viernes, 9 de julio de 2021

La técnica del vidrio soplado en España declarada Manifestación Representativa del Patrimonio Cultural Inmaterial


Se aprueba el Real Decreto por el que se declara la técnica del vidrio soplado en España como Manifestación Representativa del Patrimonio Cultural Inmaterial 

La técnica del vidrio soplado presenta un conjunto de valores históricos, inmateriales, tecnológicos y artísticos que la hacen merecedora de tal reconocimiento

VIDRIO SOPLADO


L.M.A.

06-julio-2021.- El Consejo de Ministros, a propuesta del ministro de Cultura y Deporte, ha aprobado el Real Decreto por el que se declara la técnica del vidrio soplado en España como Manifestación Representativa del Patrimonio Cultural Inmaterial. Para la tramitación del Real Decreto se han recabado los informes del Consejo de Patrimonio Histórico y del CSIC como instituciones consultivas en la materia. 


En el contenido de este Real Decreto se hace referencia a la descripción de esta técnica estableciendo que sus procesos, conocimientos, productos, instrumental y maquinaria asociada, así como espacios arquitectónicos presenta un conjunto de valores históricos, inmateriales, tecnológicos y artísticos que merecen de preservación, por ser una actividad vinculada a la cultura española, con grandes centros de producción de más de tres siglos de vigencia, como son el Centro Nacional del Vidrio de la Granja en Segovia y los Vidrios Gordiola en Mallorca.


Además, por todo el territorio español coexisten experiencias individuales con este tipo de técnica, en forma de pequeños talleres artesanos, en muchos casos unidos a museos, que buscan revitalizar y dar visibilidad a producciones características de centros ya extinguidos. Al mismo tiempo es de gran relevancia de cara al reconocimiento patrimonial, la variedad de la producción, que en la actualidad mantiene los modelos históricos, junto a nuevos diseños y gran variedad de tipologías.


A pesar de esta importancia histórica y sociocultural, en la actualidad la viabilidad de esta práctica se ve amenazada por varios factores como la competitividad de la producción industrial del vidrio y otros materiales frente a esta técnica tradicional. Además, existe una falta de interés de las nuevas generaciones, lo que provoca una situación de peligro a causa de la disminución del número de depositarios de los conocimientos.


Breve historia de la técnica del vidrio soplado en España

La técnica del vidrio soplado puede rastrearse en la península desde la Antigüedad, proveniente del Mediterráneo Oriental, donde suele fecharse a mediados del siglo I a.C. Se desconoce la fecha exacta de introducción del vidrio soplado en España, pero ya Plinio da cuenta de la fabricación del vidrio en Hispania hacia el tercer cuarto del siglo I d.C.


La técnica del vidrio soplado será excepcionalmente trabajada en el arte islámico de la península, floreciendo talleres que tendrán su continuación e influencia en la Edad Moderna de contexto cristiano, destacando fundamentalmente los talleres de la Corona de Aragón. A lo largo de toda la geografía, se perfeccionarán técnicas decorativas de aplicación y filigrana, así como tipologías de piezas que se irán consagrando con el paso del tiempo: vasos, jarras, candiles, redomas, jarrones, etc. 


El siglo XVIII vivirá un florecimiento económico con las políticas económicas de los Borbones centradas en la producción nacional, de cuya línea nacerá la Real Fábrica de Vidrios de La Granja en Segovia; así como en el fomento de la producción con el beneplácito real por parte de propietarios privados, como es el caso de la Fábrica de Gordiola en Mallorca. Estas dos manufacturas mantienen el soplado artesanal y semi-artesanal, de ahí que se haga referencia expresa a ambas como parte central de la declaración.


ARCOmadrid 21, arte, espacio y amplitud, clausura el domingo día 11

 

Miquel Barceló en ARCOmadrid 21




Julia Sáez-Angulo
Fotos: Adriana Zapisek y Peter Wall

10/7/21.- Madrid. La edición de la Feria de Arte ARCOmadrid 2021 que se clausura el domingo día 11 de julio se ha caracterizado por menos galerías, amplio espacio para las mismas y sobre todo para los pasillos -algo que agradecemos los espectadores- y dominio de la abstracción o la figuración no realista.
Las compras en la feria del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía y de la Comunidad de Madrid no se han hecho esperar: fotografía, dibujo, arte joven… El arte adquirido por las instituciones enriquece el patrimonio público de todos, así que solo cabe el aplauso. 
Institucionalmente se compra en ARCO para apoyar la feria, lo que no deja de ser motivo de critíca para otras galerías que exponen en ferias satélites a ARCO como la de Just Mad, que tiene lugar en el Palacio de Neptuno de Madrid, con presencias dignas de resaltar: el pintor Manolo Oyonarte y el escultor/arquitecto Odnoder (Pablo Redondo).
EN ARCOmadrid 21 la oferta es amplia y variada con presencias latino-americanas  y extranjeras interesantes.  Me permito destacar el stand de la Montevideo Gallery y la madrileña Elvira González con la obra de Elena Asins, un cuadrado blanco con sus intervenciones estriadas de gran belleza y elegancia.
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Julio Le Parc



 




La Comunidad de Madrid adquiere obras de arte por valor de 130.000 euros en la Feria ARCO

 Además, el Premio ARCO Comunidad de Madrid ha galardonado La Fuga Ebria de Pablo Capitán Del Río y Mathematic casual deKameelah Janan Rasheed

 La obras compradas, de Isidoro Valcárcel Medina, Ana Buenaventura y Cristina Iglesias, pasarán a formar parte de los fondos de la Colección del Centro de Arte Dos de Mayo


L.M.A.

        8 de julio de 2021.- La Comunidad de Madrid ha adquirido de arte por valor de 130.000 euros en la Feria de Arte Contemporáneo –ARCO-. La consejera de Cultura, Turismo y Deporte del Gobierno regional, Marta Rivera de la Cruz, asistió a la inauguración de la 40ª edición de este evento, que ha sido presididapor Sus Majestades los Reyes.

Esta nueva compra tiene el doble objetivo de aumentar la colección del Centro de Arte Dos de Mayo - CA2M- y de prestar apoyo al sector cultural en general, y del arte contemporáneo en particular. Las obras pertenecen a los artistas Isidoro Valcárcel Medina, Ana Buenaventura y Cristina Iglesias.

