MARIA LAFUENTE expone su colección de Moda en el Ateneo de Madrid y lo celebra por todo lo alto en Castellana

 

María Lafuente con sus costureras

MARÍA JESÚS DE FRUTOS. Conferencia, exposición, cumpleaños, pañuelos y reunión de artistas

María Jesús de Frutos, con decenas de pañuelos y echarpes, más un libro, regalos de cumpleaños

Ante un paisaje urbano de Segovia, pintado por M. J. Frutos 

Julia Sáez-Angulo

Fotos: Luis Magán y Aracely

21/2/24 .- Madrid .- Somos como niños, mejor dicho como niñas, y acudimos raudas, cuando nos invitan a una fiesta de cumpleaños como la de la pintora María Jesús de Frutos en La Granjilla de San Martín de Valdeiglesias. Y digo lo de niñas, porque, aunque había un solo varón, Luis Magán, quizás el detestado lenguaje inclusivo me permita un plural femenino, ya que sobreabundaban las féminas, en vez de los hombres. (El director de la RAE me va a censurar con razón. Y lo de “niñas” es un madrileñismo para llamar así a un grupo de mujeres, aunque sean adultas).

El tiempo y el campo estaban preciosos de sol y primavera florecida incipiente, por lo que disfrutamos del día, sin bien los alérgicos al polen y las gramíneas estornudábamos sin piedad, cubriéndonos -muy finos- la boca con el codo. Nos recibieron con aperitivos, entre los que había dátiles, fruta de bienvenida entre los habitantes del desierto, aunque la finca era un vergel de cipreses, árbol también de bienvenida en todo el Mediterráneo, aunque estábamos en pleno y precioso valle de la meseta. Castilla utiliza los cipreses como árboles de la memoria en los cementerios.

La anfitriona y cumpleañera María Jesús de Frutos nos informó de que andaba preparando una conferencia -lección magistral la llaman- sobre la trayectoria de su obra artística en la Fundación Antonio Gala de Córdoba, donde ella expuso su pintura hace unos meses. También nos contó que prepara una exposición en Sha Wellnes, un espléndido complejo de salud y vacaciones en Alfàs del Pi, coincidiendo con el Festival de Cine que tendrá lugar durante los meses de julio y agosto de 2024.

Cuando pasamos al amplio estudio/taller  de M. J. Frutos, comprobamos que, sus últimos trabajos pictóricos van casi por el monocromo en azules y blancos, ella que es una colorista radiante. Un buen paisaje urbano de Segovia -localidad natal de la autora- arracima a las invitadas para una foto de grupo. Otro cuadro de gran formato, sobre ecos de Marruecos, es también elegido por muchas para su particular Photoshop. Me interesaron mucho sus pequeños cuadros con flores y frutas a gran escala, dignos de un políptico singular.

Todas las artistas presentes tenían y contaban sus proyectos entre manos. Los más inmediatos: la entrega de Medallas de Oro Mayte Spínola por partida doble: primero en el Teatro Español de Marmolejo (Jaén), el próximo 2 de marzo, y seguidamente el 1 de abril en el Nasdaq de Nueva York, en un homenaje que le brinda Carlos Creus Moreira, CEO de WISeArt, con motivo de su 80 cumpleaños. Ciertamente vamos de cumpleaños en cumpleaños. Mayte nos fue contando diversas anécdotas que rodean a los eventos, que iremos desvelando en el futuro inmediato.

Maite Blázquez, delegada del Grupo pro Arte y Cultura en Alicante, y yo nos traemos un proyecto, de momento solo en fase de conspiración, que si sale, le daremos luz y taquígrafos.

