EL MUSEO WÜRTH LA RIOJA ABRE AL PÚBLICO EL 9 DE ABRIL DE LA CABEZA A LOS PIES, QUE MUESTRA ALGUNAS DE LAS OBRAS MÁS RELEVANTES DE LA COLECCIÓN WÜRTH

La exposición se aproxima al tratamiento del cuerpo humano en el Arte Contemporáneo con más de 140 obras de entre 1881 y 2021 de 100 artistas fundamentales de la Historia del Arte

La exposición estará en curso entre el 9 de abril de 2022 y el 19 de febrero de 2023.

La muestra llega al Museo Würth La Rioja tras pasar por los Museos Würth de Alemania, Francia y Suiza.

 

Museo Würth (La Rioja)

L.M.A.

        08.04.2022.- La Rioja.- La representación del cuerpo humano es un tema predominante en la Historia del Arte de prácticamente todas las culturas. El cuerpo es un nodo que conecta estética, emoción, belleza, espiritualidad, racionalismo, miedo e identidad; un código simbólico que nos enseña a interpretar la relación de la humanidad con su entorno natural, religioso, social y político. Es lienzo donde expresar la identidad individual y la pertenencia étnica, objeto y sujeto del deseo carnal y también del comercial, de los imaginarios de la felicidad y de los del desamparo.

    La exposición De la cabeza a los pies, Figura humana en la Colección Würth, se acerca a algunos de estos temas a través de la representación de la figura humana a lo largo de los últimos 150 años. Sin embargo, el montaje de la exposición no plantea un recorrido histórico por el desarrollo del Arte Contemporáneo, sino que se acerca a la representación del cuerpo humano tematizando algunas de las problemáticas estéticas, personales y sociales que la figuración humana ilustra. De la cabeza a los pies muestra obras de algunos de los artistas más significativos del Arte Contemporáneo desde finales del siglo XIX hasta la actualidad como Magdalena Abakanowicz, Jean Arp, Georg Baselitz, Fernando Botero, Louise Bourgeois, Christo, Gilbert & George, Alex Katz, Anselm Kiefer, Gustav Klimt, Aurélie Nemours, Jaume Plensa, Arnulf Rainer, Tony Oursler o Andy Warhol. A través de sus obras podremos sumar una mirada al cuerpo humano como lugar donde reside la identidad, donde confluyen la belleza y la fealdad, el deseo y la violencia, lo puro y lo impuro, lo espiritual y lo carnal, lo líquido, lo háptico, lo visceral, lo divino y lo sublime.

    La exposición cuenta con 100 artistas y más de 140 obras de entre 1881 y 2021 que muestran el desarrollo de la Historia del Arte Contemporáneo en prácticamente todas sus manifestaciones artísticas: desde el Costumbrismo Académico de finales del siglo XIX hasta el Arte Actual, pasando por las Vanguardias Clásicas, el Arte Conceptual, el Pop Art, el Neoexpresionismo o el Videoarte. Además, para el montaje en el Museo Würth La Rioja se han incluido algunas obras de la Colección Würth España.

2.  7 ÁREAS TEMÁTICAS

    La exposición plantea una reflexión dividida en 7 áreas temáticas que trazan un recorrido en el que el cuerpo va desapareciendo paulatinamente. De la cabeza a los pies comienza con un primer bloque representativo que se pregunta por la función y la definición de la belleza en la representación del cuerpo en el arte (espacio 1: El cuerpo humano en el centro del mundo) y que aborda el retrato (Las funcionalidades del retrato) y el autorretrato (La imagen en el espejo) como géneros fundamentales dentro de la figuración humana. El desnudo es un tema en sí mismo y permite una lectura que aborda el tratamiento diferencial del cuerpo desnudo masculino y femenino en el arte (“Tu cuerpo es un campo de batalla”) así como la discusión que, especialmente en torno al cuerpo de las mujeres, ha protagonizado el arte a lo largo del siglo XX. El cuerpo ha materializado metáforas y alegorías (El cuerpo metafórico) que han dotado a conceptos abstractos de entidad física y corpórea, de la misma manera que el cuerpo es carne y entrañas, fluidos y materia, con una fisicidad que ocupa un espacio (El espacio del cuerpo) y deja una impronta, un hueco, una huella, cuando está ausente. La exposición se cierra con una sección que aborda la identidad (El cuerpo existencial) desde la discusión filosófica sobre si somos nuestra mente o nuestro cuerpo.

