LITERATURA UNIVERSAL,
EN ESPAÑOL Y EL UNIVERSO MUSICAL DE BERTOLT BRECHT SE AUNAN, EN DOS
CONFERENCIAS Y CUATRO CONCIERTOS, PARA
HACER UN RECORRIDO POR LA FIGURA DEL DRAMATURGO, POETA Y MÚSICO, BERTOLT BRECHT
Este será un
intento de retratar a Bertolt Brecht en todas sus facetas, como hombre, poeta,
dramaturgo, músico y también como inspirador de músicas.
L.M.A.
La semana próxima, el
martes 10 y el jueves 12 de mayo, a las 19:30 horas, tiene lugar una nueva
sesión en la Fundación Juan March (www.march.es, Facebook,
@fundacionmarch,
+fundacionmarch)
del formato de conferencias LITERATURA
UNIVERSAL, EN ESPAÑOL. Donde se analizará la figura de Bertolt Brecht.
Además los miércoles 11, 18 y 25 de
mayo y 1 de junio, se ofrecerá el ciclo El universo musical de Bertolt Brecht.
En la primera sesión del ciclo Literatura
universal en español, el traductor y académico Miguel Sáenz analiza, en una
conferencia, la figura de Bertolt Brecht. La segunda sesión se desarrolla a
partir de escenas teatrales del autor alemán, a cargo de los actores Ester
Bellver y Pedro Casablanc.
Por su parte, el ciclo de conciertos El
universo musical de Bertolt Brecht aborda la relación del dramaturgo con el
arte de los sonidos. Con un talento musical innato, Brecht fue capaz de
componer numerosas canciones, pero pronto resultó evidente que necesitaba la
colaboración de compositores profesionales para llevar a cabo la renovación
teatral que se había propuesto.
Ambos ciclos se desarrollan en
paralelo al proyecto Crear
para vivir, que vertebra la programación del Teatro Real durante
este trimestre, y que incluye la representación de Brundibár de Hans Krása, Moisés y Aarón de Arnold
Schönberg y El emperador de
la Atlántida de Viktor Ullman como reflejo de la dimensión del arte
como evasión y rebeldía en tiempos de dolor y opresión.
Martes 10 de mayo
Miguel Sáenz
Brecht, de cuerpo entero
Miguel Sáenz
Brecht, de cuerpo entero
Miércoles 11 de
mayo
Brecht compositor
José Antonio
López, barítono
Rubén Fernández
Aguirre, piano
Jueves 12 de mayo
Ester Bellver, Pedro Casablanc y Miguel Sáenz
Escenas brechtianas. Lectura dramatizada de fragmentos de textos teatrales por Ester Bellver y Pedro Casablanc, presentados por Miguel Sáenz
Ester Bellver, Pedro Casablanc y Miguel Sáenz
Escenas brechtianas. Lectura dramatizada de fragmentos de textos teatrales por Ester Bellver y Pedro Casablanc, presentados por Miguel Sáenz
Miércoles 18 de
mayo
Cabaret: la
canción protesta y el teatro político
Mary Carewe, cantante
Philip Mayers, piano
Miércoles 25 de mayo
Kurt Weill: Berlin, París, Broadway
Elizabeth Atherton, soprano
Roger Vignoles,
piano
Miércoles 1 de
junio
Hans Eisler: The
Hollywood Songbook
Günter Haumer,
barítono
Julius Drake,
piano
La
biografía de Bertolt Brecht (Augsburgo, 1989-Berlín, 1956) transcurre paralela
a las convulsas circunstancias históricas y políticas de su tiempo. Tras el
éxito alcanzado en la República de Weimar con el estreno de La ópera de
cuatro cuartos (1928), comienza en 1933 un exilio político que se
prolongará por quince años y durante el cual tendrá que huir del nazismo en
Alemania, del estalinismo en la Unión Soviética y del macartismo en Estados
Unidos. Pese a las dificultades, será durante estos años de exilio cuando
Brecht compondrá sus piezas teatrales más destacadas. A su regreso a Berlín en
1948, creará y dirigirá la legendaria compañía Berliner Ensemble.