El sol calentaba con tal fuerza en el porche, que pasamos al amplio comedor para sentarnos a la mesa de manteles blancos y centros florales de colores. Luis Magán disparó algunas fotos sobre la bonita mesa y se sentía el varón más interesante del grupo, porque, además, la anfitriona que ocupaba el lugar presidencial a la francesa -en el centro alargado de la mesa- lo hizo sentarse en la cabecera -lugar presidencial a la inglesa. Dos protocolos en liza. De pronto me doy cuenta de que, con la llegada tardía de la vasca Ainhoa, somos trece en la mesa y recuerdo a las andaluzas supersticiosas, por lo que rogué a la de mi lado, que no pusiera de relieve el asunto en voz alta. Sé de alguien que se hubiera levantado para ir a comer a la cocina.

        A mi lado me tocó a Belén F. Vidal, que me contó historias fabulosas sobre un curandero de pueblo, que pasa consulta en Madrid, y curó las numerosas verrugas en las piernas de una pariente suya, algo que no habían conseguido los dermatólogos. Arrancó una, que él vio como la verruga-madre y terminó con todas, porque se fueron secando en 48 horas. Un auténtico demiurgo.

Hablamos todas, de todo un poco. Nati Cañada nos informó de que ya va por casi quinientos retratos individuales (30 x 30) de mártires de la pasada Guerra Civil, en su mayoría religiosos, curas y monjas. Están sacados muchas veces, de viejas fotografías de la familia. Los presenta en tondos sobre fondo dorado. Algún día los expondrá todos juntos y la pintora está a la espera del anunciado reconocimiento que el Papa Francisco quiere ofrecer a los mártires de toda la Cristiandad, el año que viene. El tema dio para debate sobre beatificaciones y canonizaciones, según las disposiciones canónicas.

También hablamos de la lectura de las rayas de mano, que Nati Cañada aprendió en su día de Julia Spínola, madre de Mayte. En cierta ocasión, alguien lo puso de manifiesto en una reunión en La Escorzonera y se hizo una cola ante Nati, que gentilmente leyó todas las manos de los interesados. Pero es tal la energía y el esfuerzo mentalista que requiere, para leer e interpretar las rayas de la mano, que al levantarse, Nati, pintora y quiromante, se desplomó en el césped.

Araceli Alarcón, otra pintora de pro, aseguró que Nati Cañada le pronosticó una larga vida y riqueza en los años postreros de su vida, tras observar con detenimiento las rayas del borde de su mano. Araceli acaba de adquirir una casa/estudio a ras de calle y entre verdor de árboles en Brunete. Ahora sueña con encontrar un apartamento recoleto en el noroeste gallego, que complemente su espacio vital. Mar y sierra, sierra y mar. Una mujer de éxito.

En esta ocasión no voy a hablar del menú, sino de los vinos: un buen rioja, Marqués del Riscal, para el tinto y un rueda verdejo, “Atlético de Madrid 1903”, para el blanco. Estábamos, donde estábamos. Para postres: una enorme tarta de manzana, obra de la pintora/ repostera Cuchi de Osma y una entonadas torrijas -estamos en Cuaresma- de la servicial Melisa. Los dulces, al final de una comida, siempre dejan optimistas a los comensales, según los ingleses.

Al terminar el café, comenzó el alboroto de abrir los regalos por María Jesús, que se encontró, en medio del regocijo general, con una sucesión de pañuelos, bufandas, echarpes, pashminas, de seda, organza, lana… La cumpleañera se los iba poniendo todos ellos juntos en el cuello y los hombros, mientras Luis Magán disparaba su cámara a placer. Como el escritor Francisco Umbral decía, que la crítica de arte era “subjetivamente injusta”, yo me atrevo a aventurar, que los pañuelos más interesantes fueron los elegidos por Luis Magán y la coleccionista de arte Dolores Tomás.

    Los regalos que rompieron la cadena de pañuelos, fueron los de Carmen Valero y el mío: una moneda de plata policromada, con la imagen de la Infanta Leonor y valor facial de 40 euros y un libro, novela en tiempos del incendio de Lisboa en el XVIII.

