Victor Morales dirige el Curso de Verano sobre el Norte de África

L.M.A.



Victor Moralez Lezcano, profesor Emérito de Historia de la Universidad Nacional de educación a Distancia, UNED, dirige un Curso de Verano sobre el Norte de África en el Instituto Universitario General Gutiérrez Mellado, en Madrid. El curso, que tiene lugar entre el 6 y el 8 de julio de 2011, conlleva créditos para los asistentes. La coordinadora del mismo es Teresa Pereira Rodríguez.

En el curso se revisa el estado del conocimiento establece sobre el Magreb y Egipto a la luz de las sacudidas que viene sufriendo todo el norte de África desde hace meses. Persigue también incentivar el análisis sobre la imbricación entre pasado y presente en el marco de las sociedades arabo-islámicas de la región.

Entre las ponencias del curso: “Una semblanza geográfica del norte de África”, por el profesor Julio López-Davalillo Larrea, profesor de Geografía de la UNED; “Síntesis de Túnez contemporáneo: De la independencia (1956) a la caída del régimen de Ben Alí (2011). Túnez, la transición imprevisible hacia la democracia, por Mohamed Chaker Ouahada, diplomático e hispanista, e Ignacio Gutiérrez de Terán, arabista y profesor de la UAM.

Carmen Ruiz Bravo-Villasante, arabista y profesora de la UAM habló de “Egipto, motor y escenario de nuevos cambios”; Juan Ignacio Castien Maestro habló de “Libia: de una revolución a otra”; Víctor Morales Lezcano y Teresa Pereira, sobre “Marruecos, del protectorado a la independencia. Una aproximación a las relaciones hispano-magrebíes a través de fuentes orales” y Mohamed Chouirdi, hispanista de la Universidad Tetuán-Marruecos, sobre “El sistema político marroquí de hoy ante el proceso de cambios que exige la sociedad”.

El profesor Pedro Martínez Montávez, arabista, profesor de la UAM, hablará hoy sobre “El mundo árabe contemporáneo: una sucesión de crisis inacabadas. Finalmente una mesa redonda clausurará el curso sobre “Vuelta de manivela a la situación en el Mediterráneo a día de hoy”, con los distintos ponentes.


El profesor Morales Lezcano impartirá también una conferencia sobre “Esbozo razonado de los conflictos hispano-marroquíes” en otro Curso de Verano, sobre las relaciones de España con el Islam desde el 7011 al 2011, en el que participan las profesoras Pilar garrido Clemente y Laila Hilal, además de Octavio Uña Juarez y el cardenal Carlos Amigo Vallejo, entre otros.

El escritor libanés Elías Khourdy recuerda de modo conveniente: “Nadie tiene una sola idetidad”.

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Lope de Vega y el honor del Siglo de Oro en “El castigo sin venganza”

“El castigo sin venganza”
Lope de Vega
Teatro Alcázar. Madrid
Producción Rakatá
Julio 2011





Julia Sáez-Angulo




Frente a la banalidad del sexo en nuestros día, el Siglo de Oro consideraba máxima ofensa que una mujer perdiera su honra no siendo fiel a su esposo o prometido. Eso no obstaba para que los hombres tuvieran licencia moral y social para ser auténticos picaflores con las mujeres. Bien es verdad que distinguían las damas de las que no lo eran. Lope de Vega, nuestro Fénix de los Ingenios escribe una comedia con final cruel en “El castigo sin venganza”, que se representa en el Teatro Alcázar de Madrid, dentro de los Veranos de la Villa.

Da gusto ver a los autores clásicos en escena, tan ricos en gracia, humor, donaire, caballerosidad y dureza llegado el caso. La obra transcurre con humor, el público ríe y para nada se aguarda la tragedia. El montaje a base de troncos de árboles que lo mismo sirven para representar un bosque como las columnas del palacio del Duque de Ferrara es un acierto.

La obra reproduce el tema de la tragedia griega entre Fedra e Hipólito, llevado al teatro por Eurípides, Ovidio, Séneca, Racine... La juventud, la belleza, la edad y la soledad lleva a los amantes a consumar su amor, pero la verdad siempre aflora y se desencadena el destino de muerte. El “fatum” que destruye la ilusión del amor.

Lope parece inclinar su justificación y simpatía por el duque de Ferrar en lugar de hacerlo por su hijo el Conde, aunque su papel lo cuida en los diálogos con hermosas frases sobre el amor dentro del deseo y no consumación. La duquesa de Ferrara abre el tema al mencionarle al joven conde el nombre de Hipólito. Ya no hay dudas, todo va rodado por las circunstancias que llevan al precipicio, al amor consumado que ha de pagar su pena según el pensamiento del autor.

El duque de Ferrara no quiere venganza sino castigo de un mal que no puede quedar impune. La traición de una esposa y de un hijo ha de ser pagado, así lo requieren las moiras en la mitología griega, así lo exige el honor calderoniano que en este caso es lopesco.

El programa de mano cita a los actores Mario Vedova, Alicia Garau, Bruno Ciordia, Jesús Fuente, Alejandra Mayo, Rodrigo Arribas, Jesús Teissiere, Manuel Sánchez Ramos y Belén Ponce de León. No se especifican los papeles que desempeñan por lo que resulta confuso en las atribuciones para el gran público. Así no se favorece la identidad de los actores. La dirección es de Ernesto Arias, que ha hecho una buena labor de movimiento de actores. La voz de “Aurora” se perdía en algunos casos.

En suma, una obra que vale la pena ver porque es amena, divertida y dramática al mismo tiempo

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Benedicto XVI inaugura la exposición de 60 artistas “El esplendor de la verdad”

L.M.A.



Benedicto XVI inauguró ayer en el Vaticano la esposición “El esplendor de la verdad” un homenaje de sesenta artistas por sus 60 de ordenación sacerdotal. La muestra permanecerá abierta desde hoy, 5 de julio, hasta el 4 de septiembre próximo, en el atrio del Aula Pablo VI, según informa ZENIT.

En un espacio de unos mil metros cuadrados, el visitador encuentra obras de arte de sesenta artistas, relacionados a la misma cantidad de años del sacerdocio del Papa, sin un itinerario temático, sino en un seguirse de exposiciones y por lo tanto de sorpresas.

Son obras de arte que cubren las más variadas disciplinas: escultura, fotografía, literatura, arquitectura, dibujo, poesía, música, pintura, plástica y otros. Elaborados con materiales y técnicas diversas pero todos con aquella particularidad – no siempre común - que hace al arte digno de dicho nombre.

Entre los expositores diversos artistas españoles como Pedro Cano, Valentín Miserachs, Sidival Fila, Santiago Calatrava. Además estaban dos mexicanos: Leandro Espinosa y Gustavo Arceves, y el arquitecto brasileño Oscar Niemeyer

Entre los muchos italianos, la artista y directora emérita de la Escuela del Arte de la Medalla, Laura Cretara, realizó por ejemplo un bajorelieve en material color marfil: las estrellas confluyen hacia Jesús en la cruz pero ya resucitado, se transforman en un lienzo con el cual el samaritano ayuda a un necesitado.

“Estoy convencida – declaró a ZENIT la profesora – que los símbolos tienen la capacidad de hablar a los demás”. Y consideró que “este modo de abrirse a los artistas y hacerles trabajar reabre un diálogo importante para la Iglesia”.