Se trata de una selección diversa y de alta calidad llevada a cabo por la Comisión de Adquisiciones, que está integrada por Gonzalo Cabrera, director general de Promoción Cultural de la Comunidad de Madrid; Asunción Cardona Suanzes, subdirectora general de Bellas Artes de la Comunidad de Madrid; Manuel Segade, director del CA2M Centro de Arte Dos de Mayo; Tania Pardo, subdirectora del CA2M Centro de Arte Dos de Mayo y asesora de Artes Plásticas, y las especialistas Estrella de Diego y María Corral.

PREMIO ARCO COMUNIDAD DE MADRID

Asimismo, se ha concedido el Premio ARCO de la Comunidad de Madrid a los artistas Pablo Capitán Del Río por La Fuga Ebria (2021) de la galería Art Nueve de Murcia, y a Kameelah Janan Rasheed por Mathematic casual (2021) de la galería NOME de Berlín.

Pablo Capitán Del Río (Granada, 1982) es un artista cuya investigación matérica en su práctica escultórica está basada en un trabajo obsesivo donde el proceso y la experiencia táctil se convierten en sus características fundamentales. La obra adquirida se compone de piezas que hablan sobre la mirada y el deseo, a través de materiales que pueden actuar como transparencia, hueco o reflejo.

Por su parte, Kameelah Janan Rasheed (California, 1985) es una artista interdisciplinar que centra su interés en la intertextualidad, la alfabetización, el archivo y la ecología. Su instalación funciona como método radical de autoedición, en el que las palabras interactúan con la propia arquitectura, explorando una poética experimental de la negritud, la lengua vernacular y la no linealidad como modos de pensar de la historia de la comunidad negra.

El jurado del Premio ha estado compuesto por Gonzalo Cabrera, director general de Promoción Cultural de la Comunidad de Madrid; Asunción Cardona, subdirectora general de Bellas Artes de la Comunidad de Madrid; Manuel Segade, director del Centro de Arte Dos de Mayo; Tania Pardo Pérez, asesora de Artes Plásticas de la Consejería de Cultura y Turismo y subdirectora del Centro de Arte Dos de Mayo; María Corral, crítica de arte; y Agustín Pérez Rubio, comisario independiente.

Este premio fue creado en 2004 para reconocer la mejor obra de artes plásticas realizada por artistas menores de 40 años y que haya sido expuesta en la edición correspondiente de la Feria ARCO. Las adquisiciones pasan a formar parte de la Colección de Arte Contemporáneo del CA2M Centro de Arte Dos de Mayo, cuyos fondos también se incrementan con la concesión de otros premios asociados a ferias de arte.

En anteriores, ocasiones, el Premio ARCO Comunidad de Madrid ha comprado obras de Asunción Molinos Gordo o Mercedes Azpilicueta.

FALLADA LA XVI EDICIÓN DEL PREMIO ARCO/BEEP DE ARTE ELECTRÓNICO EN ARCOMADRID





L.M.A.

        Madrid, 8 de julio de 2021. El premio de la Colección BEEP en su edición 16 (2021) en ARCOmadrid se ha concedido por unanimidad del jurado (compuesto por Fernando Castro, Roberta Bosco y Marie-FranceVeyrat y Vicente Matallana) a Marina Núñez por sus obras: “Naturaleza Muerta Oleaje” (2021) y “Naturaleza Muerta Tornados” (2021) expuestas en el stand de la Galería Rocío Santacruz.

Se trata de vídeos que reformulan el género del bodegón en una clave neobarroca, alegorizando cuestiones que tienen que ver tanto con la existencia humana como con la relación que tenemos con la naturaleza. Dotadas una tonalidad pictórica muy sofisticada, ofreciendo una suerte de “hiperrealidad” fascinante, regalan a la mirada del espectador detalles singulares como el movimiento de una tela o el derramarse de líquido desde una copa en la que se ha producido una turbulencia inexplicable. Drama y belleza vienen a entretejerse en estas piezas que dan cuenta de la madurez de esta creadora.

Marina Núñez lleva años desarrollando un trabajo que ha evolucionado desde la pintura hasta lo fotográfico y lo computacional. Ha realizado exposiciones en museos de referencia como el MNCARS, MUSAC o Thyssen-Bornemisza. Sus meditaciones artísticas sobre la histeria, la condición femenina, la monstruosidad y la pulsión escópica, convergen en estas intensas obras en vídeo que no implican la idea de “vanidad de todas las cosas”, sino que sugieren la idea de que puede haber una mínima esperanza más allá del desastre en el que vivimos: naturalezas que transmiten vida o, por lo menos, exorcizan la muerte que llevan inscrita en su genérico título.

El Museo Sorolla inaugura la exposición Sorolla. Tormento y devoción


Día: Lunes, 12 de julio de 2021

Lugar: Museo Sorolla

Paseo del General Martínez Campos 37

28010 Madrid 


Un Sorolla ‘atormentado’ vuelve su mirada hacia la pintura devocional. Con 46 obras, la mayoría inéditas para el gran público, la exposición indaga en una faceta desconocida del pintor.

Tras una compleja restauración podrá verse, por primera vez desde 1887, una recomposición del cuadro El entierro de Cristo.

El Estado adquiere la acuarela de colección particular “Estudio de moje”, 1881 que formará parte de la muestra.

Museo Sorolla (Foto Wikipedia)


L.M.A.

        9-julio-2021.- El próximo 12 de julio el Museo Sorolla presentará la exposición temporal Sorolla. Tormento y devoción.

Comisariada por Luis Alberto Pérez Velarde (conservador del Museo Sorolla), propone un recorrido por el trabajo más desconocido e inédito de Joaquín Sorolla Bastida, la pintura devocional. Aunque no estamos habituados a pensar en Sorolla como un pintor de temática religiosa sí fue un género que cultivó, sobre todo, durante los primeros años de su carrera.

La exposición presenta una cuidada selección de 46 obras fruto de una intensa y sistemática investigación. En su mayor parte inéditos para el gran público, los cuadros que se exponen nos ofrecen una completa representación del tema religioso en la pintura de Sorolla. 

De entre todos, destaca por su importancia en la carrera del pintor, la recomposición museográfica de El entierro de Cristo. Se trata de una obra de juventud -Sorolla está pensionado en Italia- en la que el pintor volcó grandes esfuerzos y expectativas y con la que, sin embargo, no obtuvo el reconocimiento esperado. El cuadro, de gran formato, tras ser abandonado por el pintor sufrió grandes daños y de ella hoy solo se conservan tres fragmentos. Esta exposición muestra, por primera vez, cómo era la composición a escala real de la magna obra. 

