lunes, 23 de mayo de 2022

MARIO CAMPAÑA, autor del libro “De la Espiral y la Tangente”. Ensayos sobre Literatura I





L.M.A.

24/5/22.- Madrid.- El profesor y escritor Mario Campaña, residente en Barcelona, es el autor del libro “De la Espiral y la Tangente”. Ensayos sobre Literatura I, publicado or la editorial Festina Lente, en su colección Boca Abierta. El libro fue presentado recientemente en Madrid por Antonio Ortega, Natalia Carrero y Tomás Camacho Molina.
Reflexionar sobre la literatura, cuando es un escritor y profesor quien lo hace en de nuevo literatura ensayística. Es lo que hace Mario Campaña (Guayaquil, 1959), residente en España desde 1992, quien, además de ensayista es poeta y narrador.
Los ensayos publicados anteriormente de manera dispersa, han sido recopilados y ampliados para este libro de bello título que se divide en dos partes: En el inicio, y, En marcha. Algunos de los ensayos van rotulados con asuntos sugerentes como: Para leer un poema; Bárbaras y exiliadas ((las troyanas y Medea); El erotismo, la literatura y la construcción del mundo; La escritura poética femenina: notas para una historia, de Safo a sor Juana; Francisco de Quevedo: poesía y posteridad; Baudelaire contracultural; La experiencia del mal y la posteridad de Baudelaire; Rimbaud, la negación y el pensamiento constitutivo; Rimbaud: la retractación del poeta maldito; Otro Mallarmé; Los caminos de la modernidad poética: la vanguadia; América latina, la vanguardia explotada…
En suma, “la primera sección del libro aborda temas generales acerca de la actividad literaria y la cultura, en especial a parir de una consciencia de lo que significa escribir desde el Norte o desde el sur. La segunda ofrece lecturas “en marcha…”, explica Mario Campaña.
“Apocalípticos fuimos en verdad, muchos de nosotros, a consecuencia de esa literatura y del furor de la época que nos tocó vivir, en la que no era difícil vislumbrar la gran tragedia que se cernía sobre el país, que terminó por expulsar de sus hogares y de su tierra, en las décadas siguientes, a más de dos millones de ecuatorianos. Negativo fue nuestro pensamiento y la crisis fue nuestro espacio (…) Aún creo que el pensamiento negativo favorece la transformación, tiene fuerza revolucionaria (…) Son embargo es imprescindible ir más allá de las negaciones y las afirmaciones; la necesidad de pasar a un pensamiento constitutivo o reconstructivo me parece hoy ineludible. Este momento demanda de nosotros, de los que un día quisimos el cambio, una rigurosa autocrítica”, escribe Campaña en el ensayo sobre “Rimbaud, la negación y el pensamiento constitutivo”.

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MAYTE SPÍNOLA. Recorrido por su exposición retrospectiva de 50 años en el Arte

Exposición: MAYTE SPINOlA "50 AÑOS EN EL ARTE"

Espacio MIRA. Camino de las Huertas,42.Pozuelo (Madrid)

Del 7 de abril al 17 de julio de 2022

Mayte Spínola, pintora


Maica NÖIS

    23/05/2022.- Una gran celebración de oro constituyen los números tan emblemáticos de los 50 y además con un plus que son en el ARTE  con mayúsculas y un añadido impactante MUJER.

Una ciudadana en el epicentro del Arte en Pozuelo nos ofrece una trayectoria apabullante por continente y contenido.

Hacer un recorrido en solitario casi en el cenit temporal de la exposición es de vital importancia para entrar en un calado profundo.

   "Cantoral"   (2006)   (colección particular)

Como expresa Susana Pérez Quislant, Alcaldesa de Pozuelo de Alarcón, "artista multidisciplinar, la muestra reúne medio centenar de pinturas, esculturas, serigrafías, joyas, un tapiz, un biombo, textiles, libros y NFTs, que suponen un recorrido por la trayectoria de Mayte Spinola""Si es grande como artista, me gustaría destacar su labor como mecenas cultural, impulsora y líder del grupo Pro Arte y Cultura, consiguió entre otros logros que Joan Miró, su maestro, expusiera en España por primera vez"

 Cada obra, con independencia de su tamaño, constituye una celebración con el trabajo artístico creativo. La autora tiene una forma de expresión que conserva desde sus inicios. Un rápido trazado enérgico que acompaña de los materiales que le son con sustantivos para representar el tema que ha de desarrollar y un dominio de pigmentos que realzan y valorizan el trabajo. Así el oficio de artesano se eleva al de artista. Ya que el artista nace y además se hace que es su obligación. "Derramarse" para orientar y alimentar a la creación y posterior entrega al público que es el último destinatario.

               Serie Tauromaquia    --  Exposición en Nueva York


Esta entrega con resultados óptimos durante un tiempo tan bello y continuado es lo que hoy podemos contemplar en esta exposición.

 La sala le acompaña y sin lugar a dudas ha tenido un buen comisariado por Julia Sáez -Angulo quien con su larga trayectoria como Miembro de la Asociación Internacional de Críticos de Arte ha sabido atemperarla y como indica su texto en el catalogo "Mayte Spinola hace realidad el dicho del Eclesiastés de que hay un tiempo para todo, o al menos ella lo busca y o encuentra para el trabajo artístico y el trabajo por los demás. Celebrar sus bodas de oro en el arte con una gran exposición en Pozuelo de Alarcón, su amplio espacio Mira, es motivo de alegría para todos los artistas que la rodean, aquellos que la conocen y reconocen sus méritos y logros artísticos, profesionales y solidarios, así como para los visitantes que van a contemplar y disfrutar su obra".           

                                     "Mandolina"  (2009)

En su dilatada trayectoria ha merecido valoraciones diversas como las de: Juana Mordó, galerista (1984) "A punto de volar hacia un destino desconocido, pero seguro, están esas manchas que quieren salir del cuadro". Claudio Bravo (1977) "Bastante sorprendente. Tienes talento, buen gusto, refinamiento y una enorme sensibilidad". Joan Miró (1977) "Obra de gran sensibilidad y belleza" Vicente Aleixandre (1977) el poema "El bosque huyó. Pero otro bosque nace. Y clara estrella mía, yo te canto, yo te reflejo. Somos...Esperamos". Gonzalo Anes (2014) "Mayte Spinola ha llegado a un equilibrio entre lo abstracto y lo figurativo".