El artista mexicano Gustavo Arceves consideró que "todo lo que sea levantar un dique contra la barbarie está bien”. El mismo creó con “corián lúcido” un mix de resina y aluminio, una representación de la Resurrección, una gran lápida blanca en la cual se rompe el lienzo y aparece parte del pie de Cristo, cuya herida del clavo es la medalla de San Benedicto, en honor del actual pontífice.

Entre los pintores, Pedro Cano, con un acuarela representó a un peregrino que entra en la Roma Eterna por uno de sus ingresos, la “Porta Maggiore”.

La familia Mortet, plateros y cinceladores desde hace cinco generaciones, crearon un sello timbre para Benedicto XVI. Esta familia de artesanos además realizó diversos cursos en Boliva, Ecuador y Perú, abriendo talleres y enseñando este oficio.

El escultor japonés Kengiro Azuma, que durante la Segunda Guerra Mundial fue kamikaze, presentó su escultura con una enorme gota de bronce; el artista africano Anatsui realizó una tela con tapas de botellas. Además de grandes obras, como la de Santiago Calatrava y su proyecto en gótico moderno atento a las exigencias ambientales para concluir la iglesia San Juan el Divino, en Nueva York.

No faltó la música con compositores de la estatura del maestro de la Capilla Sixtina, Bartolucci y Miserachs de la Capilla Liberiana, además del italiano Ennio Morricone con una composición escrita en forma de cruz en una partitura.

Al concluir su discurso el Papa saludó personalmente a todos los artistas y visitó cada una de las 60 obras expuestas: “El mundo necesita que la verdad resplandezca y no sea ofuscada por la mentira o la banalidad”.

Y que “el Espíritu Santo, artífice de cada belleza que existe en el mundo os ilumine siempre hacia la belleza última y definitiva, aquella que enciende nuestra mente y nuestro corazón y que esperamos poder contemplar un día en todo su esplendor”.

Sofía Tornero, escultora de “Emergentes” en la Galería Victor i Fils de Madrid

Exposición: “Emergentes”
Artista: Sofía Tornero
Lugar: Victor i Fills Art Gallery
Villanueva, 40. Madrid - 28001
Del 22 de Junio al 2 de Julio 2011






Julia Sáez-Angulo


La escultora Sofía Tornero (Abarán, Murcia, 1976) presenta su última serie de obras en la galería Victor i Fills de Madrid bajo el genérico título de “Emergentes”, que alude a una serie de personajes homínidos que salen y avanzan de cubos o bloques de resinas de poliester, hierro patinado, fibra de vidrio o barro cocido, jugando con ciertas apariencias o trampantojos de bronce o piedra. El color se hace presente con frecuencia en estas piezas a base de pigmentos naturales.

Sofía Tornero trabaja todas las escalas pero parece sentirse a gusto en los grandes formatos, no en balde ha llevado a cabo esculturas monumentales, como realizada en los Nuevos Juzgados de Mula (Murcia), titulada “Punto de Encuentro”. Es la primera mujer que se presenta en la citada galería Victor i Fils y eso le honra tanto a ella como al galerista.

La mujer cuenta hoy al 50 por ciento en las Facultades y Escuelas de Arte, pero no siempre se cuenta con ella en la misma proporción. Sofía estudió en la Escuela de Artes Aplicadas de Murcia y su carrera parece imparable, desde que recibiera el primer premio de Escultura Joven en la región.

La saga de escultoras en la historia del arte español mereció hace unos años una muestra retrospectiva “Escultoras del siglo XX. Re-existencias”, en el Espacio de Matadero y allí pudimos ver piezas representativas entre otras de Hortensia Núñez Ladeveze, Marisa Roësset, Elena Laverón, Esperanza D´Ors, Elena Asíns, Pilar de la Vega, Elvira Gutiérrez... “El sexo débil ha hecho gimnasia” que dijera un humorista. La escultura en España está hoy muy bien representada en grandes nombres como: Susana Solano, Cristina Iglesias o María Antonia Román Prado. Sofía Tornero se suma a esa respetada tradición con fuerza.



"Autodeterminación", "Vocación", "Firmeza", "Confianza", “Sencillez”, "Arraigo", Independencia” "Voluntad"... son algunos de los títulos de las obras que aluden a valores y virtudes de la condición humana. Una visión moral parece recorrer el concepto de todo este trabajo de 33 piezas expuesto por Tornero en Madrid. La obra es tan potente que quizás el montaje resulte ligeramente abigarrado. No olvidemos que la obra de arte necesita respirar y que lo bueno enseña más y mejor que lo mucho. Los almacenes y depósitos también tienen su función.


“Alma”, una pieza soberbia

Soberbia la pieza titulada “Alma” en hierro pulido con acabado lacado al horno, resina de polisester, fibra de vidrio y pátina de pigmentos naturales. (245 x 120 x 85 cms). Muestra a un hombre azul, casi un titán, que emerge de un paralelepípedo. El efecto es pasmoso y grandilocuente. El color se suma a la luminosidad de los colores minerales a base de cuidadas pátinas.

Sorprende la pieza “Devenir”, donde uno sus homínidos se aferra a una lata que contiene pintura roja en una ambigua alusión del color, que produce un cierta sensación dramática. La pieza es menos “clásica” dentro de la serie y parece acercarse a un elemento cotidiano del pop como es una lata abierta.

En la escultura cabe valorar dentro del proceso, casi siempre en equipo, los elementos de volumen, masa, densidad, luz, opacidad, pleno y hueco, brillo, mate... Sofía Tornero supera la prueba. Su escultura es hoy más cerrada que aligerada y el magisterio de Brancusi y Henry Moore –los dos grandes del siglo XX- laten con acierto detrás de su obra, el primero en la masa y el segundo en las posiciones de sus personajes.

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Casa de la Moneda: Segunda edición de “Tinta de Verano”

L.M.A.



El día 7 de julio en el Museo Casa de la Moneda se inaugura la
exposición “Tinta de Verano” en su segunda edición, que permanecerá abierta al
público hasta el 4 de septiembre. La muestra, un recorrido por los trabajos artísticos
(obra gráfica, grabados a buril, modelado de medallas, proyectos de monedas, diseño
creativo y óleos) realizados por los
alumnos de la Escuela de Grabado y
Diseño Gráfico de la FNMT-RCM,
deja ver la interrelación que se
establece entre las diferentes
disciplinas que se imparten en la
Escuela y los intereses artísticos de
los alumnos. Las obras, en su
mayoría gráficas, superan con
mucho la calidad de meros ejercicios
académicos y reflejan la visión que
cada uno de estos jóvenes artistas
tiene de la realidad en que vivimos.

La Escuela de Grabado y Diseño Gráfico


Empezó a funcionar en el curso de 1990-1991 con la finalidad de garantizar la
transmisión del arte del grabado calcográfico y de moneda a las nuevas generaciones.
Estas artes seculares son la base de algunos de los productos más tradicionales de la
FNMT-RCM: las monedas, los sellos de correos y los billetes de banco. Además del
conocimiento de las técnicas tradicionales, los alumnos reciben formación de primer
nivel en las más modernas herramientas del diseño gráfico y, finalizados sus
estudios, se han convertido en auténticos artistas capaces de grabar como se hacía en
el siglo XVIII y de diseñar como se hace en el XXI.
Con el fin de mejorar y dar
soporte oficial a las disciplinas que
imparte la Escuela de Grabado y
Diseño Gráfico, en marzo de 2010 se
firmaba un acuerdo de colaboración
con la Universidad de Castilla-La
Mancha, que unía la tradición y el
conocimiento de la FNMT-RCM en
materia gráfica y de grabado de
moneda con la experiencia de la
UCLM en el desarrollo de planes de
estudio y su saber en materia
pedagógica. El resultado ha sido la
creación del Máster en Medios de
Impresión Gráfica, Ilustración y
Acuñación Artística, que ha empezado a funcionar en el curso 2010-2011.

