viernes, 7 de noviembre de 2025

CAROLINA ANDRADA EXPONE SU PINTURA EN LA GALERÍA WHITE LAB

Carolina Herrera
Carolina junto al poeta Antonino Nieto


L.M.A.

Fotos: Adriana Zapisek

7/11/25.- Madrid.- El próximo 13 de noviembre, White Lab abre sus puertas a la exposición “Color en la Danza de las Emociones: Bosques y Palacios del Alma” de Carolina Andrada —una muestra que celebra la libertad del gesto y la emoción del color, tendiendo un puente entre naturaleza, música y conciencia estética. 

A través de lienzos y biombos al óleo, Andrada nos invita a recorrer un universo onírico donde la pintura respira como la música y el color se convierte en una danza del alma.

En una visita previa a la inauguración, estuvieron presentes, personalidades del grupo diplomático en España y las fundadoras del Grupo Brillantina. Carolina Andrada lucía un vestido de la diseñadora española Margarita Nuez.



Fernando Saavedra ante uno de los trajes de colección
Fernando, Carolina y Adriana


Tres obras de Goya, procedentes del Museo del Prado, en la Colecciones Reales

     

Carlos III cazador, pintura de Goya
  


L.M.A.

        07.11.2025.- Madrid.- Patrimonio Nacional presenta tres nuevas obras invitadas que acoge la Galería de las Colecciones Reales. Se trata de tres obras de Francisco de Goya: Carlos III, cazador y los cartones para tapices La vendimia o El Otoño y El cacharrero, procedentes del Museo del Prado. 

    En el acto de presentación participan la presidenta de Patrimonio Nacional, Ana de la Cueva; el director del Museo del Prado, Miguel Falomir; y el director de la Galería de las Colecciones Reales, Víctor Cageao.

    Estos cuadros, ejemplo de la mejor producción de Francisco de Goya para Carlos III, se podrán ver en la planta de Borbones, en el ámbito dedicado a este monarca.

    La llegada de las obras de Goya se enmarca en un acuerdo de préstamo cruzado por el que el Museo del Prado podrá incorporar a su próxima exposición de Antonio Rafael Mengs varias obras de Patrimonio Nacional.



CHARO MARÍN expone "Sueños y Origen" en la Sala Cívica de Torrente


jueves, 6 de noviembre de 2025

ROSA ESCALONA visita Madrid y Toledo con toda su vida cultural

Rosa Escalona y Santiago Falcón en el Hotel Suecia. Madrid


Julia Sáez-Angulo

Fotos: J.S.A.

7/11/25.- Madrid.- La pintora toledana Rosa Escalona, junto a su esposo Santiago Falcón, ha visitado Madrid y Toledo con toda su vida cultural y se ha encontrado con amigos de siempre del mundo del arte, entre otros, Jesús Cámara, Wifredo Rincón, Julia Sáez-Angulo... Un almuerzo en el Hotel Suecia, tras visitar el Círculo de Bellas Artes, dio lugar a larga conversación sobre arte y cultura.

“Visitamos Madrid y Toledo con frecuencia, porque aquí tenemos los hijos, y los padres en el cementerio de Villasequilla, donde los visitamos cada año por la festividad de Todos los Santos.

Residentes en Jávea (Alicante), después de haberlo hecho en Madrid, concretamente en Torrelodones, donde Rosa, natural de Villasequilla (Toledo) se construyó una gran casa, estilo toledano para evocar su tierra. Allí residió varios lustros hasta buscar el Mediterráneo como refugio climático grato durante todo el año.

Anteriormente residió en Bilbao y Zaragoza, siguiendo el destilo laboral de su esposo ingeniero. Lo cierto es que Rosa, donde resida, es una animadora cultural nata. En Jávea abrió “El Rincón de Rosa”, una galería de arte, en la que muestra su arte, pintura y dibujo fundamentalmente, y periódicamente sus instalaciones o performance, como la que llevó a cabo recientemente sobre el Romanticismo, una belleza y un lujo de puesta en escena. 

“Me decidí a tener mi propia galería, el día en que no me permitieron mostrar un video en una exposición. Los audiovisuales informan muy bien a los visitantes sobre el artista y su forma de trabajo”, explica. “El Rincón de Rosa” estuvo abierto en San Lorenzo de El Escorial y ahora en Jávea.

Ahora su aspiración está en llevar a cabo una antológica de su obra en su tierra, Toledo, para mostrar una secuencia ordenada de su trabajo artístico. Trabajadora nata, Rosa Escalona cuenta con un amplio estudio en Jávea que da acogida a su obra, perfectamente ordenada en peines para todos sus cuadros.

    Más información

https://rosaescalonajavea.com/

https://lamiradaactual.blogspot.com/2024/12/rosa-escalona-textiles-pigmentos-y.html

Rosa Escalona y Santiago Falcón


JOSEPH PEYRE, autor de "El puente de las suertes" en la Cafebrería Ad Hoc


"HUELLAS DE MUJER". Antología del Certamen de Relatos, convocado por MDE


ESCULTURA EN EL MUSEO DEL PRADO. Leticia Azcue y Manuel Arias, conservadores de escultura en la primera Pinacoteca

Leticia Azcue Brea, académica de Bellas Artes de San Fernando y conservadora del Museo del Prado
Manuel Arias, conservador del Museo del  Prado, junto a la escultura de Mena (Ars Magazine)

Julia Sáez-Angulo

    Fotos: Carmen Valero

6/11/25.- Madrid.- Según la IA, el Museo del Prado tiene aproximadamente mil esculturas. Esta cifra se complementa con más de 3.600 piezas de artes decorativas, 9.000 dibujos y 6.000 grabados, entre otros. 