COMIENZA LA 9 EDICIÓN DEL PROYECTO EDUCATIVO ESPACIO ARTE EN EL MUSEO WÜRTH LA RIOJA

Más de 150 participantes disfrutarán de Espacio ARTE 2019 entre el 8 de Julio y el 23 de agosto.

El proyecto educativo les acercará a obras de Manolo Valdés, Tony Oursler, Ana Soler, Curro González, Richard Deacon y Félix Reyes.

L.M.A

10.07. 19 .- La Rioja .- El proyecto educativo Espacio ARTE nació hace 9 veranos con la intención de crear un formato educativo de continuidad que acercara la práctica artística contemporánea a niñas y niños a través de la experimentación, los procesos de creación artística como metodología de aprendizaje, y la cooperación como recurso educativo. El proyecto no pretende ser una escuela de Bellas Artes, sino un espacio donde fomentar el desarrollo individual y el pensamiento crítico a través del arte y la cultura.

En la actualidad es uno de los proyectos imprescindibles del Museo Würth La Rioja, y desde su creación ha acogido a más de 1.700 participantes, muchos de los cuales eligen repetir su experiencia en el museo año tras año.

En esta edición, Espacio ARTE explorará la exposición Double Sense, ironía y doble sentido en la Colección Würth España. A partir de las obras en exposición, los asistentes se acercarán a los planteamientos del arte conceptual y al uso del arte como herramienta de humor, crítica social y reflexión individual. Las sesiones están diseñadas en torno a las distintas temáticas que proponen las obras en exposición, con un eje transversal en torno al concepto de lo individual y lo colectivo. Además, metodológicamente, se prestará una especial atención a las prácticas artísticas que se mueven en los límites entre técnicas y que permiten resultados plásticos más ricos y complejos. El proyecto acercará a los participantes a obras de Manolo Valdés, Richard Deacon, Naia del Castillo, James Rielly, Elisabeth Sabala, Jorge Perianes, Ana Soler, Darío Urzay, Mercedes González de Garay, Tony Oursler, Ricard Salvatella, Curro González y Félix Reyes, además de otros tantos artistas como referentes externos.

El equipo educativo del museo apuesta por desarrollar una metodología de aprendizaje entre iguales, integrando a adolescentes en los grupos de niños/as de 5 a 12 años. De esta manera, se ha generado un programa pedagógico basado en la colaboración y la experiencia artística, en el que cada participante podrá aportar según su identidad en los procesos de creación cooperativa.

El objetivo principal del proyecto en esta edición es fomentar el desarrollo del pensamiento crítico individual, con las artes plásticas como herramienta de expresión y comunicación. En el caso de los adolescentes, además, se trabajará muy especialmente en el desarrollo de habilidades de análisis y deconstrucción de la imagen, y sobre proyectos artísticos contemporáneos que promueven la crítica social a través de la poética y la intervención en los espacios públicos, como los trabajos de Doris Salcedo, Olafur Eliasson o Ai Wei Wei.

El programa está dirigido por Carmen Palacios, responsable de Educación del Museo Würth La Rioja, y está diseñado como un espacio de formación para futuros especialistas en Educación de museos; este año el programa cuenta con estudiantes en prácticas de la Universidad de Salamanca y de la Universidad Complutense de Madrid.

El Museo se encuentra abierto a cualquier petición de entrevista, grabación o visita a esta actividad bajo petición previa: 941 010410.