Inmenso el poemario de Rogelio Sanchez Molero (2021) titulado "Génesis":"Luz que brota a borbotones. Resbala en breve escorzo y se hace en tus pinceles inseparable esencia, lírica abstracción, liturgia del color, rito cromático. Luminosidad que traspasa el inconsciente en la sutil armonía de cielos escapados, dándole vigor al sol declinante del ocaso; y forma primordial al caos originario............" 

 

                     "Flechas Arqueológicas"  (Serie Cosmos)

Un largo y fecundo recorrido artístico  no sólo en su ya indudable adscripción  como mecenas al Arte en exposiciones personales y rodeada de otros artistas tanto consagrados como nóveles en España y otros países. Sus galardones anuales en concesión de las Medallas de Oro Mayte Spinola,  con sus ya seis ediciones, que se abre a las Artes, las Ciencias, la Investigación, el Deporte, la Solidaridad, la Filantropía.

  Se ha de destacar su entrega  humanitaria a toda situación que involucre a los más desfavorecidos, colectivos en indefensión, vulnerables o en riesgo de exclusión social.

Su familia es el pilar profundamente asentado con sus tres hijas y descendientes que son el motor y acicate para dar ejemplaridad de un hacer y entrega permanente. Su apoyo en su fervor y espiritualidad que extiende a quienes se le acercan.  El libro de sus Memorias que salió editado en junio de 2021 da buen referente de esta predica puesto que lo dedica "A mi familia y a mis amigos"  a través de sus 350 páginas y sus 30 páginas de álbum fotográfico.

  "Grachya, Mayte y Rocio"  Amapolas (2022)

 La periodista María Eugenia Yagüe en "La otra crónica "el Mundo (2021) "¿Cómo definir a Mayte Spinola?, con apellido de aristócratas italianos, artista reconocida, mecenas, activista cultural y socialité, amiga de monarcas, políticos de todo signo, intelectuales y poetas, casada con Graciliano, uno de los Barreiros, los empresarios más importantes de su época y emparentada por sus hijas y hermanas con las grandes familias del país". Esta singladura la resuelve en el mismo artículo Mayte Spinola "Siempre he sido una rara avis y siempre he hecho lo que me ha dado la gana, porque soy artista y vemos las cosas de forma diferente"

       Mayte Spínola proyección  NEFTs en Times Square N.Y. (2022)

La escritora Carmen Posadas en el libro "Mayte Spinola. Vivencias. Lo que aprendí de mis amigos" define "Si Mayte no existiera habría que inventarla" aunque considera todavía mejor el calificativo "calidoscópica"  que le atribuye en el prefacacio del libro Julia Sáez-Angulo para entender las mil facetas de este testigo y protagonista de buen parte de la historia social y no sólo de España.

Bien es cierto que esta exposición realizada en Pozuelo de Alarcón, en donde ya es una de sus más prestigiosas ciudadanas, es un galardón luminoso que se abre desde este medio siglo que nos ofrece la premonición de los años que aún le aguardan como persona y artista.

El mejor epilogo la pone la voz de la propia artista en el catalogo de la exposición quien se expresa: "GRACIAS" "Quiero agradecer ante todo al Ser Supremo, por permitirme haber nacido artista y haberme podido rodear de arte y de sus creadores durante toda una vida. Ha sido vital para mí. Amo lo bello en lo material y en el espíritu, que es aún más importante. Mi vida ha sido y seguirá siendo intensa, hasta que El de arriba me llame. Me gustó trabajar y ayudar desde muy niña y, ese fue un lema de vida, que trasladé al Grupo pro Arte y Cultura: Ayudar y Crear. !No cabe más!".  

                                

"Años jóvenes de un viejo Maestro (1ª parte)" y "Ein Ukrainisches Requiem" de Jorge Rando

Museum Jorge Rando. Málaga

Fechas : 23 -5 - 2022  / 26 – 9- 2022

Salas: 7 y 9

- En 1866 Johannes Brahms compuso Ein deutsches Requiem. En 2022 Jorge Rando pinta Ein ukrainisches Requiem.

- La muestra presenta obras de la primera época de Jorge Rando (décadas de los 60 y 70) que se exponen por primera vez.  

- Esta exposición nos permite vislumbrar los albores de la creación del pintor malagueño en torno a los pilares que conforman el Nuevo Expresionismo: la espiritualidad y los valores humanistas. 
Museum Jorge Rand0. Málaga


L.M.A.
        Málaga, 23.05.2022.  El Museum Jorge Rando presenta Años jóvenes de un viejo maestro (1ª parte) y Ein ukrainisches Requiem (Un Réquiem ucraniano). Esta exposición aúna obras de la primera época de Jorge Rando que datan de las décadas de los 60 y 70 y la presentación de su última creación Ein ukrainisches Requiem. A la rueda de prensa ha acudido Jorge Rando y la directora del museo, Vanesa Diez. 

Años jóvenes de un viejo maestro (1ª parte)
        En estos inicios de su actividad artística en la década de los 60 Jorge Rando descubre en Colonia (Alemania) que su lenguaje en la pintura es el Expresionismo. Son intensos años en los que abordará la relación entre la filosofía y la expresión artística conformando un pensamiento que escenificará pictóricamente a través de grandes ciclos temáticos como Afrika, Clochards o Paisajes, entre otros. En estas obras encontramos conceptos protagónicos en la estética randoniana como la dignidad, la identidad, la injustica, el amor o la compasión, poniendo de relieve la construcción de los pilares del Nuevo Expresionismo : la espiritualidad y los valores humanistas. 

La década de los 60 que Jorge Rando vivió en Alemania fue la época del movimiento hippie, de la descolonización, del comienzo del cambio político en América latina y de la lucha por las libertades, como aquel Mayo del 68 al que el pintor acudió junto a un grupo de intelectuales. Durante estos años viaja continuamente alrededor del mundo, principalmente en tren o en barco, y estas travesías le sirven como inspiración para sus obras y escritos. 