En su juventud, Bertolt Brecht
(1898-1956) ansiaba convertirse en compositor y escribía canciones
acompañándose de la guitarra. En su concepción poética, la melodía era un
mecanismo poderoso para alcanzar el teatro reivindicativo y épico que buscaba:
versos y sonidos debían emerger fundidos de un mismo halo creativo. Esto
explica que la práctica totalidad de sus obras dramáticas incluya
interpretación musical y que más de 600 de sus poemas muestren relación con la
música. Pero pronto resultó evidente que su ambición teatral requería
compositores de altura, y el dramaturgo acabó forjando una estrecha
colaboración no exenta de tensiones con autores como Weill, Eisler, Hindemith o
Dessau. Enemigo de la visión de la música clásica como arte autónomo y
formalista, Brecht alumbró una nueva función social del libretista, el
compositor y el intérprete.
Como indica Miguel Sáenz en su
introducción al programa de mano, “El universo musical de Brecht es eso
exactamente, un universo”. Bertolt Brecht recibió la educación habitual en un
niño burgués alemán de principios del siglo XX. Muy pronto empezó a escribir
sus propios versos y a componer sus propias canciones, y llegó a desarrollar un
sistema propio de notación musical. Le encantaba la música popular, pero no la
música folclórica cuando era realmente folclórica. “Aborrecía a Beethoven, a
Wagner y a los dodecafonistas; mejor dicho, los temía”. Y es que, para Brecht,
la música era peligrosa, por lo que era necesario que estuviera al servicio de
la palabra y que fuera audible.
Martes 10 de mayo - Primera conferencia
Miguel Sáenz
Bertolt Brecht, de cuerpo entero
Miguel Sáenz
Bertolt Brecht, de cuerpo entero
El
traductor y académico Miguel Sáenz analizará en profundidad la figura del
hombre, del poeta, del dramaturgo y del político, no exenta de complejidades y
controversias: “En la biografía de Brecht hay varios temas polémicos como la
influencia de sus colaboradores, su origen judío y su pertenencia al Partido
Comunista (…) Algunos de los tópicos más repetidos sobre Brecht son su humor
judío y su afiliación al Partido Comunista. La realidad es que Brecht no era
judío, aunque lo fuera su mujer, la excepcional actriz Helene Weigel, y que
Brecht, aunque estudiara a fondo el marxismo y fuera marxista convencido, jamás
perteneció al Partido Comunista, lo que a veces le ocasionó problemas en la
República Democrática Alemana”. Asimismo se atenderá a su formación e
influencias: “de origen burgués, su padre era católico y su madre protestante
(…) y, sin duda por influencia de su abuela materna, para Brecht, según
confesión propia, el libro más importante de su vida fue la Biblia”. “Y sus influencias
más claras me han parecido siempre el actor de cabaret Karl Valentin y Charlie
Chaplin, Charlot, al que Brecht literalmente veneraba”.
Miércoles, 11 de mayo - Primer
concierto
Brecht compositor
José Antonio López, barítono y
Rubén Fernández Aguirre, piano
Obras de B. BRECHT, K. WEILL, H.
EISLER, P. HINDEMITH, V. ULLMANN y E. W. KORNGOLD
La
relación de Bertolt Brecht con la música fue a la vez esencial y compleja. En
un ensayo publicado en 1935 afirmó que la música “hace posible algo que desde
hace tiempo se había dejado de dar por sentado, a saber, el teatro poético”.
Pese a la desconfianza que le suscitaba un instrumento de comunicación tan
poderoso, gran parte del reconocimiento público que obtuvo con sus obras
teatrales se debió a las versiones musicales de las mismas; libretos de ópera,
dramas teatrales con música, ballets, cantatas dramáticas, oratorios,
películas, obras radiofónicas e incluso cuñas publicitarias, para los que
recabó la colaboración de un buen número de compositores de diferente nivel.