    A la vista de lo sucedido con la abundancia de pañuelos, propongo lo que decía y hacía el humorista Tip ante los agasajados, cuando acudía a los cumpleaños: “Como tienes de todo, toma estas 500 pesetas y cómprate lo que quieras”.

    Foto de familia de despedida en las escalinatas de la casa. Lio sobre altas y bajas. Hay quien se pone de puntillas o se sienta en las escaleras. La cuestión es salir en la foto, incluido el fotógrafo que siempre se coloca, como imagen de marca, unas gafas al estilo José Feliciano, lo que da que pensar, si se esconde de la policía o de Hacienda. Lo segundo sería peor.

       Echamos de menos a Manuela Picó y a Adriana Zapisek, que no pudieron venir.

    Vuelta a Madrid, 78 km. La capital de España es ya tal megápolis, que ha transformado el territorio en un “Gran Madrid”.

Almuerzo de cumpleaños

M. Jesús de Frutos

Estudio de M.J. Frutos

Belén, M A Jesús, Anaya y Elena Rute

M.J. Frutos ante una de sus obras sobre Marruecos

M. Jesús y Julia

Nati y M.Jesús

"ANTONI TAPIES. La práctica del arte", exposición en el Museo Reina Sofía

Museo  Nacional Centro de Arte Reina SofiaReina Sofia.Edificio Sabatini

Del 21 de febrero al 24 de junio de 2024       

 

Pinturas de Antoni Tápies

 

        Mayca NÖIS

    20/02/2024:- Presentación a los medios de la magna exposición con motivo del centenario del nacimiento de Antoni Tàpies (1923-1012). La Fundación Antoni Tàpies la organiza en colaboración con la Comunidad de Madrid. El título está tomado, en la que es hasta la fecha la mayor retrospectiva, de la primera compilación de sus escritos. Llega procedente de Bozar-Palais des Beaux-Arts. Bruselas(14 septiembre 2023 al 7 enero 2024) en menor cuantía de cuadros expuestos. Y le seguirá  la Fundación Antoni Tàpies,Barcelona (del 17 de julio 2024 al 13 de enero 2025)

Son cerca de 220 obras procedentes de museos y colecciones de todo el mundo, colaboración con la Fundación y prestamos de familia del artista en una visión de la amplia carrera del artista desde 1943 al 2012. Muestra su trayectoria desde los inicios marcados por la herencia de las vanguardias históricas. En la década de 1950 tras su larga experimentación con la materia constituye un despliegue de su carrera en el ámbito internacional. En los sesenta se involucrará en sus tentativas objetuales y su compromiso político netamente antifranquista, hasta la llegada de la democracia con una nueva realidad cultural a lo que incorpora nuevas investigaciones maté ricas: el barniz y su nuevo interés en la espiritualidad oriental. Lo que le lleva a un acendrado lirismo. Las dos últimas décadas de la obra artística están invadidas por un sentimiento de nostalgia. Unido a su edad avanzada sobresale la temática de la muerte y de la enfermedad.

Presentes en el acto el comisario de la muestra Manuel Borja-Villel, Antoni Tàpies hijo mayor de los tres hijos del artista (fallecido su hermano pequeño Miquel impulsor de la Fundación),Enma Prieto,directora de la Fundación Tàpies, Manuel Segade director del Museo Reina Sofía.

Todos ellos han expresado su acercamiento y consideración al artista y su obra:

 “ Es una ocasión maravillosa para volver a mirar el legado de Antoni Tàpies, artista prolífico, el más importante de la segunda mitad del siglo XX dentro del contexto español y un artista que sigue persiguiendo los conceptos y esta exposición es el ejercicio para determinarlo como es: poliédrico y prolífico y sobre todo en su reflexión entre la vida y la muerte. En esa pulsión, de algún modo, se estremece todo lo político, lo social, lo humano y el amor. Y no es baladí ver sus autorretratos como reflexión”

