La compañía italiana Motus reflexiona sobre el presente conuna mirada al pasado, en el Teatro Pradillo


El Festival de Otoño a Primavera acoge en
marzo el montaje ‘Alexis, una tragedia griega’
· Ese mismo mes, el festival acoge el regreso del compositor
Heiner Goebbels a los escenarios madrileños con ‘Max Black’
· En abril, Aurélia Thierrée, nieta de Charles Chaplin,
presenta su última creación ‘Murmurs’


 La XXX edición del Festival de Otoño a Primavera acoge tres
nuevos estrenos durante los meses de marzo y abril. La compañía italiana
Motus revisa una de las figuras más controvertidas del teatro clásico,
Antígona, con la puesta en escena del montaje Alexis, una tragedia griega,
que estará en cartel del 7 al 9 de marzo. El aclamado compositor Heiner
Goebbels regresa a los escenarios de la Comunidad de Madrid con uno de
sus grandes éxitos, Max Black, que podrá verse del 8 al 10 de marzo.
Finalmente, le llega su turno a la actriz Aurélia Thierrée, que vuelve a
Madrid con su último espectáculo, Murmurs, del 4 al 7 de abril.

La compañía Motus define el leitmotiv de su proyecto Antígona, dentro
del cual se enmarca Alexis, una tragedia griega, como una mirada al pasado
con el fin de reflexionar sobre el presente. El montaje es una investigación
documental y poética sobre la complejidad de la historia contemporánea.
Los artistas escuchan el latido de lo que sucede en la calles cada día y lo
incorporan de forma constante e infatigable a su trabajo sobre las tablas.


La obra, que estará en el Teatro Pradillo (C/ Pradillo, 12. Madrid) del 7
al 9 de marzo, saca a escena la relación indispensable entre el arte y la
ciudad como punto de partida de los cambios políticos y sociales de
cualquier sociedad. La compañía italiana propone así una inmersión en la
tragedia griega para trasladar al espectador a las crisis contemporáneas que
desde hace un tiempo agitan las grandes metrópolis europeas.

Con Motus el escenario se convierte en un ente dominado por una
presencia coral, emotiva y conmovedora. Sobre las tablas se dan la mano
diálogos, entrevistas, reflexiones, intentos de traducción del griego al inglés
y al italiano, fragmentos de audio y vídeo interactivos, descripciones de
ambientes y paisajes, declaraciones políticas y un sinfín de testimonios. La
obra está sobretitulada al castellano.


Fuego, acción y sonido sobre las tablas

El genial director y compositor Heiner Goebbels crea un arte teatral tan
refinado como su exquisita técnica instrumental, desarrollando un lenguaje
muy personal donde estilos musicales aparentemente incompatibles
confluyen. En el espectáculo Max Black, que se estrenó en abril de 1998 en
Lausanne (Suiza), y pudo verse en el Teatro Nacional de Cataluña en 1999
y en el Festival de Otoño de la Comunidad de Madrid en 2002, Goebbels
emplea textos de Paul Valéry, Georg Christoph Lichtenberg, Ludwig
Wittgenstein y del propio Max Black para componer la obra.
El público madrileño podrá disfrutar de nuevo de Max Black gracias al
Festival de Otoño a Primavera, en esta ocasión, en los Teatros del Canal
(C/ Cea Bermúdez, 1. Madrid), del 8 al 10 de marzo. Este montaje trabaja
con el reflejo del fuego de una forma inesperada y sorprendente, mientras la
música, los sonidos y los ruidos son enteramente producidos y activados por
un investigador, el actor André Wilms, solo en escena. El escenario se
convierte en un laboratorio de ideas que el espectador descubre poco a
poco conducido por unos fusibles que, encendidos, desencadenan
reacciones en cadena. Todo lo que el intérprete hace se transformará en luz
(fuego), imágenes (acción) y música (sonido).