Los conservadores del Museo del Prado: Manuel Arias, Jefe de Colección de Esculturas hasta 1700 y  Leticia Azcue Brea, Jefa de Colección de Escultura desde 1700 y Artes Decorativas han respondido a este cuestionario:

    1. El Museo del Prado es una primera pinacoteca mundial, ¿Es también una buena gliptoteca? 

    Sí, lo es, en escultura civil. Tiene una destaca colección clásica, una reducida pero excepcional representación de escultura renacentista y barroca, y un gran conjunto que testimonia, en gran medida, la escultura española del siglo XIX y principios del XX.

    2. ¿Qué puesto ocupa respecto a otros museos? 

    En España la mayoría de los Museos, y el monográfico de Valladolid, reúnen tallas policromadas, recogiendo sobre todo la tradición religiosa. Como conjunto civil destaca claramente por su singularidad y excepcionalidad, junto con las colecciones del Museo Arqueológico Nacional, sobre todo, clásica y medieval.

    3. ¿Por qué se ha dividido la sección de Escultura en dos partes? ¿Cuándo se hizo?

Son consideraciones de la Dirección del centro con el diseño de un nuevo organigrama desde febrero 2025.

    4. ¿Qué piezas más relevantes alberga?

 Desde la monumental y única cabeza helenística en bronce, a las versiones en mármol romanas como el “Grupo de San Ildefonso”, pasando por los excepcionales retratos de cuerpo entero en bronce y mármol de los Leoni, o los leones de Bonuccelli que trajo Velázquez de su segundo viaje a Italia, representaciones del siglo XVIII de escultura francesa y española, hasta completar el periplo por lo mejor de la escultura neoclásica española (Álvarez Cubero, Solá, Salvatierra o Barba), junto con la escultura romántica y realista, hasta los escultores más destacados de finales del siglo XIX y principios de siglo XX ( Benlliure, Querol, Blay).

    5. ¿Qué lagunas tiene?

La colección de tradición civil tiene poca escultura medieval, y en cuanto a la Renacentista y Barroca se está ampliando con las últimas adquisiciones a través de piezas excepcionales que vienen a enriquecer considerablemente el panorama. 

    6. ¿Por qué canales más relevantes han llegado? ¿Qué supuso la donación de Claudio Bravo?

Una parte esencial procede de las colecciones reales, y otra de las Exposiciones Nacionales de Bellas Artes desde 1856. Hay un número menor de donaciones y legados, así como adquisiciones a lo largo de su historia.

    El conjunto de obras donado por Claudio Bravo es una muestra de cómo la sociedad civil se implica en el enriquecimiento de las colecciones de un museo público como el Prado

    7. ¿Qué materiales dominan en los fondos escultóricos? ¿Se aceptan nuevos materiales más moderno o ligeros?

    Sin duda el mármol es el material más relevante, pero hay un importante conjunto de bronces, y otro algo menor de esculturas en escayola decimonónicas. Dado que el discurso del Museo del Prado se centra en artistas anteriores a 1881, no se plantean en general, cuestiones de materiales modernos, si bien hay ejemplos puntuales, como puede ser la “Gorguera” de Blanca Muñoz en foam y acero inoxidable.

    8. ¿Cuáles han sido las últimas adquisiciones de escultura? ¿Es fácil encontrar buenas piezas para el Museo?

No es fácil encontrar obras de la calidad de esculturas para el Prado. En los últimos tiempos ha habido la oportunidad de adquirir importantes ejemplares como piezas medievales procedentes de la colección Godia, la representación en mármol de Venus y Cupido de Giovanni Bandini, perteneciente a una colección histórica española desde el siglo XVI, pequeñas esculturas de Alonso Berruguete o el San Juan Bautista de Juan de Mesa, en madera policromada; y del siglo XIX una retrato de Fortuny en terracota de Prosper D’Epinay, un proyecto inédito de Antonio Susillo, un retrato en bronce de Mariano Benlliure y otro mármol de Miguel Blay.

    9. ¿Qué obra u obras escultóricas le gustaría tener en la colección de Museo?

Puestos a soñar, Cellini, Bernini y Canova, entre otros.

    10. ¿Hay buena bibliografía escrita de la escultura del Museo del Prado? ¿Qué libros destacaría?

    Poco a poco se va completando su estudio, se han publicado en el pasado parte de las colecciones, y en este momento, diversos artículos en los últimos años están completando y revisando exhaustivamente las colecciones, junto con otros en redacción, avanzándose en la puesta al día de la catalogación.

    11. Muchos pintores van ver la pincelada de Velázquez o Goya. ¿Sucede lo mismo con artistas que vayan a ver la escultura al Museo del Prado?

    No en la misma medida, obviamente. Pero si interesa cada vez más, y el hecho de su paulatina exposición en las salas del Prado combinando pintura y escultura de la misma época está descubriendo, a los visitantes, nuevas miradas.

12. Hay numerosos copistas de pintura en el Museo del Prado. ¿Sucede lo mismo con la escultura?

    No habitualmente, pero ocasionalmente sí vienen a dibujar esculturas, sobre todo clásicas, siguiendo la tradición de aprendizaje.

    13. Baudelaire decía que “la escultura era aquello que impide ver la pintura en los salones. ¿Qué le parece?        

    En un cierto sentido era así, cuando los salones se centraban en pintura, pero poco a poco los Museos van teniendo salas específicas de escultura, o van exhibiendo las esculturas con la importancia que merecen, como parte del discurso expositivo.

Ariadna dormida. Museo del Prado

Esculturas del Museo del Prado

Leticia Azcue y Carmen Valero Espinosa


miércoles, 5 de noviembre de 2025

Enrique Gracia Trinidad, Pepa Nieto y Ángela Reyes en las "Tardes de Prometeo"

Pepa Nieto, Enrique Gracia Trinidad y Ángela Reyes, intervinientes en las "Tardes de Prometeo"

Alberto Martín Baró y Angelina Lamelas

J.S.A.