Podrá verse, también, la reciente adquisición del Estado para la colección del Museo Sorolla “Estudio de monje” una acuarela fechada en 1881 y que formó parte de la colección particular de Enriqueta García del Castillo, cuñada del pintor.

El Ministerio de Cultura y Deporte adquiere obras en ARCO para el Museo Reina Sofía por un valor aproximado de 300.000 euros




L.M.A.

    09.07.2021.- Madrid.- La Comisión Permanente del Real Patronato del Museo Reina Sofía, tras la reunión mantenida a primera hora de la mañana de hoy, ha aprobado la adquisición de un conjunto de obras que serán asignadas por el Ministerio de Cultura y Deporte a la colección de este Museo.

El valor global de las 18 obras que engrosarán los fondos del Reina Sofía asciende aproximadamente a 300.000 euros que han sido aportados por el Ministerio. Corresponden a 14 artistas y un colectivo, españoles e internacionales, históricos y jóvenes.

Si algo caracteriza al conjunto de trabajos adquiridos es que cubren un amplio abanico tanto de estilos como de técnicas y épocas. Hay obra sobre papel, instalaciones, videoinstalaciones, películas, pintura, escultura o impresiones fotográficas. Las obras provienen de galerías de diferentes puntos de la geografía española como Valencia, Badajoz, Sevilla, Barcelona…

LISTADO DE ARTISTAS Y OBRAS

AGUSTÍN IBARROLA

Sin título (Década de 1970)

Conjunto de cuatro xilografías sobre cartulina

50 x 70 cm / 70 x 50 cm / 45 x 65 cm

MANUELA BALLESTER

3 ilustraciones para el libro La Perla que Naixque en lo Fang, (1934)

Esgrafiado sobre cartulina negra

16 x 12 cm cada uno

MANUEL QUEJIDO

Círculo y triángulo, (1968)

Acrílico sobre cartulina

50 x 50 cm cada uno

ANA PETERS

Cuentaquilómetros (1966)

Acrílico sobre papel encolado a táblex

130 x 100 cm

ALONSO GIL

Ignou Road Batiks Series (2016-2017)

Batik a la goma arábiga y tintura sobre tela de algodón

6 piezas de diferentes dimensiones

Entre 110,5 x 138 cm y 110 x 110 cm cada una

COLECTIVO AYLLU

Perrear el dolor (Serie Perrear el dolor) (2018-2020)

Seis litografía medidas variables (124 x 204 cm c/u)

Ed. 10

Mas el registro fotográfico, póster, pancarta Nuestra venganza es sobrevivir y réplicas de las alas de No esperaban que sobreviviéramos (2020) Acción pública

CLARA MONTOYA

Llorona I (2021)

Técnica mixta

333 x 35 cm

EVRU/ZUSH

Casa Bruja (1995)

Técnica mixta

235 x 235 x 235 cm

ANDRÉS PACHÓN

Proyecto Máquina abstracta, Mapa de Calor

Consta de 16 impresiones fotográficas, programa informático y plano

40 x 40 cm (c/u)

BOUCHRA KHALILI

The Tempest Society (2017)

Película digital 2k 60’

Edición 2 de 5

ÁNGELA FERREIRA

For Mozambique

(Model no.4 of Screen-Tribune-Kiosk celebrating a post-independence Utopia) (2008-2020)

Madera, cable de acero, proyección de video de dos canales (color, sonido, 60’, loop)

500 x 270 x 270 cm

DIAS & RIEDWEG

Cocoon (casulo) (2019)

Video installation (single-channel con audio, 4K)

Dimensiones variables / Loop 30 min / en portugués

Sin subtítulos

Edición 3/5

BABI BADALOV,

Sin título (2019)

Pintura sobre tela

2 metros x 1,50 metros

LILIANA MARESCA

El Dorado – Ecuación (1991)

Boceto - Tinta, témpera y lápiz sobre papel

35,5 x 21,8 cm

Pieza única

El Dorado – Ecuación (1991)

Boceto - Tinta, témpera y lápiz sobre papel

35,5 x 22 cm

Pieza única

MAJA BAJEVIC

Women at Work - Washing Up (2001)

Proyección o pantalla plana

15.14 min, color, sonido 1/2 AP (Ed. de 5)

Sobre los artistas y su obra Agustín Ibarrola (Basauri, Vizcaya, 18 de agosto de 1930) pintor y escultor nacido en el seno de una familia obrera, ingresa muy pronto en la Escuela de Artes y Oficios de Bilbao donde en 1948 celebra su primera exposición individual. A raíz de esta muestra en la capital vizcaína, se traslada a Madrid e ingresa en el taller de Daniel Vázquez Díaz. Desde muy joven se interesa por aunar la tradición pictórica vasca con las corrientes de vanguardia del Arte Contemporáneo. Artista comprometido, además de la obra gráfica y pictórica, experimenta en el uso de variados materiales como traviesas de ferrocarril, cartones, maderas, acero, etc. Los troncos del bosque de Oma, cercano a las cuevas prehistóricas de Santimamiñe y a su actual residencia, se convierten en el soporte de una de las aventuras estéticas más reconocidas de su creación. En 1993 recibe la Medalla de Oro al Mérito en Bellas Artes junto a los integrantes del Equipo 57.

Manuela Ballester (Valencia, 17 de noviembre de 1908 - Berlín, 7 de noviembre de 1994). Fue una reconocida pintora, ilustradora, cartelista, escritora, editora y poeta. Artísticamente, pertenece al realismo español, y a la llamada Generación Valenciana de los treinta, con influencia de las corrientes vanguardistas y revolucionarias, cuyo artista más representativo es Josep Renau con quien se casa en 1932. Dirigió la revista Pasionaria, el órgano de expresión de las Mujeres Antifacistas del Partido Comunista de Valencia. Durante los años de la guerra civil realiza una extensa producción de carteles políticos, colaborando con Renau, en aquel momento director general de Bellas Artes, en la organización del Pabellón de la República Española de la Exposición Internacional de París. Trabajó como dibujante de la Sección de Prensa y Propaganda del Comisariado General del Ejército de Tierra hasta 1939 y al término de la guerra, se exilió primero a Francia y posteriormente a México donde la comunidad artística la acogió calurosamente y siguió trabajando en distintos proyectos.