Ilusionismo escénico maestro

Ya en el mes de abril, del 4 al 6, los Teatros del Canal serán el escenario
del regreso a Madrid de Aurélia Thierrée, con Murmurs, tras la gran acogida
que recibiera su anterior pieza El oratorio de Aurélia, programada por el
Festival de Otoño en primavera en 2010. Uno de los linajes artísticos más
aclamados del último siglo, Thierrée-Chaplin, acerca ahora al público a un
hechizante despliegue de ilusionismo escénico especialmente creado por y
para la joven Aurélia, nieta de Charles Chaplin. El espíritu indomable de
esta obra maestra habla de tradiciones únicas y de una imaginación efímera
que redefine el concepto de teatralidad a cada paso.

Murmurs es una pieza onírica y sensual concebida como una
continuación de El oratorio de Aurélia, donde las ciudades abandonadas
vuelven a la vida y las habitaciones exhalan ríos de información, historias de
gentes que una vez existieron. Una mujer sola huye de la realidad, con su
vida empaquetada en cajas de cartón. El misterio aflora y la protagonista es
perseguida a través de edificios abandonados y calles que no llevan a
ninguna parte. La escena es un rompecabezas que poco a poco se
ensambla, gracias a la traviesa mezcla de ilusión, manipulación, circo y
danza que la directora de la pieza, Victoria Thierrée, saca a escena.
Es posible consultar la programación del XXX Festival de Otoño a
Primavera de la Comunidad de Madrid, información de los espectáculos,
horarios, venta de entradas y descuentos, en www.madrid.org/fo.

Jesús Lorenzo: diseñador de alegres colores en la piel para Groenlandia

Para la ocasión, el diseñador se inspira en dos tendencias que serán todo un referente para el próximo año: steampunk & glam. De la fusión de ambas, nace el Steam Glam, una propuesta única, made in Groenlandia, que atrapará todas las miradas.

LMA

 El diseñador navarro Jesús Lorenzo ha diseñado para la firma Groenlandia, sus nuevas creaciones en piel. La pasarela Mercedes Benz Fashion Week Madrid acogió un escenario virtual en el que la mujer Groenlandia se adentra en una ciudad de estética steam punk y la recorre al abrigo de sus nuevos diseños. Una propuesta joven y atrevida.

El estilo gótico y retrofuturista del steam punk ha sido revisitado por Jesús Lorenzo aportándole un toque glam que lo sofistica. Ambos referentes se han colado con fuerza en disciplinas artísticas tan diversas como la literatura, la pintura, el diseño gráfico o la música. El concepto Steam Glam cuenta con un toque deluxe hiperfemenino que captará todas las miradas.

En diversas ilustraciones que llenarán de color la pasarela la mujer Groenlandia lucirá las piezas más icónicas de la colección. En su paseo por una ciudad imaginaria, a medio camino entre Mad Max y Blade Runner, irá de compras, visitará el barrio bohemio, saldrá al caer el sol y se perderá por sus bulliciosas calles en mitad de la noche. El desfile se articula en esta secuencia, con cuatro grupos de salidas, en las que se presentarán las 38 piezas que forman la colección.

En las salidas de la mañana destacarán los visones de colores vivos (azul Klein, rojo puro, amarillo), las pieles con manchas y el astrakán. Para el recorrido por las galerías del Soho, las piezas se vuelven más “arty”. En ellas se fusiona el weassel con las napas metalizadas, el visón con textil estampado y las martas cibelinas con lana. Incluso, aparecerán prendas que, a modo de lienzo, han sido pintadas a mano para la ocasión. Para la sección de cocktail, las creaciones en castor, racoon y lince se presentan en combinación con napas grabadas de efecto animal. Y, por último, para la noche los diseños se sofistican aun más y aparecen los visones con efecto oro, el Astrakán bitono negro-azul y las delicadas martas cibelinas que, al natural, muestran todo su esplendor.