…Quiero pintar la vida
Jorge Rando


Afrika
        Resulta complejo escapar al impacto de la crudeza y el sufrimiento que reflejan estas madres y sus hijos. Pertenecientes a la África de las guerras, la descolonización, los éxodos y las hambrunas acontecidas entre los 60 y finales de los 70. Las obras presentan fondos abstractos o monocromáticos que acompañan a estas maternidades que representan los paralelismos y las  convergencias del sufrimiento y el amor. La mujer va a ser protagonista indiscutible de su creación, poniendo de relieve su fortaleza ante la adversidad. El abrazo como símbolo de protección, madres acunando niños cadavéricos cuyo grito podemos escuchar a través de la inusitada sensibilidad en el trabajo de la espátula. El color, uno de los elementos más destacados en la obra randoniana, se convierte en grito. Un grito, ya enronquecido, que Rando no cesa de pintar tras más de sesenta años. 

Otra de las obras clave de este ciclo representa un éxodo. Un hombre al frente de un grupo de personas sufrientes cuyos rostros aparecen deformados por la barbarie y el dolor. Contrasta la serenidad del hombre ante la desesperación,  alegoría de esas figuras necesarias que lideran la lucha por la justicia, que enarbolan la compasión por el prójimo y que no son abatidos por el desánimo. Los éxodos y las migraciones retratados en su producción a lo largo de los decenios escenifican el escarnio del desarraigo. Pero su estética siempre acoge la luz y la esperanza que se hallan en el espíritu de la condición humana. Esas historias de vida serán una constante en su obra como la figura de Jesucristo en Pintura religiosa, las Maternidades o Käthe Kollwitz, entre otros. 

Clochards y Prostitución 
        Aunque el pintor es reacio a ahondar en su experiencia vital estas obras guardan una estrecha relación con sus propias vivencias. En estos primeros años vive en un pequeño estudio de un barrio del casco antiguo de Colonia, en sus calles conviven los vecinos de toda la vida con mujeres que ejercen la prostitución y vagabundos. A finales de los 60 Jorge Rando dispone de un taller y comienzan sus trabajos a espátula pintando sus famosos Clochards (vagabundos urbanos), siendo en la actualidad de los pocos retratos reales realizados por el pintor. Paralelamente va reflejando las historias y vidas de las meretrices a las que acabaría dedicando un ciclo en la década de los 90 bajo el título Prostitución. 

Clochards
El joven malagueño, con apenas 19 años, asistía a las reuniones que esos hombres mantenían en las calles para compartir inquietudes presentes y futuras. Les observaba y les fue retratando con honestidad. Esas personas sin hogar son siempre invisibles al resto de la sociedad, nos resultan incómodos con sus ropas ajadas y su condición de desamparo. Rando nos impide, tal y como hacemos en la calle, voltear la mirada. Estos retratos nos trasmiten serenidad, inteligencia y reflexión. En estos lienzos vislumbramos la extraordinaria capacidad del pintor para captar lo inenarrable, aquello que verdaderamente define la identidad de las personas sin atender a la apariencia exterior. Estos Clochards, hombres y mujeres, seguirán presentes en su obra hasta la actualidad. 

Prostitución
        Las prostitutas ya aparecen con sus icónicos labios rojos. Mujeres a las que Rando otorga en el lienzo el espacio denegado en la realidad. Vidas extremadamente difíciles a las que el pincel describe con sincero respeto, son ellas precisamente las que escenifican uno de los conceptos más transversales y profundos de su filosofía pictórica: la dignidad. Mujeres que ha seguido retratando de manera incansable a lo largo de las décadas. 

Retratos 
        Sobrecogedor. A veces no se encuentran las palabras para describir una obra, en otras ocasiones una sola puede resumirnos su complejidad. Los colores y los trazos abruptos de la espátula nos arrastran a ese psiquiátrico de la Rusia de los 70 que visitó el pintor. Es en contadas ocasiones en las que se puede captar pictóricamente una impresión. 
    En estas obras despunta esa maestría que desarrollará Jorge Rando para extraer las emociones. Nos permite adentrarnos en la profunda tristeza de la soledad de estos hombres y mujeres, en la vergüenza de sus miedos no comprendidos o en la ansiedad y el desasosiego que produce el rechazo y la incomprensión. Uniformes de enfermos, barrotes en las ventanas y condenados sin juicio porque su manera de ver el mundo no es la aceptada, porque lo desconocido da miedo. Rando da la vuelta al concepto, ya no son los otros los que les tienen miedo, son ellos los que nos miran atormentados por nuestra indiferencia ante su sufrimiento. 

Esta muestra también acoge obras de Animales, Paisajes y ciclos a los que el pintor ha ido regresando a lo largo de los años, y otros que nunca han vuelto a reaparecer como Bañistas o Jugadores de Golf y en los que ya encontramos su magnífica disposición en el tratamiento y la conjunción del color o el dominio de la pincelada en la captura del movimiento. 

