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domingo, 6 de marzo de 2011

Chardin expone su pintura "silenciosa" en el Museo del Prado



Chardin 1699 – 1779
Museo del Prado
Madrid
Del 1 de marzo al 29 de mayo de 2011



Julia Sáez-Angulo


Es un maestro de la pintura francesa, maestro de muchos artistas que han seguido sus enseñanzas. El Museo del Prado presenta ahora 57 pinturas de Jean Siméon Chardin (París, 1699-1779), a quien se le atribuye un silencio especial en sus naturalezas muertas y bodegones. El comisario de la muestra es Pierre Rosemberg, director honorario del museo del Louvre en París.

Entre las obras más destacadas se pueden ver “La raya”, procedente del Museo del Louvre, una de sus pinturas más célebres y entre los bodegones de los años 30 figuran “Un pato con cuello verde atado a un muro y una naranja amarga” y “Naturaleza muerta con una jarra de loza y dos arenques”.

Chardin describió su forma de pintar cuando dijo que "uno se sirve de los colores, pero pinta con el pensamiento", lo que le hizo plasmar imágenes muy distintas a las de otros grandes de su época como Watteau, Boucher, Fragonard o David.

En España sólo hay tres cuadros del artista en el Museo Thyssen-Bornemisza, de los que “Gato con trozo de salmón, dos caballas, mano y mortero”, así como “Gato con raya, ostras, jarro y hogaza de pan”, se incluyen en la muestra del Museo del Prado.

Chardin nació y murió en la capital francesa, donde residió toda su vida. Pintaba despacio, buscaba la perfección y su producción es escasa, apenas 200 obras. Disfrutó de éxito y de reconocimiento en vida y, posteriormente, Cezanne, Matisse, Picasso, Morando y Lucien Freud lo consideraron un maestro.

La exposición del Prado sigue un orden cronológico atravesando los aspectos más destacados desde los inicios de la vida artística de Chardin, en la segunda mitad del siglo XVII, hasta los pasteles de los años 70.

Con esta muestra son dos los maestros franceses que se dan cita en el madrileño Paseo del Prado: Gerome en el Museo Thyssen y Chardin en el Museo del Prado. Aunque Italia es la patria de la gran pintura, Francia también goza de buenos maestros antes de su gran explosión con las vanguardias históricas. Ver ambas exposiciones es una buena ocasión para repensar la pintura.

Con motivo del bicentenario de Chardin se ha revisado y estudiado su obra y ello se recoge bien en el catálogo que el Prado ha llevado a efecto.



martes, 4 de enero de 2011

Teresa Ahedo: "He podido oler el arte y su color"



Teresa Ahedo


Julia Sáez-Angulo

        Bilbao .- Teresa Ahedo (Carranza, Vizcaya, 1941) es una pintora con trayectoria artística cosmopolita. Profesional de intensa dedicación al arte, su ruta de exposiciones llevadas a cabo pasa por una geografía amplia y actualmente, no podía ser menos, prepara la siguiente. El maltrato a la mujer está entres sus preocupaciones más recientes, lo que no le impide que flores radiantes o expresionistas de gran formato o las mujeres sonrientes y plácidas formen parte importante de su repertorio icónico.


Julia Sáez-Angulo


-¿Cómo comenzó su vocación?
Mi gran meta ha sido expresar el contenido de este mundo interior que vibra con las emociones y vivificar con ardor pictórico los momentos que se desperdician en un tic tac. Ellos no han quedado abandonados entre bosquejos y poemas….
Los esbozos son llevados al lienzo a toque de color y en cada pincelada va un trozo de mi alma.
Para mi pintar no es “abandonar frustraciones” o “modelar sentimientos”.
Es precisar y profundizar las experiencias vividas, comunicándolas con sencillez y sinceridad.
Es una vocación apasionante. Me gusta recordar una frase de Doris Martínez “su magia plástica es enteramente blanca”… Tengo guardado en la memoria un poema de Teresa Ahedo. Mi pintura.

Pinta mujer en tu vuelo zahareño/ un aleteo de brisa, un jirón/ o sonrisa en la ruta de tus sueños. / Pinta carne en lienzo, pelo endrino, /grandes pechos en silencios rojos, /en mimo de cuna, en abrazo de antojo./ Pinta flores al viento en danza de beso y… / Reposa./ Descansa mujer donde se abandonan los olivos,/ la montaña arrulla al cielo,/ las golondrinas toman nido.

- El dibujo es uno de sus fuertes ¿disfruta haciéndolo?
El dibujo brota, es el duende conllevador del lápiz para proyectar el pensamiento. Una vez finalizada la gestación nace la obra en luces y sombras. ¿Quién no se siente feliz ante un momento sobrenatural. Dibujar para mí es: ¡respirar!, ¡vivir!, ¡disfrutar!... El dibujo es virtud.

- ¿En qué medida le interesa la tercera dimensión?
Nada más gráfico que este retrato de mi abuela Josefa Orcasitas.


