos, si bien hay ejemplos puntuales, como puede ser la “Gorguera” de Blanca Muñoz en foam y acero inoxidable.

    8. ¿Cuáles han sido las últimas adquisiciones de escultura? ¿Es fácil encontrar buenas piezas para el Museo?

No es fácil encontrar obras de la calidad de esculturas para el Prado. En los últimos tiempos ha habido la oportunidad de adquirir importantes ejemplares como piezas medievales procedentes de la colección Godia, la representación en mármol de Venus y Cupido de Giovanni Bandini, perteneciente a una colección histórica española desde el siglo XVI, pequeñas esculturas de Alonso Berruguete o el San Juan Bautista de Juan de Mesa, en madera policromada; y del siglo XIX una retrato de Fortuny en terracota de Prosper D’Epinay, un proyecto inédito de Antonio Susillo, un retrato en bronce de Mariano Benlliure y otro mármol de Miguel Blay.

    9. ¿Qué obra u obras escultóricas le gustaría tener en la colección de Museo?

Puestos a soñar, Cellini, Bernini y Canova, entre otros.

    10. ¿Hay buena bibliografía escrita de la escultura del Museo del Prado? ¿Qué libros destacaría?

    Poco a poco se va completando su estudio, se han publicado en el pasado parte de las colecciones, y en este momento, diversos artículos en los últimos años están completando y revisando exhaustivamente las colecciones, junto con otros en redacción, avanzándose en la puesta al día de la catalogación.

    11. Muchos pintores van ver la pincelada de Velázquez o Goya. ¿Sucede lo mismo con artistas que vayan a ver la escultura al Museo del Prado?

    No en la misma medida, obviamente. Pero si interesa cada vez más, y el hecho de su paulatina exposición en las salas del Prado combinando pintura y escultura de la misma época está descubriendo, a los visitantes, nuevas miradas.

12. Hay numerosos copistas de pintura en el Museo del Prado. ¿Sucede lo mismo con la escultura?

    No habitualmente, pero ocasionalmente sí vienen a dibujar esculturas, sobre todo clásicas, siguiendo la tradición de aprendizaje.

    13. Baudelaire decía que “la escultura era aquello que impide ver la pintura en los salones. ¿Qué le parece?        

    En un cierto sentido era así, cuando los salones se centraban en pintura, pero poco a poco los Museos van teniendo salas específicas de escultura, o van exhibiendo las esculturas con la importancia que merecen, como parte del discurso expositivo.

Ariadna dormida. Museo del Prado

Esculturas del Museo del Prado

Leticia Azcue y Carmen Valero Espinosa

Enrique Gracia Trinidad, Pepa Nieto y Ángela Reyes en las "Tardes de Prometeo"

Pepa Nieto, Enrique Gracia Trinidad y Ángela Reyes, intervinientes en las "Tardes de Prometeo"

Alberto Martín Baró y Angelina Lamelas

J.S.A.

6/11/25.- Madrid.- Los poetas Enrique Gracia Trinidad, Pepa Nieto y Ángela Reyes han llevado a cabo una lectura poética de sus respectiva obra en la tertulia Tardes de Prometeo, que tiene lugar todos los primeros miércoles de mes en el Centro Riojano.   (Año 45  -  Sesión 1.868) 

Los tres poetas invitados tienen una larga experiencia en tertulias y talleres poéticos. “Arco poético” se denomina la tertulia de Pepa Nieto.

    Enrique Gracia Trinidad. Madrid: Escribir por si alguien, algún día, / tiene un dolor de corazón idéntico / o sufre una alegría semejante.

    Pepa Nieto.  Outes (A Coruña). Ahora era distinto. / Había presumido de llevar la antorcha. / Cruzaba el mar sin miedo hasta la orilla. / Allí, sobre la arena blanca, / se empapaba de sueños.

     Ángela Reyes. Jimena de la Frontera (Cádiz). Ya sé que el Ángel de la gurda tan solo guarda / y sé también que el tuyo lo dejaste al borde de mi luto, / desperdigando plumas, acumulando tras las puertas / sus pausados suspiros.