Poseedor
de un talento musical innato pese a sus limitaciones técnicas, y haciendo uso
de un rudimentario y muy personal sistema de notación, Brecht escribió él mismo
sus primeras canciones. En 1918 reunió en un cuaderno una serie de poemas con
música a los que dio el título de Lieder zur Klampfe (literalmente,
“Canciones para la guitarra”), que él mismo interpretaba ante sus amigos del
círculo de Augsburgo. Se trataba de miniaturas en las que texto y música
formaban un cuerpo único e indisociable. Eran literalmente poemas para ser
cantados, y con ellos Brecht dio las primeras muestras del magnetismo que
rodearía siempre su personalidad artística. Los temas más frecuentes de esas
canciones tempranas son la muerte, la naturaleza, el amor y el crimen. En su
estilo directo y desnudo pueden verse como un anticipo de lo que décadas más
tarde conoceríamos como “canción de cantautor”. El estilo juglaresco de un
Brassens no parece estar muy lejos.
Jueves 12 de mayo – Lecturas dramatizadas
Miguel Sáenz, presentación y comentarios
Miguel Sáenz, presentación y comentarios
Ester Bellver, Pedro Casablanc, actores
Escenas brechtianas. Lectura dramatizada de fragmentos de textos teatrales por Ester Bellver y Pedro Casablanc, presentados por Miguel Sáenz
Escenas brechtianas. Lectura dramatizada de fragmentos de textos teatrales por Ester Bellver y Pedro Casablanc, presentados por Miguel Sáenz
Esta segunda sesión estará centrada en el teatro de Bertolt Brecht y
consistirá en la lectura dramatizada, a cargo de los actores Ester Bellver y
Pedro Casablanc, de varios fragmentos de sus obras, entre ellas Baal, Un
hombre es un hombre, Vida de Galileo, Madre coraje, El
alma buena de Sezuán o El círculo de tiza caucasiano, pertenecientes
a diferentes etapas compositivas del dramaturgo alemán. Los textos serán presentados
por Miguel Sáenz, que analizará los fundamentos del teatro brechtiano: “Brecht
consideraba que la función del teatro era divertir y enseñar (…) Al director
Giorgio Strehler, le gustaba citar una frase de Bertolt Brecht: ‘Si los
críticos viesen mi teatro como los espectadores, es decir, sin pensar en mis
teorías, verían un teatro simple, lleno de fantasía, de humor y de ingenio…’ ”.
Brecht, quien se consideraba sobre
todo un escritor de obras teatrales, logró transformar las estructuras
dramáticas del teatro moderno y es hoy un referente ineludible del teatro contemporáneo,
respecto de un tipo de
representación antirrealista y que
busca afectar al público.
Miércoles, 18 de mayo - Segundo
concierto
Cabaret: la canción protesta y el
teatro político
Mary Carewe, cantante y Philip Mayers, piano
Obras de B. BRECHT, M. SPOLIANSKY, M. SCHIFFER, F. HOLLAENDER, K. WEILL,
H. EISLER, S. WOLPE, J. KANDER
Hoy
en día solemos asociar el término “cabaret” con algunos iconos procedentes del
mundo del cine: el personaje de Lola Lola en el clásico Der blaue Engel (El
ángel azul, 1930) de Josef von Sternberg, que catapultó al estrellato a
Marlene Dietrich, y cuyo tema Falling in love again podremos escuchar en
el programa de hoy; o con la Sally Bowles de Goodbye to Berlin (Adiós a
Berlín) de Christopher Isherwood, inmortalizado en la pantalla por Liza
Minelli en la película musical Cabaret (1972), de Bob Fosse; o incluso
con las canciones de crítica social de Bertolt Brecht y Kurt Weill. Sin
embargo, ninguna de estas figuras pertenece en sentido estricto al universo del
cabaret, aunque se las pueda ubicar en sus lindes.
Lola
Lola actuaba en lo que se denominaba Tingel-tangel, un espectáculo de
variedades de tercera clase de finales del siglo XIX, precursor directo del
cabaret, mientras que Sally Bowles actuaba en el Kit Kat Club, un sórdido
tugurio berlinés de principios de los años treinta que tampoco se corresponde
con lo que realmente eran los locales que albergaban este tipo de espectáculos.
