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miércoles, 16 de octubre de 2024
Inaugurada la exposición “Piedra y Metal: Burgos y la Casa de la Moneda”
La exposición, organizada por la Fábrica Nacional de Moneda y Timbre con la colaboración del ayuntamiento de Burgos, podrá visitarse hasta el próximo 19 de enero de 2025.
L.M.A.
Burgos, 16 de octubre de 2024 .- Esta mañana se ha inaugurado la exposición “Piedra y Metal: Burgos y la Casa de la Moneda” en la sala de Exposiciones del Arco de Santa María. La muestra es un recorrido histórico por los tres periodos en los que Burgos ha tenido relación con la emisión de medios de pago o fabricación de soporte para los mismos. La exposición incluye documentos históricos originales, cuadros, fotografías, así como monedas y billetes que, a lo largo de los años que recorre la exposición, se han elaborado en la ciudad y que son parte del patrimonio histórico y cultural de nuestro país.
En el acto inaugural han intervenido el comisario de la exposición, Rafael Feria, Director del Museo Casa de la Moneda, el vicealcalde de Burgos Fernando Martínez-Acítores y la directora general de la Fábrica Nacional de Moneda y Timbre- Real Casa de la Moneda, Isabel Valldecabres Ortiz. La inauguración ha contado con la asistencia del subdelegado del gobierno en Burgos, Pedro L. de la Fuente, entre otras autoridades locales y representantes sociales y culturales de la ciudad.
Esta exposición es otra muestra de la apuesta de esta entidad pública empresarial, dependiente del Ministerio de Hacienda, por la ciudad de Burgos, tras las importantes inversiones en la modernización de la fábrica de papel y la puesta en marcha del nuevo Centro Tecnológico, el pasado mes de julio.
Esta muestra única podrá visitarse hasta mediados de enero de 2025, de martes a sábados de 11:00 a 14:00 h y de 17:00 a 21:00 h, los domingos de 11:00 a 14:00 h, permaneciendo cerrada los domingos tarde, lunes y festivos.
La Real Casa de la Moneda de la Ciudad de Burgos. Siglos XII al XVIII En esta primera etapa, la Casa de Moneda de Burgos estaba ubicada en el Camino de Santiago, en la actual calle San Juan.
En ella, durante seis siglos, se acuñaron los llamados dineros burgaleses, las blancas, seisenes, novenes, maravedís, óbolos, meajas, pepiones, ducados, cuartillos, doblas, escudos, excelentes, reales, ochavos, cornados, y el resto de denominaciones que se fueron adoptando con el paso de los tiempos en las monedas de oro, plata, vellón y cobre. La presencia de la letra B en la moneda, la identificaba como producción de la Real Casa de la Moneda de Burgos.
Doble excelente de los Reyes Católicos. MCM
Ocupando cargos de primer nivel en la Casa de Moneda, estaban grandes familias de la aristocracia y del comercio burgalés. Así podemos citar a los Mazuelo, los Astudillo y los Salamanca entre otros muchos. En el armorial de los Caballeros del Santísimo y de Santiago están representados algunos de ellos.
Real de plata. Enrique III. MCM
La situación geográfica de la ceca de Burgos, la más al Norte de Castilla, explica la influencia del comercio con Flandes, que daba acceso a las minas de plata alemanas y de Centro Europa. Aquí confluían las principales rutas mercantiles de la Corona de Castilla, lo que le permitía ser un referente en la producción de moneda para todo el reino, entre los siglos XIII al XVI.
Exposición: CAPRILE LORENZO en la Sala Canal de Isabel II. Madrid.
Sala Canal de Isabel II- Santa Engracia 125
Del 17 de octubre de 2024 al 30 de marzo de 2025
Mayca NÖIS
Texto y fotos
Madrid -16/10/2024.- Se presenta a los medios la exposición, en un viaje por la vida del modisto, una amplia selección de sus prendas más icónicas. Comisariado por: Eloy Martínez de la Pera (Álava 1967) Comisario de exposiciones de Arte y Moda, diseñador y productor de exposiciones de Arte Contemporáneo y José Luis Masso Guirao (Madrid 1967),Licenciado en escenografía e interpretación en la Real Escuela Superior de Arte Dramático de Madrid.
La Comunidad de Madrid apuesta de nuevo por la moda como industria cultural y manifestación artística por lo que ya desde 2016 tuvo lugar la retrospectiva dedicada a Jesús del Pozo
En esta ocasión corresponde a Lorenzo Caprile (Madrid 1967) formado como modista en el Fashion Institute of Technology de Nueva York y en el Politécnico Internacional de la Moda de Florencia. Licenciado en Lengua y Literatura por la Universidad de Florencia. Desde 1986 trabajó para importantes firmas de moda italianas y españolas. En 1994 abre su propio taller en el que se especializa en trajes de ceremonia totalmente artesanales y únicos. Desde 2006 crea vestuarios para teatro, cine,danza,opera entre los que destaca su trabajo para la Compañía de Teatro Cásico. Autor de libros: “Vamos de boda”, “De qué hablamos cuando hablamos de Estilo”. Es participante usual en mesas redondas y conferencias en:instituciones, universidades y escuelas .
Su trayectoria está jalonada de premios en los que destaca “La Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes” concedido por el Ministerio de Cultura en 2018.