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CUENCA, “SOBRE PAPEL. OBRA GRÁFICA EN LA COLECCIÓN DE LA FUNDACIÓN JUAN MARCH”

L.M.A.




Desde el próximo viernes 8 de julio y hasta el 9 de octubre, el Museo de Arte Abstracto Español, de Cuenca, ofrece la exposición SOBRE PAPEL. OBRA GRÁFICA EN LA COLECCIÓN DE LA FUNDACIÓN JUAN MARCH, una selección de grabados procedentes de los fondos de la colección de obra gráfica y libros de artista de la Fundación Juan March (www.march.es, también en Facebook y Twenti). En ella están presentes algunos de los artistas –como Eduardo Chillida, Antoni Tàpies o Luis Gordillo–, cuyas obras forman parte de la colección de arte español contemporáneo expuesta en el museo.


Los inicios de la colección de obra gráfica de la Fundación Juan March son paralelos al nacimiento del Museo de Arte Abstracto Español, de Cuenca. Desde su creación en 1966, su fundador, Fernando Zóbel, un apasionado del grabado, el libro ilustrado y las técnicas gráficas, convirtió el museo en un centro impulsor de la obra gráfica en sus diferentes variedades técnicas: el museo editó y coleccionó desde muy pronto grabados, serigrafías o libros de artista, entre otros, y en torno a él se movieron nombres tan relevantes para la gráfica española contemporánea como Abel Martín, Eusebio Sempere o Antonio Saura. Desde 1980, la Fundación Juan March, heredera del legado de Zóbel, ha continuado la labor por él iniciada y ha seguido editando y coleccionando obra gráfica original; fruto de ambos trabajos son algunas de las obras presentadas en esta exposición, intencionadamente reducida y que tendrá continuidad en el futuro.

La muestra exhibe algunas obras producidas a mediados de los 60 y los 70 (carpetas, porfolios, libros de artista), cuando el acceso a algunas obras producidas a mediados de los 60 la obra gráfica original de unos artistas prácticamente desconocidos para el gran público constituía aún una reducida novedad. Se trata de un total de casi 80 obras –entre serigrafías, litografías, aguafuertes y collages– de más de una docena de los artistas más relevantes de aquellos años. En muchas de las piezas se advierten los signos de un género trabajado de modo experimental. En la exposición, como en la colección del museo, se refleja el espíritu de una generación de artistas que vivió sobre todo en el contexto del informalismo y la abstracción, y los paralelismos entre su obra gráfica y el total de su producción artística son tan claros como sugestivos.

Los artistas representados muestran aproximaciones a la obra gráfica diversas entre sí. En algunas obras es obvio el interés que despertó en sus autores la literatura, clásica y contemporánea: Antonio Saura ilustra un texto de Quevedo y acaba recreando el universo particular de ambos, poblado por personajes más o menos monstruosos y caricaturescos; Antoni Tàpies establece complicidades con el polifacético poeta visual, dramaturgo y agitador cultural Joan Brossa, escribiendo e ilustrando una novela a cuatro manos a partir de los secos documentos oficiales de la época. Otros, como Chillida, Feito, Guerrero, Hernández Pijuan, Millares o Sempere, utilizan el texto como acompañamiento a unas imágenes en las que prima la frescura del trazo y la plasticidad de la pintura sobre la plancha de grabado.

En su afán por conseguir objetos que se entiendan como un todo artístico, los artistas, especialmente Chillida, Millares, Tàpies o el propio Rivera –que se atreve directamente con la escritura y monta un libro en étalon– conciben las mismas carpetas que contienen materialmente su producción gráfica como un medio de expresión con un valor artístico sustantivo, que pone de manifiesto la relación directa e imprescindible entre artistas y editores.






ARTISTAS EN LA EXPOSICIÓN:
Chillida, Eduardo (1924 - 2002),
Feito, Luis (1929),
Gordillo, Luis (1934),
Guerrero, José (1914 - 1991),
Hernández Pijuan, Joan (1931 - 2005),
Millares, Manuel (1926 - 1972),
Palazuelo, Pablo (1916 - 2007),
Rivera, Manuel (1927 - 1995),
Saura, Antonio (1930 - 1998),
Sempere, Eusebio (1923 - 1985),
Tàpies, Antoni (1923),
Torner, Gustavo (1925),
Zóbel, Fernando (1924 - 1984).

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Clara Janés escribe un libro de viajes sobre Turquía, India y Japón

“Viaje a los dos Orientes”
Clara Janés
Editorial Siruela
Madrid, 2011 (178 pags.)





Julia Sáez-Angulo



Viajar es abrirse al conocimiento y hacerlo a Oriente viene a ser como un retorno al origen de la sabiduría del hombre. Oriente Medio y Extremo Oriente; la escritora y poeta Clara Janés (Barcelona, 1940) ha asumido los dos en su libro “Viaje a los dos Orientes”, publicado en la colección “El Ojo del Tiempo” de Siruela. Turquía, India y Japón merecen pequeños capítulos y ensayos en el volumen de bolsillo.

Cada viaje tiene su mirada y cuando esta pertenece a una autora atenta como Janés, se llena de observaciones y reflexiones de enjundia, llenas de amenidad y causantes de más de una sorpresa. El “Viaje a los dos Orientes” de esta escritora está no solo descrito como visión geográfica sino también trufado de arte, literatura, paisajismo y costumbrismo. La versión poética en la prosa no podía faltar.

El libro está dividido en tres partes: Los caminos de la luz; Piedras, formas, nexos, y El primer viaje. “Dado que la Tierra es redonda y Oriente es el “punto cardinal del horizonte por donde aparece el Sol en los equinoccios” (según el Diccionario de Casares), todos sus espacios parecen revestir la condición de Oriente”, dice Clara Janés.

“Ahora bien, Oriente puede ser también un lugar interior, aquel que nos “orienta” aquel que nos inspiró al filósofo persa del siglo XII Sohravardi las palabras: “A los errantes que llaman al portal de las altas salas de la luz con verdad y firmeza de corazón, van a buscarlos los ángeles de Dios y los atraen al Oriente de las Luces, los saludan con saludos del mundo de Malakur (esfera del alma) y derraman sobre ellos un agua que brota de la fuente de la Belleza”, recuerda la autora.

Clara Janés nos enseña a viajar, a mirar no sólo con los ojos sino con el alma y el corazón. Detrás de la realidad visual se esconde otra realidad espiritual más profunda que cala en el visitante con más fuerza si va más allá que como simple turista de paso rápido y foto para el recuerdo.

Los títulos de los capítulos de “Viaje a los dos Orientes” son sugerentes antes de leer: Jardín turco; El rapto de los sentidos” El Perfume; Mujeres sin miedo; La labor de Solimán; Cientos de cascabeles... en lo que a Turquía e India se refiere. Los paseos de Kafka; Cementerio judío; Los saltos y piruetas de Milán; Sicilia, dos caras de paisaje mediterráneo; Moscú, el corazón de la nieve... en una variedad de lugares de Europa.