Por su parte, Brecht y Weill apenas se dejaron ver por estos locales; en
concreto, Brecht tan solo apareció una vez en un escenario de cabaret, para
cantar dos números que había compuesto. Sus colaboraciones con Weill estaban
destinadas al teatro, si bien su radical reforma del mismo implicaba una
popularización de su lenguaje que aproximó estas experiencias al universo del
cabaret y del music-hall.
Miércoles, 25 de mayo - Tercer
concierto
Kurt Weill: Berlín, París, Broadway
Elizabert Atherton, soprano y Roger
Vignoles, piano
Obras de K. WEILL
Este
programa propone un recorrido tan sintético como comprehensivo a lo largo de la
breve pero intensa trayectoria creativa de Kurt Weill, desde sus inicios en su
Dessau natal como joven músico superdotado, a su final transfiguración en uno
de los mayores compositores de musicales para Broadway. Entre estos dos
extremos se sitúan sus estudios en Berlín con Busoni, sus coqueteos con las
vanguardias de entreguerras, su etapa parisina y, por supuesto, sus célebres
colaboraciones con Bertolt Brecht.
Miércoles, 1 de junio - Cuarto
concierto
Hanns Eisler: The Hollywood Songbook
Günther Haumer, barítono y Julius
Drake, piano
Obras de H. EISLER
De
entre los grandes compositores del pasado siglo, el alemán Hanns Eisler
(1898-1962) sigue siendo a día de hoy uno de los menos conocidos por el gran
público, hasta el punto de que sus obras (muchas de ellas de una importancia y
calidad superlativas) apenas se dejan ver y oír en los programas de conciertos,
Alemania incluida. Sin embargo, tanto su obra como su figura histórica ocupan
una posición fundamental en el devenir artístico y social del siglo veinte, y
son ya muchos los que abogan por una “rehabilitación” de quien todavía puede
ser considerado como la mayor víctima, desde el punto de vista artístico, de la
llamada Guerra Fría.
El
Hollywood Songbook es una colección de canciones y ciclos de canciones
que Eisler fue escribiendo durante su estancia californiana con una cadencia
casi terapéutica. Componía una cada día, al tiempo que trabajaba en bandas
sonoras o en otras obras de envergadura. Como más de cien años antes habían
hecho autores como Beethoven, Schubert, o Schumann, Eisler encontró en la
breve, concentrada y poética forma del lied el remedio más adecuado para
aliviar la ansiedad y el sentimiento de desarraigo que le producía la
espantosa situación por la que atravesaba Europa, así como su propia condición
de exiliado.
El conferenciante
y autor de la Introducción del programa de mano del concierto, Miguel Sáenz, es
traductor, jurista y militar, doctor en Derecho y licenciado en Filología
Alemana por la Universidad Complutense de Madrid, es doctor honoris causa
en Traducción e Interpretación por la Universidad de Salamanca. Ha sido
traductor literario y de organismos internacionales como Naciones Unidas.
Experto en derecho aeronáutico y del espacio, es general auditor del
Cuerpo Jurídico Militar, procedente del Ejército del Aire, y ha sido
fiscal de la Sala Quinta del Tribunal Supremo (1989-1992). Es miembro de
la Real Academia Española y de la academia alemana de la lengua,
la Deutsche Akademie für Sprache und Dichtung.
Además de estar
en posesión de varias distinciones militares, ha sido condecorado por su labor
como traductor con premios como el Fray Luis de León de Lenguas
Germánicas (1981) por la traducción de El rodaballo de Günter
Grass, el Nacional de Literatura Infantil (1983) por La historia
interminable de Michael Ende, el Nacional a la Obra de un Traductor
(1991), el Nacional de Traducción de Austria (1996),
el Aristeion de la Unión Europea (1998) por Es cuento largo
de Günter Grass o el Esletra (2008). Asimismo, en 1997
recibió la Medalla Goethe de la República Federal de Alemania por
contribuir a la difusión de la cultura alemana en los países de habla
hispana.