Se trata de un madrileño con sus facetas como: filólogo, peliculero, compulsivo, figurinista, televisivo, clásico, barroco, analógico, apasionado, romántico, artesano, exuberante, coleccionista, innovador, maestro, devoto, gruñón, eufórico, sofisticado, discípulo, perfeccionista, contemporáneo, artista referente. Definir a Caprile y definir a Lorenzo no es fácil.
En la muestra exhibitoria se parte de una premisa: separar al modisto de la persona como forma de entender su trayectoria y su obra desde su origen, esencia, influencias, pasiones, buscando profundizar en el artista para entender mejor su trayectoria y obra creativa. Se presentan sin un estricto criterio cronológico buscando que dialoguen entre ellas dependiendo de la fuente inspiradora que son las que le han forjado. Cuenta con más de 120 prendas (sacadas de una referencia de 8000 piezas), procedentes de clientes, algunas más anónimas, y otras como la Casa Real española (muy unida a su carrera) quienes han dado facilidades para prestar sus prendas. Ocho piezas la Reina Leticia y otras tantas las Infantas Elena y Cristina –con su vestido de novia.
En el espectacular montaje, iluminado con un fondo negro que crea una gran atmosfera cuidada en todos los detalles incluido en las cartelas miniadas en oro, se da relevancia a los vestidos sin aportar referencias fotográficas a las personas que los llevaron. Se trata de formar una historia en la moda de nuestro país.
Les acompañan magnificas obras de arte de grandes maestros de la pintura como Francisco de Zurbarán, Juan Pantoja de la Cruz, Antonio Joli de Dipi, Federico de Madrazo, Erasmus Quellinus, Agustín Esteve o Ramón Casas y Carbó, quienes con su particular concepto de belleza han sido impulsores de la creatividad del maestro couturier.
Es lo que expresan sus comisarios “Caprile Lorenzo es un todo barroco que podría tender al infinito, pues infinitas son las musas, las emociones, las pasiones, las lecturas, los momentos vitales, las deidades, los mentores, las lealtades o los valores que le convierten en uno de los más sabios y mejores “couturiers” de nuestro tiempo”.
Las fuentes inspiradoras que han forjado al modisto, que es hoy en día, se entroncan desde el reflejo de diversos ambientes creativos como: la pintura, las artes decorativas. la fotografía,, elementos propios de la escenografía en las artes escénicas, la Alta costura… se implementan y ordenan en este relato expositivo entrelazado en sí mismo para conformar su propia identidad relacionada y retroalimentada en la propia pasión entre el modisto y la persona.
La exposición se estructura en diversos conceptos narrativos;
ITALIA donde nace el romanticismo, marcada en sus raíces. Le une con su familia ya que sus abuelos y sus padres son italianos originarios de Lombardia y Liguria. Predomina en el pensamiento la lengua materna y le influye en cómo percibir el mundo. Lo que desencadena la herencia cultural impresa en su memoria determinante en su identidad y estilo, presente en cada vestido, en su alma y su corazón.
Inspiración constante a la vez que fundamental y necesaria Sus referentes desde Julio Cesar, Dante Alighieri, Leonardo da Vinci, Antonio Vivaldi, Caravaggio, Luchino Visconti, Pasolini concluyentes con sus estudios y sus inicios en la industria de la moda italiana en renombradas casas de moda del país para aprender con su entrega y dedicación. Italia está impresa en el alma de Lorenzo.
ROMANTICISMO búsqueda incesante le implican en la creación de sus obras llenas de elegancia y delicadeza tales como se reflejan en la variedad de otros ámbitos creativos que le han ayudado en la forja de ser quien es hoy en dia.
A semejanza de los poetas románticos se inspira en la naturaleza, en lo fugaz,en lo orgánico, en su constante juego con la nostalgia y el destino que encuentran su marca en sus preciosas piezas atemporales ya que en los vestidos se recogen evocaciones del pasado en: siluetas encorsetadas, faldas voluminosas, mangas abullonadas, encajes delicados que vuelan sobre el vestido, bordados florales, colores suaves, tejidos livianos que conducen a contemplar sus prendas entrelazadas con amores apasionados, amores imposibles o amores que matan. Estas razones hacen de Lorenzo un romántico.
MODISTAS grandes maestros del siglo XX que le han influido para concebir y sentir la moda como expresión artística. Ha sabido captar la esencia y aprender de los “grandes”, pasar de discípulo a Maestro. Le debe el impecable trabajo en los drapeados y su obsesión por la precisión técnica a Madame Grés. Toma la elegancia y sofistificación de Valentino sobre todo en su pasión por el rojo y sus siluetas tan femeninas. De Yves Saint Laurent aprende a combinar lo clásico con lo moderno. Hubert de Givenchy los volúmenes. De Thierry Mugler incorpora su impecable sastrería a su costura. Admira a Flora Villarreal, Pedro Rodríguez, Manuel Pertegaz para seguir el compromiso de llevar lo español a la excelencia de la moda internacional donde ya ocupa un lugar de ser conocido.
BARROCO creatividad sin limites que le permite su intromisión en otra de sus grandes pasiones: el Teatro. Sus figurines se llenan de exuberancia para dejar de ser meras prendas de vestir por lo que se incorporan al relato con el que son un protagonista más en escena.
Un aliado “el Barroco” que le acompaña en el proceso de creación evocando emociones trasmitidas en armonía con las formas y el juego dramático de luces y sombras. Para lograrlo aplica: telas suntuosas, brocados, terciopelos, encajes que va implicando en su despliegue casi escultórico. El vestido lo convierte en una obra de arte para resaltar la personalidad y la historia del personaje tanto sea en el escenario, como en la alfombra roja o en el altar.