Finalmente en el referido a Japón: La debilidad del agua; El mundo flotante; Escribir con el gesto; El “koto” y la sombra; Yamatu... No sólo se disfruta el libro por lo que la escritor aporta, sino por el contraste con nuestra propias apreciaciones respecto a los lugares en que también estuvimos. Dos visiones de escritora y lector; de Oriente cercano y Oriente lejano. La sagacidad de Clara Janés se muestra en un todo poético de visión y pensamiento

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JORGE EDWARDS, GANADOR DEL PREMIO GONZÁLEZ-RUANO DE PERIODISMO

L.M.A.



El Instituto de Cultura de FUNDACIÓN MAPFRE ha concedido el premio González-Ruano de Periodismo a Jorge Edwards, por su artículo La serpiente de san Miguel, publicado en los diarios La Segunda (Santiago de Chile) y El País (Madrid), el 11 y 15 de junio de 2010, respectivamente.

El galardón, de carácter anual, está dotado con 30.000 euros y una escultura original de Venancio Blanco. El jurado que ha participado en esta XXXVI edición ha estado compuesto por Alberto Manzano (Presidente), Pablo Jiménez Burillo (Vicepresidente), Manuel Alcántara, Nélida Piñón, Juan Fernández-Layos, Darío Jaramillo, Vicente Verdú, Ignacio Camacho (ganador de la convocatoria del año 2007) y Daniel Restrepo (Secretario no Vocal).

Jorge Edwards (Santiago de Chile, 1931) es escritor y periodista. En la actualidad es el Embajador de Chile en Francia. Ha recibido, entre otros galardones, el Premio de las Letras de la Fundación Cristóbal Gabarrón (2009); Premio Planeta-Casa de América (2008); Premio Miguel de Cervantes (1999); y Premio Nacional de Literatura de Chile (1994).

Entre sus obras, que han sido traducidas al inglés, francés, alemán, portugués, italiano, rumano, holandés, griego y noruego, destacan títulos como “El peso de la noche”, “Persona non grata”, “Los convidados de piedra”, “Adiós, Poeta”, ”El museo de cera”, “El inútil de la familia” y la más reciente, “La casa de Dostoievsky”.

Jorge Edwards ha recibido las condecoraciones Caballero de las Artes y de las Letras y la Legión de Honor de Francia. Asimismo, ha desarrollado una intensa labor diplomática desde el año 1957 y ha sido profesor visitante en diversas universidades estadounidenses y en la Universidad Pompeu Fabra en Barcelona

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“Absalón, Absalón! de William Faulkner, un clásico de gran influencia en los narradores latinoamericanos

¡Absalón, Absalón!
William Faulkner
Traducción y posfacio de Miguel Martínez-Lage
Ediciones Verticales
Barcelona, 2011 (511 pags)




Julia Sáez-Angulo


Es el escritor que más ha influido en los llamados escritores del denominado boom latinoamericano, creado por Carlos Barral como marketing literario. William Faulkner (Estados Unidos, 1879 – 196) es un narrador extraordinario, fabulador de un mundo y un condado, el de Yoknapaupha, en el que situará a sus personajes. “¡Absalón, Absalón! (1936), una de sus novelas más célebres acaba de ser publicada por Ediciones Verticales en una nueva traducción de Miguel Martínez-Lage, alabada por Álvaro Pombo.

A partir de Faulkner, los escritores como Ernesto Sábato y Juan Carlos Onetti crearon igualmente sus propios territorios: Comala y Santa María, que les darían una libertad de ubicación a las criaturas nacidas de su imaginación y de su arte de escribir. Los escritores del boom fueron por antonomasia, Gabriel García Márquez y Mario Vargas Llosa, ambos reconocedores de la influencia del norteamericano.

El escritor peruano Vargas Llosa llegó a decir: “El primer libro que leí de Faulkner, lo recuerdo muy bien, fue “¡Absalón, Absalón!”, en 1953. De inmediato me impresionó su genio. Creo que sólo entonces descubrí la importancia de la forma en la Literatura”. Todo un programa docente para los escritores que deseen narrar historias.

“¡Absalón, Absalón!” narra la terrible historia de un padre que desea tener hijos y acaba siendo destruido por aquellos. La referencia bíblica del personaje late detrás. El autor divide el territorio de Yoknapaupha en dos partes verticales con el ferrocarril por medio. Veintisiete lugares definidos en este mapa imaginario del condado serán los asignados por el autor para mover a sus personajes como fichas de ajedrez.

Obra prolífica


Otras obras célebres de Wiliam Faulkner son: La paga de los soldados, Soldiers' Pay, 1926); Mosquitos, (Mosquitoes, 1927); Sartoris (1929); El ruido y la furia, (The Sound and the Fury, 1929); Mientras agonizo, (As I Lay Dying, 1930); Santuario, (Sanctuary, 1931) Luz de agosto, (Light in August, 1932); Pilón, (Pylon, 1935); Los invictos, (The Unvanquished, 1938); Las palmeras salvajes, (The wild palms - If I Forget Thee Jerusalem, 1939); El villorrio, (The Hamlet, 1940); Desciende, Moisés, (Go Down, Moses, 1942); Intruso en el polvo, (Intruder in the Dust, 1948); Requiem para una mujer (Requiem for a Nun, "Requiem para una monja", 1951; Una fábula, (A Fable, 1954); La ciudad, (The Town, 1957);y La mansión, (The Mansion, 1959); La escapada o Los rateros, (The Reivers, 1962) y Banderas sobre el polvo (Flags in the Dust, 1973).


También tiene escritor numerosos libros de relatos, ensayos, poesia, guiones de cine y adaptaciones. Una obra muy prolífica para un autor que renunció a salir a la palestra pública y prefería el refugio de su casa. Una buena biografía de este hombre sería muy interesante para conocer sus movimientos reservados.


“La decimocuarta imagen” es el título del posfacio de Miguel Martínez-Lage, un amplio e interesante estudio del libro y el autor, situado a final del volumen. “El estilo de Faukner se parece más que nada a los vagidos y sacudidas incontenibles con que pugna el magma terrestre por aflorar desde lo más profundo, e incognoscible, a la superficie”, dice el traductor.

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Alfonso Arteseros publica “España en mi memoria”, libro crónica del siglo XX

“España en mi memoria”
Alfonso Arteseros
Editorial “La Esfera de los Libros”
Madrid, 2011 (279 pags)




Julia Sáez-Angulo

Es un hombre popular en el mundo de la televisión. Alfonso Arteseros Madrid, 1946) trabaja actualmente en Intereconomía y sus programas ganan una audiencia notable por su buen saber hacer. “España en la memoria” ha sido seguido por miles de teleespectadores, eso ha hecho que le pidieran esas memorias de su vida y sobre todo de sus archivos para plasmarlas en un libro publicado Por La Esfera de los Libros, que fue presentado en loor de multitudes en el Teatro Victoria de Madrid.

El autor ha dado un ligero quiebro al título del libro respecto al programa, insertando un “mi memoria”, en lugar de “en la memoria”. Lo subtitula “Una crónica cotidiana y sentimental de la España del siglo XX” y lleva un prólogo del sociólogo Amando de Miguel, buen amigo suyo.

