sábado, 30 de enero de 2021

"Francis Bacon & Lucian Freud". La condición humana", exposición en la galería Malborough

Galeria de Arte Malborough

c/ Orfila, 5 - Madrid

Del 23 de Enero al 27 de febrero de 2021


"Corrida" por F. Bacon


    Maica NÖIS

    30-01-2021.- Ha quedado inaugurada en esta Galería una exposición de grabados de dos grandes artistas celebrados y cotizados en el siglo XX. Dos iconos representativos. Belén Herrera Ottino, directora de la Galeria y comisaria de la exposición, expresa su ilusión porque está generando más visitas de las habituales, pese a las inclemencias del tiempo y las medidas de seguridad que han de cumplirse. Y así lo expresa "la respuesta de la gente ha superado nuestras expectativas en una inauguración muy poco convencional por las restricciones y en la que se asegura una visita tranquila y segura. Es maravilloso que esté teniendo gran acogida el poder acceder a estos dos grandes maestros en nuestra ciudad en que se agradecen mucho estos planes culturales y en este caso con el gran atractivo de los artistas reunidos Bacon y Freud" Se ha prescindido de los tradicionales festejos de inauguración y se ha alargado las horas de visita a todo el día.
 En el caso del irlandés Francis Bacon  (28 octubre 1909 Dublin-Irlanda / 28 de abril 1992-Madrid), con sus imágenes icónicas en un figurativo deformado al que la muerte sorprendió en Madrid preparando una exposición con la galería Malborough que se convirtió en una muestra póstuma. Los grabados que hoy se presentan corresponden entre 1971 y sus últimas obras antes de su muerte. Entre los que destaca "Second Version of Triptych 1944"
     En cuanto al alemán de nacimiento y criado en Inglaterra Lucien Freud (Berlín, 1922- Londres, 2011) considerado pintor  y grabador uno de los pintores figurativos más importantes de los siglos XX-XXI, se presentan varios aguafuertes fechados entre 2004 y 2007. "Before de Fortth" "Girl with fuzzy hair" -2004. Considera el grabado en su formato intimo el reflejo de una síntesis que manifiesta sólo lo esencial con lo que logra una intensidad psicológica que rodea profundamente al personaje.
    La muestra presenta 20 obras en total, 10 grabados por cada artista. Figura en cada una: año de edición de los grabados y el correspondiente  número total de tirada y el número de la que se exhibe. La técnica de ejecución que va desde la litografía offset, aguatinta, aguafuerte o grabado. Y los papeles que dan calidad al vertido: Arches y Somerset en general.
    Inevitablemente en el recorrido, que se ha planteado en dos salas, surge el recordatorio de la creación y afinidades entre ambos o circunstancias que les separan, además de las fechas de nacimiento puesto que Bacon era trece años mayor que Freud.. 
 Mientras Bacon se caracteriza por el empleo de la deformación pictórica e indeterminación no concretada en una realización que se sabe se "ensimismaba" ante el lienzo, casi siempre inspirándose en fotografías, buscaba el calor de los hombres como le sucedió en su relación  tormentosa desde su encuentro con George Dyer en 1964. El cómo retrata el cuerpo humano origen del trauma entre la guerra y haber sido expulsado de su hogar familiar a los 16 años al manifestarse su homosexualidad. Se inclinó desde el principio a una expresión autodestructiva . Sus obras en 1949 en sus versiones sobre el retrato de Inocencio X de Velázquez  reflejan su íntima angustia y el tormento en forma difusa como en una pesadilla. Parte de esta situación intentó borrarla el propio artista que destruyó su obra de los primeros años de su trabajo.
    Con todo, Bacon es un favorito en el circuito de subastas como la que rompió el mercado con  el tríptico de 1969 que le dedicó a su amigo Lucien Freud en 2014 en 142 millones de dólares en Christie´s N.Y. Así como la que compró el artista Damien Hirst  "Crucifixión" en 33 millones de dólares  y  como Hirst  definió  el lugar de Bacon en el mundo del arte contemporáneo "Bacon es el mejor. Tiene los huevos para joder en el infierno. Es el último bastión de la pintura. Antes de Bacon, la pintura parece muerta, totalmente muerta". Fue autor de 584 pinturas y alrededor de 600 dibujos.
    En sus palabras "Me gustaría que mis cuadros dieran la impresión de que por ellos hubiera pasado un ser humano como un caracol, dejando un rastro de la presencia humana y un vestigio de memoria de sucesos pasados, como el caracol deja su baba"
    El lugar que ocupa Freud difiere ya que parten de una familia de padre arquitecto que tuvo que emigrar desde Alemania a Inglaterra con un apellido muy afamado por su controvertido abuelo padre de la psicología y filosofía de los siglos XIX y XX. Sus cualidades se mostraron desde temprana edad aunque tuvo que luchar toda su vida con los sectores de la crítica especializada en un momento que se mostraba un rostro cada vez más abstracto.
    Su forma de trabajar era lenta con el pincel y siempre en relación muy directa con sus  modelos. Mientras amaba en la vida real: la velocidad, la improvisación y el riesgo, por lo que mantuvo relaciones altamente peligrosas entre estafadores-ladrones e incontables relaciones amorosas. Reconoció 14 hijos y se le atribuyen al menor 40. Sus mayores coleccionistas al principio fueron los corredores de apuestas  antes de que sus cuadros empezaran a alcanzar cifras astronómicas. Se convirtió en el artista vivo mejor cotizado cuando se pagaron 33,3, millones de dólares por su obra "La supervisora de subsidios durmiendo".
    "Para mí la pintura es la persona" siempre en un alrededor autobiográfico de sólo en sus más allegados. Por eso sus temas habituales: desnudos, retratos inquietantes de amigos y familiares a veces con sus mascotas y escenas de soledad. En raras ocasiones aceptó pintar un retrato oficial como el que realizó del coleccionista Hans Heinrich Thyssen Bornemitsza "hombre en una silla" en 2008.
    "Quiero que la pintura se convierta en carne. Sé que mi idea del retrato se deriva de la insatisfacción que me producen los retratos que se parecen a la gente. Quisiera que los míos fueran retratos de las personas, no como ellas. Que no se parezcan al modelo, que sean el mismo modelo. En lo que a mí concierne la pintura es la persona. Quiero que esto funcione para mí como lo hace la carne".
    Esta muestra es una nueva ocasión para que dos artistas que mantuvieron una amistas y admiración en vida se unan en una sala y sus obras dialoguen como una prolongación que les unió en el Londres de la posguerra en el Soho en los bares más bohemios y que como Freud reconoció "nos llegamos a ver virtualmente todos los días durante un cuarto de siglo".
 Aunque les separaban unos años en su generación fueron considerados en la historia con la Escuela de Londres en el contexto más sombrío de la posguerra. Una amistad que degeneró en años postreros en intercambio de palabras ofensivas como "ghastly" (espantoso) en la obras entre ambos aunque la amistad de esos años y la mutua atracción artística no se puede borrar y que por el sector artístico ha sido comparada con la pulsión  que mantuvieron Picasso y Matisse ó Pollock y De Kooning.
     Esa larga trayectoria personal y artística ha quedado vinculada para siempre y la exposición que hoy podemos contemplar en la Galería Malborough nos conducen a la constatación de que su genio creador supera todo matiz inter-relacional y es incuestionable.







viernes, 29 de enero de 2021

La Colección Carmen Thyssen-Bornemisza, con "Mata-Mua" de Gauguin, permanecerá en España

El ‘Mata Mua’ de Gauguin regresará al Museo Nacional para exponerse  junto a las 400 obras de arte de la colección

El coste del arrendamiento será de 6,5 millones de euros anuales durante 15 años, con opción de compra por parte del Estado 

Mata-Mua de Paul Gauguin, en España



    L.M.A.