“Intelectual con un lenguaje personalísimo con una resonancia científica que rebasa el ámbito de su obra. Testimonio relevante de una nueva generación que ayudó a asentar las bases de una sociedad española. Esta exposición es un honor para todos en la Comunidad de Madrid y a todos los visitantes que puedan contemplar la grandeza de la obra artística”

“Esta exposición es realmente una fiesta. La más grande realizada sobre el artista catalán que permite trazar a través de más de 220 obras un mapa de las colecciones públicas y privadas que muestra en sí misma el peso que tiene el artista hasta el día de hoy”

Para conseguir y refrendar los logros de tan acertadas palabras la exposición se ha segmentado ocupando toda la cuarta planta del edificio Sabatini del Museo en: 1)Primeros años, 2)Materias, 3)Proyección Internacional, 4) Papeles,cartones,objetos y cuerpos, 5)Tàpies politicio, 6) Cambios conceptuales y formales y 7) Últimos años

Por los rasgos expresionistas se le ha asociado a la abstracción y el informalismo de posguerra. Sin embargo Tàpies se consideraba un pintor realista y no abstracto en el que el empleo ,inconfundible, de la materia para crear formas y objetos le identifican ineludiblemente. Teniendo en cuenta su formación, en principio autodidacta, motivada por una grave  y larga afección pulmonar con 18 años. Fechas en las que copia a artistas, y realiza dibujos sobre todo autorretratos. También entran en sus composiciones temas que estarían siempre presentes en su lenguaje plástico como: la cruz, caligrafías referenciales, perforaciones e incisiones, paisajes y la ambigüedad del cuerpo y la sexualidad.

Importante ser becado por el Instituto Francés de Barcelona (1950-51) reside en Paris lo que le permitió entrar en contacto con las vanguardias internacionales. Reflejado en la serie de dibujos “Historia Natural” que revelan su deseo de entender el mundo y de reflexionar sobre la condición humana.

En el recorrido de las salas es notoria a partir de 1953 cómo el artista experimenta un punto de inflexión. La superficie  pictórica se hace más matérica al incorporar texturas densas similares a las de una pared o tapia. A las que les aplica: incisiones, marcas, huellas, perforaciones…. Un nuevo lenguaje presidido por el color siempre en gama de ocres,grises y marrones, con pequeñas matizaciones muy sutiles en contrastes tonales y texturas que enriquecen este campo pictórico.Esta madurez artística le sitúa en la crítica y reconocimiento, aún joven, en la vanguardia nacional e internacional por lo que se suceden reconocimientos y exposiciones en grandes e importantes centros.

La renovación artística de posguerra queda, desde 1948 , refrendada con la creación del grupo catalán vanguardista “Dau al Set”, con Joan Brossa, Arnau Ouig, Joan Ponc, Modest Cuixart…

Loa trabajos del artista en papel y cartón, no siempre suficientemente puestos de relieve, tienen en esta ocasión la atención que merecen. Especial mención a los dibujos de “Teresa”(1966) que dedicó a su esposa Teresa Barba. Con estos materiales experimenta con la materia y nuevos efectos con el: arrugamiento, incisiones… a los que va agregando con el tiempo objetos reconocibles, a menudo usados y también cómo la cuestión del cuerpo humano cobre una importancia creciente.

Un factor personal, a medida que su reputación internacional  se consolida, es su negativa a participar en exposiciones organizadas por el régimen lo que conllevó a ciertos momentos participativos de manifestación como por ejemplo en 1970 para protestar por el proceso de Burgos en que se juzgaba a opositores al régimen de Franco.

