EDUARDO CHILLIDA. Documental sobre el escultor dirigido por Arantxa Arregui, en los Cines Verdi,

Grupo de Mujeres Progresistas del Retiro

• De Eduardo Chillida se ha celebrado el centenario de su nacimiento en 2024.

J.S.A.

Fotos: Rosa Gallego

        13/1/25.- Madrid.- El Grupo de Mujeres Progresistas del Retiro, al que pertenecen numerosas artistas visuales, convocó a sus socias y amigas, a la visión del documental sobre el escultor Eduardo Chillida, que tiene lugar en los cines Verdi de Madrid. A la salida tuvo lugar un coloquio improvisado, sobre la película dirigida por Aratxa Aguirre, y la impresión general fue que resultó en exceso evasiva, poco informativa sobre la vida y creatividad del artista, demasiado poética, etérea, con excelente fotografía y buscada lentitud. 

    Entre las asistentes: Rosa Gallego del peso,  Adriana Zapisek, Carmen Valero, Raquel Soto, María Jesús Aragoneses, Julia Sáez Angulo, Carmen Espinosa, Amparo Ruiz de Ayllón, Carmen Tejerizo, Carmen Paz, Goyi Mateos,   Concha Tejeda, Patro, Sagra… 

    Algunas echaron de menos más videos reales con las palabras directas de Eduardo Chillida, otras hubieran querido saber las diferencias que tuvo con su “padre artístico”, el escultor Jorge Oteiza (pasa de puntillas el documental diciendo que le dolió mucho esa ruptura al escultor, y el espectador quiere saber por qué); otras echaron de menos la maqueta y explicación del célebre proyecto sin hacerse en la montaña de Tindaya, Canarias, -otra mención que se pasa de largo-; otra señaló que la relación de la obra con la Naturaleza de Chillida Leku es puro jardín o parque domesticado y muy pulido, más que Naturaleza libre en sí, como por ejemplo la instalación de land art de Walter di María…    Rosa resaltó "la destreza en su inspiración del escultor, y su motivación en el hacer de esas esculturas, su inspiración en el caserío, ha sido un hallazgo que desconocía, me ha encantado ver como ha sacado tanto ingenio de tan poco. El caserío convertido en Museo es una maravilla y su reconstrucción ha quedado espectacular". A Raquel le pareció sublime la película, a mí, como informadora me pedía más datos el cuerpo, más acción , más drama... demasiado evanescente.

    El documental, bello, pero en exceso alado y delicuescente para quien busca más datos firmes y sólidos sobre Eduardo Chillida Juantegui (San Sebastián 1924- 2002), que fue un escultor y grabador, conocido por sus trabajos en hierro y en hormigón, destacado continuador de la tradición de Julio González y Pablo Picasso, tras su viaje a París. 

    La directora del filme no olvido poner de relieve a Pilar Belzunce, la esposa de Chillida, como factotum, estímulo y apoyo decisivo del creador. El propio artista lo recuerda varias veces en su vida y cartas. Cherchez la femme, en un hombre agradecido. Seguro que a un director no se le hubiera ocurrido.         

    De Eduardo Chillida se ha celebrado el centenario de su nacimiento en 2024.

Adriana, Rosa Gallego, Carmen Valero y Julia Sáez-Angulo

Julia y Adriana en el CentroCentro, antes de acudir al documental sobre Chillida

La Fundación ICO deposita 7 obras de artistas españoles en el Museo Reina Sofía

Román Escolano, presidente de la Fundación ICO y Manuel Borja-Villel, director del Museo Reina Sofía, ante la obra de Óscar Domínguez, Le Tireur (1934)

Fotografía: Joaquín Cortés / Román Lores.

Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, 2013

Hoy, martes 9 de julio, ha tenido lugar la firma del convenio de depósito en comodato realizado por la Fundación ICO al Museo Reina Sofía. Siete obras pertenecientes a las Colecciones ICO, de seis destacados artistas españoles, componen el depósito que entrará a formar parte temporalmente de los fondos del Museo: Juan Gris, Óscar Domínguez, Carlos Alcolea, Martín Chirino, Eduardo Chillida y Juan Muñoz. El periodo de cesión ha quedado establecido en cinco años, renovable.

Al acto de firma han asistido el presidente de la Fundación ICO, Román Escolano, y el director del Museo Reina Sofía, Manuel Borja-Villel.