Dentro de la colección destacan las prendas con silueta A, los volúmenes arquitectónicos y los cortes asimétricos. Las piezas para hombre también tienen su lugar, esta vez, realizadas en astrakán. El inconfundible “sello Groenlandia” se aprecia en la ejecución de piezas de estructura impecable, donde la mejor tradición peletera se fusiona con un estilo urbano y contemporáneo. Como es habitual en la casa, muchas de las prendas se benefician de las últimas tecnologías desarrolladas en I+D, son reversibles y muy ligeras.

En esta ocasión, la llamativa paleta de Jesús Lorenzo para Groenlandia se inspira en la estética steam, con tonos que van del negro al burdeos pasando por los marrones y los metalizados. La nota de color la ponen los vivos tonos que vienen de la inspiración glam: verdes, azules, rojos…

Una vez más, la firma va un paso más allá y cuenta con creaciones sorprendentes e innovadoras. El compromiso de la casa por renovar el estilo de la moda en piel es imparable y está cosechando un gran éxito a nivel de público y crítica.

Biografía de Jesús Lorenzo

Nacido en Pamplona, Jesús Lorenzo es licenciado en Económicas por la Universidad de Navarra, graduado en Diseño en Piel por Saga Design Center (Copenhage) y en Peletería por FSS International Grading Course (Helsinki). En la actualidad combina su faceta como diseñador con la de experto en management de empresas del sector del lujo en moda en piel.

Con su primera colección para Groenlandia,  presentada en 1998 en la Pasarela Piel España  (Barcelona) cosechó un gran éxito de público y crítica. Desde entonces, sus creaciones, confeccionadas enteramente en su atelier de Pamplona, han sido presentadas en las pasarelas de mayor prestigio internacional como HK Fur Fashion (Hong Kong), Fur Fashion Week (New York), Nafa Fur Fashion (Toronto), Dubai Nafa Fur Fashion (Dubai), Mifur (Milán), Nafa Fur Fashion (Milan) y la Semana Internacional de la Moda (SIMM), entre otros.

Sus colecciones han sido distinguidas en numerosas ocasiones con el prestigioso premio Top Lot, de NAFA (North American Fur Awards). Tal reconocimiento supone un hito que Jesús Lorenzo comparte tan sólo con otras tres firmas europeas. Dicho premio reconoce tanto la excelencia de los materiales empleados como la originalidad de sus propuestas. Recientemente, el Museo del Traje de Madrid ha adquirido uno de sus ya célebres abrigos pintados al óleo.

Lorenzo es el diseñador de piel más joven en Europa de tercera generación familiar y está presente en redes sociales. Fue el primer diseñador en tuitear su desfile en directo desde la Pasarela hace cuatro años:

1. Facebook: www.facebook.com/peleteriagroenlandia

2. Twitter: www.twitter.com/pgroenlandia

3. Foursquare: www.foursquare.com/peleteriagroenlandia

4. Youtube: www.youtube.com/peleteriagroenlandia

Aniversario de la recuperación del patrimonio cultural del pecio de Nuestra Señora de Las Mercedes

·         La investigación aparejada a la restauración aporta datos de interés sobre la vida a bordo del barco

 Hoy se cumple un año del regreso a España del patrimonio recuperado del pecio Nuestra Señora de Las Mercedes. Los expertos del Museo Arqueológico Nacional y del Museo Nacional de Arqueología Subacuática ARQUA continúan trabajando en las 574.553 monedas de oro y plata, sometiéndolas a un complejo y laborioso proceso de documentación, catalogación, conservación y restauración.

En aquel momento el ministro de Educación, Cultura y Deporte, José Ignacio Wert, calificó la recuperación del patrimonio como de un hecho histórico, que marcaría un antes y un después en la protección internacional del patrimonio subacuático.

En la actualidad se está trabajando en el diseño de una exposición permanente del conjunto del patrimonio de La Mercedes que será instalado en el Museo Nacional de Arqueología Subacuática, en Cartagena. Paralelamente también se está diseñando una exposición temporal itinerante que será ofrecida a las Comunidades Autónomas. Ambas podrán verse a partir del segundo semestre de este año.