    29-enero-2021.- El ministro de Cultura y Deporte, José Manuel Rodríguez Uribes, ha logrado cerrar esta tarde un acuerdo con Carmen Thyssen-Bornemisza de Kászon para que permanezca en España la colección de unas 400 obras de arte de la baronesa que está depositada en concepto de préstamo provisional en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza.

    El ministro ha conseguido pactar un contrato estable con una duración de quince años, con una opción de compra por parte del Estado al término de ese plazo. El precio de alquiler es de seis millones y medio de euros al año, por un conjunto de pinturas y esculturas con un valor de 1.040 millones de euros.

A las obras de la colección depositadas ya en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, la baronesa Thyssen-Bornemisza de Kászon añade también ‘Mata Mua’ de Paul Gauguin que había salido del Museo Nacional con una licencia de exportación de 2019.

Además, el Ministerio de Cultura y Deporte y la Fundación Thyssen-Bornemisza colaborarán con la baronesa Thyssen-Bornemisza de Kászon en la ordenación definitiva del museo de pintura que está organizando en San Feliu de Guixols.

Con este acuerdo, se pone fin a nueve años de prórrogas del préstamo que la Baronesa Thyssen-Bornemisza de Kászon  había acordado con el Estado en 2002 y que debían prorrogarse cada pocos meses. Se produce así el reencuentro de las dos colecciones, la del  Barón Hans Heinrich von Thyssen-Bornemisza y la de la Baronesa Carmen Thyssen-Bornemisza. 

    Entre estas cuatrocientas obras hay que destacar pinturas y esculturas de artistas como Braque, Brueghel el Viejo, Canaletto, Fragonard, Gauguin, van Gogh, Juan Gris, Kandinsky, Matisse, Miró, Monet, Nolde, O’Keeffe, Picasso, Pissarro, Renoir y Rodin, entre otros artistas. 


Una “Bernarda de Alba” espléndida, andaluza, nazarena, musical, hecha danza sin borrar la palabra, en el Teatro Tribueñe

"La casa de Bernarda de Alba". Teatro Tribueñe


    Julia Sáez-Angulo

30/1/21.- Madrid.- Federico García Lorca estaría encantado. Su obra “La casa de Bernarda de Alba”, subrayada por música andaluza, sacra, de procesión, con ecos flamencos, que subraya en todo momento a los personajes, sus pasos, danza, acción y palabra, se ha puesto en pie con inteligencia plástica y altura, en el Teatro Tribueñe, bajo la dirección de Irina Kouberskaia y Hugo Pérez de la Pica.

Y cuando digo estética andaluza de la obra, nada más lejos que una visión costumbrista, sino una recreación plástica que trae a la memoria el arte visual de la pintura neo nazarena del XIX o la pintura de principios del XX, con un Julio Romero de Torres de fondo, por ejemplo como referencia.

La acción de la obra se recoge con frecuencia en un final pictórico, de poses que componen una pintura, un cuadro con algunas de las diez mujeres que participan en la obra. El magisterio de Salvador Tavora también se percibe a lo lejos, con seguidores como Miguel Lorca en su "Pasiçon". Pero ciertamente Hugo Pérez de la Pica sabe interpretar la esencia de Andalucía como nadie.

La rusa Irina Kouberskaya y Pérez de la Pica han sabido entrar bien, sin realismo romo, en la esencia de un drama, la tragedia de mujeres encerradas por mor de una madre autoritaria y dictadora, para quien la honra -vieja aspiración en la tradición del teatro del Siglo de Oro- es lo más importante. El que no hablen y no digan, aún a costa de paralizar las vidas jóvenes y encerrarlas bajo los muros. Lorca lo supo ver en ese drama femenino, trufado de deseo y diferencia económico-social, y los directores lo ha sabido poner en escena con la fuerza estética que caracteriza su trabajo, dando cauce al lenguaje caudaloso, poético, con acentos modernistas del autor. 

Un drama femenino, una tragedia de mujeres, sin la presencia de un solo hombre en el escenario, si bien se adivina su presencia/ausencia como deux ex machina. La vieja España, la España profunda, la represión hecha muros, velos, lutos, mantillas… y sueños. Una obra que itinera por España y deslumbra, que de vez en cuando recala en el Teatro Tribueñe de donde procede. En este caso durante el sábado y domingo, 29 y 30 de enero. Quizás vuelva más adelante este espectáculo que es una joya. Puro arte en la puesta en escena, interpretación y dirección.

GÉNERO Y DURACIÓN

Drama. 2h

FICHA ARTÍSTICA

Carmen Rodríguez de la Pica (Bernarda)

Chelo Vivares (Poncia)

Badia Albayati / Nereida San Martín (Adela)

Alejandra Navarro / Catarina de Azcárate (Angustias)

Matilde Juárez (Martirio)

Rocío Osuna / Virginia Hernández / Catarina de Azcárate (Magdalena)

Ana Peiró (Amelia)

Marina Valverde (Mª Josefa)

Mª Luisa Gª Budí (Criada)

Enriqueta Sancho (Prudencia)

FICHA TÉCNICA

Dirección Irina Kouberskaya y Hugo Pérez de la Pica

Escenografía y vestuario Hugo Pérez de la Pica

Diseño de iluminación Hugo Pérez de la Pica / Miguel Pérez Muñoz

Espacio sonoro Hugo Pérez de la Pica / Irina Kouberskaya

Técnico de iluminación Miguel Pérez Muñoz

Técnico de sonido Nicolás Orduna

PREMIOS

XVI Certamen Nacional de Teatro Garnacha, La Rioja

Premio Mejor espectáculo (Primer Premio)

Premio Mejor Dirección

Premio Mejor Montaje teatral

Festival Internacional de Teatro Butrinti 2000, Albania 

Mejor Espectáculo

Mejor Compañía Teatral

XXXII Festival de Teatro Ciudad de Palencia

Premio Mejor Dirección

Mäs información

C/ Sancho Dávila 31. Madrid

Información y reservas: 91 242 77 27



Gran Mural de artistas visuales pro Trabajadores de la Sanidad en la galería Ra del Rey de Madrid

Antonio Támara, encargado de la galería Ra del Rey con la artista visual Adriana Zapisek



    L.M.A.