6/11/25.- Madrid.- Los poetas Enrique Gracia Trinidad, Pepa Nieto y Ángela Reyes han llevado a cabo una lectura poética de sus respectiva obra en la tertulia Tardes de Prometeo, que tiene lugar todos los primeros miércoles de mes en el Centro Riojano.   (Año 45  -  Sesión 1.868) 

Los tres poetas invitados tienen una larga experiencia en tertulias y talleres poéticos. “Arco poético” se denomina la tertulia de Pepa Nieto.

    Enrique Gracia Trinidad. Madrid: Escribir por si alguien, algún día, / tiene un dolor de corazón idéntico / o sufre una alegría semejante.

    Pepa Nieto.  Outes (A Coruña). Ahora era distinto. / Había presumido de llevar la antorcha. / Cruzaba el mar sin miedo hasta la orilla. / Allí, sobre la arena blanca, / se empapaba de sueños.

     Ángela Reyes. Jimena de la Frontera (Cádiz). Ya sé que el Ángel de la gurda tan solo guarda / y sé también que el tuyo lo dejaste al borde de mi luto, / desperdigando plumas, acumulando tras las puertas / sus pausados suspiros.

    Entre los asistentes al acto, en su mayoría poetas, se encontraban Angelina Lamelas y Alberto Martín Baró, escritores que abrieron las Tardes de Prometeo este curso, el mes de octubre, con la lectura poética de los libros “Mujer en vela” y “Recuerdos y presencias”.

Otros asistentes al acto: Franca Figueroa y su hija Guiomar Ruiz, Emilio Porta, Soledad Serrano Fabre, Antonio Portillo Casado

    Más información

https://www.angelareyes.org/

Franca Figueroa y Guiomar Ruiz
Soledad Serrano y Emilio Porta



“UNA AUSENCIA QUE INSISTE. Osvaldo Lamborghini, entre España y Argentina”, libro de Jorge García López



L.M.A

5/11/25.- Madrid.- “UNA AUSENCIA QUE INSISTE. Osvaldo Lamborghini, entre España y Argentina” es el libro de Jorge García López, publicado por la editorial Montesinos.
    Sinopsis: Osvaldo Lamborghini (Buenos Aires, 1940?Barcelona, 1985), poeta, narrador y artista plástico, fue una de las figuras más singulares y radicales de la literatura argentina del siglo XX. Autor de culto desde su irrupción con El (1969), un texto que marcó a toda una generación por su violencia verbal y su ruptura, su obra, breve pero de enorme influencia, incluye títulos como Sebregondi retrocede (1973) y la inacabada Tadeys. Hoy sigue siendo un referente decisivo para varias generaciones de escritores y artistas.
         Sin extraer a Lamborghini de Argentina, en este texto se abre un espacio para que Lamborghini pueda ser leído al margen de las claves inevitablemente argentinas de su escritura y, al mismo tiempo, es el hilo que da forma a una constelación de escrituras peninsulares que, como la suya, subvierten las bases mismas de la literatura y la lengua.



CAROL PRUNHUBER presenta su libro "De Venezuela al Kurdistán, crónicas de un destino"


        Más información
https://www.instagram.com/p/DQjXyhWDLcO/?igsh=MXhnNGp2aDJhdGt3MA%3D%3D



“REVOLUCIÓN”: Historia emocionante de una familia portuguesa desde el colapso del Imperio hasta la democracia

Un fenómeno literario en Portugal. Una novela épica sobre la Revolución de los Claveles y el nacimiento de la democracia portuguesa


HUGO GONÇALVES, escritor

L.M.A.

5/11/25.- Madrid.- Las sagas familiares son con frecuencia la mejor muestra de la historia o quizás de la intrahistoria como diría Miguel de Unamuno. “Revolución” es el libro de Hugo Gonçalves, que narra la emocionante historia de una familia desde el colapso del Imperio portugués hasta el despertar de la democracia. La novela ha constituido un fenómeno literario en Portugal. La traducción es de Rita da Costa, y la publicación de la editorial Libros del Asteroide.

    En Portugal, durante los últimos coletazos de la dictadura y los primeros meses de la revolución, hasta la llegada de la democracia en 1976, tuvo lugar una época convulsa y violenta en la que el país entero osciló entre la esperanza y el temor a una guerra civil. En esos años, las vidas de los tres hermanos Storm se ven profundamente afectadas por los cambios que recorren la nación. Maria Luísa, una ferviente militante comunista, tiene que pasar a la clandestinidad; Pureza, la mediana, observa cómo su anhelo de llevar una vida tradicional se tambalea ante un proceso revolucionario que amenaza con trastornarlo todo; mientras, Frederico, el más joven, solo parece interesado en divertirse y en encontrar la manera de librarse del reclutamiento.

    "Revolución" es una novela épica que combina tragedia y comedia para explorar los vínculos familiares y la manera en la que nuestros actos y nuestras omisiones revelan quiénes somos realmente. Galardonada con el prestigioso Prémio Literário Fernando Namora, este libro es uno de los hitos de la literatura portuguesa reciente.