    Entre los asistentes al acto, en su mayoría poetas, se encontraban Angelina Lamelas y Alberto Martín Baró, escritores que abrieron las Tardes de Prometeo este curso, el mes de octubre, con la lectura poética de los libros “Mujer en vela” y “Recuerdos y presencias”.

Otros asistentes al acto: Franca Figueroa y su hija Guiomar Ruiz, Emilio Porta, Soledad Serrano Fabre, Antonio Portillo Casado…

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https://www.angelareyes.org/

Franca Figueroa y Guiomar Ruiz

Soledad Serrano y Emilio Porta

“UNA AUSENCIA QUE INSISTE. Osvaldo Lamborghini, entre España y Argentina”, libro de Jorge García López

L.M.A

5/11/25.- Madrid.- “UNA AUSENCIA QUE INSISTE. Osvaldo Lamborghini, entre España y Argentina” es el libro de Jorge García López, publicado por la editorial Montesinos.

    Sinopsis: Osvaldo Lamborghini (Buenos Aires, 1940?Barcelona, 1985), poeta, narrador y artista plástico, fue una de las figuras más singulares y radicales de la literatura argentina del siglo XX. Autor de culto desde su irrupción con El (1969), un texto que marcó a toda una generación por su violencia verbal y su ruptura, su obra, breve pero de enorme influencia, incluye títulos como Sebregondi retrocede (1973) y la inacabada Tadeys. Hoy sigue siendo un referente decisivo para varias generaciones de escritores y artistas.

         Sin extraer a Lamborghini de Argentina, en este texto se abre un espacio para que Lamborghini pueda ser leído al margen de las claves inevitablemente argentinas de su escritura y, al mismo tiempo, es el hilo que da forma a una constelación de escrituras peninsulares que, como la suya, subvierten las bases mismas de la literatura y la lengua.

CAROL PRUNHUBER presenta su libro "De Venezuela al Kurdistán, crónicas de un destino"

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https://www.carolprunhuber.com/

https://www.instagram.com/p/DQjXyhWDLcO/?igsh=MXhnNGp2aDJhdGt3MA%3D%3D

https://lamiradaactual.blogspot.com/2022/09/carol-prunhuber-en-madrid-y-prepara-sus.html

“REVOLUCIÓN”: Historia emocionante de una familia portuguesa desde el colapso del Imperio hasta la democracia

Un fenómeno literario en Portugal. Una novela épica sobre la Revolución de los Claveles y el nacimiento de la democracia portuguesa

HUGO GONÇALVES, escritor

L.M.A.

5/11/25.- Madrid.- Las sagas familiares son con frecuencia la mejor muestra de la historia o quizás de la intrahistoria como diría Miguel de Unamuno. “Revolución” es el libro de Hugo Gonçalves, que narra la emocionante historia de una familia desde el colapso del Imperio portugués hasta el despertar de la democracia. La novela ha constituido un fenómeno literario en Portugal. La traducción es de Rita da Costa, y la publicación de la editorial Libros del Asteroide.

    En Portugal, durante los últimos coletazos de la dictadura y los primeros meses de la revolución, hasta la llegada de la democracia en 1976, tuvo lugar una época convulsa y violenta en la que el país entero osciló entre la esperanza y el temor a una guerra civil. En esos años, las vidas de los tres hermanos Storm se ven profundamente afectadas por los cambios que recorren la nación. Maria Luísa, una ferviente militante comunista, tiene que pasar a la clandestinidad; Pureza, la mediana, observa cómo su anhelo de llevar una vida tradicional se tambalea ante un proceso revolucionario que amenaza con trastornarlo todo; mientras, Frederico, el más joven, solo parece interesado en divertirse y en encontrar la manera de librarse del reclutamiento.

    "Revolución" es una novela épica que combina tragedia y comedia para explorar los vínculos familiares y la manera en la que nuestros actos y nuestras omisiones revelan quiénes somos realmente. Galardonada con el prestigioso Prémio Literário Fernando Namora, este libro es uno de los hitos de la literatura portuguesa reciente.