           29/1/21.- Madrid.- Después de aplaudirles a diario, los artistas plásticos han querido agradecer a todos los trabajadores de la sanidad su entrega total, profesionalidad y valentía  para salvarnos durante esta pandemia que padecemos. 

    Cada artista ha donado una obra de 50 x 50 cm.para construir con ellas un gran mural que perpetúe en el tiempo su valiente labor. La participación de más de 100 creadores, aunque esta exposición en la galería Ra del Rey sólo es una pequeña muestra.

    Entre los artistas presentes en el mural: Tomás García Asensio, Carlota Cuesta, Alcaín, Charo Rincón, Oscar Estruga, Paz Santos, Jorge Arranz, Manuel Alcorlo, María Jesús Aragoneses, Jesusa Quirós, Ramiro Tapia, Carmen Pallarés, Adriana Zapisek, Francisco López Soldado, Carmela Saro; Anxeles Penas; Elena Martín; María Guerra; Juan Bordes; Ángel Aragonés; Carmen Pagés; Antonio Santos; Emilio Zaldivar, Paz Muro,  Pablo Sycet, Concha Hermosilla, David Lechuga, Concha Gay, Jorge Arranz, Abel Cuerda, Concha Hermosilla, Arnulfo Muñoz, Manuela Picó, Ricardo Goñi, Monique Le Roux, Julio Ovejero,  Rosa Gallego, Lucrecio Oteiza, Consuelo Ortiz, Antonio Alvarado...

*****

Asociación                                                           Galería Ra del Rey.                           

Artistas Plásticos Sin Fronteras.                      Espacio para las Artes.

 Horario de la galería.

Martes, miércoles, jueves y viernes de 18:00 a 21:00 horas y sábados de 12:00 a 14:00 horas.

Mañanas previa cita. Teléfono: 667446559

Del miércoles 27 de enero al sábado 6 de Febrero.





Titulo MASCOVID II (2021)
Autora: Adriana Zapisek
Tecn  MIXTA  s/lienzo
Med   50 x 50 cm
Obra de Carlota Cuesta
Obra de Charo Rincón

Cuadro de José Luis Simón
Adriana Zapisek ante su cuadro




jueves, 28 de enero de 2021

IFEMA y el Ayuntamiento de Madrid firman el depósito-comodato de más de 450 obras de la colección ARCO.Recorridos Fotográficos

ARCOmadrid. 40 Aniversario


La firma de este acuerdo, a favor del Museo de Arte Contemporáneo de Madrid, ha tenido lugar hoy en CentroCentro, Palacio de Cibeles, en un acto presidido por Andrea Levy, delegada del Área de Gobierno de Cultura, Turismo y Deportes del Ayuntamiento de Madrid, y Eduardo López-Puertas, director general de IFEMA

La primera exposición que se llevará a cabo de los fondos de la Colección será del 4 de febrero al 4 de abril, en el Centro Conde Duque, y formará parte de las actividades conmemorativas del 40º Aniversario de ARCOmadrid


Andrea Levy y Eduardo López-Puertas

 

 L.M.A.

    Madrid, 28 de enero de 2021.- IFEMA y el Ayuntamiento de Madrid han firmado esta mañana el depósito-comodato de las obras de la colección ARCO. Recorridos Fotográficos, en favor del Museo de Arte Contemporáneo de Madrid. La firma de este acuerdo ha tenido lugar en CentroCentro, Palacio de Cibeles, en un acto presidido por Andrea Levy, delegada del Área de Gobierno de Cultura, Turismo y Deportes del Ayuntamiento, y Eduardo López-Puertas, director general de IFEMA. De esta manera, la colección, formada por más de 450 obras de 80 artistas, pasará a formar parte de los fondos del museo madrileño.

    La colección Recorridos Fotográficos ofrece una particular mirada a más de dos décadas de arte en España a través del trabajo de un grupo de creadores sobre ARCO, como Cristina García Rodero, Alberto García-Alix, Ana Laura Aláez, Cristina Lucas, Miguel Trillo, Bernard Plossu, Carmela García, Luis Asín, Manuel Sonseca, Carles Congost, Marina Núñez o Jorge Galindo

. Primera exposición de Recorridos Fotográficos

    Como parte de las actividades conmemorativas del 40 Aniversario de ARCOmadrid, a partir del 4 de febrero, y hasta el 4 de abril, el Centro Conde Duque acoge la exposición «ARCO. Recorridos fotográficos». Una muestra comisariada por Rafael Doctor Roncero que agrupará una amplia selección de obras pertenecientes a la Colección. Se trata de la primera exposición de la Colección desde su depósito mediante comodato en el Museo de Arte Contemporáneo de Madrid.

    Los Recorridos Fotográficos nacieron en el año 1988 por iniciativa de la Asociación Amigos de ARCO, con motivo de la conmemoración del 150 aniversario de la invención de la fotografía. La creación de una colección internacional fotográfica, inspirada en su totalidad en ARCO, tuvo por objetivo apoyar el desarrollo de este nuevo medio de creación y promover su integración en el contexto del mercado artístico contemporáneo. La Colección Recorridos Fotográficos se planteó además como el instrumento idóneo para documentar la Feria, siendo hoy el más vivo testimonio gráfico de lo que ha sido este acontecimiento hasta 2010.

    A lo largo de las sucesivas ediciones de los Recorridos Fotográficos se han recogido múltiples interpretaciones de la Feria desde la creatividad de prestigiosos fotógrafos nacionales e internacionales, seleccionados por un comisario. Entre1988 y 1996 la selección fue realizada por Myrian de Liniers, y desde 1997 y hasta 2010, Rafael Doctor Roncero actuó como comisario de este proyecto. En algunas ocasiones los comisarios de los países invitados anualmente por ARCO aportaban también algunos de los autores, como fue el caso de Francia e Italia.

    En palabras de Doctor, “cada artista era invitado a que de una manera personal trabajase en ARCO como campo de acción, mirándolo o interpretándolo desde la óptica que él considerase. No había otro tipo de premisa más, solo que usase la imagen fotográfica como base de su trabajo. De esta forma, tras el paso de más de 80 artistas invitados, existe un fondo de más de 450 obras que configuran no solo un particular documento sino también un importante patrimonio artístico que, tras pasar un amplio tiempo depositadas en el Artium, Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo en Vitoria-Gasteiz, a partir de ahora formará parte de los fondos del Museo de arte contemporáneo de Madrid”.

    Esta exposición es una amplia selección de esos Recorridos Fotográficos en la que se puede apreciar las diferentes formas de enfocar el encargo que estos autores recibían, desde reportajes cercanos a lo periodístico hasta obras absolutamente conceptuales imposibles de ser entendidas fuera de este contexto. Autores como Cristina García Rodero, Alberto García-Alix, Miguel Trillo, Manuel Sonseca o Bernard Plossu aparecen junto a otros como Enrique Marty, Txomin Badiola, Biel Capllonch, Carles Congost, Ana Laura Aláez, Marina Núñez, Jorge Galindo o Cristina Lucas, completando una visión muy amplia y rica de una feria que es un lugar de transacción de la obra de arte, pero al mismo tiempo un lugar posible para el encuentro y el pensamiento.