    Hugo Gonçalves (Sintra, 1976) es un escritor y periodista portugués. Es autor de varias novelas, entre las que destacan O coração dos homens (2006), Enquanto Lisboa arde o Rio de Janeiro pega fogo (2013), Filho da mãe (2019; finalista de los premios P.E.N. Clube y Fernando Namora), Deus Pátria Família (2021; semifinalista del Premio Oceanos) y Filho do pai (2025). Su novela Revolución (2023; Libros del Asteroide, 2025), se ha convertido en uno de los grandes éxitos editoriales de la literatura portuguesa reciente y ha obtenido el Prémio Literário Fernando Namora 2024, uno de los más importantes del país. Guionista de la serie Rabo de Peixe, ha sido corresponsal de diversas publicaciones portuguesas en Nueva York, Madrid y Río de Janeiro.






martes, 4 de noviembre de 2025

CARLOTA CUESTA expone su nueva serie artística “Otra Era” (2020-2025), en la galería de arte Ra del Rey

Carlota Cuesta, artista visual
La artista visual ante su obra

Julia Sáez-Angulo

Fotos: Adriana Zapisek

4/11/25.- Madrid.- La artista visual Carlota Cuesta expone su nueva serie artística “Otra Era”, en la galería de arte Ra del Rey. La muestra permanecerá abierta todo el mes de noviembre.

    En la inauguración, muy concurrida de público, estuvieron la directora de la galería Charo Rincón; los pintores Ricardo G. Goñi, Carmela Saro, Paz Santos, María Jesús Aragoneses, Sonia López…; los poetas Encarna Pisonero, Antonino Nieto…; el profesor López Soldado y su esposa Carmen; las críticas de arte Guía Boix, Carmen Valero Espinosa y Julia Sáez-Angulo; Natalia Fernández… Carlota Cuesta tiene gran poder de captación.

Carlota Cuesta, de negro y con bombín, con su habitual labia y humor, tomó la palabra entre los asistentes y confesó que sentía el mismo pánico escénico, que durante la primera inauguración. Recordó que todo creador no escapa a la época en que vive, porque absorbe y procesa todo lo que vive, ve y mira…; que la exposición ha tomado un clima, advierte, pero no amenaza…; que el ser humano ha llegado al sumun de sus posibilidades, al lograr la capacidad de su autodestrucción masiva…, que utiliza los helechos en su obra, porque son de las primeras plantas que hicieron su aparición en la tierra… que los marcianos… El discurso se interrumpió con música, danza y canapés.

“Y eso que llamamos silencio es el aullido de un planeta” dejó dicho Borges y la pintora lo recoge en su catálogo. Alvin Toffler nos habló de la “tercera ola”, cuando llegó la informática a la vida de los ciudadanos; Carlota Cuesta nos habla simbólicamente en sus cuadros de esa tercera ola despanzurrada en campos con ausencia de color y presencia uniforme del blanco, como aire uniformado, símbolo final y germinal al mismo tiempo. 

Cada exposición de Carlota Cuesta es una explosión de creatividad renovada. Cuatro años de reflexión y trabajo desde su última comparecencia artística. Recuerdo su serie “Pecios”, donde al igual que esta “Otra Era”, el collage hablaba con elocuencia de los restos de un posible naufragio. No se trata de una exposición con visión apocalíptica, porque la belleza está presente en esta obra, y la belleza siempre redime. Ahí radica la catarsis

El catálogo de la muestra habla de “Manual de instrucciones para ver la exposición” y nos ofrece unos códigos para contemplar los paisajes pictóricos singulares, “calcinados” por el blanco… Lo dicho: arte, belleza y símbolo. Pocas veces la galería Ra del Rey ha adquirido un aspecto tan sublime, como con esta muestra sobrecogedora y hermosa.

    Más información

https://lamiradaactual.blogspot.com/search?q=Carlota+Cuesta

Carlota Cuesta, pintora

Sonia, Carmen, Guía, Antonino y Julia, asistentes a la inauguración


La Academia entrega su Medalla de Honor 2025 a la Fábrica Nacional de Moneda y Timbre-Real Casa de la Moneda

            

CASA DE LA MONEDA (Foto Turismo Madrid)

        L.M.A.

        04.11.2025.- Madrid.- La FNMT-RCM, a través de su presidenta directora-general, Isabel Valldecabres, recibió de manos de Tomás Marco, director de la Academia, la Medalla de Honor 2025 de la corporación.

En el acto, el académico José María Luzón Nogué pronunció la laudatio, exponiendo los motivos por los que se presentó la candidatura de la FNMT-RCM para la concesión de esta medalla. El académico destacó especialmente la historia y actividad de la FNMT-RCM, paralela a la de la Academia, fundamentalmente en el ámbito del grabado, reconociendo asimismo la destacada colección que alberga el Museo Casa de la Moneda.

“La vocación de excelencia a lo largo de su historia, el compromiso ineludible de conservación de su importante patrimonio, el fomento de la docencia y la extensa oferta cultural de conciertos, conferencias, talleres, exposiciones, etc. son testimonios elocuentes de la aportación a la sociedad de la FNMT-RCM”, señaló Luzón.

Por su parte, la presidenta directora-general de la FNMT-RCM, Isabel Valldecabres, recibió la distinción en nombre de la entidad con enorme gratitud y destacó que “la cultura es una forma de esperanza activa y una forma de verdad. Desde nuestras acuñaciones, estampaciones, artes gráficas y custodias patrimoniales, la Real Casa de la Moneda ha apostado siempre por la verdad de la forma, la dignidad del oficio y la emoción silenciosa de lo bien hecho”, destacó Valldecabres.

La ceremonia se completó con la actuación musical del organista Daniel Oyarzábal.

***

La Medalla de Honor de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando y la FNMT-RCM

La concesión de la Medalla de Honor de la Academia de Bellas Artes de San Fernando fue instituida en el año 1943 y se concede con carácter anual a una persona o entidad española o extranjera que se haya distinguido de modo sobresaliente en el estudio, promoción y difusión de las artes, en la creación artística o en la protección del patrimonio histórico, cultural y natural.

La elección de la FNMT-RCM se dio a conocer en la festividad de San Fernando, el 30 de mayo de 2025. La propuesta fue presentada por el escultor Juan Bordes, el pintor Hernán Cortés y el profesor José María Luzón.