Manolo Quejido (Sevilla, España, 1946). Pintor y artista gráfico español que en 1964 comenzó a trabajar en Madrid con un grupo de artistas que exponían en la galería Buades, caracterizándose por su compromiso político frente a la dictadura de Franco y por la utilización de un lenguaje experimental en su práctica. En este primer periodo de su trayectoria se registra una clara huella del grupo artístico Equipo 57, y siguiendo el ejemplo del grupo desarrollará obra en el marco del Seminario de Generación Automática de Formas Plásticas del Centro de Cálculo de la Universidad de Madrid. Posteriormente se sitúa entre el Pop Art y la pintura neoexpresionista, con una obra llena de color y desenfado. Su obra forma parte de colecciones como la del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, la Fundación “La Caixa” de Barcelona, el IVAM de Valencia, el Museo Marugame Hirai de Kagawa en Japón o el MACBA de Barcelona. Ana Peters (Bremen, 1932 - Dénia, 2012) es reconocida por su importante labor artística dentro del contexto intelectual y cultural de la España franquista así como por su posterior producción abstracta. Nació en Alemania pero pasó la mayor parte de su vida en España, donde desarrolló también su obra.

Formó parte del grupo artístico Estampa Popular de Valencia, de raíz antifranquista que optaba por un léxico que hundía sus raíces en el lenguaje del cómic y la publicidad, utilizaban la estampa y la serigrafía como medio de difusión. Pero es en 1990 cuando alcanzó el lenguaje pictórico que la caracteriza, los llamados monocromos, que conformaban ya una tradición arraigada dentro del arte del siglo XX. Inicia así lo que podemos denominar su segunda etapa artística en la que se sumerge en el lenguaje abstracto. Los monocromos de Peters están sutilmente tocados por ondas, manchas, huellas o rayas que buscan sugerir movimientos suaves naturales, estados de ánimo y momentos específicos, lo que los mantiene vigentes pese a las diversas relecturas.

Alonso Gil (Badajoz, 1966) Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Sevilla, actualmente vive y trabaja en la ciudad andaluza. El artista a menudo produce una obra que se desarrolla en un espacio donde el mito y el cuento, la realidad y la experiencia, se entremezclan. Dependiendo del contexto en el que trabaje, recluta una gran variedad de medios para su práctica: vídeo, pintura, fotografía, música, publicaciones, intervenciones y acciones urbanas. Ha realizado numerosas exposiciones y proyectos individuales, y participado en colectivas como Afrotópicos. Núcleo de Arte. Maputo. Mozambique (2019); Provincia 53. Musac. León/CDAN Huesca, (2017-18); Art beyond boundaries. NIV Art Gallery. New Delhi. India (2016); El Mediterraneo como frontera, realidad y representación. Centro de las Artes de Sevilla. CAS (2016); Humanitarian Aid for the First World. Nuit Blanche Toronto, Canadá (2015), entre otras.

Colectivo Ayllu El Colectivo Ayllu es un grupo colaborativo de investigación y acción artístico-política formado por migrantes racializadxs, disidentes sexuales y de género provenientes de las excolonias europeas en América Latina y el Caribe. El colectivo nace en el 2017 (herederxs de Migrantes Transgresorxs, creado en 2009) y propone una crítica a la colonialidad realizando producciones artísticas en múltiples formatos y generando procesos de aprendizaje colectivo, de mediación y producción escritural. Ayllu, que en lengua quechua significa familia extendida o no sanguínea, está basado entre las ciudades de Madrid y Barcelona, y representa una comunidad afectiva, una familia que se teje desde distintos lugares, recuperando la memoria ancestral y transitando con otras poéticas a lugares futuros colectivos. El colectivo Ayllu está compuesto por: Alex Aguirre Sánchez (Quito, Ecyuador); Leticia Kimy Rojas Miranda (Guayaquil, Ecuador); Francisco Godoy Vega (Santiago, Chile); Lucrecia Masson Córdoba (Ombucta, Argentina): Iki Yos Piña Narváez (Caracas, Venezuela). Su punto de partida es el Centro de Residencias de Matadero Madrid que sirve como laboratorio de experiencias, diálogos y de creación.

Clara Montoya (Madrid, 1974) vive y trabaja entre Bruselas y Madrid. Para la realización de sus trabajos, le gusta mezclar los materiales más clásicos con las nuevas tecnologías. La artista en sus trabajos hace uso de máquinas, vídeo, perfomance, instalaciones, new media, escultura o dibujo y pintura. Para Montoya cada proyecto es un reto artístico y técnico. “Aprendo siempre algo en cada pieza”, ha manifestado la artista quien piensa que a través de su trabajo explora la belleza de intentar comprender el mundo. En su obra aúna intereses muy diversos en todo lo que tiene que ver con diversas disciplinas científicas: la astronomía, la física o la biología. Sus exposiciones individuales vienen sucediéndose desde 2005, en espacios como el Centro de las Artes de Lille, el Círculo de Bellas Artes, BilbaoArte, o la Fundación Marcelino Botín. Entre las becas y premios que le han sido otorgados destacan los de la Fundación Marcelino Botín, la Cité Internationale des Arts (París), The Cooper Union (Nueva York) o la Real Academia de España en Roma.

Evru Zush. Vive y trabaja en Barcelona, donde nació en 1946. Su nombre de nacimiento es Alberto Porta, pero asume el seudónimo Zush para luego ser Evru. Sus dibujos y pinturas crean un universo de códigos con su propio alfabeto, himno, bandera, pasaportes o moneda. Formó parte de Documenta VI (Kassel, 1977) y en la exposición Les Magiciens de la Terre (Centre Pompidou, 1989), entre otras. Su trabajo ha sido visto en prestigiosos museos, entre los que se incluyen incluyen el Guggenheim y MoMA de Nueva York.

Andrés Pachón (Madrid, 1985) Durante los últimos años ha desarrollado una práctica visual sobre la construcción del imaginario colonial a través del uso de archivos fotográficos en antropología y etnografía. Para ello ha colaborado con instituciones como el Museé du Quai Branly de Paris, el Museo Nacional de Antropología de Madrid, o el Archivo Fotográfico del Museo de Arte de Lima (MALI) en Perú. En sus trabajos reflexiona sobre la construcción del conocimiento a través de la fotografía, estableciendo relaciones entre las prácticas del S. XIX y XX, y los usos tecnológicos del presente. La manipulación de imágenes preexistentes con procedimientos tecnológicos es la base de su trabajo, su procedimiento para desvelarnos que las fotografías, a pesar del tiempo transcurrido sirven para reflexionar acerca del valor y las posibilidades del propio medio fotográfico.