Las Colecciones ICO se caracterizan por su naturaleza vanguardista y por el hecho de que la mayoría de sus autores son españoles. De su colección de escultura contemporánea se han seleccionado 5 obras para ser depositadas en el Museo Reina Sofía. Se trata de sendos trabajos de Juan Gris y Óscar Domínguez -pertenecientes a las vanguardias históricas- una escultura de Eduardo Chillida y otra de Martín Chirino, de la década de los años 50, y una de las primeras piezas de Juan Muñoz, fechada en 1982. Todos los artistas son referentes de la escultura española del siglo XX y gozan de enorme proyección internacional. A estas esculturas hay que sumar el depósito de una pintura de gran formato de Carlos Alcolea y un dibujo de Juan Muñoz. Todas las obras seleccionadas contribuirán a mejorar la representación de estos artistas españoles en el discurso museográfico de la colección del Museo.

Precisamente la obra Arlequín (1923), de Juan Gris, visitó recientemente el Taller de Restauración del Museo para recuperar su aspecto original, ante los problemas de oxidación, y de fractura de la policromía. Es una obra única del pintor madrileño quien, tras abordar directamente la práctica de la escultura cubista con la ayuda de su amigo el escultor Jacques Lipchitz, y realizar Arlequín de 1917, se enfrentó en esta obra a una nueva representación del mismo tema desde una estética ligada al  nuevo clasicismo, que por esos años también ocupaba a Pablo Picasso.

De Óscar Domínguez se ha escogido el objeto surrealista Le Tireur (1934). El artista presentó sus primeros objetos en París, en 1936, en la Exposition Surréaliste d'Objets, inaugurada en la Galerie Charles Ratton. En concreto esta pieza se ha podido ver recientemente en el Museo Reina Sofía formando parte de una escogida muestra dedicada al artista canario.

Tanto la escultura de Martín Chirino, Homenaje a Lissitsky (1957-58) como la de Eduardo Chillida, Plano oscuro (1956), son exponentes de las corrientes formalistas que, afianzadas en los años 50, darán un nuevo sentido autónomo a la escultura.

Raincoat Drawing (Dibujo impermeable) de Juan Muñoz, pertenece a una serie compuesta de unas cuarenta escenas de interiores domésticos realizados con tiza blanca sobre fondo negro a finales de los ochenta. De Muñoz también queda depositada la escultura Sin título realizada en los primeros años de la década.

La obra de Carlos Alcolea solo está presente en la colección del Museo Reina Sofía con dos ejemplos de mediados de los años setenta. La incorporación de Finisterre (1988-89) supone poder contar con un trabajo de una etapa posterior. Se trata de  un díptico de gran formato que el artista dedicó a su Galicia natal y que fue pintado tras un viaje de Alcolea a Costa da Morte.

EL INSTITUTO CERVANTES ABRE EN SU SEDE DE ALCALÁ DE HENARES LA MUESTRA PERMANENTE “LUGARES DE INSPIRACIÓN” Rafael Rodríguez-Ponga ha presentado además una escultura en bronce del artista norteamericano Greg Wyatt                                                                                      El secretario general del Instituto Cervantes, Rafael Rodríguez-Ponga, ha abierto hoy en la sede de la institución en Alcalá de Henares (Madrid) la exposición permanente "Lugares de Inspiración", con obras de 14 grandes artistas contemporáneos como Saura, Arroyo, Barceló, Chillida o Gordillo. Además, ha presentado la escultura en bronce "Cervantes/Shakespeare", que ha creado y donado al Cervantes el artista norteamericano Greg Wyatt. A la inauguración han asistido el alcalde de Alcalá, Javier Bello; el rector de la Universidad de Alcalá, Fernando Galván; el diplomático, escritor y exdirector del Cervantes Santiago de Mora-Figueroa, y otros invitados. A partir de hoy, el público podrá visitar la muestra permanente, de martes a domingo, en el Colegio del Rey, el histórico edificio que alberga el Instituto en la ciudad que vio nacer a Miguel de Cervantes. Es la primera vez que el Instituto pone a disposición de cualquier visitante su "muy valiosa" colección de arte contemporáneo, según ha destacado el secretario general. Búsqueda de influencias La muestra "Lugares de Inspiración. Arte del siglo XX en español" se compone de 74 grabados realizados por algunos de los más prestigiosos artistas españoles e hispanoamericanos que han trabajado en la segunda mitad del siglo anterior, principalmente en las décadas de los años 70 y 80. El hilo argumental es la búsqueda de influencias de unos artistas en otros, sus ascendentes y referencias. Los autores se han inspirado en obras pictóricas y literarias como El Quijote, la poesía de García Lorca o los grandes maestros del Museo del Prado (Goya, Velázquez, El Greco o Rubens, entre otros). La exposición se estructura en tres partes. En la primera, el Museo del Prado inspira los trabajos de 12 nombres fundamentales del arte español contemporáneo: Antonio Saura, Luis Gordillo, Andreu Alfaro, Eduardo Arroyo, Guillermo Pérez Villalta, Albert Ràfols-Casamada, Eduardo Chillida, Gerardo Rueda, Miquel Barceló, Manuel Rivera, Gustavo Torner y Ramón Gaya. Todos ellos fueron invitados por la Fundación Amigos del Museo del Prado a reflexionar y plantear con sus pinceles la relación que les unía con algunas de las obras del museo, en un ciclo que dirigió Francisco Calvo Serraller. Fruto de esa experiencia fueron las 48 obras -cuatro de cada uno de ellos- que se muestran desde hoy. La segunda parte la forman 25 obras de Roberto Matta inspiradas en Don Quijote y el "lugar de La Mancha". El gran artista chileno (1911-2002) donó al Cervantes esos coloristas cuadros en los que traducía gráficamente El Quijote, del que era un gran conocedor. A lo largo de varias series de imágenes, Matta dejó patente su admiración por la voluntad de justicia y el amor a la libertad del personaje cervantino. Finalmente, el artista madrileño Lucio Muñoz (1929-98) eligió el poema de Federico García Lorca "Llanto por Ignacio Sánchez Mejías" como fuente de inspiración para cuatro grabados, de los cuales se expone uno en el Cervantes. Escultura en bronce También se ha presentado la escultura en bronce "Cervantes/Shakespeare", creada por el artista Greg Wyatt, que ha asistido a la presentación. El escultor norteamericano, la Academia de Arte de Hasting-on-Hudson y la Fundación Newington-Cropsey han donado la escultura al Instituto para su exposición permanente en la sede alcalaína. La obra, una composición de doble espiral que representa a los personajes de ambos autores -Don Quijote y el Rey Lear-, ofrece una interpretación de la cordura/locura literaria. Tras las palabras de Rodríguez-Ponga y del alcalde alcalaíno, el secretario general y el artista han firmado el convenio de donación de la escultura. Visitas a la exposición "Lugares de Inspiración" y la escultura "Cervantes/Shakespeare": • Todos los días excepto los lunes. o De martes a sábado: de 11 a 14 h. y de 17 a 20 h. o Domingos y festivos: de 11 a 14 h. • Lugar: Instituto Cervantes (c/ Libreros, 23, Alcalá de Henares)