ARCO

Recorridos Fotográficos 

C.C. Conde Duque

Fechas: desde el 4 de febrero al 4 de abril

Autores: AITOR SARAIBA, ALBERTO GARCÍA-ALIX, ALEXANDER APÓSTOL, ALICIA MARTÍN, ANA LAURA ALÁEZ, ANA TERESA ORTEGA, ÁNGEL MARCOS, ANTONIO MACARRO, AUGUSTO ALVES DA SILVA, BERNARD PLOSSU, BIEL CAPLLONCH, BRUCE GILDEN, CARLES CONGOST, CARMELA GARCÍA, CRISTINA GARCÍA RODERO, CRISTINA LUCAS, DAVID MOORE, EDUARDO MOMEÑE, ENRIQUE MARTY, FABIO PALEARI, FERNANDO HERRÁEZ, GABRIEL CUALLADÓ, GABRIELE BASILICO, GERARDO CUSTANCE, GONZALO PUCH, HUGO DE LA ROSA PAULET, HUMBERTO RIVAS, JANA LEO, JOAN FONTCUBERTA, JORGE GALINDO, MANUEL LAGUILLO, MANUEL SONSECA, MARINA NÚÑEZ, MARTA MARÍA PÉREZ BRAVO, MARTA SENTIS, MARTÍN SASTRE, MIGUEL ÁNGEL TORNERO, MIGUEL RÍO BRANCO, MIGUEL TRILLO, PIERRE GONNORD, RAUL URSÚA ASTRAIN, ROGELIO LÓPEZ CUENCA, SERGIO BELINCHÓN, TONY CATANY, TXOMIN BADIOLA, URRACO, XAVIER LAMBOURS, XAVIER RIBAS.

Comisario: Rafael Doctor Roncero

"Hassan Fathy, el "arquitecto de los pobres" "A contracorriente", exposición en la Casa Árabe de MadriD

Arquitectura de Hassan Fathy (Foto: Mille World)

    

    l.m.a.

    28.01.2021.- Madrid.- Desde mañana, viernes 29 de enero, Casa Árabe abre al público en sus sede de Madrid la exposición "Hassan Fathy: a contracorriente", que podrá visitarse hasta el 16 de mayo todos los días de 10 a 19:30 horas (entrada gratuita). 

    La muestra, comisariada por José Tono Martínez, recoge planos, maquetas, fotografías, libros y el vocabulario arquitectónico de Hassan Fathy (Alejandría, 1900- El Cairo, 1989), conocido mundialmente como "el arquitecto de los pobres", una de las figuras más apasionantes de la historia de la arquitectura contemporánea. Antes de que existieran las cátedras de materiales de nuestro tiempo, Fathy se fijó en las propiedades milenarias del adobe, las arcillas y las arenas secadas al sol y mezcladas con paja, como material constructivo disponible y barato, y con altas capacidades de aislamiento térmico. Esta tradición milenaria ha sido fundamental en el desierto, donde se producen fuertes contrastes de temperatura entre el día y la noche.

    Hassan Fathy, erudito, pintor, poeta y pensador fue un intelectual que vivió los momentos más importantes del Egipto del siglo XX. Se opuso a la idea neocolonialista que pretendía homogeneizar la cultura egipcia según un esquema internacionalista. Con su filosofía constructiva volvió a las raíces, a mirar las enseñanzas del campesino tradicional, del «fellah», o a las tradiciones nubias del sur donde se seguían construyendo cúpulas, arcos y bóvedas inclinadas, sin armazón, como se hacía desde tiempo inmemorial.

    Falleció el 29 de noviembre de 1989, en su mansión otomana del viejo Cairo. Fathy resume una trayectoria de honestidad, que reclama del arquitecto un diseño holístico al servicio de las personas. Su historia, poco conocida en nuestro país,  merece ser contada.

    En la exposición se dedica especial atención al proyecto de New Gourna en Luxor (1945 - 1949) y que le dió fama mundial. Se trata de un ejemplo de planeamiento urbano integral, hoy protegido por el World Monuments Fund y UNESCO.  La exposición también presenta algunos libros importantes que ilustran su trabajo como el conocido Architecture for the Poor: An Experiment in Rural Egypt, procedentes de los fondos de la Biblioteca Islámica de la AECID.

    Su obra ha dejado una gran impronta en arquitectos y artistas contemporáneos, también presentes en esta exposición. Es el caso de Hannah Collins, cuya contribución Haré una canción y la cantaré en un teatro, es un testimonio de esta admiración; o del gran Chant Avedissian, quien fue colaborador suyo y cuyos dibujos y producción artística se inspiraron enormemente en la obra de Fathy.

    En paralelo a la exposición, Casa Árabe y el Instituto Egipcio de Estudios Islámicos de Madrid ofrecerán una serie de actividades (visitas guiadas, ciclo de cine, etc) que serán anunciadas próximamente.

    Esta exposición ha sido posible gracias al generoso apoyo de las siguientes instituciones: Aga Khan Trust for Culture Library (Ginebra, Suiza), Regional Architecture Collections, Rare Books and Special Collections Library of American University (El Cairo, Egipto), Instituto Egipcio de Estudios Islámicos (Madrid), Embajada de la República de Egipto en España, Galeria Joan Prats (Barcelona), Galería Sabrina Amrani (Madrid), Faculty of Architecture of Budapest University of Technology and Economics (Hungría), Biblioteca Islámica de la AECID (Madrid), Embajada de Suiza para España y Andorra, Al Jazeera Documentary Channel (Doha, Qatar), Fábrica de Fabricantes (Madrid), Constantinos A. & Emma Doxiadis Foundation (Atenas, Grecia), Arq. Khaled Alay AlDeen, 3D Model Sidi Krier, World Monument Fund.



miércoles, 27 de enero de 2021

Se prorroga la prestación por desempleo a artistas, técnicos de espectáculos públicos y trabajadores vulnerables de la tauromaquia

Hasta el 31 de mayo

La medida completa las ayudas extraordinarias ampliando la cobertura a los profesionales de la cultura para seguir haciendo frente a la crisis de la COVID-19

Estos subsidios, una demanda histórica del sector, significan un avance en los contenidos del futuro Estatuto del Artista




    L.M.A.

    26-enero-2021.- El Consejo de Ministros ha aprobado hoy la ampliación de la protección de los trabajadores de la cultura, artistas en espectáculos públicos, personal técnico y auxiliar del sector de la cultura, y trabajadores vulnerables de la tauromaquia. 

    El Real Decreto-ley que prorroga, hasta el 31 de mayo, las prestaciones y subsidios específicos amplía la vigencia, en las mismas condiciones y con los mismos requisitos, de las prestaciones y subsidios reconocidos en el Real Decreto-ley 17/2020, de 5 de mayo, por el que se aprueban medidas de apoyo al sector cultural y de carácter tributario para hacer frente al impacto económico y social del COVID-2019; y en el Real Decreto-ley 32/2020, de 3 de noviembre, por el que se aprueban medidas sociales complementarias para la protección por desempleo y de apoyo al sector cultural.

