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En 2017 se cumplen trece años desde que Ámbito Cultural de El
Corte Inglés retomara el programa de intervenciones artísticas que tiene su
origen en los escaparates de los centros de Madrid y Barcelona de los años
sesenta.
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Las intervenciones artísticas expuestas en los escaparates
del centro de Preciados pertenecen a autores de la talla de Alfredo Alcain,
François Bucher, Joan Fontcuberta, Miki Leal, Guillermo Pérez Villalta y Rosa
Torres.
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En colaboración con el Ministerio de Educación, Cultura y
Deporte (Promoción del Arte), Ayuntamiento y Comunidad de Madrid.
Madrid, 21 de febrero de 2017: El Corte
Inglés-Ámbito Cultural presenta la exposición “Nuevas imágenes” en los
escaparates del centro de Preciados. Los artistas que exponen tienen en común
su trayectoria dentro del arte contemporáneo de nuestro tiempo. El título de
estas nuevas intervenciones artísticas se refiere al sentido de la búsqueda de
la representación y pervivencia de las imágenes que para estos artistas cobra
especial importancia en sus obras.
La
muestra, que se inauguró ayer y que estará expuesta al público hasta el 15 de
marzo, es un proyecto que se enmarca dentro de las actividades de ARCOmadrid 2017;
la Feria Internacional de Arte Contemporáneo que comienza mañana día 22 de
febrero en el recinto ferial de Madrid.
El
comisario de la exposición es Alfonso de la Torre, que ha promovido a lo largo
de estos años de intervenciones en los escaparates de Preciados a unos
cincuenta reconocidos artistas de nuestro tiempo. Para esta edición, los
autores que participan son: Alfredo Alcain, François Bucher, Joan Fontcuberta,
Miki Leal, Guillermo Pérez Villalta y Rosa Torres.
En
2017 se cumplen trece años desde que Ámbito Cultural de El Corte Inglés, en
coincidencia con la feria Arco de Madrid, iniciara un programa de intervenciones
artísticas que cuenta con la colaboración del Ministerio de Educación, Cultura
y Deporte (Promoción del Arte), Ayuntamiento y Comunidad de Madrid.
Su
origen está en los procesos artísticos de los años sesenta realizados en los
centros de Madrid y Barcelona, cuando los escaparates de El Corte Inglés de
ambas ciudades se convirtieron en verdaderas obras de arte contemporáneo,
acercándose así al gran público. En 1963 participaron Manrique, Millares,
Rueda, Sempere y Serrano y en 1965 Guinovart, Hernández Pijuan, Rafols
Casamada, Subirachs, Tharrats y Todó. Ambas muestras se reeditaron en 2005 y
2014 respectivamente.
Además, Ámbito Cultural colabora
con otras actividades de ARCOmadrid, como la mesa de debate dirigida por Judith
Benhamou-Huet, especialista en mercado del arte y crítica de Les Echos y Le
Point, que tendrá lugar en el recinto ferial de IFEMA de Madrid. Bajo el título Collecting sculpture: a vision in
3D through private eyes, tendrá lugar el 23 de febrero y, presentado por
Ramón Pernas, Director de Ámbito Cultural, contará con la presencia de: Daniel
Kennedy, Comisario del Chateau La Coste,
Francia; Jeremy Strick Director del
Nasher Sculpture Center, Dallas y Alfonso de la Torre.
Alfredo Alcain (Madrid,
1936) Pintor, grabador e ilustrador.
Estudió pintura en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando; Grabado y
Litografía en la Escuela Nacional de Artes Gráficas; y estudios de Decoración
cinematográfica en la Escuela Nacional de Cinematografía. Inició su dilatada
trayectoria artística en los años 60 y 70, en los que fue uno de los
exponentes, junto con Luis Gordillo, del Pop Art español, evolucionando después
hacia la abstracción cubista. Su pintura ha oscilado entre el pop y el realismo
crítico y su continuada labor como creador le ha llevado desde la pintura a la
escultura, a los collages, a las composiciones con objetos enfrentados y a los
grabados. En los 80 se produce un enfriamiento en el tono de su pintura y
comienza a incorporar relieves de madera y objetos que terminan saliendo del
soporte pictórico, que se individualizan como objetos tridimensionales. Ha
mantenido siempre una coherente evolución dentro de la figuración, que le ha
permitido asimilar los más distintos movimientos contemporáneos. Utiliza una gran diversidad de soportes y técnicas que van desde el
cartel, collage e incluso el bordado.
Ha llevado a cabo más de cuarenta exposiciones individuales
y su obra se encuentra en numerosos museos, entre los que figuran el Museo
Nacional Centro de Arte Reina Sofía, el Museo de Arte Contemporáneo de Sevilla
o el Museo Municipal de Madrid. En el año 2003 recibió el Premio Nacional de
las Artes Plásticas.
François Bucher (Cali, 1972) Su trabajo e investigación abarca un amplio rango de
intereses, que inicialmente se enfocaron en problemas relacionados con la ética
y la estética, temas que han sido centrales tanto en sus escritos como en sus
proyectos artísticos. En un principio se interesó en la manera en que circula
la imagen en el mundo contemporáneo, en entender la historia de la imagen en
movimiento, sobre todo en el concepto de la cinemática y su tránsito a lo
televisivo. Hasta el año 2008 su trabajo puede ser calificado de conceptual y
de posicionamiento político. Desde entonces,
las ideas de Bucher acerca del mundo han tomado un giro abrupto y su nueva
producción está en dialogo con cuestiones que se pueden describir como
interdimensionales.