Entre los apartados del libro figuran: Historia del Alabardero; Ramón Serrano Suñer; La emoción de tres vencidos; Maquis, partidas y contrapartidas; El superior al que amenazó Tejero; La banda sonora de la vida de nuestros padres; Recuerdos de aquel cine; Cuando el pan blanco era un tesoro; Los humildes servidores del Caudillo; La memoria yeyé; La lavadora, los ultramarinos, el super y otras; Memoria del Deporte; 20 de diciembre de 1973; Payasos para la historia; El prsidente ganguista; Dos escritores andaluces; El toro de la memoria, e Imágenes santas.

Lo mejor de Arteseros son sus imágenes y registros sonoros que avalan todo lo que dice y escribe. Es un hombre con memoria prodigiosa, amena, irónica y cáustica en ocasiones. El reconocimiento a Teresa y a su hijo es una realidad que se plasma en la dedicatoria del libro. Un hombre familiar y lleno de amigos, como se demostró en la multitudinaria presentación del ejemplar. Ignacio, el de los Pequeniques , puso música en la memoria del acto.

Amando de Miguel dice que le gusta el libro porque no tiene género determinado, “libro de memorias pero también una galería onomástica de celebridades, una recopilación de insólitas entrevistas, a veces un ensayo sobre la vida cotidiana de los españoles. Quizás pretenda ser sólo un reportaje icónico. Es sobre todo un libro de nostalgias y un trabajo intelectual porque ayuda a pensar. Puede resultar polémica su posición de desmitificar algunos sucesos historicos...”

Lo cierto es que el libro se lee con amenidad, con gusto. La ilustración que lleva de fotos antiguas como testimonio de lo expuesto es una narración elocuente del pasado. Los personajes se suceden, desde el general Lister y el ciclista Bahamontes, a Rafael Alberti, Miguel Gila, Rosa Chacel, Juanita Reina o José Luis Coll... “España en mi memoria” guarda un intenso aroma del pasado hecho presente a través de los recuerdos de este periodista y veterano experto en la música. Un libro que se disfruta en el presente porque evoca el pasado inmediato

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Concha Márquez y Pedro García exponen en el Museo de las Escuelas de Luzón

Julia Sáez-Angulo




Concha Márquez y Pedro García, pintora y escultor respectivamente, exponen sus obras en el singular Museo de las Escuelas de Luzón (Guadalajara), dirigido por Javier López Erguido. La inauguración corrió a cargo del alcalde de Luzón, un hombre joven al frente del consistorio que vela por la conservación y belleza del recinto del pueblo, rodeado por los Hitos del Rodenal, un conjunto espléndido de esculturas monumentales al aire libre, donadas por los artitas tras el dramático fuego que quemó el bosque hace unos años. la exposición permanecerá abierta hasta final del verano de 2011.

Para López Heguido “En Luzón estamos orgullosos, no sólo de la belleza del pueblo como conjunto escalonado y armónico que todos los visitantes alaban, sino de los Hitos del Rodenal que nos circundan con una soberbia colección de esculturas al aire libre, de artistas procedentes de diversos lugares de España y del extranjero”

“Además tenemos el particular Museo de las Escuelas, que paulatinamente se va haciendo célebre por su testimonio singular como lugar docente para los niños de mediados del siglo XX. Los objetos que allí se conservan son un despliegue del aroma de otros tiempos”, añade. Una evocación entre ácida y nostálgica de los años 40 y 50 en la docencia rural de España.

Luzón también cuenta con una interesante Capilla de los Escolapios, de estilo neogótico, bajo la advocación de la Inmaculada Concepción. En el exterior de la misma figura una escultura de Linda de Sousa, titulada “Transparente”, en la que una mujer se abraza a una piedra y lucha por subir y vencer las dificultades.

Concha Márquez, bien conocida en la zona donde ejerce la docencia de la pintura, presenta una exposición retrospectiva de las últimas dos décadas, por lo que su obra abarca todos los momentos y estilos de su trayectoria, desde el realismo de cuadros como “Todavía hay esperanza”, hasta la figuración más hermosa y deshecha en el cuadro titulado “Melancolía”. El paisaje y las marinas dominan su figuración. Muy interesante el “Bosque en otoño”, un paisaje alargado donde los troncos de los árboles son los protagonistas en su suelo ocre. También “El parque”.

Su cuadro con cabezas de niños “¿Protegeréis la tierra para nosotros, verdad?” (114 x 196 cm.) es un cuadro que representa cabezas de niños de distinta procedencia y color, cuadro cedido a la UNESCO, en los derechos de autor por parte de la pintora, para reproducir en sus tarjetas y carteles. Concha Márquez cuenta con una Fundación que lleva su nombre.

Pedro García presenta sus esculturas en vidrio laminado en las que juega con la pureza, la transparencia y la mancha. La exposición llva el nombre de “Incluyendo la vida... proyectando la luz”. Al autor le gusta atrapar objetos y formas en el interior del vidrio para sugerir al espectador la permanencia de las cosas: helechos, “rodaballo”... El juego de las texturas añade misterio a las piezas. Muy elegante la obra titulada “Cabeza de león” o la denominada “Silla”. Más ornamental la titulada “Duende”, un guiño simpático al art-nouveau y casi un móvil la denominada “Touché”.

El escultor es ciertamente un maestro del vidrio, con una Casa Museo El Bosque en Villaviciosa de Odón. Pedro García tiene obra en el Museo del Vidrio de Alcorcón (Madrid).

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Beatiz Cunha, escultora portuguesa y el “Corazón” de la Humanidad

Julia Sáez-Angulo




La escultura portuguesa Beatriz Cunha (Lisboa, 1959) ha sido una de las artistas seleccionadas para el VIII Arte Pública, que ha tenido lugar en la ciudad de Sintra. Su obra ha interpretado un gran corazón orgánico en mármol rojo, titulado “Corazón de Titán”. “La pieza representa el motor y la maquinaria de energía del cuerpo humano y por tanto de toda la humanidad”, declara la artista.

“En el seguimiento de mi trabajo sobre la condición humana, escogí el corazón, organo del cuerpo que tiene mayor importancia en un campo magnético mayor que el cerebro, para representa al “hombre” en el mundo”, explica la escultora.

“El corazón tiene, en la cultura de la humanidad, varios simbolismos: motor de bombear la sangre en las visiones mecanicistas del cuerpo pero también amor, coraje, emoción, compasión y fuerza. Es sinónimo de vida y de las fuerzas vitales que nos rigen”, añade.

“Por otra parte, los titanes, divinidades primitivas, tal vez de remoto origen oriental, están ligados a ritos agrarios. Esta connotación con los elementos de la naturaleza en la mitología griega, atribuye a los titanes el origen de la parte terrestre, o material de los seres humanos. Los titanes eran los doce hijos de los primitivos señores del universo; Gaia (la Tierra) y Urano (el Cielo), que darán origen a los conocidos dioses del Olimpo. Ellos, los titanes, son la representación de lo que ha demás esencial en nosotros de la naturaleza a la cual pertenecemos”, concluye Beatriz Cunha.

La escultora tiene instalado su taller en uno de los habitáculos del Centro Internacional de Escultura, situado en Odrinhas y dirigido por el escultor Moisés Preto Paulo. Su obra es fundamentalmente abstracta, con la espiral como forma de horadar e investigar la piedra hasta el propio corazón de la misma.
“La concepción de mis piezas parte de la observación y de la abstracción de las relaciones que se establecen entre fenómenos tan diversos como la fertilidad de la naturaleza, los objetos de construcción humana, la Historia del Arte o de la Música. Es un trabajo íntimo que busca integrar fuerzas en conflicto y que conduce a la transmutación de las partes en un todo que las trasciende. La forma guarda la memoria de la evolución de una condición a otra, en un proceso de transformación que es personal, natural y cultural”, explica Beatriz Cunha, una escultora que estudió en la Universidad de Nova Lisboa y que comenzó a exponer su trabajo artístico desde los años 90.