A este escenario de recibimiento al espectador se le suman cuatro plantas más a través de las escaleras, en amplio anfiteatro, de esta Sala de Exposiciones, por lo que está muy bien definido por los Comisarios “pasen y vean” y sobre todo “suban” en un ascenso en el que cada plataforma constituye un nuevo conocimiento y reconocimiento de la gran trayectoria de un MAESTRO. Quien es capaz de “confeccionar en un mismo día un vestido para la alfombra roja de Cannes, un traje de novia, y seguir con el diseño de vestuario para obra de teatro. Así es el genio de la Alta Costura de nuestro país”.
martes, 15 de octubre de 2024
PATRICA LARREA, VICTORIA MÁRQUEZ, MARINA SURIVIKOVA Y LULA CORNEJO exponen en Captaloona Art Gallery
Patricia Larrea, Victoria Márquez, Marina Surivikova y Lula Cornejo exponen su obra artística en Captaloona Art
J.S.A.
Fotos: Adriana Zapisek
15/10/24 .- Madrid.- Las artistas visuales Patricia Larrea, escultora, Victoria Márquez, Marina Surikova y Lula Cornejo pintoras, exponen en CaptaLoona Art Gallery, LC, (c/ Andrés Mellado, 55. Madrid). La muestra permanecerá abierta hasta el 31 de octubre próximo Turín. Sea Matter Body Mind es el título de la exposición.
Claudio Fiorentini, director de la Galería hizo un elogio del arte como “la semilla de futuro” y elogió la búsqueda del arquetipo en el interior del artista. No se puede concebir el mundo sin la existencia de los grandes creadores artistas como Van Gogh o Beethoven. Los artistas de hoy serán los talentos señalados del futuro.
También aclaró que el nombre de su galería es "Capta la Luna", el misterio de la noche y del arte. El nombre es el título de una de sus novelas. CaptaLoona Contemporary Art ha celebrado recientemente su quinto aniversario.
Patricia Larrea, Marina Surivikova y Lula Cornejo comentaron en voz alta la propuesta estética de sus obras. Larrea, ecuatoriana, presenta cinco esculturas en bronce y otra en madera. Interesante la que representa a dos aves enfrentadas y unidas en los picos, que trae a la memoria la antigua iconografía persa que enfrenta a dos pajaritas y se repite como iconografía hasta en los bordados textiles. Interesante también su cuadro con formas fragmentadas encerradas en polígonos.
Lula Cornejo, argentina, comentó sobre sus cuadros, abstracciones encendidas en rojos y contó sus comienzos en la pintura, especialmente durante el confinamiento de la pandemia.
Marisa Surivikova, rusa, muestra preciosos cuadros de movimientos del cuerpo humano sobre sucesivos papeles vegetales.
La obra de Victoria Márquez, española, ausente por su viaje a México, ofrece una suerte de paisajes fronterizos entre la figuración y la abstracción, entonados en azules.
Entre los asistentes al evento: el profesor de Bellas Artes y pintor Francisco López Soldado, Mercedes Ballesteros, Antonio de la Cuerda, Romsenei, Maica de la Fuente, Pablo Reviriego, Carmen Valero, Luis Magán, Catalina Orart, Ignacio Puras, Klaudia Neuhardt, Caroline, que expone en Malvin Gallery el 30 de octubre…
Estampa 2024 reúne el galerismo y el coleccionismo de arte contemporáneo en España
L.M.A.
Madrid, 15 octubre de 2024.-La feria Estampa celebra su 32ª edición del 17 al 20 octubre en el pabellón 5 del recinto ferial de IFEMA MADRID, con la participación de cerca de 100 galerías de arte contemporáneo y alrededor de un millar de artistas nacionales e internacionales. La gran cita de otoño del mercado del arte en España y una referencia para el galerismo y el coleccionismo en nuestro país, cuenta en esta ocasión con la intervención Alberto García-Alix como artista invitado.
Atendiendo a la evolución y adecuación a las nuevas exigencias y condiciones que el mercado nacional viene mostrando en los últimos años, esta convocatoria contará con las principales galerías de la escena galerística española, incorporándose hasta una veintena de nuevos proyectos creados en España en los últimos años, que dan respuesta a las recientes estéticas y creadores plásticos, así como a nuevos coleccionistas, manteniéndose vivo y activo un coleccionismo ya asentado en nuestro país.
De acuerdo con la vocación de Estampa de ser el referente del galerismo y el coleccionismo español, conforman el Programa General las principales galerías del país, entre las que destacan nombres como, Helga de Alvear (Madrid), Albarrán Bourdais (Madrid), 1MiraMadrid (Madrid), Moisés Pérez de Albéniz (Madrid), Cayón (Madrid/Menorca/Manila), Max Estrella (Madrid), Fernando Pradilla (Madrid), Mayoral (Barcelona), Leyendecker (Tenerife), Álvaro Alcázar (Madrid), ArtNueve (Murcia), Rafael Pérez Hernando (Madrid), Formato Cómodo (Madrid), Fernández-Braso (Madrid), T20 (Murcia), Siboney (Santander), PalmaDotze (Barcelona), Juan Silió (Madrid/ Santander) o Isabel Hurley (Málaga).