Ein Ukrainisches Requiem
        En 1866 Johannes Brahms compuso Ein deutsches Requiem. En 2022 Jorge Rando pinta Ein ukrainisches Requiem, es la última creación del pintor malagueño.
    Nos recibe un banco tan cercano a la obra que seguramente rompa con toda normativa museística. Pero el pintor nos obliga a dedicarle un tiempo, a sentarnos para que podamos contemplar y pensar. Una sala negra, angosta y de fondo el Requiem de Brahms, al mismo volumen con el que Rando pintó el lienzo y que nos obliga a observarlo enmudecidos. 
    Sobrecoge la luz que emana de este cuadro, en su parte superior la conjugación del color hace de la obra un estallido de amarillos, naranjas o azules que se superponen, se mezclan, que surgen y se esconden. Una gama cromática inédita en su creación y que nos la ofrece ahora, a punto de cumplir  81 años. En la parte inferior verdes, rojos y gruesos trazos negros. «Dios creó el color porque lo necesitaba para crear la belleza,  yo aquí lo utilizo en mi intento por crear la tragedia más terrible» dice el pintor.
    La horizontalidad es un elemento clave en la concepción de sus últimas obras, como Pinturas Sucias (perteneciente a su tetralogía de Mariposas) y de las que el pintor ha escogido cuatro para que custodien el Réquiem. 
    Dos partes: tierra y cielo; dos elementos: barbarie y esperanza. La parte inferior es la tragedia, el sufrimiento, adivinamos el fulgor de la muerte, las alambradas, la sangrante herida que comparte la humanidad. 
En la parte superior hallamos la luz e, incluso, podemos percibir las huellas de los dedos del pintor, en su entrega por la obra, en la que en ocasiones ha necesitado prescindir del pincel para ser en sí mismo el único instrumento. 
    Este Réquiem del siglo XXI es una pica en tiempos complejos para lo inefable. Una obra que emana espiritualidad y ante la que el pintor se pregunta: «¿se está suicidando la humanidad? »
    Y en el centro de ese escenario de guerra, volando, encontramos dos mariposas. Una cuyo cuerpo decae, la otra lo mantiene en alza. 
    …  Esas Mariposas tuvieron que atravesar guerras terribles donde tenían que compartir trinchera con humanos para defenderse de otros humanos… 
¿se está suicidando la humanidad?
Jorge Rando
    Las mariposas se encuentran en un dolor compartido, reflejo de un sentir contemporáneo. Y descubrimos que regresa, como lo lleva haciendo desde los inicios de su pintura, la compasión. La etimología de la palabra compasión es Cum-pati: sufrir juntos. La compasión como virtud de la humanidad, como resistencia capaz de cambiar el rumbo de las historias. 
  Ein ukrainisches Requiem (Réquiem por Ucrania) es la llamada a que el dolor no nos puede ser ajeno, a que no podemos vivir de espaldas a nuestro espíritu, es el recuerdo perenne de la necesidad de una condición humana sin fronteras. Dice el pintor que él solo quiere pintar la vida, quizá en esta obra en la que sus Mariposas siguen sin abandonarle encontremos que el fin último sea el amor.
    La presente exposición es el principal evento dentro de la celebración del VIII aniversario del Museum y podrá visitarse hasta el próximo 26 de septiembre. 
    Como en cada una de las exposiciones de Rando encontramos la pintura como una ventana a nuestro interior en una época exacerbadamente exteriorizada. Una obra que no da mensajes porque nos concede la libertad y autonomía intelectual en su demanda de que iniciemos, de que mantengamos o que no decaigamos en el encuentro de nuestro espíritu, lo que unido a una capacidad creativa única e inconmensurable lo convierte en uno de los referentes del arte contemporáneo. 
    Carmen Pallarés, periodista, crítica de arte, poeta y gran conocedora de la obra joven del maestro no ha podido acudir a esta rueda de prensa por motivos superiores a su voluntad, pero ha querido estar presente a través de unas palabras: 
    "Esta exposición, Años jóvenes de un viejo maestro, podía titularse sin problema Años maduros de un joven maestro. Porque entre los años que abarca la muestra Jorge Rando es ya un pintor hecho, aunque, eso sí, y como el mismo dice, ante un lienzo el pintor es siempre un aprendiz de algo más grande que él, que es La Pintura. 
    Sin olvidarnos de ello, vuelvo a mi idea de que Rando, de joven, ya pintaba con la pericia y la experiencia de una madurez que le llevaba, por ejemplo, a elegir la herramienta de la espátula, un instrumento casi endiablado del que muchos no quieren saber nada, porque su impronta es siempre poderosa y parece tener voluntad propia. Solo la madurez logra domarla. Y así lo hizo él, y confirió a los cuadros de esos años ejecutados en su mayoría con la espátula, un seso sazonado, de madurez, por tanto, y no otra cosa. Y ya dejando al lado, pero cerca, lo que acabo de decir, me atrevo ahora a justificar la segunda parte de lo que he afirmado al principio, lo de joven maestro. 
    Pues, Jorge Rando muestra y demuestra en cada una de sus colecciones de vejez, un vigor juvenil, un erguimiento de la voluntad y un anhelo cumplido de entusiasmo plástico, artístico y personal que le impide, le impide, justamente, envejecer. En todas las etapas de su vida pictórica este pintor ha disfrutado y sigue disfrutando de una maestría sin edad. Entrar en el museo es comprobarlo y visitar cada una de sus propuestas es percibir conocimiento técnico, ideas arriesgadas trasladadas al lienzo y al papel con la rotundidad del que sabe mantener vivo, joven, el amor por el arte que tiene entre las manos, por el crecimiento de la sensibilidad y la transformación de la conciencia. Nada interviene aquí, pues, así lo creo, ese externo aparato del tiempo, de lo temporal, y su pintura, la de Jorge Rando, es la de un artista sin edad".  

Carmen Pallarés

«La lengua y la picantería», el Cervantes celebra la gastronomía tradicional peruana y su contribución al español

Adelanto del proyecto del «Diccionario panhispánico de gastronomía», que verá sus primeros frutos en el IX Congreso Internacional de la Lengua Española de 2023 en Arequipa (Perú)

• Patrimonio cultural del Perú, la picantería representa el mestizaje andino e hispano y conservan un amplio vocabulario nativo americano

 

  L.M.A. 

Madrid, 23 de mayo de 2022.- El Instituto Cervantes celebrará hoy lunes «La lengua y la picantería» (19 h) un conversatorio sobre el papel emblemático de las picanterías, casas de comida populares originarias de finales del siglo XVI declaradas patrimonio cultural del Perú por su aportación de un vocabulario proveniente de lenguas originarias de América al español.

Luis García Montero, director del Instituto Cervantes; Francisco Javier Pérez, secretario general de la Asociación de Academias de la Lengua Española (ASALE); y Alonso Ruiz Rosas, poeta y coordinador del Congreso Internacional de la Lengua Española (CILE), presentarán el acto, al que seguirá una charla moderada por Ruiz Rosas con tres destacadas picanteras —cocineras— de Arequipa, Maruja Ramos de Aguilar, de la picantería La Maruja; Mónica Huerta Alpaca, de La Nueva Palomino y Beatriz Villanueva Salas, de Laurita Cau-Cau, que ofrecerán una degustación de platillos tradicionales.

La actividad, desarrollada en colaboración con el Centro Cultural Inca Garcilaso, es también una aproximación inicial al proyecto «Diccionario panhispánico de gastronomía» impulsado por la Asociación de Academias de la Lengua Española, que presentará sus primeros frutos previsiblemente en el IX Congreso Internacional de la Lengua Española en marzo de 2023 en Arequipa (Perú).

 La picantería arequipeña representa la rica y variada tradición culinaria de la época prehispánica y colonial que entrelaza antiguos saberes y productos. Su preservación hasta la actualidad se atribuye al rol fundamental de la mujer en la dirección de estos locales, así como en la transmisión y vigencia de los saberes culinarios tradicionales. Asimismo, estos espacios conservan un amplio vocabulario de origen quechua, aimara y, en menor medida, otras lenguas nativas, cuyas voces forman parte del lenguaje «lonco» o chacarero del entorno rural.