-Usted es una persona delgada ¿Por qué pinta tantas “gordas”?
La utilización arraigada en la sociedad, en la moda, en las revistas de la mujer me señalizó que era preciso arrancar imágenes estereotipadas a capricho de mentes vejatorias.
Mi inquietud fue de asomar a la mujer sin ningún tipo de manipulación con su interior, con su alma. Estudié la desproporción del cuerpo; que censuraba lo que hasta este momento se llamaba proporción estética. Seis carpetas repletas de una fauna de mujeres gorditas con sollozo unas, con risa otras esperaban la luz en un desfile importante donde las vestía y desnudaba la mujer que les creó Teresa Ahedo. Resplandecientes con gentileza van escalonando para aparecer en uno, otro, otro y otro lienzo desnudas, airosas, desafiando estamentos tradicionales mostrándose retadoras y sinceras.
Me enamoré de ellas. Les puse pelo endrino con un remate rojo. Implanté mi espíritu y vi en mi obra las criaturas más dulces y más perversas del universo...

-Ha denunciado el maltrato a la mujer. ¿Qué comentario haría a este respecto?
Me visitó la muerte de una manera inesperada. Aprendí todo del dolor y del amor. Abracé la cruz como icono del sufrimiento humano. Dicho esto, no he podido silenciar la profanación de la mujer, de la niña… Todo patrón de conducta que emplee fuerza física, psicológica, verbal o gestual en la mujer ya sea en la familia, en el trabajo, en la prostitución, en las instituciones educativas, en los medios de comunicación, en los anuncios, en la división de roles, en la diferencia de oportunidades, en los golpes, en las violaciones, en las muertes, ¡Ni una mas! La misoginia es el gran problema desde el principio de los tiempos. ¡Si desean conocer mi opinión sobre el maltrato, les sugiero, que naveguen en mi web: www.teresa ahedo.com encontrarán un artículo titulado “ Mujer Enjuncada Niña ayer” dónde se recoge el dolor contenido de todas las mujeres con un grito que pide justicia . ¡Ni una mas!


-El tema de las flores también forma parte de su repertorio icónico ¿Qué aspectos le gusta resaltar?
En The Flower´s” Abstract: "Teresa Ahedo nos demuestra que su color matérico es algo más que una visión, es penetrar más madréporas empíricas de la materia de ir al final de las ensoñaciones ocultas de la imaginación.
A mi modo de ver el arte de Teresa Ahedo va más allá del dibujo y del sujeto-objeto o del fondo-forma.
Es una respuesta cromática de la mancha abstracta, una mancha que canta, baila pero sobre todo dibuja sobre el lienzo-espacio: ¡El Color! .Sus flores son “Musicales” y algo más que simples interpretaciones hermosas de la Naturaleza; tienen alma y sobre todo “perfume” .He podido oler su arte y su color incluso su exógeno abstractismo conceptual de la mancha.
Mirando sus cuadros no puedo quitar de la mente los brochazos fugaces del mejor Matisse, así como como el color del más atrevido kluoheming, pero el artista que más se percibe en cada pincelada y en cada mancha es el pintor italiano “Levi”; mientras en sus mujeres sobresale el puro “cubismo impresionista” de Cezanne y la forma escultórica y “Boteriana”, la armoniosa cromatización de la poesía. Flores y Mujeres se compenetran se besan, aman, se tocan, es decir: conviven. En estos cuadros Ahedo nos demuestra toda su sensibilidad artística y todo su talento. Estas “Flower´s” son pura música que bailan en un “pardo lienzo” interpretando su interpretación conceptual de la “Flor”. Otra cosa que debemos resaltar que Ahedo es una soberbia dibujante y que cada uno de sus dibujos es la interpretación acabada de la idea. S. Bianconi (Crítica de arte del tema floral)".

Olor de lilas en pecho;
Violetas en mármol;
Gardenias en lecho;
¡Niño dormido!

Azucena de lo puro;
Nardo inolvidable;
Malva de aurora;
Bailarín de mi beso;
¡Niño
dormido!


-¿Qué definición de arte le convence más?
La obra de arte es una manifestación del espíritu que mediante una técnica se hace realidad. El arte es expresión evolutiva como la persona que la realiza. El conjunto de todo este hacer Artístico desde el Paleolítico “La Venus de Willendorf” hasta el arte “Conceptual” supremacía de la idea sobre la realización, es lo que yo defino como ARTE. Imprescindible, en mi opinión, que sea expresión sincera. En esta evolución surgen nuevos comportamientos que reflejan la transformación profunda del Arte que ha exigido un cambio Social y viceversa.