Asimismo, el Programa General refuerza e incorpora las galerías de última generación como Yusto/Giner (Madrid/Marbella), VETA (Madrid), WeCollect (Madrid), Berlín Galería (Sevilla), Arniches 26 (Madrid), Enhorabuena Espacio (Madrid), Artizar (Tenerife), Lariot Collective (Londres), Untitled Art Contemporani (Andorra), Victor Lope (Barcelona), Gärna (Madrid) o 3 Punts (Barcelona).
Destaca también en el Programa General la participación de galerías dedicadas a la fotografía como Blanca Berlín (Madrid), Valid Foto (Barcelona) o Spazio Nuovo (Roma), entre otras, resaltando el proyecto de Alberto García-Alix con una serie de fotografías especialmente creadas para la feria como artista invitado.
A la sección comisariada por Lorena Martínez de Corral acuden Ponce + Robles (Madrid), Rocío Santa Cruz (Barcelona), F2 Galería (Madrid), The Ryder Projects (Madrid) y Twin Gallery (Madrid) quienes proponen recuperaciones y nuevas maneras de mirar nuestra pintura.
Artista Invitado
Asimismo, esta edición contará con Alberto García-Alix como artista invitado, quien presentará una serie de fotografías creadas especialmente para la ocasión. Alberto García-Alix es uno de los mejores retratistas del panorama artístico español e internacional. Con un estilo crudo y elegante, el artista ha construido su carrera en torno a sus experiencias vitales, ya que sus fotografías marcaron una generación, la de la Movida Madrileña de los años 80. Alimentando su creatividad de excesos y miedos, sus obras son un recorrido por una época, una historia y una vida, su vida
El domingo 20 de octubre a las 12.00h. en el Museo Lázaro Galdiano de Madrid, tendrá lugar la Conferencia “La ausencia como estímulo” pronunciada por Alberto García-Alix.
Actividades y Premios
Por su parte, el programa de actividades acogerá un ciclo de conferencias bajo el título América ida y vuelta, en el cual los escritores Carlos Granés y Enrique Andrés Ruiz moderarán respectivamente dos mesas en las que participarán intelectuales y escritores como Sergio Ramírez, Premio Cervantes en el año 2017, o figuras tan influyentes como Pilar Reyes, directora editorial de Penguin Random House. Además, contará con la exposición titulada Cruce de miradas con obras seleccionas por Lorena Martínez de Corral de la Colección Otazu, Colección Brillembourg, Colección 360 grados, Colección Collegium, Colección Ana Helena y Eduardo Pires y Colección Franz Ruz, todas ellas pertenecientes a ciudadanos latinoamericanos con residencia en España.
Continuando con los Foros en Colecciona, la artista Teresa Gancedo y la directora de la Fundación Tàpies, Imma Prieto, mantendrán una enriquecedora conversación entorno al rescate del factor femenino del surrealismo de posguerra. Además, el coleccionista Emilio Bordoli presentará su libro Emilio Bordoli. Vida de un coleccionista junto a Eva Ruiz, responsable del programa de coleccionistas internacionales en Estampa.
Como ya es habitual en Estampa se concederán premios de adquisición, becas de formación y residencias artísticas como el Premio Colección Comunidad de Madrid/Estampa, Premio Colección Studiolo, Premio Colección Navacerrada, Premio y Residencia Fundación Campocerrado, Premio Colección Kells, Premio Colección Aldebarán, Premio Colección Abadía Retuerta, Premio La Escalera, Premio Colección Palibex del coleccionista Jaime Colsa, Premio Cervezas Alhambra y Premio al Mejor Stand Estampa 2024, entre otros.
El Comité Asesor de Estampa está formado por las comisarias Lorena Martínez de Corral y Alicia Ventura y por los coleccionistas Luis Caballero, Candela Álvarez Soldevilla (Colección Studiolo), Fernando Panizo (Tasman Projects), Juan Antonio Trujillo (Colección OTR), Manuel Navacerrada (Colección Navacerrada), y César Jiménez y Lola Martínez (Colección Casa de Indias), Borja Fernández Cobaleda (Fundación Campocerrado) y los hermanos María y Victorino Rosón Díez-Feijo (Colección Aldebarán), junto al crítico y comisario Enrique Andrés Ruiz.
Estampa 2024 arranca el jueves 17 de octubre, a las 11.00h., con un desayuno ofrecido por Illy, y se celebra hasta el domingo 20 en el pabellón 5 del recinto ferial de IFEMA MADRID, en un horario de 11 a 20h. el primer día de feria, y de 12 a 20.00h. todos los demás.
DÍA DE SANTA TERESA Y OTRAS ESCRITORAS Y ARTISTAS MUJERES
Julia Sáez-Angulo
15/10/24 .- Madrid.- Cuius regio, eius religio es una frase latina que significa, que la confesión religiosa del príncipe se aplica a todos los ciudadanos del territorio. Esto mismo, como en tiempos pretéritos de la Historia, lo aplican los políticos actuales con sus ideas y creencias, al decir de Ortega y Gasset. ¿Qué no me van las corridas de toros?, pues retiro el Premio Nacional de Tauromaquia y miro al torero El Juli con ostensible distancia, para que se note mi posición dogmática. Eso es lo que ha hecho Urtasun, ministro de Cultura de España.
¿Cuándo aprenderán estos políticos a dejar más libertad de opinión y actuación a los ciudadanos, más allá de sus ideas y creencias? ¡Un poco más de liberalismo, por favor! El exceso de legislación puede arruinar la vida, que como dice el viejo aforismo jurídico, “la vida es más rica que la norma”.