La Pantalla del Arte en el Museo Würth La Rioja

Las proyecciones tendrán lugar los sábados 9, 16 y 23 con Yolanda Flores, Santiago Tabernero y Manuel Gutiérrez Aragón como protagonistas. El ciclo está coordinado por Bernardo Sánchez y el Museo Würth La Rioja

EL BOSQUE DEL ARTE

08.02.19 .- MADRID .- Al hilo de la exposición La llamada del bosque. Árboles y madera en pintura y escultura de la Colección Würth, actualmente en curso en el Museo, el ciclo de cine La pantalla del arte propone en su 7ª edición adentrarnos en El bosque del arte a través de tres sesiones cinematográficas que suponen miradas distintas -en lo estético, en lo geográfico y en lo narrativo- sobre el bosque como espacio físico, plástico y poético. Y para ello se proyectaran dos películas cuya acción está vinculada a la vida y ámbitos en el interior de un bosque: Viaja a Nara (2018, Naomi Kawase), estreno en La Rioja, que vincula la foresta mitológica de Japón y la condición humana, y la norteamericana Columbus (2017, Kogonada), que trata la interacción entre arquitectura y naturaleza en un bosque de Indiana, América. Viaje a Nara será presentada por la periodista Yolanda Flores (De película, RNE) y Columbus por el director y guionista Santiago Tabernero. Además, el ciclo contará con la participación deManuel Gutiérrez Aragón, uno de los directores más importantes del cine español contemporáneo y quien hizo del bosque un territorio central, entre mágico e histórico, habitado por figuras, signos y ficciones; Gutiérrez Aragón repasará en la charla-visionado Érase una vez el bosque el significado del bosque en algunas de sus principales películas.

Existe la posibilidad de llevar a cabo entrevistas bajo petición previa (941 010410) tanto a los protagonistas como a Bernardo Sánchez y la coordinación del Museo

El acceso a las proyecciones es libre hasta completar aforo. 

Reservas en el telf.: +34 941 010 410

Transporte: Autobuses Yanguas desde la parada del Ayuntamiento de Logroño a las 18:30h con vuelta al finalizar el evento. (2,00 € por pers.). 

Reservas en el telf.: +34 941 010 410

VIAJE A NARA (2018)

9 Febrero 2019, 19:30h

Dirección: Naomi Kawase

Guión: Naomi Kawase

Título original: Vision

Intérpretes: Juliette Binoche, Masatoshi Nagase, Takanori Iwata, Mari Natsuki

Fotografía: Arata Dodo

Música: Makoto Ozone

Duración: 109 min.

Género: Ficción, Drama

País: Japón, Francia

Idioma original: Japonés, francés, inglés

NR < 12 años

FESTIVALES

Festival Internacional de cine de San Sebastián 2018: Selección oficial a concurso. 

Toronto International Film Festival 2018: Selección oficial a concurso.

NAOMI KAWASE

Naomi Kawase se convirtió en la ganadora más joven de la Caméra d'Or del Festival de Cannes con su primer largometraje,Suzaku (1997). En 2007 volvió a Cannes con Mogari no mori (El bosque del luto), que obtuvo el Premio Especial del Jurado. Su documental Genpin (2010) compitió en la Sección Oficial de San Sebastián, obteniendo el premio FIPRESCI. Inauguró la sección Una cierta mirada de Cannes 2015 con An (Una pastelería en Tokio) y ha competido en su sección oficial con Hanezu(2011), Futatsu me no mado (Aguas tranquilas, 2014) e Hikari (Hacia la luz, 2017).

PRESENTADA POR: YOLANDA FLORES

Desde 2008 presenta y dirige el programa De película en Radio Nacional de España por el que fue galardonada en 2012 con un Micrófono de Oro (que entrega la Federación de Asociaciones de Radio y Televisión). Ha dirigido y presentado diversos programas en Telemadrid, Telecinco y RNE. En la última edición de los premios de la Semana de Cine Español de Carabanchel ha sido premiada por su labor de difusión del cine en los últimos 20 años. De Película también contribuye a impulsar el trabajo de jóvenes realizadores, a través del concurso de cortos de RNE, que ya va por su duodécima edición.

ÉRASE UNA VEZ EL BOSQUE 

16/02/19, 19:30h

Charla - coloquio – proyección

Gutiérrez Aragón se adentrará en sus significados del bosque en la charla-proyección Érase una vez el bosque, en la que el director comentará fragmentos de sus películas seleccionados por Bernardo Sánchez. Un formato nuevo que incluye comentarios del director sobre fragmentos del bosque en su trabajo sin haberlos preparado previamente, conversación con Bernardo Sánchez y coloquio con el público.