Bouchra Khalili (Casablanca, Marruecos, 1975) es una artista franco-marroquí que actualmente vive en Berlín y trabaja en video, fotografía, dibujo e instalación. Estudió cine en la Sorbonne y artes visuales en École Nationale Supériere de Cergy. A menudo emplea el género del cine documental para redirigir las convenciones por las cuales se pide a los ciudadanos presentarse a sí mismos delante del estado, usando testimonios, retratos y discursos políticos. La artista asume el desafío de desarrollar un planteamiento crítico y ético a cuestiones de ciudadanía, comunidad y agencia política. Ampliamente reconocida a nivel internacional, ha participado en las principales citas del arte contemporáneo: las bienales de Sharjah (2011), Sídney (2012), Moscú y Venecia (2013), además de la Trienal de París (2012) y la última documenta de Kassel (2017). Al mismo tiempo, ha expuesto individualmente en el MoMA de Nueva York, en el Palais de Tokyo de París o en el MACBA de Barcelona.

Ângela Ferreira (1958) nació en Maputo, Mozambique, creció en Sudáfrica y obtuvo su maestría en Bellas Artes de la Escuela de Bellas Artes Michaelis de la Universidad de Ciudad del Cabo, y desde los años 90 vive a caballo entre Portugal y Sudáfrica. El trabajo de Ferreira se preocupa por el impacto continuo del colonialismo y el poscolonialismo en la sociedad contemporánea. Con una metodología de trabajo a medio camino entre la razón y la intuición, Ferreira utiliza registros de presentación tan variados como el dibujo, la fotografía, el vídeo o la escultura, mediante los que explora el fracaso impositivo de la modernidad y su impacto y repercusión en el territorio africano. Representó a Portugal en la 52ª Bienal de Venecia en 2007 con una continuación de sus investigaciones sobre los mecanismos a través de los cuáles el modernismo europeo ha querido adaptarse, fracasando en numerosas ocasiones, a las realidades del continente africano, con un proyecto que se concibió a partir de la historia de la “Maison Tropicale” de Jean Prouvé.

Dias & Riedweg Desde 1993, el brasileño Maurício Días (Rio de Janeiro, 1964) y el suizo Walter Riedweg (Lucerna, 1955) desarrollan juntos una obra que investiga la relación entre la ética y la estética, lo individual y lo colectivo, lo público y lo privado, así como entre la alteridad y la percepción. La implicación directa de los espectadores es una de las características principales de su arte público, que abarca desde la performance hasta la videoinstalación. Días tiene formación como pintor y dibujante mientras que Riedweg es músico, actor y creador teatral. Su proceso se centra en la percepción del otro, interesándose por su vida y sus creencias, pero sin tratar de imponer sus propias convicciones. En sus proyectos vemos como los distintos personajes abren su interior a los artistas tratando temas políticos, culturales y sociales replanteando así la relación entre la ética y la estética. El MACBA de Barcelona les dedicó en 2003 la retrospectiva “Posiblemente hablemos de lo mismo” para la cual Dias & Riedweg crearon expresamente la obra “Voracidad Máxima”, centrada en hombres que se dedican al trabajo sexual en el entorno gay.

Babi Badalov (Lerik, Azerbaiyán, 1959) es artista visual y poeta que vive y trabaja en París. Expresa sus ideas a través de la poesía visual, los objetos, las instalaciones y las presentaciones en vivo. También experimenta con palabras y escribe poesía oscura, mezclando idiomas e imágenes de diferentes culturas. El lenguaje es el material esencial de su trabajo. Está interesado en sus límites y su capacidad para aislar al individuo del resto de la sociedad. Badalov usa el lenguaje para pensar en la situación geopolítica actual, relacionándola con sus experiencias personales de migración a través de países de la antigua Unión Soviética, Estados Unidos, Europa, Asia y Oriente Medio. Sus dibujos, collages y poesía ornamental manifiestan la superposición cultural, histórica e ideológica de nuestro mundo globalizado. Su poesía visual a menudo toma la forma de un diario, creado a partir de una combinación de su investigación lingüística y de material pictórico manipulado, principalmente de contenido político.

El trabajo de Badalov se ha exhibido en exposiciones individuales en el Tensta Konsthall (Estocolmo, Suecia), el Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León (MUSAC, León, España), el Palais de Tokyo (París, Francia) y la Kunstraum München (Múnich, Alemania) y en muestras colectivas en el Museo de Arte Contemporáneo de Cracovia (MOCAK, Cracovia, Polonia), el Kunstmuseum (Berna, Suiza), el New Museum (Nueva York, Estados Unidos) y el Museo de Arte Contemporáneo de Amberes (M HKA, Amberes, Bélgica).

Liliana Maresca (Buenos Aires, 1951-1994) fue una figura emblemática en el ámbito artístico argentino desde principios de los años 80 hasta su fallecimiento. Los historiadores del arte que han estudiado su trabajo coinciden en la imposibilidad de definir sus obras y acciones en una única línea de análisis o pertenencia a los procesos artísticos ocurridos en los años ochenta y mediados de los noventa. Sus obras exceden las modalidades disciplinares y se yuxtaponen en un recorrido que articula pintura, escultura, objetos, foto-performances, instalaciones, intervenciones espaciales, entre tantas otras operaciones que pueden destacarse en el frenesí de su hacer.

El MAMBA, Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, presentó en 2017 la mayor retrospectiva de Liliana Maresca, titulada "El ojo Avizor" reuniendo todo el cuerpo de obra de la artista y presentando un importante catálogo de su trabajo. Sus obras forman parte de colecciones como la del Museo Reina Sofía; el MALBA - Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires; el MAMBA - Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, o la TATE Modern de

Maja Bajevic (Sarajevo, 1967) fundamenta su trabajo en una revisión poética y sutil de las fracturas sociales e históricas, en la que implica la toma de conciencia del espectador como agente o público. Un trabajo en el que se analiza la relación entre violencia, poder y construcción identitaria, se reflexiona sobre el impacto que tienen los conflictos políticos y sociales en la vida cotidiana y se plantea la necesidad (y también dificultad) de ponerse en el lugar del otro. Este conjunto de reflexiones siempre pasa por la implicación activa del espectador. Bajevic empezó a ser conocida a nivel internacional por su proyecto Women at Work (Mujeres trabajando) (1999-2001), una serie de performances en las que participaron cinco mujeres víctimas de la masacre de Srebrenica. En una de estas performances, Washing up, lavaban a mano varios trapos con lemas de la época del dictador Tito hasta que lograban borrar las palabras que había en ellos. Un acto cargado de simbolismo poético y político que, en cierta medida, tuvo un efecto catártico.