Pero yo iba a hablar de las mujeres escritoras, el día de su santa Teresa de Jesús, mujer audaz y maravillosa que tuvo también que enfrentarse a ciertas fuerzas vivas de su momento.
Vengo observado que muchos de los premios nacionales se otorgan a solo a mujeres desde hace un tiempo, y se adquieren más obras de pintoras o escultoras como Luisa Roldán, La Roldana, para los museos españoles, haciendo notar el Gobierno en su comunicación institucional que así se convertirá “en una de las más importantes novedades que se presentarán al público próximamente en la exposición monográfica ‘Luisa Roldán. Escultora Real’, que celebrará el Museo Nacional de Escultura, en su sede del Palacio de Villena, entre el 28 de noviembre de 2024 y el 9 de marzo de 2025. La muestra se podrá visitar gratuitamente y busca reivindicar la figura de la genial artista sevillana. Será la primera exposición monográfica que esta institución dedica a una mujer artista”. ¡Gran escultora esta Roldana!
A mí esta nueva atención sobre las mujeres escritoras o artistas me parece un tanto compensador del trabajo literario o artístico de las mujeres en el pasado, por el solo hecho de ser mujeres. Ahí están los casos sangrantes de doña Emilia Pardo Bazán ante su posible ingreso en la Real Academia de la Lengua (Clarín, buen escritor, pero opositor cínico a su entrada, debiera estar sepultado bajo siete llaves, como se dijo del sepulcro del Cid); Fernán Caballero, que tuvo que recurrir al pseudónimo masculino; María de Lejarraga, con su literatura escrita y firmada por su marido para que se abriera mejor camino… y tantos otros ejemplos.
Ahora son los hombres literatos o artistas los que se ponen nerviosos e indignados ante la repetición de nombres femeninos en la palestra oficial o institucional, lo que debe llevarles a meditar en la rabia e impotencia que debieron sentir muchas mujeres en el pasado, ante el muro masculino.
Lo malo es que esta atención a las mujeres no siempre hace caso a su valía específica, sino al sectarismo ideológico y/o estético de la mujer seleccionada, en aras de atender a la hegemonía de un feminismo radical, que se cuela con fuerza política en los partidos, más que con criterio artístico. Véase si no la calidad de alguna obra de las féminas premiadas, que me parece un bodrio, como la del reciente Premio Nacional de Poesía. Solo faltaba que los hombres piensen que se dan premio a las mujeres para equilibrar pasado o equilibrar la cuota, cuando solo se cuida la clientela votante.
En resumen: atención a las escritoras y a las artistas, ¡sí!; feminismo cuantitativo y no cualitativo, ¡no! Hay muy buen caladero de autoras en la literatura y en las artes para elegir, no solo por su sexo. Pero ¿qué vamos a esperar del sectarismo antidemocrático de quienes cancelan y censuran a José María Pemán y toleran sin reservas al autor de la “Oda a Stalin”, Rafael Alberti, que abandonó, en su día, a Miguel Hernández. Sectarismo puro y duro. Un poco más de tolerancia para todos, en lo público, por favor. “El ciudadano tiene derecho a equivocarse”, decía Juan Benet.
lunes, 14 de octubre de 2024
ANDRÉS MIRÓN, autor del libro “Cuando ya nada importa”. Antología Poética 1965-2005
EL RÍO
de El llanto de los sauces
El río se moría a cada paso
por la llaga estival de la sequía
por el resol azul de su aljamía
haciendo de su nombre un fiel fracaso.
El río, como el pueblo, era un caso
de olvido de sí mismo y de agonía;
de un querer y no ser que se moría
en el verano de su pan escaso.
El pueblo, como el río, se secaba
de puro estar quedándose sin gente
que tanto puede un paro interminable.
Cuando el río y el pueblo, Juan soñaba
con llevar a su vida algún torrente
que le hiciera por siempre inagotable.
“Arrabal versus Cervantes”, por Juan de Mairena, Premio Francisco Nieva de Teatro
L.M.A.
14.10.2024.- Madrid.- “Después de haber disfrutado setenta veces siete de la lectura de Arrabal versus Cervantes, no me cabe la más mínima duda: Juan Mairena ha pasado horas y horas escudriñando en el Callejón del Gato de los dos clásicos protagonistas de su texto, y su mirada, tan culta como curiosa, tan crítica como irónica, se ha perdido sin remedio tras los ondulados horizontes de esos profundos espejos que dan la clave de un encuentro que, si bien, es atemporal, no por ello es de imposible confrontación de conceptos e ideas. Los movimientos de la partida han sido rigurosamente planificados con inteligencia y metódicamente ejecutados con acierto dramático. Ajedrez y teatro; tablero y tablas”, dice José Moreno Arenas, en el prólogo de “Arrabal versus Cervantes”, de Juan de Mairena, Premio Francisco Nieva de Teatro.
El libro ha sido publicado por la editorial Libros del Innombrable.
Juan Mairena. Dramaturgo y director de escena nacido en Huelva. Licenciado en Ciencias de la Información y en Ciencias Políticas, realizó estudios de doctorado en Literatura y se formó en Dirección Escénica con profesionales como Emma Cohen, Marcelo Díaz, Rafael Spregelburd o Wajdi Mouawad.