- ¿Qué museos le han interesado más?
El Museo de Bellas Artes de Bilbao, “Lo conozco a fondo por haber estado ejerciendo como profesora de pintura llevando a mis alumnas a visitarlo y estudiando a fondo cada uno de los cuadros seleccionado para cada visita.
Guggenheim, El Prado de Madrid que recoge Obra de grandes artistas: Goya, Velázquez, Murillo, Greco… Museo Del Louvre, París, Tate Gallery de Londres, Museo de Arte Moderno de Nueva York, MoMA, Centro Pompidou, Centro de Arte Reina Sofía, El Hermitage de San Petersburgo, National Gallery, Museo Thyssen Bornemisza…
Por la importancia de sus Obras.

-¿Qué maestros clásicos le han emocionado? Miguel Ángel, Rafael, Botticelli, Tiziano, Goya, Delacroix, El Greco, Velázquez, Pissarro, Rembrant, Monet, Toulouse Lautrec, Vang Gogh, Renoir, Degas… Por haber impregnado mi espíritu de esa plenitud que solo los grandes Maestros proyectan.

-¿Qué obras le han conmovido especialmente?
Ofelia Muerta, de John Everet Mallais. Southampton, R.U... Londres. Por el ambiente romántico del cuadro y representar la obra Ofelia de Hamlet de Shakespeare. Imagen de Adán en la escena de La Creación de Adán de la bóveda de la Capilla Sixtina, en los Museos Vaticanos, La conversión de San Pablo de Miguel Ángel, Cómicos ambulantes, 1793 (Museo del Prado), La Duquesa de Alba, 1795 (Colección Casa de Alba, Palacio de Liria, Madrid), Los Caprichos De Francisco Goya. El regreso del hijo pródigo, sobre 1669 de Rembrandt


- ¿Qué pinta actualmente?

Dos años proyectando una denuncia social del maltrato de la mujer. Una obra que deja exhausta el alma y que me ha atrapado en el estudio de estadísticas y diferentes comportamientos con la Mujer a lo largo dela Historia de la Humanidad.


-¿Qué proyectos tiene?
Soñar y vivir dibujando, pintando y disfrutando de mis nietos, del amanecer malva, y del rocío de la mañana en las hojas...

Más información: www.teresaahedo.com



martes, 13 de julio de 2010

Lucian Freud, su pintura a través del taller en el Centro Pompidou



"Lucian Freud. L´Atelier” 
Centro Georges Pompidou. París 
Del 10 de marzo- 19 julio 2010





Gema Piñana

“Mi trabajo es puramente autobiográfico” dice el pintor Lucian Freud (Berlín, 1922) que reside en Londres desde hace años y representa la nueva figuración británica. Los autorretratos y retratos desnudos constituyen la característica más destacable de este artista que pinta desde 1950 a los suyos cercanos, a su perro, su taller, su jardín...

Pintura matérica, de pasta espesa, de gran pintor que construye con el pigmento, ha retratado incluso a la reina de Inglaterra, con motivo del 50 aniversario de su llegada al trono, siempre con una representación fuerte, sin concesiones a lo platónico o lo bello.

La exposición de Lucian Freud en el Centro de Arte Georges Pompidou de París se trata de una muestra monográfica, la primera en Francia desde 1987, que adopta un punto de vista dinámico debido a un hilo conductor: el taller.

Como otros artistas, al estilo de Francis Bacn o Michael Andriws, agrupados por el pintor Kitj bajo el apelativo de “Escuela de Londres”, Lucien Freud ha llevado a cabo una vuelta al taller. El taller como metáfora de lo propio que el ojo del pintor capta de cerca para su pintura.

La exposición invita a un recorrido por la obra del artista a a través de cuatro temas, que se distribuye en cuatro secciones: “Interiores/Exteriores”, del propio taller; que son las vistas internas o del jardín desde dentro; “Reflexión”, con autorretratos que el autor prodiga de manera regular; “Recreaciones” de los maestros antiguos como Chardin o Cezanne y, finalmente, “Como la carne” nos hace entrar en el proceso de creación de pintor para los retratos de personajes como Leigh Bowery o de Big Sue, obras maestras de los años 1990-2000.

Lucien Freud no hace erotismo ni pornografía con los desnudos humanos, su naturalismo es claro, directo y bronco. Impacta la realidad de interpretación del ser humano desprotegido de toda indumentaria.

Freud trabaja con dibujos preparatorios y compone desde el centro para acercarse paulatinamente a la periferia del cuadro, pero en el curso de la realización el artista se siente muy libre para transformar lo previsto.

Contemplar la vida enfermiza

“Tengo la impresión de que la manera que yo pinto puede parecer enfermiza, de la misma manera que la vida es enfermiza” dice Lucien Freud, sobrino del Doctor Freud, autor del psicoanálisis.

“Lo que me interesa verdaderamente de la gente es su lado animal. Por esta razón me gusta pintar desnudos, porque en ellos veo avanzar las cosas”, añade el pintor berlinés.La exposición se completa con una película del joven artista inglés Tim Meara, del 2010 titulada “Pequeños Gestos en Bare Rooms”, que recorre de modo silencioso el taller de Freud en Holland Park, asi como un conjunto de fotografías tomadas por David David Dawson, asistente del pintor.

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