Villasierra ultima su exposición retrospectiva en el Palacio de Santa Bárbara de Madrid, antes de viajar a Miami

 

Mario Villasierra, artista visual




L.M.A.

9/7/2021.- El artista visual Villasierra ultima, para septiembre, su exposición retrospectiva en el Palacio de Santa Bárbara de Madrid, antes de viajar a Miami donde expondrá sus obras durante el mes de noviembre, en que se celebra la Feria Art Basel Miami Beach. 
Medio centenar de piezas entre pinturas y esculturas, realizadas en los últimos cinco años, pondrán de relieve el trabajo artístico del artista venezolano/español Villasierra (Mario Villarroel Sierralta, Caracas,1970) residente entre Madrid y Miami. El artista hizo en su momento una contracción de sus apellidos para encontrar su verdadero nombre artístico, Villasierra, nombre que da igualmente apelativo a su casa venezolana.
Villasierra, además de pintor abstracto y colorista, ha elegido los instrumentos musicales desechables para darles una nueva vida en el arte de la pintura, ya que los manipula y los “tunea” hasta lograr de ellos una nueva poética artística. Por principios, nunca utilizará un instrumento nuevo, primero, ese instrumento habrá de recorrer su vida musical, para entrar más adelante en la Pintura “sonora” de Villasierra.
Violas, violines, guitarras, trompas, trompetas…  son el “objet trouvé” fundamental de sus collages, de sus esculturas, como materiales llamados a una nueva exaltación vital: el Arte visual. Una expresión artística sin defecto, en la que se fusionan mecánica, música y color, para hacerse un arte nuevo.  Instrumentos musicales intervenidos en cuyas entrañas se pueden admirar con frecuencia engranajes en perfecta armonía como la máquina de un reloj.  El interior de estos instrumentos revela la fuerza y el misterio de un artilugio antiguo que se renueva en las manos prodigiosas del artista Villasierra. 
    El artista trabaja últimamente mucho con la resina en sus distintas transparencias y colores.

Palacio de Santa Bárbara
c/ Hortaleza, 87
28004 Madrid
Del 20 de septiembre al 3 de octubre de 2021

Más información
https://www.villasierrarts.com/blog/

https://lamiradaactual.blogspot.com/
search?q=Villasierra

Villasierra, artista visual


LEXUS EXHIBE EN ARCOMADRID 2021 LAS OBRAS GANADORAS DEL CONCURSO DE DISEÑO UX ART CAR

Lexus en ARCOmadrid 21



09.07.2021.- Madrid

Lexus, vehículo oficial de la feria internacional de arte contemporáneo ARCOmadrid 2021, exhibe en un espacio propio de la marca los vehículos ganadores de las últimas ediciones del proyecto de diseño UX Art Car, de los estudios Las Ánimas y Clap Studio. Es la primera vez que una marca de coches está presente en la feria de ARCO, con un stand propio donde muestra verdaderas obras de arte realizadas sobre el Lexus UX 250h.

Lexus UX Art Car es el proyecto de Lexus España que une la marca y el arte. Un proyecto en el que los participantes tienen libertad absoluta para crear, intervenir y plasmar su concepto creativo sobre un UX 250h en blanco.

Los pilares en los que se basa el modelo UX 250h, y sobre los cuales los participantes realizaron una interpretación artística son: tecnología, diseño, innovación y detalle.

UN JARDÍN JAPONÉS

El estudio valenciano Clap Studio, formado por Jordi Iranzo y Ángela Montagud, se coronó ganador con su propuesta "Jardín Zen" de la segunda edición del concurso de diseño Lexus UX Art Car.

"En un momento en el que se acentúa la necesidad de parar y meditar, nos transportamos con Lexus a un mundo en el que el ser humano y la naturaleza conviven en perfecta armonía. Nuestro concepto es un jardín zen que representa un estado mental: la calma, la conciencia pura", declaran sus creadores sobre el diseño ganador.

ARMADURA DE ESCAMAS

Una colorida y detallada pieza, que evoca la textura brillante de las escamas de un pez, le valió a Las Ánimas -Pablo Párraga y Trini Salamanca-, el primer premio en la I edición Europea del concurso Lexus UX Art Car.

Los diseñadores cubrieron el UX con una malla orgánica roja y azul que representa la piel de un pez, un motivo que se observa con frecuencia en el arte y la cultura japoneses. El colorido envoltorio es una estructura tridimensional hecha con un material de bio epoxi, superpuesto sobre la carrocería del vehículo como si de un lienzo se tratara.

LEXUS & ARCOMADRID

La presencia de la marca en esta nueva edición de ARCOmadrid 2021, muestra una más de las iniciativas de la marca por desarrollar actividades más allá de la automoción. Es una acción donde destaca el espíritu de Lexus por apoyar el arte y la creación contemporánea, y que se encuadra dentro de las activaciones de la marca en el territorio del arte.

Acerca de Lexus

Lanzada en 1989, Lexus se ha convertido en una marca de referencia en todo el mundo por su búsqueda de la perfección, la excelente calidad de sus productos y una tecnología muy sofisticada como es la tecnología Lexus Hybrid Drive y por su concepto único de servicio al cliente excepcional. Reforzando aún más los valores tradicionales de Lexus como son su incomparable calidad de fabricación, lujo interior y tecnología de última generación, la filosofía de diseño L-finesse, que representa un factor muy importante en el posicionamiento de Lexus como una marca global única y deseable.

Hoy en día, Lexus sigue siendo el primer -y único- fabricante de automóviles Premium del mundo en ofrecer una gama completa de vehículos híbridos que comprende la gama de modelos CT 200h, IS 300h, NX 300h, RX 450h, LC 500h y los nuevos LS 500h, RX 450h L, ES 300h, UX 250h y UX 300e. En España la gama híbrida de Lexus ya representa el 100% de las ventas totales de la marca.

Más información: https://www.lexusauto.es/estilo-lexus-news/lexus-exhibe-en-arcomadrid-2021-las-obras-ganadoras-del-concurso-de-diseno-ux-art-car/

LOS DEL RÍO. Anécdota de la canción “La Macarena”, por Mayte Spínola


Mayte Spínola y Los del Río


L.M.A.