Entre sus principales obras destacan: Cerda, Premio de la Unión de Actores a la mejor actriz secundaria y cuatro candidaturas a los Premios Max, publicada en Ediciones Antígona (2015); Loba, Premio Godoff y Premio MET a la mejor obra revelación, publicada en España por Ediciones Antígona (2023) y en Estados Unidos por Estreno Contemporary Spanish Play (2024); y Arrabal versus Cervantes, Premio Francisco Nieva de Teatro, editada por Libros del Innombrable (2024)
En 2023 obtiene el Premio José Moreno Arenas por Bernarda Z, publicada por Ediciones Garena. Y en 2024 recibe el Premio Museari de Literatura.
El resto de su obra se encuentra publicada en la Colección de Textos del Teatro Español, en el Centro de Investigación y Recursos de las Artes Escénicas de Andalucía, y en Ediciones Invasoras, donde ha editado también su primer poemario: Mapa de vuelos en tiempo real (2022).
"Por qué lo llaman liderazgo cuando quieren decir comunicación Lidera bien, comunica mejor”, libro de Noemí Boza
L.M.A.
14/10/24 .- Madrid.- En “Por qué lo llaman liderazgo cuando quieren decir comunicación”, publicado por la editorial LID, la autora presenta las actitudes y habilidades de lo que denomina liderazgo bombón, esencia de la tan deseada autenticidad. Entre las habilidades bombón, la comunicación destaca como poderosa herramienta, capaz de multiplicar las oportunidades de toda trayectoria profesional.
A través de su experiencia como periodista y empresaria, la autora nos ofrece una visión poderosa y enérgica: liderar bien es un viaje de aprendizaje continuo, donde comunicarnos mejor con nosotros mismos y con los demás es siempre una apuesta segura. Más allá de mostrar el poder de la comunicación en el arte del liderazgo, estas páginas nos guían para despertar nuestra iniciativa y desarrollar una actitud vital emprendedora.
Salpicado de experiencias personales y de la sabiduría de grandes líderes empresariales, este texto inspirador y ameno muestra cómo la auténtica comunicación puede transformar nuestras vidas y carreras y cómo el liderazgo bombón se refleja en cada interacción y decisión.
Dirigido a todos aquellos que buscan enfrentar nuevos desafíos, evolucionar en su carrera y disfrutar de una vida más plena, este libro es una invitación a liderar desde la autenticidad y a comunicar mejor para convertirnos en líderes verdaderamente irresistibles.
Noemí Boza
Noemí Boza es comunicadora y especialista en el arte de conectar ideas, personas y empresas. Empresaria desde hace más de 20 años. Es socia de Mas Cuota, empresa que organiza eventos profesionales y ofrece servicios a empresas en el ámbito del liderazgo, el bienestar laboral y la diversidad. Es especialmente sensible al impulso del desarrollo profesional de las mujeres. Entre sus clientes se encuentran reconocidas compañías de diferentes sectores de actividad. Ejerce de periodista, presentadora de eventos, formadora y conferenciante. Participa activamente en múltiples foros y encuentros empresariales. Por qué lo llaman liderazgo cuando quieren decir comunicación es su primer libro.
La escultura ‘Éxtasis de la Magdalena’ de Luisa Roldán, adquirida para el Museo Nacional de Escultura
• La pieza, adquirida mediante subasta por 330.000 euros, refuerza la presencia de mujeres artistas en las colecciones públicas estatales y consolida al Museo Nacional de Escultura como centro de referencia en torno a la artista sevillana
• La presentación al público de la obra tendrá lugar en el marco de la exposición ‘Luisa Roldán. Escultora Real’, que busca reivindicar la figura de la genial escultora barroca
• La muestra se podrá visitar gratuitamente en el Palacio de Villena, una de las tres sedes del museo estatal en Valladolid, del 28 de noviembre al 9 de marzo
L.M.A.
09-octubre-2024.- El Ministerio de Cultura ha adquirido en subasta pública la obra de Luisa Roldán ‘Éxtasis de la Magdalena’, con una inversión de 330.000 euros. Con esta compra, el Museo Nacional de Escultura, museo estatal del Ministerio de Cultura, ubicado en Valladolid, vuelve a ver reforzada en sus colecciones la presencia de la artista sevillana, considerada en la actualidad como una de las máximas figuras de la escultura barroca española, y cuya representación en el museo se ha visto incrementada notablemente en los últimos años.
El ‘Éxtasis de la Magdalena’ es un grupo escultórico de pequeñas dimensiones (25x29 centímetros) realizado en barro cocido y policromado, con un minucioso modelado y un vibrante colorido. Una “alhaja de escultura”, como la propia autora las denominaba, realizada para la decoración de las residencias reales y de los grandes nobles, quienes fueron sus principales clientes durante su estancia en la Corte madrileña como escultora de cámara de los reyes Carlos II y Felipe V, entre 1689 y 1706. Además, la obra conserva su policromía original, realizada por su cuñado y colaborador, el pintor también sevillano Tomás de los Arcos.
Esta pieza se convierte así en una de las más importantes novedades que se presentarán al público próximamente en la exposición monográfica ‘Luisa Roldán. Escultora Real’, que celebrará el Museo Nacional de Escultura, en su sede del Palacio de Villena, entre el 28 de noviembre de 2024 y el 9 de marzo de 2025. La muestra se podrá visitar gratuitamente y busca reivindicar la figura de la genial artista sevillana. Será la primera exposición monográfica que esta institución dedica a una mujer artista.