Más información:
www.beatrizcunha.net

Poemas para el mes de Julio

DUDA


No recuerdo fuese triste

el rumor del viento en aquel día;

ni recuerdo fuera alegra

la bruma espesa, que me envolvía



No recuerdo fuera triste

la calle blanca, en la que vivía;

ni recuerdo fuese alegre

el ardor del fuego, en que yo ardía



No recuerdo fuese triste

el grito bronco de mi alegría;

ni recuedo fuera alegre

esa nostalgia, que me invadía.



No recuerdo si fue triste

aquel momento de mi vida,

¿y si acaso fuese alegre?,

¿o es tan solo melancolía?



Benito de Diego González

***

De pronto, el mundo se desplegó
desde mi balcón ajimezado
hasta el huerto del Príncipe,
galopó por el valle, atravesó el río,
subió a la montaña y descendió
hasta la mar océana.
Allí embarcó en naves,
que avituallaron en islas lejanas
para alcanzar un Nuevo Continente.

El mundo dejó de ser balcón
huerto, valle, río, montaña...
El mundo se hizo mar, ancho mar,
pleamar...

La vida se hizo aventura;
América entró en los sueños de los hombres.

Julia Sáez-Angulo
Sintra, 28 de junio de 2011

***


Vestidos de blanco como las gaviotas que anidan

inquietas en cualquier rocal, éramos testigos de aquel

espectáculo sin par sin saberlo.

El sol se esconda por el horizonte mirando hacia Hendaya

y el eco llegaba pleno de sirenas de barcos que entraban

en los patalanes de Fuenterrabía.

El monte era rojo, el mar y nosotros éramos la vida y los rayos

rojos fundían dorados sobre nuestras ropas.

De blanco vestidos y los pies calzados con tenis de nieve

el ocaso en rojos, malvas y naranjas, dorado en el monte

llegó a bendecirnos...

Éramos testigos de aquel espectáculo sin par, sin saberlo

y durante años fuimos notarios de esa maravilla



María Fraguas




OPOSTOS



Amamo-nos como iguais

No desalinho das auroras

Na sorte uivada da posse apetecida

Boca

Corpo

Sexo

Vida

E esta vontade de ser

No teu sangue

Só o fogo que me queima.




Edgardo Xavier

in "Corpode Abrigo"

Temas Originais, 2011



Opuestos


Nos amamos como iguales

En el desaliño de las auroras

En la suerte aullada de la posesión apetecida

Boca

Cuerpo

Sexo

Vida

Y esta voluntad de ser

En tu sangre

Solo el fuego que me quema


(Traducción Linda de Sousa)

Sintra, Arte Pública VIII: 16 escultores sobre “Un hombre, Un mundo”

Julia Sáez-Angulo



Bajo el lema “Un hombre, Un mundo”, la ciudad portuguesa de Sintra ha convocado su VIII convocatoria de Arte Pública para los escultores en piedra, dado que Portugal es una rica y variada cantera de vetas pétreas, entre otras en peculiar y célebre “mármol rosa de Portugal”. El escultor Moisés Preto Paulo, director del Centro Internacional de Escultura, ha sido el curador de la muestra, inaugurada por Lino Ramos, concejal de Turismo de la ciudad de Sintra, declarada patrimonio de la humanidad por la UNESCO.

Las esculturas, que permanecerán expuestas en la ciudad, al pie del palacio Nacional de Sintra durante un año, hasta la siguiente convocatoria que serán sustituidas por las nuevas, son obra de Abilio Febra (Portugal), Auli Coronen (Finlandia), Beatriz Cunha (Portugal), Nicolau campos (Portugal); Carlos Bajouca (Portugal), Moisés Preto Paulo (Portugal), María José Letras (Portugal), Livio de Maraes (Mozambique), Diogo Rosa (Portugal), Felipe Curado (Portugal), José Plácido (Portugal), Manuel Pinto (Portugal), Arlindo Arez (Portugal), Élio Oliveira (Portugal), Linda de Sousa (España) y María Kramar (Alemania). La galerista y también curadora de exposiciones, Lurdes Ferreira actuó como madrina del grupo.

El mármol, la piedra caliza y los acompañamientos del hierro o el acero son los materiales que integran estas obras de la tercera dimensión y que han traducido el lema en diferentes personajes que van desde el Cristo de María José Letras, como “el Hombre-Dios que más ha influido en la humanidad”, hasta la feminista “Carolina Beatriz Angelo”, la primera mujer portuguesa que exigió votar ante la magistratura,interpretada por Linda de Sousa, pasando por la Condesa de Edla, de Moisés Preto, Eça de Queiroz de Campos; Fernando Pessoa, de Oliveira o Hangari Mathai, una mujer keniata que lucho por los derechos en su país, de Livio de Morais.

Beatriz Cunha, una escultora de acendrada trayectoria en el mármol, con una obra abstracta en la que domina la espiral, el roleo y la curva, ha optado en esta ocasión por un gran corazón humano, que guarda la forma orgánica incluso en color rojizo de la piedra elegida. Para ella representa el órgano que transmite la energía para vivir y trabajar a los hombres y por tanto a toda la humanidad”.

“Las palabras sagradas sólo pueden ser escritas en piedra”, dice Moisés Prieto en el texto del catálogo. Ciertamente la piedra tiene una vocación de permanencia y de eternidad para la obra de arte y recuerda el origen sagrado de la escultura, proveniente del tótem de las primeras culturas de los hombres.

La exposición contó con la presencia de diversos artistas, especialmente portugueses, entre ellos la escultora española Amparo Ruiz de Ayllón, que participó en el certamen de 2010 con una escultura que representaba una Menina con un abanico en forma de peces. La obra figura hoy en un jardín privado. También estuvo en el acto el artista español Juan Jiménez, dibujante y fotógrafo.

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Pablo Reviriego, Exposiciones en Piedrahita y el Torreón de los Guzmanes

Pablo Reviriego
Acuarelas
Torreón de los Guzmanes
Diputación de Ávila
Plaza corral de las Campanas, s/n
Ávila





L.M.A.


Se pude decir sin vacilar, que este año 2011 ha sido el del artista acuarelista Pablo Reviriego (Santa María de Berrocal. Ávila, 1948). Además de sucesivos galardones por su pintura, entre ellos el de la Asociación Nacional de Pintores y Escultores, el pintor ha llevado a cabo diversas exposiciones, algunas incluso como comisario en la sala ExpoMetro, titulada “20 Pintores unidos por la Acuarela”.

Actualmente muestra sus obras en dos exposiciones en su tierra natal, Ávila: una en el histórico pueblo de Piedrahita y, otra, en el Torreón de los Guzmanes, de la Diputación Provincial.

Las acuarelas de Pablo Reviriego, de gran refinamiento, se detienen principalmente en los paisajes y marinas, recreándose en tierras, horizonte, mar y celajes. El pintor domina por igual la mancha abstracta y generosa, donde el color se abre con un protagonismo decisivo, que la acuarela dibujístca, donde el trazo y la línea se hacen protagonistas.