En esta propuesta se resaltaba el papel fundamental que ha tenido la entidad en la evolución tecnológica del arte gráfico y en la formación de profesionales cualificados, donde destaca su Escuela de Grabado y Diseño Gráfico.

Asimismo, el Museo Casa de la Moneda desarrolla una amplia actividad científica y cultural, siendo referente de los museos de su género en todo el mundo. Sus colecciones están vinculadas a dos personajes estrechamente ligados a la Academia de Bellas Artes de San Fernando, como son Tomás Francisco Prieto, grabador general de la Casa de la Moneda con Carlos III y director de grabado en hueco en la Academia, y Roberto Michel, escultor del rey, profesor y director de la Academia.

Además, la promoción de artistas consagrados y noveles encuentra también su espacio en la FNMT-RCM, respectivamente, en el Premio Tomás Francisco Prieto y en el Certamen de Arte Gráfico para Jóvenes Creadores, coorganizado con la Academia.

La FNMT-RCM ha heredado y conserva un rico patrimonio relacionado con la acuñación de monedas. Impulsa iniciativas y actividades con otras instituciones, como la Sociedad Iberoamericana de Estudios Numismáticos, con la que coedita la revista Numisma; la Real Academia Hispánica de Historia Filatélica y Postal, con la que comparte actividades científicas y editoriales; el Ayuntamiento de Segovia, para la rehabilitación del Real Ingenio de la Moneda, donde se presentarán exposiciones temporales de numismática; el Gabinete Numismático de Canarias, al que ha apoyado con una importante dotación bibliográfica, o la Escuela Superior de Música Reina Sofía, con la que colabora en un proyecto educativo, entre otras.


"EN LAS SOMBRAS DE LA TRADICIÓN". Una historia de la Escuela de Frankfurt en perspectiva feminista


Editorial: Eterna Cadencia
Páginas: 320
Peso: 450000 g
Temática: Filosofía

            
L.M.A.
            
4/11/25.- Madrid.- Las mujeres en el feminismo y los hombres con conciencia de equidad, afloran los nombres de mujeres sepultados las más de las veces en la historia del pasado. "EN LAS SOMBRAS DE LA TRADICIÓN". Una historia de la Escuela de Frankfurt en perspectiva feminista” pone de relieve los nuevos nombres que hay que conjugar para entender mejor los tiempos del pasado y del presente.
Entre los firmantes de este libro: Christina Engelmann, Lena Reichart, Bea S. Ricke; Sarah Speck y Stephan Voswinker. El prólogo es de Verónica Gago y la traducción de Martina Fernández Polcuch.

“Abrir la historia del Instituto de Investigación Social (Institut für Sozialforschung - IfS), conocido como la Escuela de Frankfurt (1923), y hacerlo desde las mujeres que lo construyeron y pasaron por allí en distintos momentos, pero quedaron tapadas por la historia como esposas, asistentes, bibliotecarias, taquígrafas o secretarias es la tarea colectiva de este libro.       Para producir luego algo más, un segundo movimiento: una lectura feminista de la(s) historia(s) del Instituto de Investigacio?n Social”. 
“Este trabajo puede enmarcarse en las revisiones que el Instituto explicitó como gesto en su aniversario centenario, en 2023, como programa para futurizar sus líneas de trabajo, tomando en serio las teorías críticas desarrolladas desde los anticolonialismos, los feminismos y los ecologismos no solo como áreas temáticas a incorporar, sino como fuentes intelectuales, políticas y epistémicas desde las cuales refundar la práctica teórica. Una lectura feminista, tal como se argumenta a lo largo de este libro, es hacer el desplazamiento de la narrativa histórica focalizada en el genio solitario hacia constelaciones de una cooperación más amplia”, explica Verónica Gago en el prólogo.



MARY SHELLEY, autora de “Frankenstein o El moderno Prometeo”, editado por Nórdica



Nueva traducción y cubierta de Ana Juan para uno de los grandes textos de la Literatura universal



L.M.A.

Frankenstein
Shelley, Mary
Traducido por: Blanca Gago

4/11/25 .- Madrid.- La escritora británica Mary Shelley nos dejó un arquetipo potente y valioso en su libro “Frankenstein o El moderno Prometeo”. La editorial Nórdica nos ofrece una nueva traducción y cubierta de Ana Juan para uno de los grandes textos de la Literatura universal.
    En el verano de 1816, Lord Byron invita al poeta Percy Bysshe Shelley y a su joven esposa, Mary, a su casa de Suiza. Los días son lluviosos y el anfitrión propone que cada uno escriba un relato de fantasmas. Así surgirá Frankenstein o el moderno Prometeo, publicada en 1818 y considerada la primera novela del género de ciencia ficción. Atrapado en los hielos del Ártico, Victor Frankenstein es rescatado por el capitán Walton. Dedicará sus últimos días a narrarle la trágica historia de sus experimentos en busca del poder de dotar de vida a la materia inerte y cómo el ser que creó se rebelaría contra él.
    “Las percepciones populares de la inteligencia artificial han sido profundamente moldeadas por la literatura y el cine, desde "Frankenstein" en el siglo XIX hasta "Terminator" y "Black Mirror" en el siglo XXI. Sin embargo, estas narrativas a menudo distorsionan la realidad de lo que la IA es y puede ser. A través de un análisis histórico y cultural, podemos separar la ciencia de la ficción y comprender mejor el verdadero potencial y las limitaciones de la IA”, dice Gonzalo Sánchez Martínez, y añade:
    "Frankenstein" de Mary Shelley: Esta obra seminal plantea el temor a la creación que se vuelve contra su creador, un tema recurrente en la ficción tecnológica. Shelley escribió en una época de rápidos avances científicos y tecnológicos, lo que infundió en su obra una sensación de temor y maravilla ante el poder de la ciencia para alterar la naturaleza humana”. 