Es autor de
ensayos destacados como Homenaje a F. K. (1975), Jazz de hoy, de
ahora (1971), Thomas Bernhard. Una biografía (1996) o Servidumbre
y grandeza de la traducción (2013). Entre sus autores favoritos están
Thomas Bernhard, Günter Grass, Bertolt Brecht, Michael Ende y Franz Kafka, a
todos los cuales ha traducido al español.
De Bertolt Brecht
ha traducido el Teatro completo (2006), por el que ha sido
galardonado con el Premio María Martínez Sierra de Traducción Teatral en 2007.
Ester Bellver
Actriz. Estudió
en la Escuela Nacional de Teatro Clásico creada por Adolfo Marsillach y forma
parte de la primera promoción de actores del Teatro de la Abadía; además ha
recibido formación en École Phillipe Gaulier en Londres y en la Escuela
Internacional de Clown Eric de Bont en Ibiza.
Durante los años
ochenta trabajó como bailarina en las revistas musicales de los escenarios
de Madrid, más tarde comenzó su carrera como actriz de teatro en
la Compañía De Pedro Osinaga con el vodevil Entren sin llamar. En
una trayectoria de más de treinta años ha trabajado a las órdenes de
directores como Guillermo Heras, José Luis Gómez, Gerardo Vera, Helena Pimenta,
Ernesto Caballero o Dan Jemmet.
En 2009 creó la
compañía Rotura con la que ha estrenado dos espectáculos, protAgonizo de escritura
propia y Todas a la una con textos de Agustín García Calvo.
Pedro Casablanc
Actor. Ha
desarrollado su carrera profesional tanto en teatro como en cine y televisión.
Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla, en esta ciudad
comenzó a participar en teatro con compañías como Jácara o el
Centro Andaluz de Teatro. En 1991, en Madrid, se incorpora a la
compañía del Teatro de la Abadía. Ha destacado por sus papeles en
teatro en El señor Puntila y su criado Matti de Bertolt Brecht, dirigida
por Rosario Ruiz Rodgers, por la que fue reconocido como mejor
actor en los Premios Unión de Actores en 1998; Marat-Sade de
Peter Weiss, en adaptación de Alfonso Sastre y bajo la dirección de Andrés
Lima; Hamelin o Últimas palabras de Copito de Nieve de Juan
Mayorga, también dirigidas por Andrés Lima; o El Rey Lear de William
Shakespeare, con Gerardo Vera como director.
En televisión
ha trabajado en series como Mar de
plástico, Policías, en el corazón de la calle, Hospital
Central, Isabel, mi reina o Amar es para siempre. En cine ha
participado, entre otras, en las películas Días contados de Imanol
Uribe, El mundo que fue y el que es de Pablo Llorca, que le valió
el Premio al mejor actor en el Festival Internacional de Cine de Las Palmas de
Gran Canaria en 2011 y B de David Ilundain, adaptación al cine de la
obra teatral homónima y por la que fue nominado al Goya como mejor actor
protagonista en 2015.
Recientemente ha
sido galardonado con el Premio Ceres de Teatro 2015 al mejor actor
por Hacia la alegría de Olivier Py y Los cuentos de la peste
de Mario Vargas Llosa, con dirección de Joan Ollé.
José Antonio López
Barítono. Su
éxito interpretando el rol principal de El público de Mauricio Sotelo la
temporada pasada en el Teatro Real de Madrid bajo la dirección de Pablo
Heras-Casado, acredita el gran momento de José Antonio López. Su carrera
incluye actuaciones en salas como la Musikverein, la Konzerthaus de Viena, la
Filarmónica de Varsovia o el Theater an der Wien en el que ofreció un recital
Schubert acompañado al piano por Maurizio Pollini, además de en las
principales salas españolas. En ellas ha interpretado un repertorio que va de
Bach a Brahms, y que incluye, además, Mahler, la Sinfonía Lírica de
Zemlinsky y Gurrelieder de Schönberg, esta última grabada por el sello
Deutsche Grammophon.
Recientemente ha cantado el Réquiem de Brahms en
Bruselas junto a la Or-questa Nacional de Bélgica y Andrey Boreyko, la Novena
Sinfonia en el Palacio de Hofburg, Ein Deutsches Re-quiem en el
Festival Casals de Puerto Rico y la Pasión según San Mateo en la
Musikverein.