Investigación y restauración

Nunca antes se había tenido que gestionar un patrimonio cultural subacuático de tan grandes dimensiones. En ese sentido, las labores de restauración están sentando también un precedente científico. A principios de marzo, un Comité de expertos determinará el sistema por el cual realizar la restauración de forma masiva de estos bienes.

Entre tanto, la restauración avanza por métodos tradicionales que están arrojando datos interesantes sobre la vida a bordo del barco. Ejemplo de ellos es el hallazgo de una charretera de botones de oro con la corona real que es una prueba arqueológica de la presencia de personal de la Marina Real a bordo de la embarcación y contextualiza la fecha del hundimiento en 1804.

             

Al encontrarse amalgamada, permite elaborar la hipótesis de que el tripulante se había quitado esta botonadura al estar en desuso, tras el reglamento de 1802, que ordenaba sustituirlas por la que presenta una corona real sobre ancla, y las portaba en una bolsa de tela, al encontrarse fragmentos de ésta adheridos al cúmulo de botones.

Festival de Arte Sacro de la Comunidad ofrece esta semana nuevos conciertos y un ciclo de cine

· Francis Poulenc es homenajeado en el 50

aniversario de su muerte

· Obras de Boccherini y Rossini protagonizan sendos

conciertos de la semana

· Se escucharan obras destacadas de la música

litúrgica desde la Edad Media hasta el siglo XIX

L.M.A.

     25.02.13 .- MADRID .- El XXIII Festival de Arte Sacro de la Comunidad de Madrid llega a su cuarta semana e incorpora un ciclo de cine, en el Ateneo de Madrid que incluirá cinco películas. El certamen también incluye cinco conciertos de música en otros tantos espacios de la capital.

El miércoles 27 de febrero, a las 20:30, el Coro Francis Poulenc,

dirigido por Blanca Anabitarte, acompañados al órgano por Diego

Fernández, ofrecerán el concierto El sentimiento religioso en la música vocal

europea. El programa presenta en la primera parte a tres figuras claves de

la música vocal del Renacimiento y de los albores del Barroco: Pierluigi da

Palestrina, William Byrd y Heinrich Schütz. Estarán precedidos por obras

para órgano de figuras de la música para tecla como Luzzasco Luzzachi,

John Bull y Giovanni Gabrielli. En la segunda parte se rinde homenaje a

Francis Poulenc en el cincuentenario de su fallecimiento, y entre las obras

que se interpretarán del autor destacan las Letanías a la Virgen Negra de

Roc-amadour.

El segundo concierto de la semana será la versión original del

hermoso Stabat Mater, Op.61 del compositor Luigi Boccherini compuesto

para tres voces: soprano, mezzosoprano, tenor y orquesta de cuerda. Esta

composición propone una visión diferente y renovada de otros Stabat Mater

siendo uno de sus más atractivos trabajos. La soprano Inmaculada Laín, la

mezzosoprano Harriet Kirk, el tenor Rodolfo Albero y el Sestetto Camerata

Lírica darán vida a este Stabat Mater del compositor y cellista toscano,

considerado español, Boccherini, el 28 de febrero a las 21:00 en la

Parroquia Virgen de la Milagrosa.

La siguiente cita del certamen, tendrá lugar en el Real Conservatorio

Superior de Música, el 1 de marzo a las 19:00. La soprano Cecilia Lavilla

Berganza, la mezzosoprano Marta Infante, el tenor Alain Damas, el barítono

Luis Santana, el Coro Matisse y los pianistas Charles Matthews y Antonio

Silva, todos bajo la dirección de Pilar Ordóñez, ofrecerán la obra sacra

postrera de Gioacchino Rossini, Pequeña Misa Solemne. Con esta obra, el

músico de Pésaro rompió moldes en cuanto a la armonización,

distanciándose de los compositores coetáneos proyectándolo hacia la

modernidad.