Los registros en el paisaje van desde los densos “Humedales” a las visiones cósmicas, pasando por las tierras de Castilla, En cuanto a las marinas, el pintor ha representado las vistas de Venecia –todo un clásico de la tradición pictórica- a escenas poéticas de barcas varadas.

Los árboles, las tierras, las nubes, las casas o chozas, las piedras, el agua, la arena, las rocas, las puestas de sol, las caídas silenciosas de poniente... son motivos continuados en el arte de la pintura al agua a la que Pablo Reviriego se ha consagrado por entero desde hace décadas. Una maestría acendrada por los años.

Las escenas taurinas son otro campo cultivado por Reviriego, como buen aficionado que es a la fiesta. Sus tauromaquias son un buen acicate para los coleccionistas del género.

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CRISTÓBAL COLÓN. DIFERENCIAS EN LOS ANÁLISIS A HECHOS ACAECIDOS.

Joan Oliver i Torrents



En mí escrito anterior en el blog LA MIRADA ACTUAL, de 1 de junio 2011 CALIFICATIVOS DADOS A CRISTÓBAL COLÓN, comente varios calificativos dados al Almirante con los que no estaba de acuerdo.

Hoy quiero comentar algunas valoraciones o enjuiciamientos de Salvador de Madariaga a unos hechos concretos del Viaje de Descubrimiento. Podría ampliarlo a otros biógrafos cuyos análisis son parecidos, en su visión, a la hora de enjuiciar al Almirante.
Para ver la distinta vara de medir, baste este ejemplo que expondré.

Indicar que admiro la obra de Salvador de Madariaga en Cristóbal Colón. La obra es muy completa e intensa y me ayuda a adquirir conocimientos del nauta.
No enjuicio su saber, su trabajo, su obra. Todo lo contrario, es magnífica. Veo al Almirante con otro color.

Deseo mostrar, con unos hechos concretos, la verdad dada a la personalidad formada, poco a poco, del Almirante. Con la historia fabricada tenemos un personaje paralelo y percibido con perspectiva negativa Se juzgan sus hechos bajo un prisma ya viciado, y, consecuencia de ello, nos encontramos con un hombre de cuna elaborada, naturaleza varia y personalidad hecha al dictado de interesados en el Descubrimiento, de antes y después del mismo.

Veo poca verdad y poca imparcialidad. Por ello, aunque se no gustaran mis comentarios, paso a escribirlos con la única intención de aportar algo de luz en la persona que cambio la historia de nuestro mundo Tierra, Cristóbal Colón.

Sabemos que La Pinta se separo, en una insubordinación de Martín Alonso Pinzón, para explorar la mítica isla de Babeque y hacerse con las riquezas que en ella pudiera encontrar.

Esta huída nos la explica y enjuicia así:

“… decidió tomarse unas vacaciones combinando el placer con el negoció. Como ahora se verá.
Apoyan esta conclusión los cuatro hechos siguientes: a) Martín Alonso se fue a Bebeque, luego a Haiti, o “Cipango” (más tarde conocida por la isla Española), a donde también Colón se dirigía, y por lo tanto, precedió a Colón pero no se separó de él; b) descubrió un río al que dio su nombre, buscando alivió para la represión de su personalidad que Colón le imponía; c) halló mucho oro, lo compró con menudencias según la costumbre “cristiana” y dio la mitad a la tripulación quedándose con la otra mitad para sí: d) envió a Colón varios mensajes, y al no recibir respuesta, se hizo a la vela para salir a su encuentro, siendo así que, llevando la carabela más rápida, podía haberse vuelto a España sin él” (*)

La interpretación y justificación que hace Don Salvador, de la deserción de Martín Alonso Pinzón, no me parece correcta: 1) No eran vacaciones, ni combinación de placer con negocio. Abandonó sus obligaciones sin justificación posible. Fue a coger el oro que un indígena le había informado encontraría en la isla de Bebeque. 2) Se separo de Colón, sin su permiso, que era el único que podía autorizarle. 3) Al descubrir el río le dio su nombre. No tenía potestad para ello. La autoridad máxima era del Almirante y los nombres los ponía él. Peco de orgullo y demostró su no aceptación hacía Colón. Madariaga lo justifica, una vez más, con “buscando alivió para la represión de su personalidad que Colón le imponía”. C. Colón era el Almirante y a Pinzón le correspondía obedecer, no buscar alivió. 4) Halló oro en tierras que no eran suyas quedándose, Martín Alonso Pinzón, la mitad repartiendo la otra parte entre la tripulación. No podía hacerlo. Ninguna fuente oficial lo castigo ni los cronistas se lo han recriminado. Hurto a los RRCC y a Colón. Su intención era quedárselo él y los marineros, por ello el reparto. 5) Al pensar en el regreso se dio cuenta de que no le era posible. No sabía la ruta de vuelta –la de ida no le permitía la vuelta a España- y no le quedó otra opción que regresar junto al nauta, motivo del reagrupamiento. No podía volver a España sin la ruta de Colón, ruta que también inauguro el Almirante.


Continuemos leyendo y comentando:

“después de medio día ventó Leste recio, y mandó subir un marinero al tope del mastel para mirar los bajos, y vido venir la carabela Pinta con Leste a popa” Como no había cerca buen sitio donde surgir, decidió desandar diez leguas atrás. Sin duda se daba cuenta de que era imposible emprender viaje a España sin haber tenido una explicación completa con Martín Alonso. Desde luego, sus temores más graves se habían desvanecido: Martín Alonso no le había hecho traición, ni adelantándose hacia España, ni quedándose en Española para robarle el oro. Se había tomado unas vacaciones y volvía a ponerse bajo la autoridad de su jefe. Con todo, Colón sentía su ánimo lleno de amargos recuerdos y de pasiones fogosas y explosivas.
La escena tuvo lugar en La Niña y parece haber sido tempestuosa. Colón recibió con frialdad las explicaciones de Martín Alonso; rechazó con altivez una oferta de novecientos pesos de oro; declaró nula y no avenida la ocupación del valle que había descubierto Martín Alonso y el nombre de Martín Alonso que había dado al río; y puso en libertad a los cuatro indios y dos indias que Martín Alonso había captado, pues, escribe Colón, “es servicio de vuestras Altezas, asó desta isla en especial como de las otras. Mas aquí donde tienen ya asiento vuestras Altezas, se debe hacer honra y favor a los pueblos, pues que en esta isla hay tanto oro y buenas tierras y especería” (**)