Su creciente actividad operística incluye los recientes
debuts como Iago, Amonas-ro, Germont, Lord Enrico y Jokanaan. Además,
José An-tonio López ha cantado, entre otros, los Fígaros de Mozart y Rossini,
Escamillo, Don Gio-vanni y Malatesta, además de múltiples zarzuelas, la última Galanteos
en Venecia que estrenó la temporada del Teatro de la Zarzuela.
Rubén Fernández
Aguirre
Pianista. Nace en
Barakaldo (Vizcaya) en 1974. Realiza sus estudios superiores de piano en
Vitoria con Albert Nieto, y de correpetición (acompañamiento de cantantes) en
Viena con David Lutz y en Múnich con Donald Sulzen. Recibe además los consejos
de Félix Lavilla, Miguel Zanetti y Wolfram Rieger. Ha sido repertorista en
cursos y clases magistrales de numerosos cantantes, ha sido pianista oficial
del concurso Operalia 2006 que preside Plácido Domingo y ha sido maestro
correpetidor en el Palau de la Música de Valencia, el Teatro Real de Madrid y
el Teatro de la Maestranza de Sevilla. Además es pianista residente de los
Ciclos musicales de Santiago de Compostela y de Medina del Campo y profesor de
repertorio vocal de los cursos de verano Isaac Albéniz de Camprodón (Girona) y
de la Universidad del País Vasco en Bilbao.
Pianista habitual de cantantes como Carlos Álvarez, Ainhoa
Arteta, Celso Albelo, María Bayo o José Antonio López, entre otros, ha actuado
en la mayoría de festivales y teatros españoles. Además, ha actuado en los
principales escenarios de Europa (Musikverein de Viena, Teatro de La Mo-nnaie
de Bruselas, Festival Rossini de Pesaro, Slovenská Televízia de Bratislava),
Amé-rica (Carnegie Hall de Nueva York, Auditorio Nacional del Sodre de
Montevideo), Oriente Próximo (Damasco) y África (Argel). Ha estrenado obras de
Antón García- Abril (Siete canciones de amor, Canciones del recuerdo y Dos
cantares a la vida) y Miquel Ortega (Tríptico de Papasseit). En 2010
recibió el premio Ópera Actual “por su dedicación a la lírica y el creciente
prestigio que está logrando en este campo.
Mary Carewe y Philip Mayers han presentado numerosos
programas con música de cabaret que exploran el desarrollo de este género a lo
largo del siglo XX. En 2012, lanzaron el disco Serious Cabaret con
Orchid Classics, en el que se incluyen canciones de cabaret berlinesas y reinvenciones
de canciones de Gerswhin, Weill y Bart. Han realizado giras por Colombia y
Australia y han actuado en las principales salas del Reino Unido, en París y en
Ámsterdam.
Mary Carewe
Cantante. Ha recorrido toda Europa, América y Australia con
un repertorio que aúna el escenario y la pantalla, el siglo XX, el cabaret,
la música contemporánea y la música clásica. Actúa habitualmente con las
principales orquestas del Reino Unido y, fuera de este país, ha actuado con orquestas
de Francia, Alemania, Estados Unidos, Malasia y Australia. Entre los directo directores con los que ha actuado figuran Sir Simon
Rattle, Kurt Masur y Don Pippin, entre otros. Su amplia discografía abarca
desde la música de Rogers o Hammerstein hasta iconos del pop de los setenta
como Abba, pasando por las obras de compositores clásicos como Thomas Adès o
Benjamin Britten.
Philip Mayers
Pianista. Nacido en Australia, estudió en el Conservatorio
de Queensland. Actualmente vi-ve y trabaja en Berlín, donde desarrolla una
carrera como solista, acompañante y músico de cámara. Ha actuado en numerosos
festivales internacionales y ha realizado numerosas grabaciones, muchas de
ellas con el Coro de Cámara RIAS y con el Coro de la Radio de Berlín. Su interés
por la ópera le ha llevado a dirigir producciones en la Ópera de Cámara de
Berlín, el Festival de Ópera en Schloss Rheinsberg y la Konzerthaus de Berlín.