Mientras, la Schola Polifónica de Madrid, dirigida por Francesco

Ercolani, ofrecerá su tercer concierto de Polifonía rusa para Cuaresma y

Pascua en el Centro Cultural Paco Rabal de Madrid, el domingo 3 de marzo

a las 12:30.

El quinto concierto de la semana se celebrará el lunes 4 de marzo a

las 20:30, en la Iglesia de Santa Teresa y Santa Isabel de Madrid. El

concierto Juxta Ritum (Música para la Semana Santa) correrá a cargo del

Coro Hora Ludens, con Luis Noaín al órgano, dirigidos por Joaquín Huéscar.

El programa recoge lo más destacado de la música litúrgica desde la Edad

Media hasta el siglo XIX. Vertebra el concierto la Misa de las Parroquias de

Charles Gounod. En la misma corriente se encuentran las piezas que se

interpretan de Johannes Brahms y Thomas Atwood. Un último grupo de

obras recorren lo más significativo del repertorio pensado para la Semana

Santa.

Antonio de Ávila expone su pintura en el Centro Galileo de Madrid

L.M.A. 

         25.0213 .- Madrid .- El pintor Antonio de Ávila (Ávila, 1958) expone sus últimas pinturas a partir del próximo lunes, día 4 de marzo. El artista sigue con su serie de macetas y flores de gran belleza formal y cromática. Rosales, rosas, lirios, orquídeas y otras flores son un buen pretexto para la amplia paleta del color de sus cuadros. La exposición ha sido comisariada por Manoli Ruiz.

         Tomás Paredes, presidente de la Asociación Española de Críticos de Arte, AECA, escribe en el catálogo:

“Tanto el título de la exposición como el perfume invitan a la lírica; mas, quiero huir de  la retórica. Jardín, silencio, rincón, perfume, magia, suenan a Soto de Rojas, a hortus conclusus, misterioso, pero esta pintura es diáfana, pretende complacer y complacerse”.

“El arte es resultado. De sólito, hablamos de honestidad, de verdad, de pureza… ¡Señuelos para despistar! Importa lo que resulta de la manipulación del autor. Antonio de Ávila es un pintor que vive de la pintura, por la pintura, para la pintura, en la pintura. A la usanza clásica se ha dado a conocer con el topónimo de su lugar de  nacimiento. Ávila se inició en el mundo del arte a través de la figuración costumbrista, pasó después al expresionismo, al hiperrealismo, al realismo mágico; derivó, más tarde, hacia el paisaje, el retrato, aún, a la pintura blanca, para acabar en sus jardines, orquídeas y rosales”.

“Ahora nos muestra una selección de sus últimos tres años de trabajo. Sin prisa, pero sin pausa, ha dado una vuelta de tuerca a esta postrera iconografía, empleando telas, collage, mezclando óleo y acrílico, al soporte de pvc expandido y al metacrilato como efecto, haciendo dialogar las veladuras y las transparencias. Todo ello para buscar nuevas sensaciones que provocan nuevas emociones”.

“El cuadro es un medio para aquello que quiere comunicar el artista. Y mucho más. Quienes se agarran a la manoseada actitud de que pintan lo que quieren ajenos a todo, mienten o se engañan. El autor pinta para conmover, impresionar, hechizar o fustigar al espectador. El pintor necesita vender, es decir, crear un objeto trascendiendo la entidad objetual, que alguien requiera por placer sensorial o intelectual. Para ello, debe crear un mundo visual que aflore la sensibilidad del otro, despertarla,  enriquecerla, excitarla”.

“El arte no es un hobby, es una necesidad, un determinante, una forma de vivir, de concebir un mundo propio con el que comunicarse. Acostumbrados a la publicidad de los nombres mediáticos, parece que tras ellos no existe nada o sólo una gleba de pequeños aspirantes. Pero, como sintió Maurice Maeterlinck: “no hay vidas pequeñas: cuando las miramos de cerca, toda vida es grande”.