Mary Shelley (1797-1851) fue una escritora británica, hija de los filósofos Mary Wollstonecraft y William Godwin, conocida principalmente por ser la autora de la novela gótica Frankenstein o el moderno Prometeo (1818). Su vida estuvo marcada por la tragedia, como la muerte de su madre al nacer, y por una intensa relación con el poeta Percy Bysshe Shelley, con quien se casó tras el suicidio de su primera esposa. Además de Frankenstein, fue una escritora prolífica en varios géneros, aunque su reconocimiento pleno como autora llegó tiempo después de su muerte. 



lunes, 3 de noviembre de 2025

ELOY ARENAS, actor, humorista, dramaturgo...Obra durante el estado de alarma

Eloy Arenas, actor

    

    J. S. A.

    03.11.2025.- Madrid.- Eloy Arenas (Dolores, Alicante, 1950). Actor y humorista español. Padre del actor Eloy Azorín. En la década de 1970 formó parte del dúo cómico Arenas y Cal, junto a Manolo Cal. Ha participado en series de televisión y trabajado como actor en teatro y cine.    

    -¿Cómo resumiría su trayectoria profesional hasta hoy?

Progreso adecuadamente.

    -¿Actor, humorista, escritor…?

Cada oficio tiene su espacio y su tiempo. El dramaturgo crea, el actor interpreta, el humorista deja que el subconsciente se deje llevar por el fluir.

    -¿Qué etapa ha sido la más satisfactoria?

              Recién he terminado de escribir “Confinados a entenderse”. Una comedia delirante. Te ríes. Te piensas. Me encanta provocar risas en el cerebro y que éste las reparta por todo el cuerpo.

    -¿Con que colegas de escenario se ha sentido más a gusto? 

No cabrían en este cuestionario. 

    -¿Tiene preferencias por algún director? ¿Con cuales ha trabajado a gusto?

Andrés Lima; es genial.

    -¿Qué medio prefieres y por qué?: Teatro, cine, tv, radio…

El cine, porque he hecho poco. La televisión, porque me ha dado visibilidad. La radio, porque me da libertad. El teatro, porque cada función es irrepetible.

    -¿Cómo ve el panorama teatral de hoy?

Mejor que nunca.

-Sé que está terminando una obra de teatro ¿Puede avanzar algo sobre ella?

    Dos actrices y tres actores, quedan confinados en una casa rural durante el Estado de Alarma.  Las manías personales, los conflictos no resueltos y los vínculos inesperados dan lugar a una convivencia forzosa tan delirante y divertida como profundamente transformadora.

    -¿Será su director, productor, actor…?

Actor, en busca productor, director o directora.

Eloy Arenas, actor


GONZALO CELORIO, Premio Cervantes 2025. Concedido por el Ministerio de Cultura, el galardón está dotado con 125.000 euros

• El jurado ha destacado al autor mexicano por “la excepcional obra  literaria y labor intelectual con la que ha contribuido de manera  profunda y sostenida al enriquecimiento del idioma y de la cultura  hispánica” 

• Además, ha resaltado que “a lo largo de más de cinco décadas, ha  consolidado una voz literaria de notable elegancia y hondura reflexiva  en la que conjuga la lucidez crítica con una sensibilidad narrativa que  explora los matices de la identidad, la educación sentimental y la  pérdida. Su obra es al mismo tiempo una memoria del México moderno  y un espejo de la condición humana” 

Gonzalo Celorio

        L.M.A.

03-noviembre-2025.- El jurado del Premio de Literatura en Lengua Castellana  Miguel de Cervantes ha otorgado a Gonzalo Celorio el Premio Cervantes 2025.  Concedido por el Ministerio de Cultura, el galardón está dotado con 125.000  euros. 

El fallo del Jurado ha sido anunciado por el ministro de Cultura, Ernest Urtasun,  acompañado de la directora general del Libro, del Cómic y de la Lectura del  Ministerio de Cultura, María José Gálvez, en un acto celebrado en el Auditorio  Jorge Semprún. 

El jurado ha otorgado el premio a este autor por “la excepcional obra literaria y  labor intelectual con la que ha contribuido de manera profunda y sostenida al  enriquecimiento del idioma y de la cultura hispánica”. Además, ha señalado que  “a lo largo de más de cinco décadas, Gonzalo Celorio ha consolidado una voz  literaria de notable elegancia y hondura reflexiva en la que conjuga la lucidez  crítica con una sensibilidad narrativa que explora los matices de la identidad, la  educación sentimental y la pérdida. Su obra es al mismo tiempo una memoria  del México moderno y un espejo de la condición humana” 

Finalmente, ha destacado que “en sus libros resuenan la ironía, la ternura y la  erudición, trazando un mapa emocional y cultural que ha influido en  generaciones de lectores y escritores. Celorio representa la figura del escritor  integral: creador, maestro y lector apasionado. Constructor de un legado  invaluable que honra la lengua española y la mantiene viva en su forma más  alta: la de la palabra que piensa, siente y perdura”. 

Biografía 

Gonzalo Celorio nació en la Ciudad de México en 1948. Es narrador, ensayista,  cronista y una de las figuras más destacadas de la literatura mexicana  contemporánea. 

Doctor en Lengua y Literaturas Hispánicas, especializado en Literatura  Hispanoamericana por la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad  Nacional Autónoma de México (UNAM), ha desarrollado una extensa labor  académica y docente. Desde 1974 ha impartido clases en diversas instituciones,  entre ellas la Universidad Iberoamericana, el Instituto Politécnico Nacional y El  Colegio de México.  