Centro de referencia de Luisa Roldán
En los últimos años, el Ministerio de Cultura ha realizado varias adquisiciones para el Museo Nacional de Escultura, que consolida así su papel como centro de referencia principal en torno a la escultora sevillana. Luisa Roldán se convierte, por tanto, en una de las principales figuras del museo junto a Alonso Berruguete, Juan de Juni y Gregorio Fernández.
En concreto, se han incorporado a las colecciones del museo estatal las siguientes piezas de la artista: una placa de la ‘Virgen de Atocha’ (adquirida en 2017), ‘Cabalgata de los Reyes Magos’ (un conjunto de 19 piezas adquirido en 2017 que se expondrá por primera vez de manera íntegra en la exposición); ‘Virgen con el Niño y San Juanito’ (adquirida en 2019); ‘Virgen con el Niño’ (adquirida en 2021); y ‘Éxtasis de la Magdalena’ (adquirida en 2024).
Otras adquisiciones
‘Éxtasis de la Magdalena’ no es la única adquisición destinada al Museo Nacional de Escultura este año. Esta obra se une a otras incorporaciones recientes que incluyen diversas tipologías y materiales. Entre ellas destacan el ‘Cristo y seis apóstoles en la Última Cena’, óleo sobre tabla del Maestro de la Colección de Pacully, fechado finales del siglo XVI, adquirido por 70.000 euros; o el retrato de ‘Pedro Franqueza y Esteve, I Conde de Villalonga’, firmado por el pintor vallisoletano Juan Pantoja de la Cruz hacia el año 1600, con una inversión de 45.000 euros. Se trata de ejemplos de la constante labor llevada a cabo desde el Ministerio de Cultura para diversificar e incrementar las colecciones públicas y el patrimonio histórico español.
“ARTE y FRAGILIDAD”, tema del congreso organizado por la Asociación Madrileña de Críticos de Arte, AMCA, en noviembre
L.M.A.
14/10/24.- Madrid.- La Asociación Madrileña de Críticos de Arte, AMCA, ha organizado un congreso sobre “Arte y Fragilidad”, los días 28 y 29 de noviembre de 2024, en el auditorio de la calle Alcalá 31 de la Comunidad de Madrid.
El congreso, será abierto y dirigido por Esther Plaza, presidenta de AMCA. Actuarán como ponentes, el día 28 de noviembre: Tomás Paredes, presidente de honor de AMCA y AECA, sobre ¿POR QUÉ TEMEMOS AL FUTURO?; Marcos García Díez, de la Universidad del País Vasco, sobre EL ARTE PREHISTÓRICO: UN LEGADO FRÁGIL QUE SE PROYECTA EN NUESTRO PRESENTE, y, Javier Rubio Nomblot, crítico de arte y comisario, sobre LA FRAGILIDAD EN EL ARTE CONTEMPORÁNEO. ESTÉTICAS DE DOLOR Y ESTRATEGIAS DE OCULTACIÓN.
El día 29 de noviembre, serán ponentes: Amparo Serrano de Haro, Dra. En Historia del Arte, sobre LA MUJER COMO ARTISTA GENIAL. UN RECONOCIMIENTO INCIPIENTE Y FRÁGIL; Rodrigo Carreño, Dr. en Historia del Arte, sobre TEMPORALIDADES DIGITALES Y LA OBSOLESCENCIA DEL ARTE, y Alfonso de la Torre, crítico y comisario de arte, sobre DETRÁS DE TODOS LOS LENGUAJES: LO INDECIBLE.
El congreso contará también con dos mesas redondas y la intervención presencial de algunos autores de las diversas comunicaciones presentadas como José María Juarranz, Socorro MoraC, Fernando Rayón, Mónica Mittendorfer, Jorge Varas, África Cabanillas, Amalia García Rubí, Pablo Talavante, Julia Sáez-Angulo, Rocío Herrero Riquelme; Carmen Valero, Benjamín Santos…
Las dos jornadas serán de 10,00 horas a 20 horas.
Tanto las ponencias como las comunicaciones se publicarán en un libro digital y en papel.
La artista visual Elvira Carrasco llevará a cabo una performance, el día de la clausura.
El congreso cuenta con la inestimable colaboración de la Consejería de Cultura, Turismo y Deportes de la Comunidad de Madrid y del Área de Cultura, Turismo y Deportes del Ayuntamiento de Madrid.
La asistencia será gratuita hasta completar el aforo de la sala, existe un formulario de preinscripción en la página de la Asociación (www.amca-criticosartemadrid.
Datos del Edificio Alcalá 31, sede del congreso.- El Edificio Alcalá 31 de Madrid, está ubicado en un emblemático edificio de Antonio Palacios levantado entre 1935 y 1943 para alojar el Banco Mercantil e Industrial, en la actualidad depende de la Comunidad de Madrid. Tras la extensa remodelación realizada por los arquitectos José Luis Iñiguez de Onzoño e Ignacio de las Casas, el edificio se inauguró en el año 2002 para albergar oficinas de la entonces denominada Consejería de las Artes y la sala de exposiciones.