    Dichas prestaciones extraordinarias para los trabajadores de la cultura suponen cumplir con una demanda histórica del sector y un  respaldo por parte del Ministerio de Cultura y Deporte. Además estas medidas anticipan los trabajos que desde el departamento que dirige José Manuel Rodríguez Uribes, se vienen desarrollando ya en el marco del Estatuto del Artista.


Berta Dávila. "Carrusel", novela sobre la salud mental, publicada por Barrett



L.M.A.

28/1/21.-  Madrid.- “Carrusel”, novela de Berta Dávila, Premio de la Crítica española de narrativa en lengua gallega y Premio de Novela Manuel García Barros ha sido traducido al castellano y publicado por la editorial Barrett.

    «Si te demoras en beberlo se escapan las vitaminas. Esas cosas. Bromeó con nosotras: "Si no bebéis el zumo, no vais a crecer". Ocho años más tarde, solo yo sigo aquí. Y he crecido».

    Una historia íntima y personal, llena de sensibilidad, y es que pocas escritoras como Berta Dávila son capaces de tratar temas tan duros como las enfermedades mentales y la pérdida de una forma tan natural y poética.

    Una escritora que atraviesa un tiempo convulso a nivel personal, y también un bloqueo creativo, emprende un viaje de búsqueda por sus recuerdos familiares y, en especial, por aquellos que comparte con su tío Carlos, que padece la misma enfermedad mental que ella. Esta reconstrucción de su vida la ayudará a descifrarse a nivel íntimo y literario y a enfrentarse a su experiencia con la maternidad y con la pérdida de seres queridos.

    «Es una de esas veces en la que las cosas que pueden complicarse se complican absurdamente y, sin ningún ruido, se llevan por delante la vida que soñamos».

    Así, con un tinte vintage, como una foto analógica, conoceremos a nuestra protagonista, perdida en el recuerdo, que con una memoria muy clara pone palabras a lo que muchas personas no saben siquiera expresar, saltando de un recuerdo a otro, dando vueltas y vueltas como los caballos de un carrusel, como los pensamientos de esta escritora sin nombre que necesita tenerlo todo bajo control, incluso su propio texto, donde no hay afirmación sin su razonamiento correspondiente. 

    A la orden del día, cobra especial relevancia el diagnóstico, la enfermedad, e incluso la negación de la misma, como si fueran uno solo, porque como ella misma dice «Durante mucho tiempo ignoré que el tratamiento no es la puerta de salida de la enfermedad, sino solamente la elección de afrontarla». Así como la vergüenza, egoísmo y culpabilidad de la que viene acompañada, algo que hemos podido ver mucho más de cerca tras las diversas crisis del COVID- 19. 

    En 2019 alrededor de 450 millones de personas en el mundo se veían afectas por un problema de salud mental que dificultaba gravemente su vida. De esta forma, la OMS informaba que en España, un 9% de la población se ve afectada por algún problema de salud mental, y que el 25% lo tendrá en algún momento de su vida, dando pie a la siguiente cuestión, y es que más de la mitad de las personas con algún trastorno mental con necesidad de tratamiento, no lo reciben o no reciben el adecuado. 

    Si todo esto lo trasladamos a 2020, el año de la pandemia, el confinamiento, el bombardeo mediático, las dificultades económicas, el estrés o el miedo, las cifras se disparan siendo la salud mental una de las más afectadas, destacando las tasas de ansiedad y depresión, precisamente en unas fechas en las que se ha perturbado o paralizado los servicios esenciales en cuanto a salud mental en el 93% de los países.

    «Nunca he metido las manos en otra tierra que no fuese el idioma, pero en ellas hay surcos que hablan del tiempo y de la humedad, surcos de familia, porque las arrugas prematuras de mis manos son idénticas a las de mi madre y a las de mi abuela».

    En contraposición, otro hilo conductor de la obra es el amor, con todos sus matices, cercano para muchos y revelador para otros, que se centra especialmente en su faceta familiar. Raíces, tabúes, herencia e independencia, el ciclo de nunca acabar.

    Una obra cruda y poética, que bien podría ser una biografía de cada uno de nosotros desde el capítulo cero al nueve, los cuales finalizan de forma precisa y reflexiva, superándose con el siguiente, calándote sin saberlo con cada palabra, para cerrar el libro con un nudo en la garganta. 

    El broche final se lo pone la original portada de la ilustradora sevillana Marina Fernández, que remata el trabajo de Berta Dávila como autora y traductora.

    «Ignoro si mi tío y yo somos impares e imposibles de dividir, pero sé que las líneas de nuestras manos se obstinan en confluir y que, en cualquier caso, somos consecutivos, como el número dos y el tres, los únicos primos que sí se tocan».

Jimmy Barnatán, autor del libro “¡Vosotros no sabéis!


Jimmy Barnatán (Foto Zenda)


    Julia Sáez-Angulo

27/1/21.- Madrid.- Hijo de los periodistas y escritores Marcos Ricardo Barnatán y Rosa María Pereda. Jimmy Barnatán ha seguido su senda de la escritura, amén de la música. Autor de tres novelas, “Atlas” (2005), New York blues (2012) y “La chistera de Menphis (2016) y del libro de poemas “Una noche en el St Johns” (2018), Jimmy acaba de publicar “¡Vosotros no sabéis!”, libro publicado por la editorial Huerga y Fierro, libro que lleva un prólogo de Mariano de Paco Serrano.

“Me pregunto si en Barnatán es la palabra que antecede a la música o viceversa”, escribe el prologuista. “Si sus canciones se conforman a partir del material poético que fluye por la multiplicidad de sus minilorianos ( Lucas) o por el contrario es la música la que riega, abona y hace germinar su poética interna hasta los nieves que conocemos”.

Jimmy es un personaje de la fauna artística madrileña. Como músico ha publicado siete discos de blues y ha interpretado diversos papeles en más de veinte películas y numerosas series de TV. En su faceta de director y guionista tiene en su haber varios cortos como “Macarra” o el documental sobre el Racing de Santander, Racing blues: Historia de un sentimiento. Actualmente es el presentador e ideólogo del podcast “El Bar Natán” para Podium Podcast.

“Durante toda mi vida establecí una rara relación con las ciudades que he habitado, léase Madrid, Santander y, por supuesto Nueva York. Y es peculiar porque lo hice para salvarme o condenarme, según soplara el aire. Desde pequeño aprendía tratarlas bien, pero también a ultrajarlas, a enamorarme de ellas y a repudiarlas, y es que todas las ciudades tienen su anverso y su reverso como esta moneda de plata, y precisamente por un puñado de monedas te venden al mejor postor cuando tienen la mínima oportunidad”, dice Jimmy, viajero vocacional, mientras juguetea con una moneda de dólar y pasea por el bar.

Lector culto o culto por ser lector y crecer en un humus ilustrado, Jimmy Barnatán sabe decir, insinuar en cada uno de los siete capítulos que conforman el libro “¡Vosotros no sabéis! Monólogos de pensamiento, reflexiones y humor de un personaje erudito, tatuado, ilustrado impertinente, fumador, tatuado, histriónico ornado de sortijas, colgante y sombrero… Personaje y persona.