El origen de la picantería y su valor cultural

Con variantes en otras regiones de Perú, la picantería es la principal institución de la cocina tradicional de Arequipa. Su origen data de la segunda mitad del siglo XVI, cuando surgieron establecimientos de vendían chicha (bebida alcohólica de maíz negro) y empezaron a ofrecer platillos para acompañarla.

El intenso mestizaje entre las tradiciones culinarias andinas e hispanas característico de las picanterías de Arequipa hizo que, a partir del siglo XIX, alcanzaran renombre como espacios democráticos de sociabilidad y gestación de diversas expresiones de la cultura popular.

domingo, 22 de mayo de 2022

MARTA MALDONADO expone “Entrelazados” , pintura en la galería Cruz Bajo de Madrid


Marta Maldonado con el profesor José S. Carralero


Carmen Valero Espinosa

23/5/22.- Madrid.- Partiendo del nido como lugar de refugio o acogida, la pintora Marta Maldonado creó, en el tiempo de confinamiento, el comienzo de una serie, que se ha ido abriendo en bellos ramajes, a medida que pasaba el tiempo de encierro y pandemia. El resultado es una obra muy bella, donde composición y color aciertan en cada uno de los cuadros. La muestra permanecerá abierta hasta finales de junio en la galería  Cruz Bajo de Madrid (c/ Don Ramón de la Cruz, 15; 28006 Madrid). Una exposición muy trabajada y sentida. Hasta el 25 de junio de 2022.

El galerista y arquitecto Eloy Díez ha escrito en el catálogo que ha publicado sobre papel: “Entrelazados” son los caminos, los intereses, la mirada de la pintura de Marta Maldonado, que confluyen en nuestra sala con la obra expuesta. Su pasión por el arte, el esfuerzo de su trabajo constante, su talento, su técnica, todo unido a una personalidad luminosa, clara, de mirada sonriente ante la vida, nos llevan a este atrevimiento conjunto, en ideario de raíz común… desvelamos a la sociedad un mensaje.

Las obras expuestas, en efecto, nos miran desde la naturaleza. Sus colores suben de la tierra al encuentro de la luz, el aire, el agua. Fuego…encuentro que hay una fuerza telúrica, un poco volcánica, en el negro del humus, el azafrán de la tierra sulfúrica, el rojo del almagre o de la tierra ferrosa. Y nos hace percibir después de la primera vista una pintura realista de tendencia abstracta o, en espejo, abstracta de tendencia real.

En suma, la pintura que expone Marta Maldonado en esta muestra nos regala una oportunidad que por otro lado considero imprescindible debe generar una obra de arte, y que tantas veces echamos en falta en salas de exposiciones y ferias colectivas: que la obra nos conmueva, y que tenga capacidad de generar emoción. 

Reflexión íntima

    Por su parte, Marta Maldonado escribe cuando habla de su trabajo artístico: “Esta exposición es una reflexión íntima sobre nuestro modo de vida y la situación general que nos envuelve, volviendo la mirada a la Naturaleza y tomando como referencia el Nido, anti-metáfora del mundo en que vivimos.

Las ramas que conforman el Nido dan cobijo a un espacio interior de seguridad, calidez y confianza, y al mismo tiempo se extienden hacia fuera, a un espacio exterior de búsqueda e incertidumbre. Son dos espacios diferentes que sin embargo están soportados y construidos por una misma estructura de ramas entrelazadas.

Ramas a modo de itinerarios, dilemas y caminos que se bifurcan formando un intrincado laberinto que no es sino una metáfora de nuestro mundo, de nosotros mismos. 

Hilamos vínculos que nos relacionan con los demás, con lo otro, tejiendo una red de interconexiones, evidenciando que estamos entrelazados para entender nuestra propia existencia. Escudriñamos en nuestro interior debatiéndonos en dilemas morales y disyuntivas existenciales que nos permitan entender la realidad, dar sentido a esta maraña de ramas, descifrar sus secretos más íntimos, su ser, desde la imagen que proyectan. 

Mi pintura refleja esta doble percepción. Pintura real, figurada o abstracta da lo mismo…Pintura. Arte con conocimiento del lenguaje; sin filtros, alejada de artificios o trucos. Pintura, táctil, rica, exuberante, múltiple, no definida completamente, con matices que conforman una búsqueda y una intención, sin caer en el vacío de lo banal, siempre dialogando entre los límites de espacios duales y fronterizos. Expresión artística que invita a la reflexión, que promueve diferentes interpretaciones y dilemas no resueltos, donde la mudanza y el cambio dan sentido a la propia obra. 


Desvelar con nuestra mirada la verdad última, vislumbrar lo que hay detrás, lo que no vemos, descubrir algo propio que estaba oculto detrás del laberinto de sensaciones y al fin emocionarnos. De eso se trata”.

Más información




Carlos Alonso, Julia Sáez-Angulo, Marta Maldonado, Manoli Ruiz y Carmen Valero Espinosa


ÁNXELES PENAS. Exposición “Recorrido simbólico” en la Galería de arte Ra del Rey


Ánxeles Penas, artista visual y poeta


Julia Sáez-Angulo

        22/5/22.- Madrid.- Ánxeles Penas, escultora y poeta, presenta una exposición de su pluridisciplinar arte en la galería Ra del Rey de Madrid. Pintura, collages, dibujos, grabados… todos ellos en una selección de su trabajo que responde al “Recorrido simbólico al que hace alusión el título de la muestra, que permanecerá abierta del 22 de mayo al 17 de junio.
“Un recorrido de 2005 a 2022, por el universo de los símbolos, que es una temática habitual de la autora. Entre otros, están el óvulo, que significa el núcleo engendrador; la espiral que habla de cómo crece todo lo que existe, desde el feto a las galaxias; el árbol de la vida; o axis mundi (eje cósmico). Aves y alas transmiten la idea de vuelo anímico y los tótems hacen referencia a cultos animistas. Tallas, grabados y pinturas muestran un imaginario abierto a interpretaciones polisémicas.
    Color, blanco y negro o grises se alternan en un montaje lleno de ritmo y armonía. La Torre de Hércules de su Coruña natal reaparece en sus dibujos o collages como el “axis mundi”, el eje del mundo en torno al cual un torques de Xanceda va señalando la espiral, figura que reaparece en varios de los cuadros como expansión del universo.
    Los petroglifos gallegos también son una constante en es recorrido de símbolos que acoge igualmente caligrafías y alfabetos como lenguajes que unes y separan
    Su especialidad como escultora -en la Facultad de Bellas Artes de San Fernando- resulta interesante el cúmulo de piezas a modo de bosque, instalado en el centro de la exposición.
    Algunos de sus cuadros, casi nocturnos, evocan la materia o energía obscura del universo. Cada una de las piezas de la artista visual gallega es un enigma por descifrar, que atrapa la visión del espectador.
    La mitología clásica y el latín acompañan con frecuencia la obra o los títulos del trabajo de Ánxeles Penas (Teijeiro. La Coruña, 1943): Verba volant, carpe diem, sic transit gloria mundi (así pasa la gloria del mundo)… 
    Poeta, además de artista plástica, ha publicado en gallego el libro “Tríptico ártabro”. La escritora publicó en castellano hasta 1982 y en gallego a partir de esa fecha. Por su poesía, Ánxeles Penas ha merecido cuatro importantes galardones, y por su obra en general, un total de nueve premios.