Inició su formación artística en la Universidad de los Andes de Bogotá,
que continuó en Chicago y después en Nueva York. Actualmente vive y trabaja en
Berlín e imparte talleres en la Universidad de Umeä, en Suecia.
Joan Fontcuberta (Barcelona,
1955) Su obra se inscribe en una línea crítica de la
concepción de la fotografía como evidencia de lo real. Muchos de sus trabajos
versan sobre la duda de la verdad que se le otorga a las imágenes fotográficas.
Se posiciona en una línea de cuestionamiento y duda hacia la veracidad de la
imagen fotográfica. Su extensa obra se caracteriza por el uso de herramientas
informáticas en su tratamiento y su presentación de manera interactiva con el
espectador. Al igual que otros artistas contemporáneos, representa una visión
crítica de la realidad, las verdades fotográficas, históricas o ficticias a
través de la fotografía y su contexto.
Miki Leal (Sevilla, 1974) Es
uno de los artistas andaluces con más proyección internacional y uno de los
nombres fundamentales de la pintura contemporánea de este siglo. Pasó su niñez pintando montañas,
guepardos, cataratas, sabanas… porque le gustaban las fichas del National Geographic. Tribus
extrañas, ciudades extremas y animales nunca vistos. Según él, estas revistas eran
una fuente de conocimiento de una realidad muy visual.
Y precisamente mucho de ese universo infantil es
el que muestra en los últimos trabajos que presenta en el museo de Sevilla. Sus
creaciones mezclan los géneros tradicionales de la pintura, de modo que no se
sabe si lo que se ve es un retrato, un bodegón o un paisaje. Además de decenas de exposiciones
colectivas en lo que va de siglo, ha realizado exposiciones individuales en
Alemania, Italia, Estados Unidos y Filipinas. En España ha trabajado con
galerías como Fúcares, Rafael Ortiz, Benveniste, Magda Bellotti, Mercedes
Delicado o Cavecanem. Sus creaciones han
llegado a museos como el Reina Sofía de Madrid, el Patio Herreriano de
Valladolid, el Artium de Vitoria y el CAAC de Sevilla.
Guillermo Pérez Villalta. (Tarifa, 1948) Pintor y escultor
español, integrante de la nueva figuración madrileña y uno de los pintores más
representativos del posmodernismo en España. Algunas fuentes le incluyen en una
corriente que llaman neomanierismo. Comenzó
a estudiar Arquitectura, una disciplina que ha seguido influenciando su obra
pictórica aunque finalmente abandonó los estudios para pintar. En 1968 se trasladó a Madrid. Ya en
los 70 conformó un estilo «manierista» de colorido y figuras deformadas en
contorsiones. A mediados de los 80, fue hacia un colorido más cálido y sucio, con
una técnica más suelta. Frente a los
valores de cierta modernidad abstracta, su pintura es de naturaleza totalmente
narrativa, como se aprecia en dos de sus obras muy significativas, que se
encuentran en el Museo Reina Sofía de Madrid: Grupo de personas en un atrio y Gente
a la salida de un concierto de rock. Su interés por temas mitológicos y religiosos
le distingue de la corriente mayoritaria de la pintura actual; en 1982 diseñó
una baraja española donde sustituyó las figuras habituales por dioses y santos
desnudos. El Rey de Oros era una fusión de Cristo y Baco.
Es un pintor
que sigue métodos de diseño y producción tradicionales: múltiples bocetos,
técnica depurada de lenta ejecución... Acusa influencias dispares y se confiesa
admirador no sólo de maestros antiguos, sino también de Giorgio de Chirico,
Marcel Duchamp y Dalí. Con el paso del tiempo ha ido diversificando su
producción, creando grabados en aguafuerte y litografía y diseñando
escenografías para teatro, cerámicas, muebles, tapices y estatuillas. Está
presente en colecciones como: Museo Reina Sofía de Madrid, Museo de Bellas
Artes de Bilbao, Fundación Juan March de Palma de Mallorca, Fundación Suñol de
Barcelona y Patio Herreriano de Valladolid. En 1985 recibió el Premio Nacional
de Artes Plásticas.
Rosa Torres (Valencia, 1948) Pintora y
grabadora. Estudió Bellas Artes en la Escuela de San Carlos de su ciudad natal.
A principios de los 70 entró en contacto con las vanguardias valencianas, como
el Equipo Crónica y
el Equipo Realidad. Trabajó como pintora de taller con el
Equipo Crónica. En 1970 inició una fructífera relación con la Galería Rosalía
Sender de Madrid, que aún hoy mantiene. Allí realizó su primera exposición, y
desde entonces realizó 50 exposiciones individuales. En 1982 representó a España
en la Bienal de Venecia. Recientemente, la Fundación Vital
Kutxa de Vitoria expuso y catalogó una selección de sus lienzos fechados entre
1973 y 2002. Además, ha participado en más de 100 exposiciones colectivas en
toda España, Brasil, México, Estados Unidos, Venezuela y Francia. En su obra destaca
como tema el paisaje.