9/7/2021.- Madrid.- Mayte Spínola, al final de la entrega de Medallas que llevan su nombre, cuando tocaba el turno a Los del Río, la pintora y mecenas contó la siguiente anécdota sobre la popular canción “La Macarena”, el mayor éxito del dúo de cantantes: 

Hay una anécdota muy curiosa referida a la canción La Macarena.

Hace muchos años, estando en Roma en la beatificación de nuestro tío, el Cardenal Marcelo Spínola, Mari de González, una amiga nuestra, me cuenta que Ricardo Cisneros quiere alquilar una casa en el Rocío para conocerlo, y me pregunta si el Litri y mi hermana Conchita alquilarían la suya. 

Le contesté ahora mismo llamo a Miguel y salimos de dudas. El Litri me preguntó si Ricardo Cisneros era amigo mío. Al decirle que sí, me contesta que nada de alquilarles, que se la presta.

Yo recomendé a los Cisneros, que para ese Rocío contrataran a los mejores flamencos del momento, Los del Río, que aún no eran muy conocidos. Fue un Rocío fantástico.

Pasan los años y nuestros amigos alcanzan la popularidad que todos conocemos. Su canción "La Macarena" sigue siendo un “hit parade” en todo el mundo.

Y lo más curioso es cómo nace la canción. Me lo contó el propio Ricardo Cisneros. Resulta que invitó a los del Río a su casa en Venezuela y los sevillanos viendo bailar a una chica bellísima se arrancaron improvisando la que ahora es famosísima canción, solo le cambiaron el nombre a la protagonista.


jueves, 8 de julio de 2021

La artista Daniela Ortiz de la galería Àngels Barcelona gana el XIVº Premio illySustainArt en ARCOmadrid2021

Obra de Daniela Ortiz



 

L.M.S.

        09.07.2021.- Madrid.- El jurado ha concedido el premio a la joven artista Daniela Ortiz, por su representación a la figura patriarcal.

Con este certamen, illycaffè afirma su compromiso en promover el arte contemporáneo, reconociendo el trabajo de los jóvenes artistas latinoamericanos

La artista peruana de 36 años, Daniela Ortiz ha ganado el XIVº Premio illySustainArt celebrado hoy en la prestigiosa feria de arte ARCOmadrid. Su obra reconocida, que lleva como titulo ‘Papapatriarchy’, es una ironía a la representación de la figura patriarcal y constituye una reflexión sobre sus vivencias personales y de las muchas mujeres. El trabajo de la joven artista establecida en Perú manifiesta los asuntos políticos y sociales relacionados con la inmigración, el feminismo y el racismo, y su obra expuesta en la galería Àngels Barcelona, está compuesto por 20 paneles de pintura al óleo sobre madera que se pueden contemplar en la feria.

El jurado, formado por Patrizia Sandretto Re Rebaudengo, coleccionista y fundadora de la Fundación Sandretto; Agustín Pérez Rubio, comisario independiente; y Carlo Bach, Director de Arte de illycaffè, ha reconocido a esta “joven promesa de Perú” entre las 15 galerías seleccionadas para este premio, y le concede 15.000 euros, sin la compra de la obra, con el fin de que pueda continuar con su desarrollo artístico. El jurado ha considerado “su obra y su trayectoria, una manifestación de la herencia colonial española para expresar un discurso real y muy presente a día de hoy, a través del arte contemporáneo”. 

El objetivo de este Premio, que se ha convertido en un referente entre la comunidad artística, es dar visibilidad a jóvenes artistas de países productores de café, donde illycaffè compra su materia prima.

En ediciones anteriores, el galardón ha sido otorgado a los siguientes artistas:

 ¨       2008: Matheus Rocha Pitta (Brasil)  

¨       2009: Avinash Veeraraghavan (India)

¨       2010: Camilo Ontiveros (México)

¨       2011: André Komatsu (Brasil)

¨       2012: Voluspa Jarpa (Chile)

¨       2013: Julia Rometti & Victor Costales (México)

¨       2014: Diego Bruno (Argentina)

¨       2015: Sergio Zevallos (Perú)

¨       2016: Felipe Cohen (Brasil)

¨       2017: Iván Argote (Colombia)

¨       2018: Marcelo Cidade (Brasil)

¨       2019: Sheroanawe Hakihiiwe (Venezuela)

¨       2020: Hellen Ascoli (Guatemala) 

Illycaffè, por otra parte, invita a todos los asistentes de ARCOmadrid 2021 a disfrutar de un espresso illy durante todos los días que dura la feria. Para esta edición, contará con un stand ubicado en el Pabellón 7 stand B22. También se aporvechará la ocasión para presentar la recién estrenada colección illy Art Collection diseñada por el artista chino Ai Weiwei. Esta es una interpretación personal de una serie de tazas de diseño por uno de los artistas más influyentes del siglo XXI. Otra de las iniciativas de illycaffè durante la feria es el #illyWalk, un recorrido entre una seleccionada veintena de bares, restaurantes y hoteles por el centro de Madrid, donde invita a todos los asistentes de ARCO a tomarse un espresso illy durante los días que dura la feria.

illy y el arte contemporáneo - illy art collection

El vínculo de illy con el mundo del arte contemporáneo ha llevado a la compañía con sede en Trieste a colaborar con las principales ferias de arte contemporáneo del mundo y con los centros culturales de mayor prestigio de España como ARCOmadrid, Museo Reina Sofía, Fundación Thyssen-Bornemizsa, el Círculo de Bellas Artes, el Guggenheim de Bilbao o, en Barcelona, el MACBA y el Barcelona Centre Design.

Para illycaffè, que basa sus valores de marca en lo bueno y lo bello, el arte contemporáneo suma ambos conceptos. Así, illycaffè se apropria del término griego kalokagathia, que combina kalos (bello) con agathòs (bueno) haciendo inseparables y el uno y el otro. 