A partir de los 80 los formatos ganan tamaño con trazos en superficies más amplias en los que sobre todo, en la primera época, los diálogos son austeros en ocres y negros. Al mismo tiempo avanza su adscripción e interés por la cultura y el arte oriental. La materia se asocia con la:inscripción, la materia, los ideogramas en especie de jeroglíficos con los simbolos:cruz,ojos, cama, pies…

Una cierta melancolía invade el espíritu de Tàpies en las dos últimas décadas de su vida. Predomina en su obra, ya bien reconocida, continúas referencias a: muerte,dolor, enfermedad. Los acontecimientos como la caída del muro de Berlin y descomposición de la Unión Soviética hacen mella en su ánimo. A pesar de todo no dejó de insistir en la importancia del arte como herramienta de denuncia al servicio de la sociedad y en el compromiso del artista para hacerla valer. Una de sus  piezas más icónicas realizada en 1995 “Dukkha” (que significa: desilusión, sufrimiento, vacio, tensión, desazón…)  representa, en su momento vital, el impacto de la limpieza étnica con la antigua Yugoeslavia enzarzada en una cruenta guerra fratricida mientras que a pocos kilómetros se realizaban festejos como la Bienal de Venecia.

Su hijo Antoni Tàpies expresa su agradecimiento “por hacer conseguido reunir tantas piezas magnificas de la obra de mi padre de tantos lugares del mundo. Esto hará que nuevas generaciones y otras que le conocían poco vean su obra. Suele pasar que cuando desaparece un artista su obra, durante un cierto periodo de tiempo, entra como en oscuro túnel. La exposición va a permitir que su obra sea revisitada y valorada de nuevo y puesta en el lugar que merece”

En el catalogo de la muestra se revela por el comisario Manuel Borja-Villel  cómo para Tàpies el tiempo “era espiral. Hay mutaciones y cambios en su obra y desde las materias de los años cincuenta a los barnices de los ochenta hay una evolución. Pero esta no se fundamenta en una progresión, en un quemar etapas, en un desarrollo lineal, sino en las superposiciones, repeticiones y ritornelos”

Respetar estas consideraciones, ante tan magna representación de obra, es un motivo de contemplación en reflexión sobre la gran obra del reconocido artista español internacional.

Obituario. GONZALO CAO, UN PINTOR AL MARGEN

             

Gonzalo Cao, pintor (1957-2024)

Tomás Paredes

    21.02.2024.- Madrid .-  El pasado 18 de enero, a la edad de 67 años, fallecía en Cuenca el pintor Gonzalo Cao, profesor de Bellas Artes en LUCM, que tuvo en la galería de Rafael Pérez Hernando su espacio de contacto con el público. Anárquico y mollar, libertario, conquistó un lenguaje pictoricista que aúna la pulpa de la pintura y las caliptras de la sensibilidad, generando una sutil emoción.

    Gonzalo Rodríguez Cao, Estribela (Pontevedra) 1956, se forma en el manejo técnico de la fotografía, cuyos trabajos expuso en su primera individual en Madrid, Galería Redor Canon, 1980, derivando más tarde hacia la pintura comprometida con el color. Desde 1984 residió en Nueva York, formando parte de varios proyectos y muestras colectivas en Pelhalm Art Center, Jon Gerstad Gallery y Sixtosix Gallery. 

    Regresa a España y, en marzo de 1988, realiza su primera muestra individual de pintura con Antonio Machón, Madrid. Fondos cósmicos para formas aerodinámicas, con unas estructuras humanizadas de un poderoso impacto espacial y cromático; capas finas de pintura y papel hasta conseguir una epidermis acharolada de intensas cromías. Aquí le conocí y de esa exhibición escribiría en El Punto de las Artes.

    Profesor en la Universidad de Castilla-La Mancha, Facultad de Cuenca, desde 1989, impartirá clases de Fotografía y Pintura, además de ser responsable durante unos años de la sala de exposiciones de la Facultad. Desde 1991 expone, en solitario, en Cuenca; Sala Estrujenbank, Galería Valle Quintana, hasta que comienza a trabajar con Rafael Pérez Hernando, en Madrid, mostrando en diciembre de 2005 sus famosos “Monguis”.