MANUEL GUTIÉRREZ ARAGÓN

Guionista, director cinematográfico, productor y escritor, Manuel Gutiérrez Aragón. Es miembro de número de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando y de la Real Academia de la Lengua. Ha recibido, entre otras distinciones, el Premio Nacional de Cinematografía (2004), la Medalla de Oro de la Academia de Cine de España (2013), la Medalla al Mérito de las Bellas Artes (2013) y la Medalla de Cinematografía de la Universidad Internacional Menéndez Pelayo (2014).

Es autor de una extensa filmografía, que incluye largometrajes, cortometrajes, documentales y series televisivas, su primera película, Habla, mudita, de 1973, recibió el Premio de la Crítica del Festival de Berlín y fue candidata a los Premios Óscar. La segunda, Camada negra (1977), consiguió el Gran Premio del Festival de Berlín y el Oso de Plata a la mejor dirección. Entre estos dos largometrajes, Gutiérrez Aragón había escrito los guiones de Las truchas y Corazón solitario, junto con José Luis García Sánchez; Furtivos, dirigida por José Luis Borau, y Las largas vacaciones del 36.

Otros de sus largometrajes más laureados son Sonámbulos (dirección y guion, 1978); El corazón del bosque (dirección, 1978);Maravillas (dirección y guion, 1981); Demonios en el jardín (dirección y guion, 1982); La mitad del cielo (dirección y guion, 1986), y Cosas que dejé en La Habana (dirección y guion, 1998). Asimismo ha trabajado en teatro y televisión, adaptando obras de Federico García Lorca, Peter Weiss o Emilia Pardo Bazán.

Como autor de narrativa, Manuel Gutiérrez Aragón ha publicado, entre otros títulos, Películas imposibles, recopilación de relatos de ficción aparecidos en el diario El País en 2008; La vida antes de marzo, su primera novela, con la que ganó el Premio Herralde en 2009; Gloria mía y Cuando el frío llegue al corazón, segunda y tercera novelas, de 2012 y 2013, respectivamente, y el ensayo A los actores, de 2015. En mayo de 2018 publicó su cuarta novela, El ojo del cielo.

COLUMBUS (2017)

23 Febrero 2019, 19:30h

Dirección: Kogonada

Guión: Kogonada 

Intérpretes: John Cho, Haley Lu Richardson, Parker Posey, Michelle Forbes

Fotografía: Elisha Christian

Música: Hammock

Duración: 100 min.

Género: Ficción, Drama

País: EEUU 

Idioma original: Inglés, coreano

NR < 7 años

FESTIVALES:

Festival de Rotterdam 2017: Selección oficial largometrajes a concurso. 

Premios Independent Spirit 2017: Nominada a mejor debut, fotografía y guion novel

KOGONADA

Kogonada es el pseudónimo de este conocido videoensayista y teórico de cine norteamericano de origen coreano. A partir de metraje encontrado en filmes de cineastas, géneros o movimientos históricos del séptimo arte sobre los que fija su analítica mirada construye ensayos visuales que se han convertido en una referencia y pueden verse en su web http://kogonada.com/. Colabora habitualmente con publicaciones como 'Sight & Sound', 'Criteron Collection' o instituciones como el Instituto Británico del Cine (British Film Institute), entre otros. Centró sus estudios de doctorado sobre la obra del cineasta japonés Yasujirô Ozu del cual se declara ferviente admirador (su pseudónimo es un homenaje al guionista habitual de Ozu, Kogo Noda).Columbus (2017) ha sido su primera película.

PRESENTADA POR: SANTIAGO TABERNERO

Periodista, guionista y director de cine. Debutó en la dirección con Vida y color (2007) una película que parte de un guion propio y que le valió el premio del público en la SEMINCI de Valladolid. Previamente había colaborado como guionista en películas como Desvío al paraíso (Gerardo Herrero, 1994), Taxi (Carlos Saura, 1996), Asfalto (Daniel Calparsoro, 2000) y César y Zain(Larry Levene, 2005). En 2014 estrenó Presentimientos, una adaptación de la novela de Clara Sánchez que fue protagonizada por Eduardo Noriega, Marta Etura e Irene Escolar. Como periodista de Televisión Española es creador de formatos televisivos como Carta Blanca, Alaska y Segura, Torres y Reyes o Versión Española del cual fue director hasta 2003. En la actualidad forma parte del equipo de Días de cine al cual lleva vinculado desde su creación.