Ha ejercido numerosos cargos académicos y culturales, como el de secretario  académico y director de la Facultad de Filosofía y Letras de la UNAM (1998- 2000); director de Literatura del Instituto Nacional de Bellas Artes; coordinador  de Difusión Cultural de la UNAM (1989-1998); y director general del Fondo de  Cultura Económica (2000-2002). Actualmente es profesor de literatura  hispanoamericana en la Facultad de Filosofía y Letras de la UNAM, donde dirige  la cátedra extraordinaria ‘Maestros del Exilio Español’. 

Es miembro de número de la Academia Mexicana de la Lengua, de la que fue  su director (2019-2023), y también miembro correspondiente de la Real  Academia Española y de la Academia Cubana de la Lengua.  

Entre sus obras más reconocidas se encuentran las novelas ‘Amor propio’, ‘El  viaje sedentario’, ‘Y retiemble en sus centros la tierra’, ‘El metal y la escoria’ y  ‘Mentideros de la memoria’, así como los ensayos ‘Los subrayados son míos’ y  ‘Cánones subversivos’.  

Su trayectoria ha sido distinguida con numerosos reconocimientos, como el  Premio de Periodismo Cultural del Instituto Nacional de Bellas Artes (1986) por  ‘Los subrayados son míos’; el Prix des Deux Océans (1997, Festival de Biarritz)  por ‘El viaje sedentario’; el Premio Nacional de Novela IMPAC-CONARTE 

ITESM (1999) por ‘Y retiemble en sus centros la tierra’; el Premio Universidad  Nacional en el campo de Creación Artística y Extensión de la Cultura (2008); el  Premio Nacional de Ciencias y Artes en Lingüística y Literatura (2010); el Premio  Mazatlán de Literatura (2015) por ‘El metal y la escoria’; y el Premio Xavier  Villaurrutia de Escritores para Escritores (2023) por ‘Mentideros de la memoria’.  Asimismo, recibió la Orden de la Cultura Nacional, otorgada por el Ministerio de  Cultura de Cuba en 1996.

    Su obra, caracterizada por la erudición, el rigor estilístico y la reflexión sobre la  memoria, la identidad y la tradición literaria hispanoamericana, lo sitúa entre los  autores más relevantes de la literatura mexicana actual. 

Jurado 

El jurado ha estado presidido por María José Gálvez, directora general del Libro,  del Cómic y de la Lectura del Ministerio de Cultura. 

Además, el jurado ha estado formado por los siguientes vocales: Aurora Gloria  Egido Martínez (Aurora Egido), por la Real Academia Española; Bruno Rosario  Candelier, en representación de la Academia Dominicana de la Lengua; Ana  María Gallego Cuiñas, por la Conferencia de Rectores de las Universidades  Españolas (CRUE), José Luis Mauricio Carrera Guerrero (Mauricio Carrera), por  la Unión de Universidades de América Latina y el Caribe (UDUALC); Raquel  Caleya Caña, por el Instituto Cervantes; María del Carmen Marín López  (Karmentxu Marín), por la Federación de Asociaciones de Periodistas de  España (FAPE); Pablo Rubén Villalobos Hernández, por la Federación  Latinoamericana de Periodistas (FELAP); María Teresa Alves de Araújo (Teresa  Araújo), por la Asociación Internacional de Hispanistas (AIH); Araceli Iravedra  Valea, por la Asociación Española de Críticos Literarios (AECL); Manuel Rico  Rego, por la Asociación de Escritoras y Escritores de España (ACE);  Constantino Bértolo Cadenas (Constantino Bértolo), por el Ministerio de Cultura; Luis Mateo Díez Rodríguez (Luis Mateo Díez), escritor galardonado en la edición  de 2023 y Álvaro Pombo, escritor galardonado en la edición de 2024. 

Historia del premio 

Mediante la concesión de este premio, dotado con 125.000 euros, se rinde  anualmente público testimonio de admiración a la figura de un escritor o  escritora que, con el conjunto de su obra, haya contribuido a enriquecer el  legado literario hispánico. 

    Puede ser galardonado con el Premio Cervantes cualquier autor o autora cuya  obra literaria esté escrita totalmente, o en parte esencial, en castellano. Los  candidatos al Premio los pueden presentar las Academias de la Lengua  Española, los autores premiados en anteriores convocatorias, las instituciones  que, por su naturaleza, fines o contenidos, estén vinculadas a la literatura en  lengua castellana y los miembros del Jurado.


Exposición: PICASSO KLEE .En la colección de Heinz Berggruen (Obras del Museum Berggruen-Neue NationalGalerie Berlin)

Exposición:  PICASSO KLEE .En la colección de Heinz Berggruen (Obras del Museum Berggruen-Neue NationalGalerie Berlin)

Museo Nacional Thyssen Bornemisza (Salas Temporales Primera Planta)

Del 28/10/2025 al 01/02/2026



 

Mayca NÖIS

     31/10/2025 Madrid.- Se exhiben 63 obras. 49 procedentes de Alemania y 14 de España de las cuales seís son de pintura antigua que hacen contextualizar las anteriores. Comisarios: Paloma Alarcó, jefa de Pintura Moderna del Museo Thyssen y Gabriel Montua, director del Museo Berggruen. Comisarias adjuntas: Marta Ruiz del Arbol y Natalia Jimenez. Se ha contado con la colaboración de la Comunidad de Madrid.

Es una exposición que viene siendo itinerante dentro de las exposiciones internacionales organizadas por el Museo Berggruen desde 2022, actualmente su edificio en remodelación. Y que ya ha pasado por Australia, Venecia, Tokio, París y ahora Madrid. Se rinde un homenaje al legado del marchante, coleccionista,fundador de Museo Heinz Berggruen (Berlin 1914-Paris 2007) en su andadura con el arte al principio en Alemania y sus exilios primero en San Francisco, su primera Galeria en París  1950 especializada en arte moderno que empieza con Klee al que le unía su pasión con la literatura.