    Los “monguis” son una serie de personajes idealizados donde las figuras geométricas consiguen una figuración empática, cuajada de primitivismo y esencialidad que con la fuerza del color y la austeridad de las líneas logran un evidente impacto. Tienen gracia y guasa, y una limpieza que enamora. No es una pintura para niños, sino unos seres, entre ingenuos y bohemios, entre pillos y ajenos, que enriquecen y justifican la pintura. Tienen gracia y guasa

Junto con Miguel Ángel Barba, Pablo Valle y Juanmi, forman el llamado “Nuevo Grupo de Cuenca”, caracterizado por una pintura visceral y entusiasta, espontánea, repleta de ironía y sentido plástico, haciendo del disparate, de la “nota falsa”, una interpretación gustosa, que determina sus composiciones. Obra que pudimos contemplar en 2008 en la galería Rafael Pérez Hernando.

Gonzalo Cao fue profesor de la Universidad en Cuenca hasta 2014 cuando, no se entiende por qué, no se le renovó su contrato, lo que produjo una serie de repetidas protestas de alumnos y colegas, que se plasmó en un libro 24 años pa ná. El siguió ligado a Cuenca y dejando constancia, en exposiciones e intervenciones, de los reflejos de su mundo no outsiders, pero si apartado de modas y modos al uso.

Además de intervenir en numerosas colectivas, como la comisariada por Quico Rivas en Buades, “El retractor”, en 2000, es autor de varios libros, entre ellos, Cuenca-Madrid, crónica de seis días de viaje a pie entre ambas capitales con edición manufacturada. 

Menciono en varias ocasiones el nombre de Rafael Pérez Hernando, galerista que acaba de publicar Las higueras necesitan compañía, Pre-Textos, porque él fue un valedor incansable de Cao y porque presentó, con montajes exquisitos, el mundo más genuino de un pintor al margen, montado en la cometa de sus sueños y volando como un pájaro cuya única posesión era el nido de la pintura y la poesía que se cobijaba en el aire que le rodeaba. 

El Ministerio de Cultura elabora una guía de buenas prácticas relativas al uso de Inteligencia Artificial, IA

• Las recomendaciones se aplican en las distintas unidades y entidades ministeriales a ámbitos como la contratación de actividades y servicios creativos, los Premios Nacionales y las subvenciones 

• Con esta iniciativa, el Ministerio defiende la utilización de la inteligencia artificial como herramienta para creadores, creadoras y personas trabajadoras del sector cultural que respete el marco regulatorio de propiedad intelectual 

"El Orden Mundial"

     L.M.A.

    19-febrero-2024.- Ante el progresivo aumento del uso de la inteligencia artificial en los procesos creativos, el Ministerio de Cultura ha dado un paso adelante en la protección de los derechos de los creadores y las creadoras del ámbito cultural. Así, ha elaborado una guía de buenas prácticas para incluir en sus propios procedimientos y garantizar el respeto a las personas titulares de derechos de propiedad intelectual en las actuaciones impulsadas por las distintas unidades y entidades ministeriales. Tecnologías como la inteligencia artificial deben servir para ofrecer nuevos lenguajes y herramientas tanto a las personas creadoras para su expresión artística, como al resto de personas que trabajan en el sector cultural, como instrumento para el desarrollo y la digitalización de procesos, pero sin menoscabar el impulso, promoción y protección que el sector requiere. 

Las recomendaciones elaboradas por el Ministerio de Cultura se centran en tres ámbitos: la contratación de servicios y actividades creativas, los Premios Nacionales y las subvenciones.  

En cuanto a la contratación de servicios y actividades que requieran un desempeño creativo se optará por el recurso a profesionales de la creación artística y obras protegidas por derechos de propiedad intelectual. En estos casos, podrán emplear sistemas de inteligencia artificial como herramientas de apoyo en sus procesos creativos, pero no de manera sustitutiva al desempeño humano.  