I PREMIO INTERNACIONAL DE POESÍA CARLOS MURCIANO (España)


Carlos Murciano, poeta (Foto Liber Ediciones)

L..M.A.

27.01.2021,. Madrid

BASES

    La Tertulia Literaria UniVersos convoca el primer Premio Internacional de Poesía Carlos Murciano.

1ª. Podrán participar poetas en lengua española de cualquier nacionalidad con poemas escritos en español o en las lenguas co-oficiales de nuestro Estado. El tema será de libre elección y su extensión tendrá un mínimo de 40 versos y un máximo de 60. -No se aceptarán conjuntos de poemas-. El poema será rigurosamente inédito, no premiado ni editado con anterioridad de forma impresa o virtual.

2ª. El premio estará dotado con 1.000€ (mil euros) y no se concederán accésits ni menciones honoríficas.

3ª. Los poemas presentados -un máximo de dos por autor- irán firmados con pseudónimo, y acompañados de un sobre cerrado en cuyo exterior aparecerá dicho seudónimo y que contendrá: nombre y domicilio del autor, fotocopia del DNI, teléfono de contacto, correo electrónico y breve currículum literario.


4ª. Su envío, por duplicado, se hará a la siguiente dirección:


I Premio de Poesía Carlos Murciano

Apartado de Correos 20258 

28027 MADRID


No se admitirán envíos por correo electrónico

5ª. El plazo de admisión se iniciará el 1 de enero de 2021 y concluirá el 20 de febrero. Serán admitidas las obras presentadas si la fecha de envío está dentro del plazo fijado. El fallo del premio se hará el día 21 de marzo, coincidiendo con la celebración del Día Mundial de la Poesía

6ª. Los originales de los poemas no premiados serán destruidos, acto seguido al fallo.

7ª La participación en este certamen supone la aceptación íntegra de sus Bases, quedando el Jurado facultado para dirimir cualquier eventualidad no prevista en ellas; tendrá, asimismo, capacidad de interpretación a cuantos efectos procedan.

Cultura y Deporte invierte en 2020 más de 3,1 millones en la adquisición de bienes culturales para las colecciones públicas

La cifra supone un incremento de casi un 7 % respecto a 2019

La inversión incluye medio millón de euros del fondo extraordinario por la Covid-19 dirigido a la compra de arte contemporáneo para el Museo Nacional Centro Arte Reina Sofía

Entre las compras destacan la Crucifixión atribuida al círculo de Hugo Van der Goes, los archivos de la familia Martínez Campos y el retrato Caballero con banda, de Sorolla

"Caballero con banda" de Joaquín Sorolla

        l.m.a.

26-enero-2021.- El Ministerio de Cultura y Deporte, a través de la Dirección General de Bellas Artes, invirtió en 2020 más de 3,1 millones de euros (3.149.670,46 €) en la adquisición de bienes culturales para las colecciones públicas del Estado, una cifra casi un 7 % superior a la realizada en 2019. Las obras se incorporarán a diecisiete instituciones españolas: diez museos, cuatro archivos, la Biblioteca Nacional, el Instituto de Patrimonio Cultural de España y Patrimonio Nacional. 

Dentro de este presupuesto se incluye más de medio millón de euros (508.828,5 €) procedente de las ayudas extraordinarias aprobadas en el Real Decreto Ley del 5 de mayo de 2020 de apoyo al sector cultural por la pandemia Covid-19. Esta partida se ha destinado a la compra en galerías de 26 obras de arte contemporáneo de 17 artistas españoles. Pertenecen en su mayoría a producción realizada en los últimos cinco años y pasarán a formar parte de la colección del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.

Más de 70 bienes culturales adquiridos

La inversión ha permitido la compra de más de 70 bienes culturales que incluyen pintura, escultura, mobiliario, fondos documentales y bibliográficos o instalaciones. La obra de mayor precio es la Crucifixión con santos y donantes, atribuida al círculo de Hugo van der Goes, destinada al Museo Nacional del Prado y adquirida por 1.600.000 euros, que serán sufragados en dos anualidades de 800.000 euros por la Dirección General de Bellas Artes (2020) y el propio Museo del Prado (2021).

Para la colección del Museo Sorolla, el Ministerio de Cultura y Deporte ha comprado Caballero con banda, del artista valenciano. Este retrato, realizado en su juventud cuando era alumno de la Escuela de Bellas Artes de San Carlos de Valencia, completa los fondos del museo madrileño con una obra que evidencia la gran influencia de Velázquez en la pintura de Sorolla. 

El Estudio de planta del cardo, un dibujo de Rosario Weiss, se incorporará al Museo del Romanticismo, que continúa así con su objetivo de visibilización de las aportaciones femeninas a las bellas artes durante el siglo XIX.

El Museo Nacional de Escultura ha recibido una Inmaculada de Juan de Mesa, ya presentada en el museo el pasado mes de julio, y una Virgen con Niño en alabastro, de la escuela castellana. Fechable en torno a 1550, esta última talla complementa la colección de escultura del XVI del museo vallisoletano. Gracias al escudo que muestra en su base puede relacionarse con el linaje Gutiérrez Flores, originario de Brozas, en Cáceres.

Nuevos fondos para archivos españoles

Al Archivo Histórico Nacional (AHN) llega el Archivo Martínez Campos, un conjunto documental integrado por cien legajos comprendidos entre 1820 y 1953, inédito en su mayor parte para los especialistas y fundamental para la comprensión de la historia política y militar de España durante la segunda mitad del siglo XIX y el primer cuarto del siglo XX.

El AHN recibe también el Libro de enigmas, un testimonio sobre la celebración del Corpus en Estepa (Sevilla), que a través de su texto y 120 dibujos permite conocer las vestimentas, las costumbres cotidianas y la cultura simbólica del siglo XVII en España.

De especial interés para el estudio de ese mismo periodo es el Libro Cadereita, que recopila en un solo volumen copias de época de 160 cartas dirigidas al rey Felipe IV por Lope Díez de Aux y Armendáriz, marqués de Cadereita, durante su etapa como embajador real en la corte imperial de Viena, desde abril de 1631 hasta abril de 1632. Esta obra completará el fondo relativo al Consejo de Estado que se custodia en el Archivo General de Simancas.


Adquisiciones en los ámbitos del diseño, la numismática y la fotografía

En el ámbito del diseño, para el Museo Nacional de Artes Decorativas se ha adquirido un conjunto de muebles creados para la decoración del edificio Torres Blancas, la emblemática obra madrileña del arquitecto Sáenz de Oiza. 

En numismática, el Museo Arqueológico Nacional suma a su colección de moneda romana, una de las mejores del mundo, un áureo de Augusto y otro de Vespasiano, dos piezas singulares que corresponden a las escasas emisiones de oro de época romana acuñadas en Hispania, en Colonia Patricia  (Córdoba) y Tarraco (Tarragona).