Elizabeth Atherton
Cantante. Su versatilidad como intérprete y como
actriz le ha llevado a cantar papeles que abarcan desde Monteverdi hasta
Britten, y a interpretar el papel principal de la ópera The Corridor de
Birtwistle.
Ganadora de
diversos galardones como el Maggie Teyte, debutó como Elena en El sueño de
una noche de verano con la English Touring Opera. Colaboró con la Ópera
Nacional de Gales y ha actuado con regularidad con Opera North. Ha trabajado
con directores como Charles Mackerras, Antonio Pappano, Neville Ma-riner y
Pierre Boulez, entre otros, y con orquestas como la Sinfónica de la BBC, la
Or-questa Sinfónica de Londres, la Orquesta Sinfónica de Gales, la Orquesta de
París y la Fi-larmónica de Hong Kong. Ha ofrecido recitales con Malcolm
Martineau en el Festival de Aldeburgh y con Iain Burnside en el Wigmore Hall y
en el Festival Leeds Lieder+. Sus actuaciones son radiadas y televisadas con
regularidad, y su discografía incluye Le Martyre de Saint Sébastien con
BBCNOW, el oratorio Saul de Händel con The Sixteen y On this Island de
Britten con Malcom Martineau.
Roger Vignoles
Pianista. Está reconocido actualmente como uno de
los pianistas acompañantes más destacados de la escena internacional. Después
de graduarse en música por la Universidad de Cambridge (Magdalene College), se
unió a la Royal Opera House como pianista repetidor y completó su formación
con Paul Hamburger.
Ha acompañado a
Kiri Te Kanawa, Elisabeth Söders-tröm, Sir Thomas Allen, Christine Brewer,
Brigitte Fassbaender, Felicity Lott, Elina Garanča, Florian Boesch y Mark
Padmore, entre otros muchos, en salas como el Concertgebouw de Ámsterdam, el
Carnegie Hall de Nueva York y el Wigmore Hall de Londres. Su discografía más
reciente incluye Loewe Songs and Ballads con Florian Boesch y las canciones
completas de Strauss para Hyperion. Su grabación de Winter Words, Holy
Sonnets of John Donne y Before Life and After de Britten con Mark
Padmore en Harmonia Mundi recibió un Diapason d’Or y el Premio Caecilia en
2009.
Günter Haumer
Este barítono
austriaco inició su formación musical de piano y de clarinete y, más tarde, de
canto en la Universidad de música y Artes Ascénicas de Viena, completándolos en
el Royal College of Music de Londres. Sus estudios de técnica vocal con los
profesores Helena Lazarska, Graziella Sciutti y Wicus Slabbert, así como clases
magistrales con Walter Berry, Roger Vignoles, Graham Johnson, Michael Chance,
Wolfgang Holzmair y David Lutz completaron su formación. En la escena operística
ha interpretado papeles en Las bodas de Figaro, La viuda alegre,
Sueño de una noche de verano, La hora española y Dido y
Aeneas, entre otros, con los cuales se ha destacado en escenarios europeos
y sudamericanos. Günter Haumer está igualmente muy implicado con el
repertorio contemporáneo. Algunos de sus últimos personajes pertenencen a las
óperas Pasión y resurrección de Jonathan Harvey, Mea culpa de
Christoph Schlingensief y Gramma de Sanchez-Verdú. Haumer es particularmente aclamado en el género de concierto.
Ha trabajado bajo la batuta de Schreier, Luisi, Willcocks,
Lesne, Järvi, Cambreling, Conde y Ortner en salas como el Musikverein de Viena,
Cité de la musique París, Festival de Salzburgo, Filarmonía de Varsovia, Abadía
de Royau-mont, Stefaniensaal Graz, Festspielhaus St. Pölten, Fes-tival Brahms
en Mürzzus-chlag, y en los festivales de música antigua de Utrecht y de Melk.