 Contaba con prestigiosa clientela entre ella el barón Thyissen-Bornemisza. Hasta su vuelta a Berlin, tras la caída del muro de Berlin  en un “intento de sanar heridas a través del arte”. Con los artistas de los que es seguidor:Klee,Picasso,Matisse,Miró, Chagal, Giacometti y otros…. Un extraordinario conjunto adquirido por el gobierno alemán en el año 2000 como parte de la Nationalgalerie de Berlin y se crea el Museum Berggruen con lo que se preserva la colección para la posteridad en un caso análogo al de su amigo y coleccionista Hans Heinrich Thyssen-Bornemisza en Madrid.

Pablo Picasso (Málaga 1881-Mougins (Francia)1973), Paul Klee (Suiza 1879 –Muralto-Suiza 1940),uno mediterráneo , terrenal, sensual, excesivo y quizás el inventor del lenguaje de la modernidad sin llegar a la abstracción y otro del norte, introspectivo, intelectual, espiritual.

Esta muestra “empareja” a dos “Pablos”  de entre los creadores favoritos de Berggruen, aparentemente divergentes en personalidad y  temperamento. Como ha reconocido su hijo Oliver Berggruen en la presentación “se admiraron mutuamente por eso casan tan bien sus obras”. Compartieron espacio en los años 20 en dos exposiciones colectivas en París hasta su encuentro en Berna en 1935 estando ya enfermo Klee.

El “dialogo” de la muestra se empareja además con los dos grandes coleccionistas Heinz Berggruen y Hans Heinrich von Thyssen Bornemisza, dos apasionados del arte moderno y fundadores de dos museos públicos que llevan su nombre.  Se acredita su familiaridad y conexión con la fotografía tomada por Helmut Newton de 1988, exhibida en sala copia de la que se encuentra en el Musseum Berggruen en Berlin, que  presenta a ambos de origen alemán y establecidos en el extranjero, en agradable y amena compañía.

    La muestra se recorre bajo cuatro epígrafes-capitulos que entremezclan las obras de ambos con pintura antiguas demostrando que además aunque captaban al margen de la realidad sentían y seguían la tradición en la pintura.

    El primer espacio:” Retratos y Máscaras”. Picasso un retratista destacado y Klee tratando de plasmar en su obra la condición humana contribuyeron a la trasformación del retrato moderno. Traspasan la norma y los limites convencionales de este género. Impusieron la personalidad oculta de la máscara. Las obras de la sala lo muestran: “Dora Maar con uñas verdes”Picasso 1936, “El jersey amarillo”Picasso 1939, “Desnudo femenino”(estudio para las señoritas de Aviñón)Picasso 1907, “La señora R.viajando por el Sur” Klee 1924, junto al “Retrato de una mujer” 1539 de Lucas Cranach el joven

    Segundo espacio: “Lugares” En sus inicios tuvo especial importancia la representación del paisaje. Les añaden el recurso de la experimentación valiéndose muchas veces de la geometría, la ironía, la trasgresión. Las obras en sala: “Vista de Saint Malo”1922 Picasso, “Vista a una plaza”Klee 1912,”Castillocon puesta de sol”Klee 1918,

Tercer espacio: “Objetos” aunque desde los orígenes de la pintura se han reproducido naturtalezas muertas y bodegones fue en el siglo XVII en los Paises Bajos cuando alcanza plenitud. Tanto Picasso como Klee tuvieron una práctica común en la experimentación con este género. Klee se introducía en estas composiciones hacia el interior buscando las verdades ocultas no tan visibles. Picasso, con su propia visión, compartía también entender la esencia en las cosas. Así lo muestran en “Frutero con peras y manzanas” Picasso 1908, “Flor y fruta” Klee 1927, “Vaso,ramo,guitarra y botella”Picasso 1919, “Vaso y as de trébol”Picasso 1914, “Porcelana china” Klee 1923 y en contraposición “Bodegón con fuente china, copa,cuchillo, pan y frutas”atribuido a Jan Jansz van de Velde III hacia 1650..

    Cuarto espacio: “Arlequines y desnudos” la representación artística a través del cuerpo humano fue abordada por ambos artistas. En dos aspectos diferentes narrativos. En Picasso durante toda su vida fue objeto de trabajo el tema tanto en lo neoclásico como en la fragmentación. Klee lo descompone en geometría y le concede entornos de arquitecturas imaginarias. Ambos se implican en cómo repensar el cuerpo. A la introducción en la sala un interesante dibujo a pluma y tinta de Pablo Picasso “Joven con espejo y estudios de desnudos femeninos”Picasso 1930 con bocetos que después serian objeto de obras mayores, “Gran desnudo tumbado” Picasso 1942, “Silenos con danzantes”Picasso 1933, “Despertar” Klee 1920, “”Brujas elaborando brebajes” Klee 1922, “Arlequin sentado”Picasso, 1905, “Arlequin con espejo”Picasso 1923, “Arlequin en el puente” Klee 1920 En contraste “La ninfa de la fuente”1530 de Lucas Cranach el Viejo, “Pierrot contento” de Jean-Antoine Watrteau 1712. Y cerrando exposición un gran cuadro de Picasso “Torero y mujer desnuda” 1970.

    Aparte de dar asertividad a la implementación de dos artistas y su obra, no tanto detenido en el formato tanto si es pequeño como grande, situación muy bien planteada en esta exposición, sino poner de relieve aunando obra en “emparejamiento”, que las cualidades interpretativas y creativas son las que verdaderamente darán historicidad a la obra plástica a tener en cuenta dentro de la contemplación en el tiempo. Lo que tan bien han sabido refrendar desde el principio los dos grandes coleccionistas por lo que el objetivo dual de la exposición queda perfectamente resuelto.