“SOBRE PAPEL. OBRA GRÁFICA EN LA COLECCIÓN DE LA FUNDACIÓN JUAN MARCH”, EN PALMA

MUSEU FUNDACIÓN JUAN MARCH
Sant Miquel, 11 - 07002 Palma de Mallorca
www.march.es/museopalma


L. M.A.


Desde el próximo miércoles 9 de marzo y hasta el 14 de mayo, el Museu Fundación Juan March, de Palma, ofrece la exposición SOBRE PAPEL. OBRA GRÁFICA EN LA COLECCIÓN DE LA FUNDACIÓN JUAN MARCH, una selección de grabados procedentes de los fondos de la colección de obra gráfica y libros de artista de la Fundación Juan March (www.march.es y también Facebook). En ella están presentes algunos de los artistas –como Eduardo Chillida, Antoni Tàpies o Luis Gordillo–, cuyas obras forman parte de la colección de arte español contemporáneo expuesta en el museo.

Los inicios de la colección de obra gráfica de la Fundación Juan March son paralelos al nacimiento del otro museo gestionado por la Fundación, el Museo de Arte Abstracto Español, de Cuenca. Desde su creación en 1966, su fundador, Fernando Zóbel, un apasionado del grabado, el libro ilustrado y las técnicas gráficas, convirtió el museo en un centro impulsor de la obra gráfica en sus diferentes variedades técnicas: el museo editó y coleccionó desde muy pronto grabados, serigrafías o libros de artista, entre otros, y en torno a él se movieron nombres tan relevantes para la gráfica española contemporánea como Abel Martín, Eusebio Sempere o Antonio Saura.

Desde 1980, la Fundación Juan March, heredera del legado de Zóbel, ha continuado la labor por él iniciada y ha seguido editando y coleccionando obra gráfica original; fruto de ambos trabajos son algunas de las obras presentadas en esta exposición, intencionadamente reducida y que tendrá continuidad en el futuro.

La muestra exhibe algunas obras producidas a mediados de los 60 y los 70 (carpetas, porfolios, libros de artista), cuando el acceso a algunas obras producidas a mediados de los 60 la obra gráfica original de unos artistas prácticamente desconocidos para el gran público constituía aún una reducida novedad. Se trata de un total de casi 80 obras –entre serigrafías, litografías, aguafuertes y collages– de más de una docena de los artistas más relevantes de aquellos años. En muchas de las piezas se advierten los signos de un género trabajado de modo experimental.

En la exposición, como en la colección del museo, se refleja el espíritu de una generación de artistas que vivió sobre todo en el contexto del informalismo y la abstracción, y los paralelismos entre su obra gráfica y el total de su producción artística son tan claros como sugestivos.