Micromecenazgo .-Desde la Junta Directiva de AMCA se anima a colaborar con el congreso “Arte y fragilidad” con micromecenazgo. Por cuestiones de operativa se agradece que la aportación mínima sea de 50 €. Para realizar la aportación como micromecenas se puede realizar transferencia indicando el nombre y la palabra congreso al siguiente número de cuenta: ES50 0081 0174 8900 0226 0732
El Museo Nacional del Prado instala “El taller de Rubens” junto a la Galería Central
“Si yo hubiese pintado el cuadro sin ayuda, hubiese costado el doble”. Rubens, 1621
Exposición “El taller de Rubens” . Museo Nacional del Prado
L.M.A.
14.10.2024 .- Madrid .- La exposición, que permanecerá en la sala 16 B del edificio Villanueva hasta el 16 de febrero y cuenta con la colaboración de la Comunidad de Madrid, está compuesta por más de 30 obras que incluyen pinturas realizadas por el maestro, otras pintadas por sus ayudantes y otras, resultado en diferentes grados de la colaboración entre estos y aquel.
El objetivo de esta exposición es mostrar, a través de uno de los pintores más prolíficos y exitosos de la Edad Moderna: Pedro Pablo Rubens, cómo los pintores europeos trabajaban en talleres y se valían de múltiples colaboradores.
Junto a estas pinturas se ha instalado una escenificación del taller del pintor, que incluye todas las herramientas necesarias para su trabajo, así como algunos elementos que evocan a la persona de Rubens, como una capa y un sombrero inspirados en retratos suyos, todo ello impregnado del olor de la trementina, uno de los más presentes en los antiguos talleres.
La exposición incorpora también un vídeo en el que se recrea la forma en la que Rubens y sus ayudantes realizaban un cuadro.
domingo, 13 de octubre de 2024
“Las rosas en el Arte”, libro de Theo Acedo Díaz
L.M.A.
13/10/24 .- Madrid.- La Naturaleza imita al Arte y a veces se funden y confunden. “Las rosas en el Arte” (Historia mínima), libro de Theo Acedo Díaz. publicado por la editorial Liber Factory, aborda el tema de la rosa, la reina de las flores, con mucha presencia en el arte. No hay más que pensar y citar al célebre cuadro
“Las rosas de Heliogábalo”, del pintor prerrafaelita Laurence Alma Tadema (1836–1912).
Pintado en 1888, el cuadro “Las rosas de Heliogábalo”, pertenece a la colección privada de Pérez Simón. Su asunto se basa en un episodio, probablemente inventado, de Heliogábalo, emperador romano (204-222), tomado de la Historia Augusta. Heliogábalo mandó arrojar por sorpresa tal cantidad de pétalos de rosas sobre los invitados a una de sus fiestas que algunos de ellos murieron asfixiados.
Otro grande a la memoria Pierre-Joseph Redouté (1759-1840), un dibujante y grabador de flores, entre las que no faltaban las rosas.
Pero no va por ahí el libro “Las rosas en el Arte”, con prólogo de Jacinto Gil Sierra, y preludio. va ilustrado con fotos en color de distintos pintores e ilustradores: Estrella Palomera, Antonio Luengo, Val Marchante, Antonio González, Antonio Alonso...
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Rosal de cien hojas (Redouté)
JULIO OVEJERO y CARLOS FRANCO, EN "ESTAMPA 2024", FERIA DE ARTE CONTEMPORÁNEO
Del 17 al 20 de octubre
L.M.A
13/10/24 .- Madrid.- Estampa 2024 Feria de Arte Contemporáneo abre sus puertas en IFEMA Del 17 al 20 de octubre. Julio Ovejero, artista consolidado, argentino residente en Madrid, se presenta este año mano en la Galería de Arte Montsequi (Madrid), en el stand 5A25 (IFEMA).
Recientemente expuso su obra pictórica en el Museo La Neomudejar (Madrid)
Este mes de octubre un nuevo encuentro con la creatividad, en otra edición de ESTAMPA 2024 promete ser una vez más, el espacio donde artistas consolidados, emergentes, se reunirán junto a sus galerías para presentar sus obras a todas las personas apasionadas del arte que se dan cita cada año y por supuesto, a los que acuden por primera vez.
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https://lamiradaactual.blogspot.com/search?q=Julio+Ovejero
Carlos Franco en Twin Gallery
Twin Gallery participa en la feria de arte contemporáneo Estampa 2024 con el artista Carlos Franco (Madrid, 1951), en la sección de pintura comisariada por Lorena de Corral.
El stand 5B34 exhibirá una selección de obras de distintas épocas y formatos, de técnica mixta; un recorrido antológico en el que, si no de una manera expositiva cronológica lineal, se muestre al espectador un repaso técnico y conceptual de su trabajo. Entre otras obras, el artista mostrará piezas de la serie Fábulas de Esopo que aún no se han expuesto en España:
"Personalmente, he ido entrando poco a poco en el género de las fábulas y la tradición narrativa. He podido constatar que este género contiene vestigios de las filosofías más antiguas de la humanidad, como las filosofías chamánicas. Eso desafía las tendencias ya pasadas, del siglo XVIII, sobre el pensamiento, que considera la lógica occidental como superior a otras formas de pensamiento que también aceptan la intuición. Enfrentado a la necesidad de investigar estos temas, me he encontrado con resoluciones que acortaron mi proceso creativo y que me han permitido desarrollar nuevas ideas, incorporando nuevas técnicas y tecnologías a la práctica pictórica. Por eso llamo a mi técnica, técnica mixta. Así como lo multicultural se compone de diferentes culturas, en mi propia cultura personal la práctica de la pintura es similar", explica Carlos Franco.
Julio Ovejero, artista visual
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