“Cuando contemplamos ese rosal amarillo pajizo, que nos aprehende y nos sorprende, que nos embarga y nos da placer, no pensamos en una vida pequeña, sino en la belleza, en un indicio claro de grandeza expresiva, en la transformación mágica de la materia..”

“Acostumbrado como está Ávila, a pintar del natural, podríamos pensar en una copia de su jardín, en una representación. No, se trata de una recreación de su taller, haciendo suyo el pensamiento de Edvard Munch, que repetía: “no pinto lo que veo, sino lo que vi”.

“Solaz del espíritu, esta pintura que es ambiciosa – toda creación es ambiciosa aunque vista ropajes de sencillez- no está hecha para decorar, sino para llegar al sentimiento, para inundar de perfume un corazón que está en la vida, sin desdeñar un paraíso. ¡Enseñar deleitando con naturalidad, qué belleza, qué meguez!”

                                                                                                                

“El arte es resultado. De sólito, hablamos de honestidad, de verdad, de pureza… ¡Señuelos para despistar! Importa lo que resulta de la manipulación del autor. Antonio de Ávila es un pintor que vive de la pintura, por la pintura, para la pintura, en la pintura. A la usanza clásica se ha dado a conocer con el topónimo de su lugar de  nacimiento. Ávila se inició en el mundo del arte a través de la figuración costumbrista, pasó después al expresionismo, al hiperrealismo, al realismo mágico; derivó, más tarde, hacia el paisaje, el retrato, aún, a la pintura blanca, para acabar en sus jardines, orquídeas y rosales”.

“Ahora nos muestra una selección de sus últimos tres años de trabajo. Sin prisa, pero sin pausa, ha dado una vuelta de tuerca a esta postrera iconografía, empleando telas, collage, mezclando óleo y acrílico, al soporte de pvc expandido y al metacrilato como efecto, haciendo dialogar las veladuras y las transparencias. Todo ello para buscar nuevas sensaciones que provocan nuevas emociones”.

“El cuadro es un medio para aquello que quiere comunicar el artista. Y mucho más. Quienes se agarran a la manoseada actitud de que pintan lo que quieren ajenos a todo, mienten o se engañan. El autor pinta para conmover, impresionar, hechizar o fustigar al espectador. El pintor necesita vender, es decir, crear un objeto trascendiendo la entidad objetual, que alguien requiera por placer sensorial o intelectual. Para ello, debe crear un mundo visual que aflore la sensibilidad del otro, despertarla,  enriquecerla, excitarla”.

“El arte no es un hobby, es una necesidad, un determinante, una forma de vivir, de concebir un mundo propio con el que comunicarse. Acostumbrados a la publicidad de los nombres mediáticos, parece que tras ellos no existe nada o sólo una gleba de pequeños aspirantes. Pero, como sintió Maurice Maeterlinck: “no hay vidas pequeñas: cuando las miramos de cerca, toda vida es grande”.

“Cuando contemplamos ese rosal amarillo pajizo, que nos aprehende y nos sorprende, que nos embarga y nos da placer, no pensamos en una vida pequeña, sino en la belleza, en un indicio claro de grandeza expresiva, en la transformación mágica de la materia..”

“Acostumbrado como está Ávila, a pintar del natural, podríamos pensar en una copia de su jardín, en una representación. No, se trata de una recreación de su taller, haciendo suyo el pensamiento de Edvard Munch, que repetía: “no pinto lo que veo, sino lo que vi”.

“Solaz del espíritu, esta pintura que es ambiciosa – toda creación es ambiciosa aunque vista ropajes de sencillez- no está hecha para decorar, sino para llegar al sentimiento, para inundar de perfume un corazón que está en la vida, sin desdeñar un paraíso. ¡Enseñar deleitando con naturalidad, qué belleza, qué meguez!”