Más información

Ra Del Rey. ESPACIO PARA LAS ARTES.
Calle Reina 11 - 28004 Madrid
+34 91 5223120
www.radelrey.com
www.facebook.com/radelrey 
www.instagram.com/ra.del.rey

Horario de la galería:
Mañanas: Miércoles, Jueves, Viernes y Sábado de 12:00 a 14:00 h.
Tardes M-X-V de 18:00 a 21:00 h.
Jueves de 19:30 a 21:30 h




Ánxeles Penas

LaJoven ha presentado “Praga, 1941 (Jóvenes rubios no paran de gritar frente a mi casa)”, su primer monólogo en el Teatro Fernán González.

Raúl Pulido, intérprete de la obra. Foto Ilde Sandrín


L.M.A.

21/5/22.- Madrid.-

Sinopsis

La televisión informa que el transbordador “Columbia” ha sufrido un accidente al volver a la tierra tras una expedición lunar. En las noticias sale un dibujo que había llevado uno de los astronautas: el globo terrestre visto desde el espacio. Daniel, un chico que vive en Praga, reconoce el dibujo y cree que hay varios similares en el trastero de su padre. En efecto, allí encuentra una caja con láminas y libretas firmadas por un tal Petr Ginz.

Petr fue un chico que vivió seguramente en esa casa en 1941 cuando los nazis ocuparon la ciudad. Daniel, que tiene la misma edad que Petr, lee con incredulidad cómo era la vida en las calles por las que él pasea. La voz de los dos chicos empieza a fundirse y los límites entre el presente y el pasado cada vez parecen más difusos.

Daniel se pregunta qué hacer con el testimonio que ha encontrado por casualidad, si quedará algún superviviente de esa familia judía a la que entregar las pertenencias de Petr, o cómo conservar ese trozo de la historia.

Comentario

El tema de la Soab, del honocausto judío no parece tener fin, al lado de otros holocaustos como el gitano en las mismas fechas o el armenio por los turcos hace un siglo. Ciertamente el holocausto judío en la Alemania nazi fue el más numeroso, seis millones se cita como cifra y en este monólogo se trata de un muchacho -a diferencia de Ana Frank con su diario- el que nos va narrando el día a día de un progresivo horror contra la población judía. La analogía surge de inmediato.

Curiosamente solo se considera judío aquel nace de mujer tal y en el caso que nos ocupa, solo era judío el padre, no así la madre del protagonista. El texto presentado en el Teatro Fernán González dice que sí eran tenidos también en cuenta para el exterminio.

Raúl Pulido, intérprete de Daniel, el muchacho que va narrando los hechos pasa por distintos momentos, emociones y sentimientos que el acto interpreta con holgura.

Una producción de Acción Sur S.L Con la colaboración de Comunidad de Madrid, Ayuntamiento de Getafe, Fundación Teatro Joven, Fundación Daniel y Nina Carasso y Czech Tourism.  Agradecimientos: Teatro de la Abadía y Centro Checo de Madrid. 

Ficha artística

Dirección: José Luis Arellano García

Texto: Paco Gámez
Actores: Raúl Pulido, con Fernando Sainz de la Maza en algunas sesiones.
Escenografía y vestuario: Ikerne Giménez
Iluminación: Paloma Parra
Música original: Alberto Granados
Videoescena: Elvira Ruiz Zurita
Ayudantía de escenografía y vestuario: Lua Quiroga Paúl
Dirección de producción: Olga Reguilón Aguado

Una producción de Acción Sur S.L
Con la colaboración de Comunidad de Madrid, Ayuntamiento de Getafe, Fundación Teatro Joven, Fundación Daniel y Nina Carasso Czech Tourism.
Agradecimientos: Teatro de la Abadía y Centro Checo de Madrid. 

sábado, 21 de mayo de 2022

Fotografías Premiadas del 11º Concurso Mundial Pink Lady. Exposición

Exposición: 

Espacio Showroom de Síntesis Digital Lab.

calle Tellez, l9

del 20 de mayo al 14 de junio de 2022





Maica NÖIS

        20/05/2022.-Madrid.- Con una gran inauguración se reanuda en sus convocatorias con  la exposición de fotografía  que muestra en la primera exposición en España  la selección del concurso mundial" PINK LADY Food photographer of the year"

La marca de manzanas Pink Lady, que inundó de color y alegría el local, falla los ganadores de la undécima edición de su concurso, uno de los certámenes de fotografía más importantes a nivel internacional, que pone en relieve la creciente importancia de la fotografía, en este caso gastronómica, como disciplina artística.

Desde 2011 Pink Lady, marca  única en el  mundo, organiza este concurso que viene auspiciado por el auge de lo culinario. Dentro de su categoría ha adquirido durante este tiempo un gran relieve internacional. Sus imágenes trascienden más allá de la belleza estética al ser capaces de contar historias, mostrar las realidades y costumbres de diferentes culturas.

La poderosa imagen, KEBABIYANA, del fotógrafo indio Debdatta Chakraborty, se ha alzado en esta edición con el primer premio.