Su mayor interés es la interpretación del lied, especialmente del repertorio
romántico y post-romántico, con particular atención a la obra de Erich Wolfgang
Korngold. Cuenta con numerosas grabaciones de CD y DVD, así como continuas
transmisiones radiofónicas y televisivas. Günter Haumer enseña canto en la
Universidad de Música y artes escénicas de Viena. A partir de septiembre 2012
formará parte del ensamble del Volksoper de Viena.
Julius Drake
Pianista. Especializado en música de cámara, vive
en Londres y ha actuado en las salas más importantes del mundo.
Recientes temporadas de conciertos le han llevado
a Aldeburgh, Edimburgo, Mú-nich, el festival de Salzburgo, el Concertgebouw de
Áms-terdam, la Philarmonie de Colonia, el Châtelet y el Mu-seo del Louvre en
París, la Scala de Milán, el Liceu de Barcelona, la Musikverein y la
Konzerthaus de Viena, y el Wigmore Hall y los Proms de la BBC en Londres.
Entre sus
grabaciones se incluye una aclamada serie junto a Gerald Finley para Hyperion,
premiada los Premios Gramophone de 2007, 2009 y 2011. También ha grabado para
EMI junto a Ian Bostridge en registros que han obtenido diversos premios, así
como varios recitales para el sello Wigmore Live junto a Lorraine Hunt
Liebersen, Matthew Polenzani, Joyce
Didonato y Alice Coote, entre otros. Actualmente está
inmerso en la grabación de la integral de canciones de Liszt para Hyperion.
El segundo disco de la serie, con Angelika
Kischschlager, ganó el Premio del BBC Mu-sic Magazine en 2012.
En su agenda
actual destacan una gira de conciertos por Estados Unidos y Canadá con Gerald
Finley, cuatro conciertos con música de Schumann en el Concertgebouw de
Ámsterdam, una gira por Ja-pón junto a Ian Bostridge y Angelika Kirchschlager,
grabaciones con Sarah Conolly y Katarina Karneus, recitales de música de
cámara instrumental en los festivales de Delf, West Cork y Óxford, recitales
en el histórico Middle Temple Hall de Londres y, para celebrar sus treinta años
actuando en el Wigmore Hall, un ciclo titulado Julius Drake: perspectives.
El autor de las notas al programa de mano del ciclo de
conciertos, Juan Lucas, nace en Valencia en 1962; cursa estudios de periodismo,
cine y fotografía en la Universidad Complutense de Madrid; y de solfeo, violín
y clarinete en el Conservatorio Superior de Música de Madrid. Entre 1986 y 1989
trabaja en diversas películas para cine y televisión a las órdenes de
directores como Iván Zulueta, Montxo Armendáriz o Adolfo Arrieta. En 1990 funda
Diverdi, empresa dedicada a la producción y distribución de grabaciones de
música clásica, que en pocos años se convierte en referencia dentro del
panorama musical clásico español y europeo. En 1993 crea el Boletín de
Diverdi.
Como productor, ha realizado grabaciones discográficas para
sellos como Naïve, CPO, Glossa, Verso, Symphonia, Col Legno, además de crear
Anemos, sello dedicado a la música contemporánea española. Trabaja en
numerosos trabajos fotográficos y audiovisuales, por los que ha obtenido
diversas distinciones, entre ellas el premio de fotografía Caminos de Hierro y
el primer premio del Festival de Cine de Valladolid por el largometraje
documental El Paraíso de Hafner.
Ha escrito numerosos ensayos y artículos relacionados con la
música clásica para revistas especializadas y programas de mano de auditorios y
teatros de ópera nacionales y europeos. En 2013 crea El Arte de la Fuga,
revista musical online asociada a la distribuidora Sémele, así como el espacio
musical La Quinta de Mahler. Es autor del libreto para Le malentendu primera
ópera del compositor argentino Fabián Panisello, basada en un texto de Albert
Camus, que ha sido estrenada en Buenos aires en marzo de 2016 y se estrenará
en el Teatro Real de Madrid en 2017.
Los audios de todas las conferencias están
disponibles en
La página web de la Fundación Juan March recoge un
vídeo de algunas de ellas, con un extracto de la misma:
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