Los artistas representados muestran aproximaciones a la obra gráfica diversas entre sí. En algunas obras es obvio el interés que despertó en sus autores la literatura, clásica y contemporánea: Antonio Saura ilustra un texto de Quevedo y acaba recreando el universo particular de ambos, poblado por personajes más o menos monstruosos y caricaturescos; Antoni Tàpies establece complicidades con el polifacético poeta visual, dramaturgo y agitador cultural Joan Brossa, escribiendo e ilustrando una novela a cuatro manos a partir de los secos documentos oficiales de la época. Otros, como Chillida, Feito, Guerrero, Hernández Pijuan, Millares o Sempere, utilizan el texto como acompañamiento a unas imágenes en las que prima la frescura del trazo y la plasticidad de la pintura sobre la plancha de grabado.

En su afán por conseguir objetos que se entiendan como un todo artístico, los artistas, especialmente Chillida, Millares, Tàpies o el propio Rivera –que se atreve directamente con la escritura y monta un libro en étalon– conciben las mismas carpetas que contienen materialmente su producción gráfica como un medio de expresión con un valor artístico sustantivo, que pone de manifiesto la relación directa e imprescindible entre artistas y editores.


ARTISTAS EN LA EXPOSICIÓN:
Chillida, Eduardo (1924 - 2002),
Feito, Luis (1929),
Gordillo, Luis (1934),
Guerrero, José (1914 - 1991),
Hernández Pijuan, Joan (1931 - 2005),
Millares, Manuel (1926 - 1972),
Palazuelo, Pablo (1916 - 2007),
Rivera, Manuel (1927 - 1995),
Saura, Antonio (1930 - 1998),
Sempere, Eusebio (1923 - 1985),
Tàpies, Antoni (1923),
Torner, Gustavo (1925),
Zóbel, Fernando (1924 - 1984)

Jorge Oteiza, Esculturas en “Los límites de la transparencia”

"Oteiza. Los límites de la transparencia"
Fundación Canal. Madrid
Marzo - Abril 2010



Julia Sáez-Angulo

Es uno de los primeros arquitectos españoles del siglo XX. Jorge Oteiza (Orio Guipuzcoa, 1908 – San Sebastián, 2003) es objeto de una exposición con sus obras escultóricas en la madrileña Fundación Canal.

“La muestra comprende obras que se sitúan en la segunda fase del ciclo que describe todo proceso de creación estética según la Ley de los Cambios de Oteiza”, explica la curadora Pilar de Oteiza.

“Las Cajas y las desocupaciones previas del cilindro, la esfera y el cubo, nos explican la fase final de un proceso creativo que había comenzado en los años treinta, cuando su interés por modelar la materia resultó en formas rotundas, masivas, a las que fue vaciando –desocupando de contenido y minimizando en forma- hasta destilar, depurar, las unidades mínimas –unidades formales livianas- que expresan e inducen la forma, sin opacidad; transparentemente”.

Oteiza investigó la estética de la escultura precolombina. En 1933 viajó a Sudamérica (Bolivia, Colombia, Argentina, Chile) donde permanece hasta 1949. En este periodo escribe dos textos fundamentales para la comprensión de su proyecto artístico: Carta a los Artistas de América (1944) y La interpretación estética de la estatuaria megalítica americana (1952). A su regreso a España trabaja el friso del apostolario de la basílica de Nuestra Señora de Aránzazu (1949-51). En esta iglesia, el escultor pone en práctica las ideas aprendidas en Sudamérica. La galería madrileña galería de Antonio Machón ha expuesto la obra de Oteiza.

Padre de los constructivistas españoles, también del escultor vasco Eduardo Chillida, Oteiza es un referente importante y continuo en el arte español. Riguroso en la indagación del espacio, llegó a su célebre construcción o “caja vacía”, a partir de la cual ya no cabía explorar más. Esta escultura se ha realizado en acero cortén y se encuentra en San Sebastián. Su célebre “laboratorio de tizas” se ha expuesto en diversas ocasiones, en la Caixa de Madrid y en la Documenta de Kassell.

Su difícil carácter, de cascarrabias según muchos de los que le conocieron, dificultaron la creación de su museo monográfico, finalmente en Alzuza (Navarra). Consta de 1.650 esculturas, 2.000 piezas de su laboratorio experimental y su biblioteca personal, además de una extensa presencia de dibujos y collages.

Ahora en la Fundación Canal se ofrece la posibilidad de volver a contemplar obras que “no se realizaron secuencialmente en el tiempo –Oteiza profundizaba, dejaba, retomaba las líneas de investigación emprendidas según su criterio que , sin duda, no era lineal- y los resultados eran agrupados en familias que, siempre a mano, eran influenciando las posteriores y conformando las series: Desocupación de la esfera, Desocupación del cubo, Unidades mínimas y Cajas Metafísicas

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