Entre las compras destacan también 18 álbumes-acordeón desplegables del fotógrafo Jean Laurent, que se destinan a la fototeca del Instituto de Patrimonio Cultural de España. Son 215 vistas fotográficas anteriores a 1875 de once ciudades españolas: Córdoba, Granada, Sevilla, Valladolid, Segovia, Salamanca, Madrid, El Escorial, Valencia, San Sebastián y Tarragona.

Dentro de los fondos documentales adquiridos por el ministerio, destaca la compra del Archivo Rafael Sánchez Ferlosio para la Biblioteca Nacional de España. El archivo personal del escritor incluye textos mecanografiados y manuscritos de su producción literaria, más de 1200 cartas, entre ellas la correspondencia con su primera esposa, Carmen Martín Gaite, así como documentación gráfica, personal y familiar.



martes, 26 de enero de 2021

MERCEDES GÓMEZ-PABLOS: ‘LOS LABERINTOS DE LA RAZÓN LÍRICA’. GALERÍA ORFILA,

Pintura de Mercedes Gómez-Pablos

L.M.A

    26.01.21.- Madrid.- Galería Orfila celebra una muestra de la pintora Mercedes Gómez-Pablos, una Antológica de sus obras en pequeño formato, desde 1980 hasta la actualidad, que con toda justicia debe calificarse como excepcional.

    Un centenar de muestras individuales en Madrid, Málaga, Paris, Nueva York, Barcelona, Santiago de Chile, Buenos Aires, Zaragoza, Marsella, México DF… entre otras ciudades, su participación en Ferias de Arte como ARCO, Basilea o FIAC (París) y el haber sido distinguida con galardones como la Medalla Arts, Sciences et Lettres de París o la Medalla de Honor del Premio BMW en Madrid, avalan la solidez de una obra, representada en el MNCARS, Museo de Arte Actual de los Pirineos Orientales de Colliure en Francia o el González Robles  de la Universidad de Alcalá de Henares entre otras colecciones públicas, que ha sido muy favorablemente enjuiciada por la más rigurosa crítica de nuestra contemporaneidad, Mario Antolín, Campoy, Faraldo, Figuerola Ferretti, García Viñolas, Gaya Nuño, Hierro, Moreno Galván, Tomás Paredes, García Osuna…  

    Como su trayectoria está calificada por la conjunción de credos estéticos que abarcan tanto la figuración como el informalismo y con el fin de poner su obra al alcance del mayor número de personas por ella interesadas, es que se ha articulado esta exposición, titulada LOS LABERINTOS DE LA RAZÓN LÍRICA,  con minicuadros y pequeños formatos de un amplio periodo, 1980 a 2020.

Carlos Antón, médico de familia en Melilla, autor de la novela “El embrujo del Rif”







L.M.A.

  26/1/21.- Madrid.- Carlos José Antón Gutiérrez (Málaga), médico de familia que ejerce en Melilla, es el autor de  la novela “El embrujo del Rif”, ambientada en la guerra de África.

  Los hechos suceden en el Protectorado español en Marruecos. Javier, el protagonista, a los trece años conoció a una chica en el Campo Grande de Valladolid y se enamoró como sólo puede hacerlo un adolescente. La joven desapareció a los pocos días. Sólo sabía de ella que su padre era capitán de caballería. Como no tenía otra forma de buscarla, ingresó en la academia militar cuando acabó el bachillerato.

    Años después, recién ascendido a capitán, Javier disfrutaba de la Málaga de los años veinte y de sus gratas novedades como la inauguración de los Baños del Carmen, primer balneario que permitió que hombres y mujeres se bañaran juntos, el café de Chinitas y otras maravillas, antes de ser destinado al regimiento de Alcántara en Melilla y participar de lleno en la contienda africana.

    “Muchos riojanos lucharon y murieron en la guerra del Rif. Unos son héroes reconocidos, como el cabo del regimiento de África, Jesús Arenzana Landa, sus hazañas están grabadas con fuego en la historia de España; y otros fueron soldados anónimos cuyos cuerpos están enterrados en la salvaje tierra africana”, explica Carlos Antón.   

     “Escribí la novela con la intención de describir la guerra del Rif y el "Desastre de Annual". Resulta lamentable que, cuando, en 2012, el gobierno concedió la Laureada de San Fernando al regimiento de Alcántara por las heroicas cargas en el río Igan, muy pocos españoles conocían este episodio. Ni siquiera les sonaba el nombre del regimiento”.

   En la novela hay 17 mapas diseñados a partir de mapas militares, relatos históricos, fotografías aéreas antiguas y muchas visitas a los lugares donde se desarrolló la acción. “Los mapas están en blanco y negro porque su PVP habría sido elevado si aparecen en color, pero se pueden imprimir desde la web en su color original”.

  “Tardé más de tres años en recopilar información y escribir la novela. La obra está dividida en tres tomos debido a su extensión”.

  Se puede ver la sinopsis, el primer capítulo y los mapas en:

 www.guerradelrif.es


El Museo Nacional del Prado expone Autorretrato de Aurelia Navarro en “Invitadas”

Detalle de Autorretrato. Aurelia Navarro. 1908. Córdoba, Colección Pablo Navarro Holgado


 L.M.A.

    26.01.2021.- Madrid.- La exposición “Invitadas”, patrocinada por la Fundación AXA, ha abierto hoy sus puertas al público con novedades en la relación de obras expuestas.

    Autorretrato de Aurelia Navarro, procedente de una colección particular, se muestra por primera vez al público tras su exhibición en la Exposición Nacional de Bellas Artes de 1906. Junto a esta pintura, se puede contemplar la medalla que concedieron a la artista en la Exposición Nacional de Bellas Artes de 1908 por Desnudo femenino.

    Enlace al directo de Instagram con Carlos G. Navarro, comisario de la exposición: 

https://www.instagram.com/tv/CKgKuggKI9Q/?igshid=1iexne7fry9c5

El Instituto Cervantes logró un beneficio de casi 11 millones de euros en 2019 gracias a la certificación y los cursos de español

• El nivel de autofinanciación supera el 45 por ciento, según las cuentas anuales publicadas por el BOE

 

Instituto Cervantes en Londres

 

    L.M.A.

    Madrid, 25 de enero de 2021.- El Instituto Cervantes obtuvo en el año 2019 un resultado presupuestario de casi 11 millones de euros (en concreto, 10.861.177,42), lo que supuso un incremento del 57,33% respecto al ejercicio anterior. Este aumento se consiguió gracias fundamentalmente a las pruebas de certificación (los diversos diplomas que administra) y a las matrículas de los cursos de español. Así figura en la resolución por la que se publican las cuentas anuales de 2019, que ha publicado este sábado 23 de enero el Boletín Oficial del Estado.

    Las pruebas de certificación supusieron un incremento de ingresos del 47,37% con respecto a los ingresos percibidos en 2018. Los exámenes son los del Diploma oficial de Español DELE, las pruebas CCSE (conocimientos constitucionales y socioculturales de España) y SIELE (Servicio Internacional de Español como Lengua Extranjera).

