Julia Sáez-Angulo lee las conclusiones del congreso
L.M.A
Fotos Adriana Zapisek
29 de noviembre de 2024 .- No olvidemos en primer lugar la ley física de la entropía, todo tiende a desordenarse y debilitarse, también el arte, por lo que requiere de atención y conservación, para evitar su deterioro.
A partir de aquí tomo algunas de las ideas que me han parecido más relevantes de los intervinientes. Seguro que ustedes hubieran elegido otras afirmaciones, porque ya se sabe que se capta por interés o afinidad. Lo que yo he recogido es lo siguiente.
1. -La Fragilidad en el arte comienza por la propia fragilidad del artista, que al mismo tiempo sabe de su fortaleza para crear una obra de arte, partiendo de una fragilidad de materiales, incluso de cierta inseguridad en el proceso de ejecución, señaló Marta Maldonado.
2. Si el presente es frágil, pensamos que el futuro es una fragilidad mayor, señaló Tomás Paredes. La tradición no se hereda, hay que repensarla, trabajarla de nuevo. Todo está pensado y dicho, pero hay que volver a pensar. Aprovechar el presente, con el “Carpe diem” de Horacio. El futuro tiene en el hoy la semilla. Hay que ser generoso con el presente.
3. Socorro MoraC señaló que si no tenemos raíces, no podemos volar. De la fragilidad sacaremos fortaleza e imaginación. “No hay dolor más fuerte, que el dolor de estar vivos”, señaló Rubén Darío. Somos animales lingüísticos e históricos, no robóticos ni zombis. Hay que poner puentes entre el arte y la ciencia, entre las distintas culturas. Estamos en el Antropoceno.
4. Mónica Mittendorfer nos ilustró de la necesidad de los museos para conservar con toda clase de garantías físicas, de lugar, iluminación, transporte de las piezas artísticas, para contar con un Patrimonio Histórico Artístico seguro a lo largo del tiempo. Lo frágil del arte viene a ser la espina dorsal de la actuación museística.
5. Marcos García Díez señaló que, como arqueólogo, su visión es complementaria a la del artista. “Los arqueólogos jugamos con las limitaciones del contexto y la época. Construimos narrativas con datos fiables y probables. Hablamos de construcción de los símbolos, con su fragilidad o fortaleza y con el grafismo paleolítico como lenguaje. Es interesante saber si se socializa un lenguaje gráfico para alcanzar poder. El hombre si sabe que hubo pasado, sabe también que el presente se va a proyectar al futuro”.
6. Julia Sáez-Angulo, quien les habla, habló del entusiasmo y la pasión de crear una colección de arte, para acabar más tarde deshaciéndose en una testamentaría. Ilustró al respecto varias historias de colecciones que permanecieron o fracasaron en su permanencia, según los casos.
7. Amalia García Rubí recordó que el surrealismo quiso borrar los límites del arte y lo tenía como reto. Se detuvo en la obra singular y rompedora de Duchamp y la obra del ready made y la textil, la del “cosido”, con nombre de artistas femeninos como Tabanera o Yolanda Relinque.
8. Javier Rubio Nomblot señaló la “no conferencia” y la necesidad del retorno a lo real, basado en la tesis de Lacan. Hay que dar paso al arte real traumático de la enfermedad o la vejez, frente a la estrategia del ocultamiento del horror. No se debe escamotear el dolor de la condición humana en el arte. Las prácticas lamentables de ocultación, que se han vivido durante la pandemia (ocultó ataúdes) o la Guerra del Golfo (ocultó los muertos) ponen de manifiesto la hipocresía del poder (en todos sus ámbitos) y de la sociedad. Marina Vargas presenta su masectomía en sus obras de arte, sin. pudor ni miedo a hacerlo. Señaló los trabajos de Ana Mendieta o Paula Rego a este respecto. No se debe hacer un “arte de archivo”, como ha sucedido en el Museo Reina Sofía. Hay que aceptar el “arte real traumático”.
9. África Cabanillas ha señalado que las biografías de las mujeres artistas, acaban, con frecuencia eclipsando la vida artística de las mismas, por el método biográfico que se les aplica es diferente al de los hombres. La vida personal de las artistas se resaltan sus aspectos más truculentos como violaciones, y no los logros de su obra (biografías débiles). Citó casos de Camille Claudel, Marie Blanchard o Marga Gil Roëset. Pero se detuvo principalmente en Delhy Tejero, en lque distinguió distintas etapas, porque la carrera artística en un largo recorrido. De la pintora, África Cabanillas hizo la primera biografía.