Mí análisis al texto anterior; a) Dice que “Martín Alonso no le había hecho traición”. Abandonar, sin permiso, a Cristóbal Colón y a la saturada tripulación de La Niña
–carabela menos veloz que La Pinta-, en un mundo desconocido y después de haber naufragado y tenido que abandonar la Santa María, no creo que merezca un calificativo menor que traición. Fue una infracción juzgada en las leyes del mar del s. XV y penada con la muerte. Madariaga no ve falta, justifica la huida como una no huida que “ni adelantándose hacia España, ni quedándose en Española para robarle el oro”. Que Madariaga diga que Martín Alonso no le había traicionado confirma que los juicios son del color del cristal con que se mira, y que su color era favorable al marinero de Palos y no a Colón. Martín Alonso Pinzón, una vez huido, se dio cuenta de que no podía tomar ninguna de las decisiones apuntadas, pues el camino de regreso sólo lo sabía Cristóbal Colón.
Martín Alonso, buen marinero, sabía de sus limitaciones y desconocía el regreso a España, lo que le hacía imposible la quedada en La Española o su improbable regreso a España. La codicia en conseguir riquezas, a espaldas de Colón, no le permitió analizar, de antemano, su posible regreso planteándoselo demasiado tarde. Su error ya estaba hecho y sólo cabe un calificativo: traición.
A Colón se le ha culpado de negrero. Martín Alonso Pinzón había captado cuatro indios y dos indias y no he leído que se le acuse de negrero ¿?
La ironía o la demostración del distinto criterio usado a la hora de enjuiciar, llega a un extremo máximo con; “Se había tomado unas vacaciones y volvía a ponerse bajo la autoridad de su jefe”. Con el calificativo dado de “vacaciones”, a la traición, vemos la distinta vara de medir.
Nos dice que Colón “rechazó con altivez una oferta de novecientos pesos de oro”. Colón hizo lo que estaba obligado, el oro era de los RRCC. La altivez la supone el autor. Para mí el intento de arreglo del oro recogido demuestra que fue un robo. El oro conseguido no pertenecía a Martín Alonso ni a los marineros. Era una apropiación indebida que ocasiono un grave desacuerdo entre Colón y el marino que no podía justificar su hurto. Estas situaciones no acaban bien, pues, al sisador, siempre le queda la sensación de culpabilidad propia y enemistad íntima hacía quien descubre su mal hacer. También motivo una total hostilidad entre los marineros y Colón, que les había obligado a devolver el oro dado por Pinzón. Esta hostilidad ayudo en la campaña de “marketing” contra el Almirante.

S. de Madariaga sigue escribiendo;
“…En cuanto al Almirante, como la venganza es un plato que se sirve frío, tuvo la satisfacción de tener que aguardar por La Pinta, que había perdido velocidad por llevar el mástil en mal estado; y así consigna en su diario: “si el capitán della, que Martín Alonso Pinzón, tuviera tanto cuidado de procurarse un mastel en las Indias, donde tantos y tales habia, como fue cudicioso de se apartar dél pensando de hinchir el navio de oro, él lo pusiera bueno” Donde se ve que Colón no se había sacudido el rencor todavía.” (***)

¿Venganza? ¿Rencor? Para mí no es que Colón “no se había sacudido el rencor todavía”. El Almirante hace un análisis certero de la causa que motivo la perdida de velocidad de la nave de Martín Alonso Pinzón; despreocuparse del mástil y seguir su codicia hacía el oro.

El interés en desposeerle de lo acordado, parece motiva que los juicios del hacer de Colón, siempre, le sean desfavorables. A Colón se le enjuicia con la mayor severidad. A otros, en este caso de Martín Alonso – insubordinación, robo de oro, captura indios, etc-, se justifica sin comentario alguno.
¿Crearle una personalidad falsa y hacerlo genovés fue un primer paso para una campaña que lo desposeía de lo que le pertenecía?: Los beneficios acordados con los RRCC y conseguidos con su Descubrimiento.
La historia no ha sido justa con Colón permitiendo que los intereses políticos, económicos y religiosos, fueran contra el hombre que realizó la mayor hazaña de la humanidad.

Comparemos la benevolencia hacia Martín Alonso Pinzón: “vacaciones”, “no se separo de él”, “buscando alivio”, “podía haber vuelto a España sin él”, “no le había hecho traición”, “se había tomado unas vacaciones y volvía a ponerse bajo la autoridad de su jefe”, etc. Y lo inflexible hacía Cristóbal Colón: “represión de su personalidad que Colón le imponía”, “amargos recuerdos”, “pasiones fogosas y explosivas”, “frialdad”, “rechazó con altivez una oferta de”, “tuvo la satisfacción”, “venganza”, etc.

Parece como si Madariaga hubiera estado en el viaje y conociera los sentimientos más íntimos de sus protagonistas. Pensamientos y actos que tienen la benevolencia o inflexibilidad particular del autor.
Siendo extranjero genovés, parece, está permitido este antagonismo hacía Colón.

Y referente a la nacionalidad de Cristóbal Colón, estoy de acuerdo en dos terceras partes de la tesis de Madariaga. Él escribe que era “judeo-hispano-genovés”. Yo pienso que era “judeo-hispano”.

Con las diferencias de criterio en los análisis a hechos acaecidos, ¿es cierta la historia y personalidad de Cristóbal Colón?


“…es mejor resultar herido por la verdad que consolarse con la mentira”. Khaled Hosseini.. Cometas en el cielo. Pg. 69.



* p. 315. Vida del muy magnífico señor don Cristóbal Colón. Salvador de Madariaga

** pgs. 321-322. Salvador de Madariaga

*** p. 326. Salvador de Madariaga-

María Flores, Premio Reina Isabel de Braganza en el Casino de Estoril

Julia Sáez-Angulo



La artista María Flores (Lisboa, 1979) ha obtenido el Premio Reina Isabel de Braganza en el Casino de Estoril (Portugal), que dirige el doctor Nuno Lima de Carvalho, dentro del XXIV Salón de Primavera. El acto de inauguración estuvo muy concurrido de artistas y personajes del mundo de la cultura como Isabel Sabino, Edgardo Xavier, Joao de Melo, Linda de Sousa y Juan Jiménez.

Finalistas del premio fueron Ana Teles, Elías Gato, Felipe Cortez, Gonzalo Gonzalves, Hugo Marques, Mariana Carvalho, Mariana Moura, Mario Vitoria, Rui Neto, Sara Belo y Vania Coelho. Lina de Carvalho informó de que el próximo certamen aumentará la edad de los jóvenes intervinientes de los 35 a los 40 años.

Al organizador le gusta recordar que el nombre del premio se debe a una reina portuguesa, María Isabel de Braganza (1797 – 1818) casada con el rey de España, Fernando VII. Ella nació en el palacio de Queluz (Portugal), hija del rey Don Juan VI y de Joaquina Carlota de Borbón. El pintor Bernardo López de Piquer le pintó un retrato en 1829, que figura en el Museo del Prado, con el título “La reina María Isabel de Braganza como fundadora del Museo del Prado”.

María Isabel de Braganza fue la iniciadora de la exposición de colección real española en el Convento de la Trinidad, núcleo con otras colecciones del Museo del Prado. A Lima de Carvalho le gustar recordar igualmente que la madre del pintor sevillano Velázquez era una mujer portuguesa.

El Casino de Estoril tiene tras de sí una larga ejecutoria de apoyo a las artes plásticas. Cuenta con una galería de arte permanente en la que abundan las esculturas –entre ellas las de mármol de Moisés Preto Paulo- y un gran salón de exposiciones temporales, entre las que los salones de pintura naïf han tenido una trayectoria prolongada.

Durante la velada del premio Reina Isabel de Braganza, se comentó la influencia de la artista portuguesa Paula Rego, que expone actualmente sus obras en la exposición denominada “Casa de las Historias” en Cintra, así como el retrato que hizo a Jorge Sampaio, presidente de Portugal –no precisamente muy acertado-, que se encuentra EN el Museo de la Presidencia de Portugal en Lisboa, donde se muestra la galería de retratos presidencial, así como los regalos recibidos de los mandatarios que visitan oficialmente el país. El retrato de Mario Soares lo llevó a cabo el pintor octogenario Julio Pomar

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