 El fotograma fue tomado en Srinagar y capta la esencia de un callejón que de día nada tiene de especial pero que de noche, entre el humo y los aromas especiados de los wazwan kebabs, el plato más popular de Cachemira, se convierte en todo un paraíso para los amantes de la cocina callejera. La fotografía tomada en este caso trasmite un "sabor" especial y un halo casi misterioso. La noche que envuelve en esta calle a los vendedores de comida con sus hornos encendidos de carbón. La calle se convierte según el fotógrafo en un paraíso para los amantes de la comida. 

Caroline Kenyon, directora y fundadora del certamen explicita que "siempre es emocionante y sorpresivo ver cómo una sola imagen se alza de entre las miles recibidas con el premio"."En el mundo hoy más que nunca, necesitamos consuelo y esta fotografía aporta mucho de esto ¨el abrazo ondulante del humo, magistralmente captado; la luz dorada, la expresión de quien conoce bien su oficio; las chispas de unas brochetas asadas que casi podemos oler. En definitiva esta imagen, suave pero poderosa, nutre nuestra alma"

Otra fotografía seleccionada de AMANDA FARNESE HEATH (Reino Unido) "Autumnal Woodland Aple Party" ganadora de la Pink Lady Apple a Day, en la que un grupo de niños idearon un tea party perfecto con las manzanas y se recreó en un precioso bosque escocés

La fotografía "Tradicional Skill" de CHEN YING (China) obtuvo el galardón en la categoría de  Champagne Taittinger for Celebration. Está tomada en una pequeña granja en China. La familia se reúne para cocinar las tradicionales albóndigas rellenas de arroz, que auguran prosperidad  para el Año Nuevo

El premio Overall Winner de Errazuriz Wine Photographer of the year que premia fotografías relativas a la viticultura se otorgó a JOHN WYAND (Reino Unido) por su "Gathering prunings on Corton Hill" que muestra la boda de invierno en los viñedos de Corton Hill en la zona de Borgoña.

El premio en homenaje a Claire  Aho (una de las fotógrafas más importantes de Finlandia) el premio Claire Aho para fotógrafas se ha premiado en su segunda edición a MARGUERITE OELOFSE, en su toma de Sudáfrica que se plantea como una postal impresionista de Henri Matisse.

Son treinta participantes expuestos con sus correspondientes acreditaciones de los ganadores de un concurso cada vez más prestigioso que cuenta con un jurado presidido por el legendario fotógrafo gastronómico David Loftus acompañado por expertos del ámbito culinario y fotográfico

Así la primera exposición en España de Pink Lady se puede visitar desde el día 20 durante dos semanas en el showroom de Sintesis Digital Lab un espacio que cuenta con los mejores recursos y que siempre exhibe talentos desde hace más de tres décadas

Queda abierta la posibilidad de visionar esta exposición que nos traslada a través del mundo a las peculiaridades e influencias gastronómicas y de los elementos y configuraciones que le rodean.

Los fotógrafos saben captar siempre el momento y las circunstancias que están implícitas en los hechos y como en este caso pueden trasmitirnos y trasladarnos a otros lugares.

Es un nuevo logro de la Galería con tanta tradición exhibitoria para  contemplar esta exposición abierta al público durante dos semanas. con esta muestra en la segunda década de este premio al mismo tiempo que nos concita en cómo la comida forma parte de todos los aspectos de nuestra vida y aporta felicidad en un mundo que empieza a resurgir con el fin de los confinamientos, la recuperación de la hospitalidad, la oportunidad de celebrar. Esto es algo que de alguna forma se refleja en estas fotografías.





"LA BUENA ESTRELLA DE COLOMBIA Y JAPÓN". Relato, por Carmen Valero

Chieko con los dos pajaritos en la mano. Al fondo, el perro Aoi 




Relato, por Carmen Valero
Madrid, 20 de mayo de 2022

                                                    A Nori y Chieko

Disfrutábamos de una jornada al aire libre en la hermosa sierra de Collado Mediano, cuando de pronto el perro japonés Aoi, de raza toshiba comenzó a ladrar desaforadamente husmeando en el césped del jardín. Nori, la cuidadora colombiana de Chieko, una mujer japonesa en silla de ruedas, se acercó a él y comprobó que allí había, medio muerto, un pajarito diminuto, supuestamente caído del tejado o de las garras de otro animal.
Nori, con sus manos prodigiosas -no en balde ha merecido Diploma de Excelencia como cuidadora de personas mayores- recogió la criatura del césped y la arrulló con cariño en sus manos, dándole el contacto y el calor que necesitaba, en medio de palabras cariñosas para el animalito. Cuando se lo mostró a Chieko, ésta quiso llamar al veterinario para preguntarle cómo hacer y alimentar al pajarito herido para que subsistiera. El veterinario recomendó que se le administrara para comer, un puré de huevo, miel y galleta. Nori lo preparó de inmediato.
Llegada la hora de la siesta -la hora sexta que llamaban los romanos- todos nos fuimos a descansar para sobrellevar la canicula de ese momento y Nori se llevó al pajarito consigo, para que reposara caliente y seguro en su pecho. 
Al levantarnos del reposo, todos comprobamos que el pajarito había revivido casi por completo y parecía feliz en manos de Nori, que mostraba satisfecha al pequeño sobreviviente ante Chieko, Aoi, Cuqui y yo.

    Cuando mi hermana Cuqui y yo nos disponíamos a regresar a casa, después de disfrutar del bonito día primaveral, casi de estío, en la sierra madrileña, Aoi volvió a ladrar con fuerza. Yo supuse que era por el revuelo que organizamos los humanos en las despedidas, pero no, el can seguía ladrando con insistencia, hasta que Nori le prestó atención y comprobó que con su hocico le estaba señalando a otro pajarito contusionado en el césped.
    Nori volvió a repetir el ritual de recogida, acurrucado, caricias, calor y nutrición para el nuevo pajarito, que comenzó a sentirse mejor y seguro en aquellas manos prodigiosas de la cuidadora, que agradecía con palabras amables al perro Aoi, por sus desvelos en salvar al pequeñín herido. 
    Seguidamente, Nori improvisó para los dos heridos un hospital de campaña en una caja de cartón y allí quedaban atendidos por las primorosas atenciones de la cuidadora.
    Chieko, con su buen corazón, miraba complacida la escena.
    Cuqui y yo no estábamos dispuestas a irnos de allí, sin que los dos pajaritos recibieran un nombre que los identificara, es la manera de singularizarnos los seres en la existencia. Desconocíamos el sexo de ambos pajaritos, pero daba igual. Colombia y Japón fueron la manera de denominar a aquellas criaturas indefensas, que habían tenido la suerte de ir a parar a la mejor casa de la sierra madrileña, donde habitan dos seres compasivos y excepcionales para cuidarlos. Han nacido con buena estrella.