Las coleccones de tazas illy Art Collection son una expresión tangible de este concepto, un proyecto que nació en 1991 cuando la compañía transformó un objeto cotidiano en un lienzo blanco, invitando a artistas contemporáneos a expresar su creatividad en el exterior de una taza espresso diseñado por Matteo Thun para illy. Durante estos años, más de 100 artistas reconocidos internacionalmente han trabajado en este lienzo, desde Michelangelo Pistolero hasta Marina Abramovic; desde Anish Kapoor a James Rosenquist, desde William Kentridge a Yoko Ono, desde Gillo Dorfies a Robert Wilson, Ai Weiwei entre otros. Los muy cafeteros que degusten un illy espresso en una taza diseñada por un artista activamente combinan el aroma y el sabor del blend de illy con una experiencia sensorial, táctil y visual, creando una relación con el arte contemporáneo.


miércoles, 7 de julio de 2021

Alexis Ravelo, autor de “Si no hubiera mañana”, la sexta del personaje Eladio Monroy



Julia Sáez-Angulo

7/7/21.- Madrid.-    Eladio Monroy es un indagador muy singular, porque no es policía, ni detective privado, ni periodista… y sin embargo resuelve casos obscuros como pudieran hacerlo alguno de ellos. El escritor canario Alexis Ravelo (1971) ha creado este personaje que reaparece en distintas novelas de la serie Eladio Monroy y “Si no hubiera mañana” es la sexta de la misma.

El libro ha sido publicado por la editorial Alrevés, que edita con éxito este género negro o policiaco sui generis. La mejor forma de conocer la sociedad y sus entresijos, con frecuencia nada edificables, está en descubrir delitos o entuertos en este tipo de narrativa, el hard boiled, que denomina la contraportada de “Si no hubiera mañana”.

La narrativa española está dando buenos ejemplos de la novela negra, que indaga y bucea en los bajos, medios y altos “fondos”, donde se cuece el interés y la malicia. Eladio Monroy -que pena que tenga apellido foráneo- bucea y navega por aguas procelosas para, donde reinan la astucia y el delito. Los oficios se dan cita con toda naturalidad, junto a un escayolista está el tráfico de droga, al que denominan Falo el Moldura. La lengua “gruesa” está con frecuencia presente en los ámbitos en los que se mueve la acción.

Alexis Ravelo sitúa sus relatos en Las Palmas de Gran Canaria, un buen puerto de mar y gran ciudad como ejemplo y  prototipo de toda la sociedad española. Todo es ficción, pero nos guste o no, también es espejo de nuestro espacio y nuestros días.

“Hay amores que pueden joder cualquier negocio y hay negocios que podría joder el amor más grande”, así comienza la novela “Si no hubiera mañana” de Alexis Ravelo y vale la pena continuar.

Las galerías Jahmek y The Pill ganadoras del VII Premio Opening en ARCOmadrid 2021

El jurado ha decido unánimente otorgar el premio ex aequo



    L.M.A.

        Madrid, 7 de julio de 2021.– Las galerías Jahmek, con sede en Luanda, y The Pill, de Estambul,  han resultado ganadoras de la VII edición del Premio Opening. Este galardón premia al mejor stand de la sección con la devolución del precio de su espacio en ARCOmadrid, que en esta ocasión será repartido entre ambas al haber otorgado el jurado el premio ex aequo. 


El jurado, compuesto por Marti Manen, director Index, Estocolmo; Cristina Anglada, comisaria de This is Jackalope; Gema Melgar, comisaria de This is Jackalope; Alper Turan, comisario y manager cultural de Protocinema, Estambul; Silvia Franceschini, comisaria de Z33 House for Contemporary Art, Design and Architecture de Hasselt (Bélgica), ha fallado el premio esta tarde en la feria.

En ARCOmadrid 2021, la galería Jahmek presenta obra de la artista Sandra Poulson, además de un proyecto de artista de Helena Uambembe. Por su parte, The Pill asiste con obra de Eva Nielsen + Raphael Barontini, y un proyecto de artista de Leylâ Gediz.


El Marqués de Tamarón recomienda la lectura "Por gusto"

Marqués de Tamarón, escritor y lector


Julia Sáez-Angulo

        07.07.2021.- Madrid.- Santiago de Mora-Figueroa y Williams, IX Marqués de Tamarón (Jerez de la Frontera, Cádiz, 18 de octubre de 1941), es un diplomático y escritor español, embajador de España en el Reino Unido entre 1999 y 2004. Fue director del Instituto Cervantes.

1. Leeremos su reciente libro “Por gusto”. Entre tanto, aváncenos ¿con qué lecturas más recientes ha disfrutado de veras?

Jardines del tiempo, sonetos de Fidel Sendagorta. También releo con gusto Kim de Rudyard Kippling. Y mi libro de cabecera Escolios a un texto implícito, de Nicolás Gómez Dávila. 

2. ¿Le ha hecho leer más y mejor la tranquilidad del confinamiento pasado? ¿Qué leyó entonces?

Los Episodios Nacionales de Galdós, que no siempre tranquilizan, pero tampoco aburren y que puede uno leer una vez cada veinte años porque no son inolvidables.

3. ¿Qué libros aconseja leer para el verano?

Por gusto del Marqués de Tamarón.

4. ¿Por qué publicar en Amazon? ¿Quién le aconsejó hacerlo?

Quedé contento tras publicar en Amazon hace tres años los tres volúmenes de Entre líneas y a contracorriente, que recopilan diez años de mi bitácora, por no decir blog. 

5. No hay escritor sin lector previo. ¿Conviene tener una metodología al respecto de las lecturas?

El único principio inviolable es no leer jamás un libro aburrido.

6. ¿Qué echa de menos en el ámbito de la publicación de libros en España?

Que me lean a mí.

7. ¿Cree como dijo Lara, que los premios solo descubren lectores?

Sabe Dios.

8. La Comunidad de Madrid ha creado un Departamento de Español, con Tony Cantó a la cabeza ¿Conviene reforzar a la Real Academia en el campo de la lengua?

Nunca me atrevería a juzgar las decisiones de mi admirada Presidenta de la Comunidad de Madrid.
9. ¿Cómo ve usted la marcha del habla coloquial del español? ¿Quiénes son los mayores transgresores?

El habla, coloquial o no, del español es casi siempre peor en España que en las Indias. Pasaba igual en el Imperio Romano: en la periferia son más conservadores y cuidadosos los hablantes que en el centro originario de la lengua.

10. El lenguaje inclusivo ¿le parece válido, postizo o falso?

Me parece postizo, falso y tonto.
11. Después de su libro “Por gusto”, ¿qué se trae entre manos?

Seguir leyendo por gusto.
12.  ¿Quiere decirnos dónde va a pasar el verano?

En Madrid, ¡Ay dolor!

Más información
http://www.marquesdetamaron.es/