10. Amparo Serrano de Haro, que escrito un libro sobre mujeres artistas junto a África Cabanillas, ha señalado el peligro de que a la mujer artista se la extrapole del contexto social en el que está inscrita. Desconfía en ocasiones de las exposiciones individuales, que la aíslan de ese contexto de hombres, donde está inserta. La mujer artista como mujer excepcional puede esconder la idea de ella es especial, pero las demás no valen nada. Recela de las críticas galantes. Elogió el humor y la belleza como signos de cordialidad.
11. Fernando Castro Flórez, en su charla abundosa, dijo que desconfía de los “tiempos interesantes”, como dicen los chinos. Señaló que el libro de Ortega y Gasset “La deshumanización del arte” (1945) sigue teniendo bastante vigencia. Señaló las alusiones a la alta y baja cultura , o la idea de apocalípticos e integrados y citó el caso de la recogida los vestigios del 15 M en la Puerta del Sol, para el Museo Reina Sofía. Subrayó el libro de Half Foster: “What comes after farse” (“Qué viene después de la farsa”). Citó la pieza de “La banana” de Catelan, como ejemplo del fetichismo de la mercancía artística, donde el coleccionista hace la performance. Se confesó anti-optimista, porque como profesor no puede entregarse al nihilismo. Concluyó que existe un enorme potencial artístico y hay que descubrirlo. La crítica de arte, como señalaba Baudelaire tiene que ser parcial, apasionada y política.
12. Rodrigo Carreño nos habló de las temporalidades digitales y la obsolescencia del arte digital, a partir de los años 80 en que aparece Internet, seguido de las pantallas. Imagen, espacio y tiempo nos llevan a una cultura visual, interdisciplinar e híbrida, donde el espectador pasa a ser observador y usuario. No se trata de ver sino de visualizar. La cultura visual pasa a la cultura digital. La obra digital puede quedar obsoleta, porque no puede ser reproducida por los nuevos medios. Musealizar, conservar y archivar el arte digital puede ser complejo, porque depende de las sucesivas tecnologías, que pueden fallar o hacerse inaccesible. Se quiere regular este campo con las diferentes plataformas que puedes cuidar y conservar el arte digital. El sistema capitalista nos obliga a cambiar la tecnología y esto genera desechos y residuos. Carreño se mostró optimista en cuanto a la IA que será una herramienta más a utilizar. Algo parecido señaló en cuanto a conservación de películas Natalia Ruiz Martínez.
13. José María Juarranz concluyó que la obra de Picasso tiende a la pervivencia y lo que busca precisamente en la inmortalidad. Los materiales que utiliza, sobre todo los objetos encontrados desaparecerían por su fragilidad. Picasso utilizó en gran medida objetos recogidos en los basureros y Jean Cocteau le llamaba “el rey de los traperos”. Picasso será eterno.
- No olvidemos la respuesta que le dio Manolo Valdés en una entrevista a Tomas Paredes sobre el arte en Estados Unidos: “El arte es plural”.
-Más de 150 personas acudieron el primer día y otras tantas, el segundo, además de 400 personas se sumaron al streaming, lo cual pone de manifiesto que las nuevas tecnologías han funcionado y nos han puesto muy contentos en AMCA. Tono Brotons ha sido nuestro artífice, frente a los que somos casi analfabetos digitales.
- Nuestra campaña de micromecenazgo para apoyar el congreso y el programa cultural de AMCA sigue en pie, y están invitados a hacerlo todos aquellos que no hayan participado en él o a seguir participando, ya que AMCA es una asociación muy activa en cuanto a encuentro culturales se refieren sobre la crítica de arte.
- Seguimos invitando a los participantes en ponencias y comunicaciones, así como a otros críticos o historiadores de arte, a participar como miembros en AMCA. Y nos interesa sobre todo la gente joven para que dé continuidad a la asociación de críticos de arte, porque como suele repetir Esther Plaza, la presidenta de AMCA, el movimiento asociativo siempre es fructífero. MUCHAS GRACIAS
En la tarde intervinieron también Alfonso de la Torre, Pablo Talavante, Ángel P. Gómez y Jorge Varas.
Para finalizar tuvo lugar una performance de la artista Elvira Carrasco. La crónica va aparte:
https://lamiradaactual.blogspot.com/2024/11/elvira-carrasco.html
Junta directiva de AMCA junto a la artista Elvira Carrasco, y la pintora Marta MaldonadoAdriana Zapisek y Alfonso de la Torre Profesor Rodrigo Carrasco
Amparo Serrano de Haro, historiadora de arte