    Hugo Gonçalves (Sintra, 1976) es un escritor y periodista portugués. Es autor de varias novelas, entre las que destacan O coração dos homens (2006), Enquanto Lisboa arde o Rio de Janeiro pega fogo (2013), Filho da mãe (2019; finalista de los premios P.E.N. Clube y Fernando Namora), Deus Pátria Família (2021; semifinalista del Premio Oceanos) y Filho do pai (2025). Su novela Revolución (2023; Libros del Asteroide, 2025), se ha convertido en uno de los grandes éxitos editoriales de la literatura portuguesa reciente y ha obtenido el Prémio Literário Fernando Namora 2024, uno de los más importantes del país. Guionista de la serie Rabo de Peixe, ha sido corresponsal de diversas publicaciones portuguesas en Nueva York, Madrid y Río de Janeiro.

CARLOTA CUESTA expone su nueva serie artística “Otra Era” (2020-2025), en la galería de arte Ra del Rey

Carlota Cuesta, artista visual

La artista visual ante su obra

Julia Sáez-Angulo

Fotos: Adriana Zapisek

4/11/25.- Madrid.- La artista visual Carlota Cuesta expone su nueva serie artística “Otra Era”, en la galería de arte Ra del Rey. La muestra permanecerá abierta todo el mes de noviembre.

    En la inauguración, muy concurrida de público, estuvieron la directora de la galería Charo Rincón; los pintores Ricardo G. Goñi, Carmela Saro, Paz Santos, María Jesús Aragoneses, Sonia López…; los poetas Encarna Pisonero, Antonino Nieto…; el profesor López Soldado y su esposa Carmen; las críticas de arte Guía Boix, Carmen Valero Espinosa y Julia Sáez-Angulo; Natalia Fernández… Carlota Cuesta tiene gran poder de captación.

Carlota Cuesta, de negro y con bombín, con su habitual labia y humor, tomó la palabra entre los asistentes y confesó que sentía el mismo pánico escénico, que durante la primera inauguración. Recordó que todo creador no escapa a la época en que vive, porque absorbe y procesa todo lo que vive, ve y mira…; que la exposición ha tomado un clima, advierte, pero no amenaza…; que el ser humano ha llegado al sumun de sus posibilidades, al lograr la capacidad de su autodestrucción masiva…, que utiliza los helechos en su obra, porque son de las primeras plantas que hicieron su aparición en la tierra… que los marcianos… El discurso se interrumpió con música, danza y canapés.

“Y eso que llamamos silencio es el aullido de un planeta” dejó dicho Borges y la pintora lo recoge en su catálogo. Alvin Toffler nos habló de la “tercera ola”, cuando llegó la informática a la vida de los ciudadanos; Carlota Cuesta nos habla simbólicamente en sus cuadros de esa tercera ola despanzurrada en campos con ausencia de color y presencia uniforme del blanco, como aire uniformado, símbolo final y germinal al mismo tiempo. 

Cada exposición de Carlota Cuesta es una explosión de creatividad renovada. Cuatro años de reflexión y trabajo desde su última comparecencia artística. Recuerdo su serie “Pecios”, donde al igual que esta “Otra Era”, el collage hablaba con elocuencia de los restos de un posible naufragio. No se trata de una exposición con visión apocalíptica, porque la belleza está presente en esta obra, y la belleza siempre redime. Ahí radica la catarsis

El catálogo de la muestra habla de “Manual de instrucciones para ver la exposición” y nos ofrece unos códigos para contemplar los paisajes pictóricos singulares, “calcinados” por el blanco… Lo dicho: arte, belleza y símbolo. Pocas veces la galería Ra del Rey ha adquirido un aspecto tan sublime, como con esta muestra sobrecogedora y hermosa.

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https://lamiradaactual.blogspot.com/search?q=Carlota+Cuesta

Carlota Cuesta, pintora

Sonia, Carmen, Guía, Antonino y Julia, asistentes a la inauguración

La Academia entrega su Medalla de Honor 2025 a la Fábrica Nacional de Moneda y Timbre-Real Casa de la Moneda

            

CASA DE LA MONEDA (Foto Turismo Madrid)

        L.M.A.