Además, en aquellos contratos o encargos de actividades o servicios en los que sea susceptible la incorporación de técnicas de inteligencia artificial, se procurará incluir una cláusula expresa que recoja que el proveedor deberá informar de la utilización de este tipo de tecnología. También tendrá que detallar el nivel de intervención y, en su caso, el papel de revisión de las personas físicas que desarrollen el proyecto. En todo caso los modelos de inteligencia artificial que se utilice deben garantizar el respeto a los derechos de propiedad intelectual, así como la transparencia en el ‘dataset’ y el cumplimiento del resto de obligaciones impuestas por la normativa reguladora de la inteligencia artificial.  

En el ámbito de los Premios Nacionales del Ministerio de Cultura, se promoverá la inclusión en las convocatorias de una cláusula para que no puedan resultar galardonadas aquellas obras que sean creadas íntegra y exclusivamente por inteligencia artificial generativa.   

Cláusula en las convocatorias de ayudas  

Respecto a las ayudas, las recomendaciones se centran en los procedimientos administrativos de subvenciones nominativas, directas, ayudas en concurrencia competitiva o transferencias a otras entidades, en los que para el desarrollo de la actividad u objeto subvencionable puedan utilizarse modelos de inteligencia artificial.  

 Para ello, en las convocatorias se promoverá la inclusión de una cláusula en la que se indique que los proyectos y actividades beneficiarios, especialmente aquellos en los que se incluya inteligencia artificial, deben garantizar el máximo respeto a la normativa reguladora en materia de inteligencia artificial y de propiedad intelectual.  

 Esta guía de buenas prácticas relativas a la utilización de la inteligencia artificial es una de las diferentes medidas que el Ministerio de Cultura pondrá en marcha para garantizar que esta tecnología sea empleada como una herramienta que facilite y mejore el trabajo de creadores, creadoras y demás personas que trabajan en el sector cultural, a la vez que se protege sus intereses. 

EL ESPACIO RAFAEL CANOGAR ABRIRÁ SUS PUERTAS EN TOLEDO EL PRÓXIMO 23 DE FEBRERO

La ciudad contará con una exposición permanente dedicada a Rafael Canogar en Roca Tarpeya, sede de la Real Fundación de Toledo

Rafael Canogar, pintor

            L.M.A.

        Toledo, 12 de febrero de 2024.- El próximo 23 de febrero se inaugurará el denominado Espacio Rafael Canogar en el edificio del Tallerón de Roca Tarpeya, sede de la Real Fundación de Toledo, en plena judería de la capital regional. Este hecho marcará un hito importante en la historia del arte contemporáneo en Toledo, al reconocer en vida la trayectoria de Rafael Canogar, nacido en esta ciudad en 1935, considerado como uno de los artistas españoles más importantes e influyentes en los siglos XX y XXI. 

Será un espacio permanente dedicado a nuestro artista, articulado en un horizonte de sucesión de muestras de las que la primera de ellas es “Proyecto 1: la construcción de un lenguaje (1973-2024)”, comisariada por Alfonso de la Torre y en la que se podrá admirar una treintena de obras, la mayoría de ellas de gran formato y en la que también se incluyen tres esculturas. Este conjunto de creaciones, datadas desde 1973 hasta hoy, muestra la coherencia compositiva de un artista esencial para conocer la evolución del arte de nuestro tiempo.

No en vano, Rafael Canogar, como destacado miembro fundador del determinante grupo informalista “El Paso”, surgido en 1957, jugó un papel fundamental en la historia del arte moderno español, logrando abrirlo definitivamente al espectro internacional. Consagrado como una de las referencias contemporáneas, siempre inquieto y genial, Canogar ha permanecido en constante evolución en sus siete décadas de creación. Reconocido con multitud de premios y distinciones, su obra puebla las colecciones de los mejores museos del mundo, desde el MoMA de Nueva York hasta el Reina Sofía madrileño.