    A finales de mayo anochece tarde a la espera de San Juan, el 24 de junio, solsticio de verano en que se igualan la noche y el día,  eso nos permitía volver a Madrid con luz natural, que es la mejor para conducir un automóvil, pero aquellos acontecimientos de rescate y salvación demoraron nuestra partida. Sin embargo, regresamos felices, sabiendo que Colombia y Japón estaban en las mejores manos del planeta. 

    Cuqui y yo habíamos contemplado una historia de solidaridad en el reino animal al que pertenecemos tanto los hombres y mujeres, como  perros y aves. El universo sorprende, a veces, con historias de amor como la vivida en Collado Villaba. Donde hay amor, late la vida.
   Nori merece hoy un segundo diploma de excelencia como "cuidadora de animalitos indefensos".

Mas información

viernes, 20 de mayo de 2022

AGUEDA DE LA PISA. Encuentro de artistas, poetas y críticos de arte

Águeda de la Pisa y Alin Arias-Misson

Águeda de la Pisa, pintora


Julia Sáez-Angulo

21/5/22.- Madrid.- Águeda de la Pisa, pintora vallisoletana residente en Madrid, ha convocado a un grupo de colegas artistas visuales, poetas y críticos de arte, en un encuentro de amigos,  en su nuevo taller/estudio cercano a la madrileña Plaza de Castilla. A pie de calle, el estudio es amplio, luminoso y ordenado; fue un antiguo despacho/estudio de arquitectos.

La pintora lo inauguró en 2020, pero debido a la pandemia hubo que interrumpir los encuentros con colegas y amigos, algo que ha reanudado para alegría de todos.

En esta ocasión nos hemos juntado entre otros, el historiador Manuel Romero, que llegó de Alejandría; Alain Arias-Misson, experto en poesía visual, buen amigo en su día de Joan Brossa y siempre amigo de Ignacio Gómez de Liaño; la historiadora de arte Carmen Román; la escultora Diana García Roy; la embajadora Luisa Cruz, Joaquín Palacios, Lourdes Castro Girón, Lupe, Jesús…

Águeda de la Pisa nos recibió con vino, cervezas, sándwiches y variedad de quesos con pasas de Corinto. El espacio donde trabaja tiene una clara parte de taller y otra de salón de recibir, con el jardín propio y vecinal a la vista. La pintora vallisoletana trabaja en una nueva serie, que todavía no tiene nombre, pues antes de ponerle título, necesita leer mucha poesía para encontrarlo. La línea recta y el color se enseñorean de su trabajo abstracto de gran belleza. Atrás quedaron las series recientes: Del orden construido al orden natural, El árbol espía, Despuesdetodo… y su fascinante serie fotográfica, sobre la que también resalta la línea recta y cromática.

    Hubo mucha tertulia para conocer de cerca las nuevas actividades de los artistas, cuya mente bulle sin parar. Ideas en marcha. Manuel Romero nos habló de Egipto, donde actualmente se percibe la abundancia de dinero procedente de Arabia Saudí y de la India; también se habló de varios artistas onubenses, entre ellos Francisco Pompei y Salgueiro (1887-1974), artista local de La Puebla de Guzmán (Huelva), municipio de más de tres mil habitantes, que contempla la formación de un nuevo museo con la obra de ese artista y otros, que enriquecerán la institución cultural. Manuel Romero confiesa que aprendió de los árabes el arte del silencio y la retaguardia, en sus más de 40 años que lleva en Alejandría, donde contribuyó a la restauración de la célebre Biblioteca.

Alain Arias-Misson (Bruselas, 1936), después de su paso por Nueva York, donde estudió el bachillerato y su paso por Barcelona y Madrid en los 70, ha vuelto con idea de quedarse de nuevo en la capital de España, después de recorrer el mundo con largas residencias en Italia, Francia, Grecia… El 21 de junio Arias-Misson llevará a cabo un recital de poesía visual en el Ateneo madrileño, junto a otro poeta ucraniano. “Me considero más poeta que artista plástico”, señala. Alain habla español perfectamente, porque estuvo casado con una asturiana de origen cubano y nos alegramos todos de tenerlo de nuevo en Madrid. El recuerdo grato de otro poeta visual, Jean Brossa, se hacía patente en su conversación.

Joaquín Palacios, investigador penal del asesinato de Abel Martín, el amigo, custodio y albacea del legado del pintor alicantino Eusebio Sempere (1923-1985), nos narró con profusión de detalles aquel caso dramático que sucedió en 1993 y que iba acompañado de robo de cuadros de la colección del artista, sobre todo de piezas del escultor Julio González. “Cuando uno muere, alguien se beneficia”, recordó el inspector de la Guardia Civil. Roberta González, hija del escultor citado, le ayudó a identificar piezas en distintas ferias y galerías de arte. Resulta triste el arte cuando se mezcla con la sangre.

    Con la embajadora consorte Luisa  se habló de la película algo fallida sobre el caso de la muerte del jesuita Ignacio Ellacuría (1930-1989) en El Salvador, donde ella estaba con su marido en el momento de la investigación de los hechos. “Es una pena que la película se concentra sobre todo en la testigo de la tragedia y no en el propio Ellacuría, un hombre que emanaba dignidad y aparece muy superficialmente, tratado, al igual que otros jesuitas como Martín Baró.

    En suma, arte, palabras, historias y tertulia, en el reencuentro en el bonito estudio de Águeda de la Pisa. Retomar el contacto, la palabra y el brindis, después de tanta hibernación con la pandemia, resulta grato. Los artistas siguen en forma y su arte nos dinamiza la existencia. 

    Echamos de menos a la pintora Mayte Spínola, invitada, pero ausente por asuntos familiares. Quedamos con Águeda de la Pisa en repetir con Mayte un encuentro.

Más información

http://www.aguedadelapisa.com/html/cv2.html

Julia Sáez-Angulo, Manuel Romero y Carmen Román

Julia Sáez-Angulo, Alain Arias-Misson y Lupe
Águeda de la Pisa, Manuel Romero y Carmen Román

Alain y Lupe