Más información: 
http://antoniodeavila.mifotoblog.com/

                                                                                                                

         Manuel Pérez-Lizano, historiador y crítico de arte escribe sobre su vida

 

Manuel Pérez-Lizano

Julia Sáez-Angulo

      Manuel Pérez-Lizano Forns (Zaragoza, 1937) es un veterano historiador del arte, miembro de la Asociación Española de Críticos de Arte, AECA, un investigador en su campo, que cuenta con diversos libros publicados, entre ellos Ángel Azpeitia: Historiador y crítico de Arte” Intensidad radial 1933 – 2012.

         Presidente de la Asociación Aragonesa de Críticos de Arte, Manuel Pérez-Lizano ha escrito el libro “Arte con mi tiempo 1937 – 2007” en el que vuelca su conocimiento y experiencia en la creatividad plástica de las artes visuales, a lo largo de toda su vida profesional en el campo de las Bellas Artes. El libro lleva ilustraciones en blanco y negro.

         Pérez-Lizano dijo de sí mismo en 2007: “Creo que tengo un buen ojo para el arte, sensibilidad y experiencia. La obra de arte auténtica transmite algo que sale fuera y yo lo noto”. El autor estuve presente en la última asamblea de AECA, durante ARCOmadrid 2013.

         Juan Ignacio Bernués Sanz escribe en una introducción al libro: “el lector ha de penetrar en una vida torrencial que (…) ha de volvernos a sorprender a todos, aunque algunos ya nos sepamos algunos capítulos, desgranados por su autor alrededor de un gin-tonic o en cualquier esquina de Zaragoza a las cinco de la madrugada”. Una vida intensa y en algunos momentos desmesurada.

Ante el retrato que le hizo Sergio Abraín

         “Arte con mi tiempo 1937 – 2007” viene a ser una biografía muy pegada a la vida familiar y cotidiana en la que el encuentro con el hecho artístico es elocuente”.

         El libro “Arte con mi tiempo 1937 – 2007” incluye fotografías en blanco y negro o color, correspondencia con diversos artistas y personajes del circuito artístico, manuscritos y poemas, esto le concede un valor documental. La bibliografía completa de Pérez-Lizano se añade al final para completar la información.

         El arte español y particularmente en Aragón, le debe mucho a este notable crítico y analista.

Víctor Morales Lezcano habla de Canarias e Inglaterra en la Tertulia Ilustrada

 Víctor Morales Lezcano

L.M.A.

         El historiador Víctor Morales Lezcano (Las Palmas de Gran Canaria, 1946) ha impartido una conferencia sobre “Los ingleses en Canarias” en la Tertulia Ilustrada de Madrid, título homónimo de un libro suyo publicado en 1986 por Edirca. El historiador es profesor emérito de la Universidad de Educación a Distancia de España.

         Morales Lezcano hizo un recorrido por los distintos hitos en que las Islas Canarias y Gran Bretaña tuvieron contactos por distintos motivos históricos, desde el Renacimiento hasta la segunda guerra mundial, pasando por la presencia del almirante Horacio Nelson que pretendió atacar y conquistar las islas hasta legar a la historia del Dragón Rapid, el vuelo, que partiendo de Inglaterra recogió a Franco el 17 de julio de 1936, antes del Alzamiento de fuerzas armadas contra la República.

         El conferenciante habló de los cuatro libros de investigación que ha dedicado al tema, fruto de becas y apoyos en los primeros tiempos de su carrera profesional. Después han sido la relaciones internacionales de España y Francia en el Norte de África, el foco de su estudio, lo que le ha llevado a sucesivas publicaciones de libros.

         La Tertulia Ilustrada, que cuenta con cinco años de antigüedad, está presidida por María Eugenia Martínez y coordinada por Julia Sáez-Angulo. A la misma asisten entre otros, el profesor Antonio López Zuazo, la periodista Laura López Ayllón, el escritor Juan Rodríguez, el economista Miguel Fernández de Pinedo, la poetisa  Rosario Cueva y la pintora María Pilar Venegas.