El Espacio Rafael Canogar es un proyecto de la Real Fundación Toledo en el que ha sido decisivo el apoyo de la Junta de Comunidades de Castilla-La Mancha, a través de la Fundación Impulsa, para la adecuación interior del edificio del Tallerón de Roca Tarpeya, que supone otro de los atractivos de la exposición, al haberse recuperado en buena medida la atmósfera original del edificio, concebido para servir de lugar de trabajo del escultor Victorio Macho en los años 60, según las trazas de Secundino Zuazo y Rodolfo García-Pablos. La actual transformación del Tallerón para acoger la muestra ha sido diseñada por los arquitectos José Ramón González de la Cal y Josefa Blanco de Paz.

Para la Real Fundación de Toledo, el Espacio Rafael Canogar supone una importante apuesta cultural, que va a permitir un original diálogo entre las obras de dos grandes referencias del arte español en los siglos XX y XXI, como son las de nuestro artista y Victorio Macho, con el fin de convertir a Roca Tarpeya en un espacio de referencia sobre la creación contemporánea en Toledo.

“A NADIE SE LE DIO VENENO EN RISA”, homenaje y parodia al teatro del Siglo de Oro en el Corral Cervantes.

Funciones del espectáculo

Febrero 4 / 11 / 18 / 25 · 19:00 h

Corral  Cervantes. Paseo de la Chopera, 31

Madrid

J.S.A.

19/2/24.- Madrid.- “A nadie se le dio veneno en risa” es una frase de Lope de Vega, Príncipe delos Ingenios, que sirve de propuesta a cuatro expertos improvisadores se lanzan a jugar con el Siglo de Oro con el objetivo único de, como decía Lope, deleitar al público. Con ayuda de las sugerencias del público crearán escenas cómicas en las que caballeros, pícaros, reyes o criados atravesarán los temas predominantes de la época: los enredos del amor, el honor, la religión o la fugacidad de la vida.

Una mezcla de homenaje y parodia del teatro del Siglo de Oro, hecho y dicho con mucha gracia, con cierto ingenio, con desparpajo y la habilidad de los repentistas cubanos, que confeccionan una décima de inmediato con cualquier tema propuesto y lanzado al aire.

Estos cómicos confeccionan cuartetas cruzadas y abrazadas, romances y pareados, con una facilidad asombrosa. Ciertamente no siempre son perfectos, cuentan y advierten sobre posibles errores, pero conectan de lleno con el público general que lo pasa muy bien.

Sinopsis .- Los actores de Impromadrid, expertos improvisadores, se lanzan a jugar con el Siglo de Oro con el objetivo único de, como decía Lope, deleitar al público. Con ayuda de las sugerencias del respetable, crearán escenas cómicas en las que caballeros, pícaros, reyes o criados atravesarán los temas predominantes del Siglo de Oro: los enredos del amor, el honor, la religión o la fugacidad de la vida.

Y es que, tanto entonces como ahora, reír es necesario y, como dijo Lope, “A nadie se le dio veneno en risa”.

        Muy pronto se estrenará en el Corral Cervantes "La francesa Laura" de Lope de Vega. Es una suerte para Madrid poder contar con este Corral que solamente ofrece obras del Siglo de Oro o como en este caso, un sucedáneo curioso como experimento. El amplio recinto externo contará con un restaurante a partir del mes de abril.

EQUIPO ARTÍSTICO

Intérpretes
Ignacio López
Ignacio Soriano
Borja Cortés
Ainhoa Vilar
Paloma Córdoba y/u otros…

Creación y dirección
Ignacio López
Ignacio Soriano

Vestuario
Tatiana de Sarabia

REPARTO

Enamorado
Ignacio Soriano

Enamorada
Ainhoa Vilar/Paloma Córdoba

Secundarios
Borja Cortés, Ignacio López B.