    En cuanto a los cursos de español que impartió en 2019 tanto en sus centros como a través de internet, los ingresos que el Instituto percibió por matrículas crecieron un 4,47% con respecto al ejercicio anterior.

     Entre los diferentes exámenes de certificación destacaron por su importancia económica las pruebas CCSE, que el Instituto Cervantes administra desde octubre de 2015 y que deben superar todos los aspirantes a la nacionalidad española por residencia en España o por su origen sefardí. En 2019 se realizaron 10 convocatorias (una al mes, excepto en agosto y diciembre), que supusieron unos ingresos de 11,14 millones de euros, a los que hay que restar los 3,2 millones que el Instituto liquidó a los centros de examen.

    Los ingresos propios que consiguió el Instituto Cervantes en 2019 por su actividad docente, certificadora y cultural superaron los 55,28 millones de euros, lo que equivale a una autofinanciación de más del 45%. El resto de los ingresos (un 54% del total) los obtuvo a través de las transferencias de la Administración General del Estado. 

Mayoría femenina 

    En cuanto a su plantilla, la institución contaba a 31 de diciembre de 2019 con un total de 938 empleados, de los que 219 trabajaban en la sede central de España (Madrid y Alcalá de Henares) y 719 lo hacían en los centros y Aulas Cervantes distribuidos por todo el mundo. La mayoría de la plantilla es femenina, con un total de 606 mujeres frente a 332 varones.  

    En la sede central, son mujeres la mayoría de los puestos de responsabilidad (directores y subdirectores de área, jefes de departamento y responsables de unidad). Suman 26 féminas frente a 15 varones, sin contar al director y a la secretaria general. En 2018, había 24 mujeres frente a 17 hombres. En los puestos técnicos, hay 64 mujeres frente a 26 hombres. En los administrativos, también son mayoría, 60 frente a 24. 

    En los centros, con un total de 455 mujeres y 264 hombres, hay 21 directoras de centros, frente a 37 directores. En 2018 había 17 mujeres directoras y 38 directores. Los grupos laborables más numerosos son administrativos (con 187 mujeres frente a 59 varones) y profesores (154 frente a 91). 

    Descenso de ingresos en 2020

    En la memoria publicada en el BOE se concluye con un breve capítulo titulado “Hechos posteriores al cierre” del ejercicio 2019, en referencia a la covid-19. En él menciona el obligado cierre de buena parte de la actividad presencial en todos los centros a lo largo de 2020, el trasvase de los cursos presenciales a cursos en línea y la reprogramación de la actividad cultural y bibliotecaria para ofrecer servicios y contenidos en red.

    Apunta que “los ingresos por certificación son los que se han visto más afectados” (se han cancelado algunas convocatorias) y que la actividad en algunos centros se va recuperando poco a poco la actividad presencial “con muchas limitaciones e incertidumbres”, mientras que otros siguen afectados por los confinamientos en los respectivos países.

    Esta situación “supondrá en el ejercicio 2020 un descenso importante de los ingresos obtenidos por las actividades propias del organismo, sin que en este momento sea posible cuantificar el alcance del mismo”.

lunes, 25 de enero de 2021

"Mujeres y Pandemia" Exposición virtual online de EmPoderArte

 EmPoderArte AIMA (Asociación Internacional de Mujeres Artistas) presenta, en Galería Virtual Online, una exposición que da voz a las desigualdades que están atravesando las mujeres desde el inicio de la pandemia.   



L.M.A.

    26.01.2021.- Madrid.- La Asociación Internacional de Mujeres Artistas EmPoderArte denuncia, cómo el coronavirus está agravando las diferentes formas de discriminación que sufren mujeres y niñas por razón de sexo, en una exposición que, bajo el título Mujeres y Pandemia, se inaugura el 23 de enero de 2021 y podrá ser visitada hasta el 28 de marzo en el espacio online Mujeres y Pandemia. El acceso a la exposición se habilitará pasada la inauguración.

    Mujeres y Pandemia reúne la obra de 34 mujeres artistas que hacen uso de las diferentes artes plásticas y audiovisuales para denunciar y reflexionar, a través de sus obras, sobre los efectos dispares que la pandemia sanitaria, social y económica que estamos atravesando, tiene en mujeres y hombres debido a los roles sexistas que siguen estructurando nuestras sociedades.  

    Mujeres y Pandemia es una exposición de la asociación EmPoderArte AIMA, asociación sin ánimo de lucro que desde 2014 realiza exposiciones dando visibilidad a las mujeres dentro del mundo del arte, reclama la igualdad entre mujeres y hombres, y denuncia la violencia machista. 

Domingo 28 de marzo a las 19:00 hs: Clausura y visita guiada 

Comisarias: Estefanía Ocampos, Marián M.Cañizares y Pepa Santamaría 


María Antonia Román Prado, escultora. Nueva página Web con su tesis doctoral sobre el arte taíno y las vanguardias históricas

María Antonia Román Prado, escultora puertorriqueña residente en España (c. 1980)



Julia Sáez-Angulo

    25/1/21.- Madrid.- La nueva página Web https://romanprado.com de la escultora puertorriqueña María Antonia Román Prado, que residió cuarenta años en Madrid, está enriquecida con su tesis doctoral sobre el arte taíno, propio de una tribu laboriosa y artística del Caribe, frente a otras tribus vecinas y caníbales. Una tesis que la autora no pudo leer por su enfermedad y posterior muerte.

La página Web fue concebida por su esposo el ingeniero químico Héctor Miguel Cavigliasso Baralis y ejecutada por Alonso de Sousa. Una página Web informativa, clara y elegante.

            María Antonia Román Prado (San Juan de Puerto Rico, 1947 –Madrid, 2017) estudió Bellas Artes en su país y vino a ampliar estudios a España en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid, ciudad en la que ha residido durante 40 años.

   Como escultora, trabajaba con la piedra, mármoles fundamentalmente. Los artistas de su generación, como el escultor Francisco Leiro o Pilar Carpio recuerdan a la puertorriqueña trabajando concienzudamente en la Facultad. La abstracción era el mundo de la escultora, una abstracción con vagas alusiones figurativas o metafóricas.

           Román Prado bebió en las fuentes de los maestros Henri Moore, Jean Arp y el arte taíno, dando una vuelta de tuerca a su arte de la tercera dimensión.  Expuso en su día en el Centro Washington Irwing de Madrid, en una espléndida muestra antológica de su creación plástica.

            En su estudio, situado junto al frondoso parque de la Fuente del Berro, se la pudo ver metida en su escafandra blanca cortando, puliendo y limando el duro material de sus piezas en piedra de Calatorao, mármol de Carrara o de Macael, travertino de Almería, etc. Cuando salía de su “burka” profesional podíamos contemplar su melena rubia dorada y sus largas uñas pintadas de rojo.

    La galería Javier Aguado prepara una próxima exposición de las esculturas de Román Prado en Madrid.  

Más información

https://romanprado.com

https://lamiradaactual.blogspot.com/search?q=Rom%C3%A1n+Prado

Escultura de M.A. Román Prado

María Antonia Román Prado, escultora puertorriqueña (c. 1980)