        04.11.2025.- Madrid.- La FNMT-RCM, a través de su presidenta directora-general, Isabel Valldecabres, recibió de manos de Tomás Marco, director de la Academia, la Medalla de Honor 2025 de la corporación.

En el acto, el académico José María Luzón Nogué pronunció la laudatio, exponiendo los motivos por los que se presentó la candidatura de la FNMT-RCM para la concesión de esta medalla. El académico destacó especialmente la historia y actividad de la FNMT-RCM, paralela a la de la Academia, fundamentalmente en el ámbito del grabado, reconociendo asimismo la destacada colección que alberga el Museo Casa de la Moneda.

“La vocación de excelencia a lo largo de su historia, el compromiso ineludible de conservación de su importante patrimonio, el fomento de la docencia y la extensa oferta cultural de conciertos, conferencias, talleres, exposiciones, etc. son testimonios elocuentes de la aportación a la sociedad de la FNMT-RCM”, señaló Luzón.

Por su parte, la presidenta directora-general de la FNMT-RCM, Isabel Valldecabres, recibió la distinción en nombre de la entidad con enorme gratitud y destacó que “la cultura es una forma de esperanza activa y una forma de verdad. Desde nuestras acuñaciones, estampaciones, artes gráficas y custodias patrimoniales, la Real Casa de la Moneda ha apostado siempre por la verdad de la forma, la dignidad del oficio y la emoción silenciosa de lo bien hecho”, destacó Valldecabres.

La ceremonia se completó con la actuación musical del organista Daniel Oyarzábal.

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La Medalla de Honor de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando y la FNMT-RCM

La concesión de la Medalla de Honor de la Academia de Bellas Artes de San Fernando fue instituida en el año 1943 y se concede con carácter anual a una persona o entidad española o extranjera que se haya distinguido de modo sobresaliente en el estudio, promoción y difusión de las artes, en la creación artística o en la protección del patrimonio histórico, cultural y natural.

La elección de la FNMT-RCM se dio a conocer en la festividad de San Fernando, el 30 de mayo de 2025. La propuesta fue presentada por el escultor Juan Bordes, el pintor Hernán Cortés y el profesor José María Luzón.

En esta propuesta se resaltaba el papel fundamental que ha tenido la entidad en la evolución tecnológica del arte gráfico y en la formación de profesionales cualificados, donde destaca su Escuela de Grabado y Diseño Gráfico.

Asimismo, el Museo Casa de la Moneda desarrolla una amplia actividad científica y cultural, siendo referente de los museos de su género en todo el mundo. Sus colecciones están vinculadas a dos personajes estrechamente ligados a la Academia de Bellas Artes de San Fernando, como son Tomás Francisco Prieto, grabador general de la Casa de la Moneda con Carlos III y director de grabado en hueco en la Academia, y Roberto Michel, escultor del rey, profesor y director de la Academia.

Además, la promoción de artistas consagrados y noveles encuentra también su espacio en la FNMT-RCM, respectivamente, en el Premio Tomás Francisco Prieto y en el Certamen de Arte Gráfico para Jóvenes Creadores, coorganizado con la Academia.

La FNMT-RCM ha heredado y conserva un rico patrimonio relacionado con la acuñación de monedas. Impulsa iniciativas y actividades con otras instituciones, como la Sociedad Iberoamericana de Estudios Numismáticos, con la que coedita la revista Numisma; la Real Academia Hispánica de Historia Filatélica y Postal, con la que comparte actividades científicas y editoriales; el Ayuntamiento de Segovia, para la rehabilitación del Real Ingenio de la Moneda, donde se presentarán exposiciones temporales de numismática; el Gabinete Numismático de Canarias, al que ha apoyado con una importante dotación bibliográfica, o la Escuela Superior de Música Reina Sofía, con la que colabora en un proyecto educativo, entre otras.