BERNARDO SÁNCHEZ

Bernardo Sánchez Salas (Logroño, 1961) es historiador del cine, guionista y escritor, autor, entre otros escritos, de Del cinematógrafo al cinemascope (1991), Rafael Azcona, Otra vuelta en El cochecito (1991), 100 años luz. El tiempo del cinematógrafo en La Rioja (1995), del conjunto de relatos Sombras Saavedra (2001) y El cine del vino, que en 2007 fue premiado en los premios Gourmand y Rafael Azcona.

Al teatro ha dado las adaptaciones de El verdugo (2000, Premio Max de Teatro a la mejor adaptación), El precio de Miller (2003), El sillón de Sagasta (2003), La celosa de sí misma de Tirso (2003), e Historia de una vida de Margulies (2004), El Bailede Edgar Neville (2013), La Asamblea de las mujeres de Aristófanes (2015).

Es colaborador del Museo Würth La Rioja desde su inauguración en el año 2007.

Félix J. Reyes expone su obra en el Museo Würth de La Rioja

escultura de Reyes en el jardín del Museo Würth

"Aún aprendo"
Félix J. Reyes
Museo Wüth
La Rioja
09 de Julio – 07 de Noviembre 2010

L.M.A.

El título de la exposición, "Aún aprendo", la mayor retrospectiva de Félix J. Reyes hasta el momento, hace referencia a esa especial condición de algunos (pocos) artistas que, aunque consagrados, siguen manteniendo intacta su capacidad de experimentar, de reinventarse, de aprender. Félix J. Reyes encarna esta condición de artista-nómada en busca de su propio lenguaje estético a tal punto, que él mismo resume bajo esta premisa gran parte de su carrera artística.

Casi sin darse cuenta, muchos riojanos han sido testigos de los hallazgos plásticos de Reyes; sus tiernas mujeres de rotundos volúmenes habitan gran parte de la geografía riojana, pero entre La Familia, ubicada en la calle Calvo Sotelo y Los Pilares de la Universidad (en el Rectorado de la Universidad de La Rioja) ha habido un universo de ideas, de idas y venidas, de ensayos y de conversaciones que han configurado la práctica artística de Reyes, y que se pueden observar también en la exposición del Museo Würth La Rioja. Aún aprendo está concebida como un recorrido por la trayectoria artística de Reyes, y recoge obras de entre 1965 y 2009.

Félix J. Reyes nació en Valleseco (Gran Canaria) en 1941; allí comenzó su formación artística con Abraham Cárdenes iniciando una práctica artística que se caracteriza por la representación de la figura humana de una manera realista, dando prioridad a temas costumbristas y con un estilo neobarroco en la plástica.

En el año 1961 marcha a Madrid para estudiar en la Escuela Superior de Bellas Artes de San Fernando; allí comienza una formación académica que conlleva la pérdida del barroquismo de la etapa anterior a la par que una mejora del tratamiento anatómico de sus personajes.

En el año 1966 consigue su plaza como profesor interino de Modelado y Vaciado de la Escuela de Artes y Oficios de Logroño; allí, como Catedrático de volumen, ha desarrollado su trayectoria académica combinándola con su carrera artística que comenzó, con su llegada a Logroño, un proceso de estilización y simplificación que se ha convertido en la seña de identidad actual de Félix J. Reyes.

Desde hace unos años el artista comparte estudio en Santa Lucía de Ocón con su mujer, la artista Rosa Castellot; allí han sido creadas gran parte de las piezas recientes que están incluidas en esta muestra.

Juan José Gómez Molina decía que Félix J. Reyes se siente cómodo en las periferias de las tendencias artísticas, lo que le ha permitido una distancia suficientemente nítida como para poder ver aquellos territorios que nos son afines a todos.

Su obra se nos muestra como una cartografía de las emociones humanas porque a Reyes le interesa contar lo real, su realidad inmediata, su propio sentir en el mundo; así, su obra se adentra, desde lo personal, en todos los grandes temas: la alegría de vivir, la muerte, la soledad, el erotismo, el sexo, el dolor, la incertidumbre, el miedo, la solidaridad…

La exposición, que reúne 44 piezas del artista, está organizada en cuatro espacios que repasan el desarrollo artístico de Reyes.

La primera sala recoge piezas pequeñas de las diferentes etapas en las que el artista divide su proceso artístico: Bronce (modelos en barro) 1965 - 1976, Piedra 1966 - 1997, Bronce, (modelos en madera) 1994 - 2007, Madera: 1995 - 2010. Una gran parte de las piezas son bocetos para posteriores esculturas en bronce a tamaño natural, muchas de ellas convertidas en obra para espacios públicos y privados de Logroño, Valleseco y otras ciudades (como Conversación, que forma parte de los fondos de la Colección Würth España y está expuesta en los jardines del Museo Würth La Rioja).

Evolución estética en cuatro etapas

El recorrido de estas cuatro etapas nos permite comprender la evolución estética de Reyes que avanza hacia una creciente simplificación de las formas, como bien se puede observar en las obras realizadas en piedra como Abrazo eterno o Parto. La simplificación se complementa en los dos periodos siguientes (bronce y madera) con la estilización anatómica de los personajes, los volúmenes redondeados de las etapas anteriores dan paso a líneas más suaves y a texturas suavizadas que, en el caso de las esculturas más recientes en madera, se acercan cada vez más a una progresiva abstracción de unos personajes que, sin rostro, comunican casi por la piel.

Los otros tres espacios exponen la obra más reciente de Reyes, en la que tienen cada vez más protagonismo los conjuntos escultóricos. Éstos son una muestra de una preocupación del artista por el papel de la escultura en el espacio y por la función del espectador dentro de la práctica artística contemporánea.

Las instalaciones de Reyes tienen origen en emociones y vivencias de su pasado, que se encuentran con el imaginario actual del artista; muchas de las obras de Reyes tienen nombre propio en la infancia del artista (como Cheo, Amalita, Agustinito o Zoraida), pero otras se enraízan en distintos momentos del sentir colectivo, como Solidaridad (2007-2009), ubicada en la terraza del ala este del museo que con sus 3.000 figurillas de alabastrina nos muestran la faceta más comprometida y dramática del artista: la obra está basada en la multitudinaria manifestación tras los atentados del 11 de marzo en Madrid, pero tiene un origen más lejano en las comitivas fúnebres de los lluviosos funerales de Valleseco que Reyes observaba, con su mirada de niño, desde la ventana de su casa en Gran Canaria.

Por su parte, en la terraza oeste, los personajes de Lugar de encuentro y Mi barrio (1997-1998 y 1999-2000 respectivamente) habitan el espacio con su cálida textura y su olor a madera, y nos invitan a deambular entre ellos, a formar parte de los recuerdos isleños de Reyes y a descubrir el diálogo del artista con griegas, anillos, vetas y nudos de la madera.

El último espacio expositivo, el Hall principal del museo, está ocupado por Laberinto, la obra más reciente de Reyes, que se muestra por primera vez en esta exposición. Está formada por 365 esculturas de madera de pino que el artista explica de la siguiente manera: “trato de revivir la primera vez que llegué a Madrid y me vi solo en la Puerta del Sol a una hora punta, sorteando a la gente, como si de un laberinto se tratara. Nunca me sentí tan solo entre tanta gente. Pero observas que ellos también van solos, es como un mar de soledades, angustioso. Y me pregunto cómo se siente un inmigrante que además desconoce el idioma”. En ella, los personajes mudos con sus rostros desprovistos de rasgos, con sus cuerpos desprovistos de brazos, crean una multitud de voces entre las que transitar, de miradas en las que perdernos e identidades en las que encontrarnos.

La exposición va acompañada de su correspondiente catálogo con un texto introductorio de Juan Ramírez, además de los poemas de José Carlos Balanza y Roberto Iglesias, y de los ensayos de Bernardo Sánchez, Francisco Gestal, Juan José Gómez Molina y Francisco Lezcano.



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