Miquel Barceló expone su serie pictórica “Vida de pulpo” en la galería Elvira González

-->

Miquel Barceló

Exposición “Vida de Pulpo”

Galería Elvira González.

Madrid. Enero - marzo, 2019

 Miquel Barceló

 pintura de M. Barceló

L.M.A.

            20/1/19 .- MADRID .- La Galería Elvira González ha inaugurado la segunda exposición individual del artista Miquel Barceló en la galería. La exposición consta de 29 obras de las cuales 15 son lienzos, 12 son obras sobre papel y 2 son cerámicas. Todas estas obras han sido realizadas en los últimos dos años y serán mostradas al público por primera vez.

            Vida de Pulpo es el título escogido por el artista para esta exposición que alude al vínculo de Barceló con el mar, con su naturaleza y su fauna con la relación del ser humano y las aguas. Una visión romántica y desoladora. Inquietante mar tormentoso que parece prever el momento en el que vivimos. Algunas barcas con seres humanos y alguna barca vacía en mitad del mar.

            Un gran pulpo multicolor de dos metros preside una de las salas de la exposición. Además veremos otros temas en los que Barceló ha trabajado recientemente como dibujos del libro Fausto de Goethe, algún cuento clásico e incluso autorretratos.

            Con motivo de la exposición, la galería ha publicado un catálogo que además de las obras expuestas, recoge imágenes de dos cuadernos que Miquel Barceló fue elaborando a medida que pintaba las obras de la exposición. En estos cuadernos, a modo de diario, se puede apreciar la evolución de la obra desde su planteamiento hasta su materialización y además recogen pensamientos de Barceló que abarcan temas cotidianos, obligaciones diarias y pensamientos de carácter filosófico y poético.

            “Llevaría una vida de pulpo. De noche comiendo cangrejos y gambas Y en las horas de sol, dentro de las barracas. No iría casi nunca a la Ciutat, ni a misa, ni al mercado. No haría nada en todo el día, observaría las colecciones de caparazones de cangrejos peludos y lapas. Tendría cuidado con las morenas pero me entretendría mirando un sorbo de tinta suspendido, exuberante (circunspecto) siempre a punto de proyectar un gargajo negro definitivo y acabar cualquier conversación”, escribe  en el pintor en el  Cuaderno de Miquel Barceló (Alchi, Bangkok, París, Mallorca, Delhi, 2018).

Exposición "VIVARIUM" Bordados de Francisca Artigues sobre dibujos de Miquel Barceló

-->

Real Jardín Botánico - Madrid

 Maica NÖIS

30 de diciembre de 2018- Pasear en una bella mañana de un invierno soleado  por el Jardín Botánico y , siendo el último domingo del año ya es una placer,  al que hoy le unimos la emocionante exposición que se podrá contemplar hasta el próximo día 6 de Enero de 2019 en la sala de exposiciones en el  núcleo arquitectónico del  Pabellón acristalado Villanueva del Real . Bajo el título de "VIvarium" estamos asistiendo a una apasionada historia de amor materno filiar. Miquel Barceló durante más de dos décadas ha estado trabajando con su madre Francisca Artigues en una inmensa labor de arte.

Francisca Artigues, que en la actualidad tiene 92 años, quien desde su juventud pintaba al oleo y la acuarela e investigó en la pintura abstracta, no dejando de bordar con la técnica de ganchillo (punt mallorquí) como hacía ya su madre y otras mujeres de la familia en su Felanitx-Mallorca .Abandona sus aficiones pictóricas cuando su hijo Miquel Barceló  empieza a mostrar sus dotes artísticas. Pero no así su práctica de bordar. Y es en esta práctica después de bordar con motivos de mar un mantel en azules para la mesa de las reuniones familiares de domingo cuando Miquel  que ama profundamente su entorno y sus viajes e influenciado por la obra de Joan Miró, ejecuta sus primera obras con temas animalistas asentado en el expresionismo abstracto norteamericano y el arte conceptual.

Resultado de este hilo conductor de cientos de horas de trabajo,  y que ya tuvo su primera exhibición pública en 2014 en la ciudad suiza de Sankt Gallen., es poder contemplar 13 bordados de gran formato de Francisca Artigues  cortinas, manteles y colchas - todos objetos de utilidad en la práctica de la vida familiar y el gran tapiz "Vivarium" que da título a la exposición. Que siempre fue concebido como un tapiz de grandísimo formato puesto que mide cuatro metros y medios de largo  por dos y medio de ancho. Cuya realización requirió tres años de intenso trabajo.  Hasta el último fechado en 2018 "Pop,8 potes, 3 cors".

En ellos toda la representación de los dibujos que su hijo le pintaba en el lino artesanal y que ha ido trabajando sobre bastidor en ganchillo con sus madejas de hilo de color. Aparecen una ingente cantidad pulpos, peces espada, hachas, cuchillos, manos ........  Como Miquel ha explicitado "Es como un contenedor de cosas vivas. Todo está vivo, se trasforma, crece, como si fuese una planta de patatas que salen todas de allí. Dragones, nenúfares y extraterrestres, incluso objetos, una cosa en crecimiento constante". Francisca asiente "Siempre fue divertido y diferente, pero duro" Y de nuevo Barceló la refrenda "Cada uno de estos bordados tenía una función y todos eran para alguien. Para una mesa concreta o una cama concreta. Ni siquiera pensamos que eran obras de arte, pero creo que está bien enseñarlos con esta humildad, sin más pretensiones"

La sala acoge una treintena de acuarelas y dibujos de Barceló sobre todo con motivos de animales  destacando los tres retratos de su madre al principio de la sala.

Acompaña a la exposición un desarrollo editorial en un libro de 50 f0tografias que recoge todo el proceso de  trabajo y que lleva a la contemplación de la vida familiar y el taller del  artista de Jean Marie de Moral y con un texto introductorio de Colm Tóïbin que  establece esta inter-relación "En la versión que su hijo tiene del mundo, ella ve su propia sombra, como si sus ojos y sus propias manos y su cuerpo y la mente que la acompaña en la vida se hubieran salido de ella, se hubieran exiliado de ella a otro reino en el que, con inmensa seguridad y una impresionante amplitud de miras, ambos producen imágenes y trabajan con pintura y arcilla o simplemente sueñan, con lo que podría ser la existencia".

Esta exposición, de la que se sale con  una dulce y tierna sonrisa,  lo que sí refrenda no es solo el esfuerzo en una pasión común  sino la reflexión ante  la exaltación de los más importantes valores que constituyen la vida de los seres humanos.

LA CALCOGRAFÍA NACIONAL INAUGURA EN SUS SALAS LA EXPOSICIÓN MIQUEL BARCELÓ, PREMIO NACIONAL DE ARTE GRÁFICO 2014

 XVIII PREMIO NACIONAL DE ARTE GRÁFICO.  PRESENTA AL JURADO DE LA XIX EDICIÓN, 2015 

L.M.A.

El Premio Nacional de arte gráfico en 2014 fue otorgado a Miquel Barceló (Mallorca, 1957), y con motivo de dicho galardón se expone la presente muestra del artista en la Calcografía Nacional. Este importante premio fue instituido en 1993 con el triple objetivo de reconocer la labor de los creadores que se dedican al grabado y técnicas afines, impulsar su práctica y estimular el coleccionismo de estampas. Barceló pertenece a la generación de los 80, y su propuesta estética se sitúa entre la tradición figurativa y el expresionismo contemporáneo. 

Excepcional pintor y dibujante, dinámico y multidisciplinar, investiga las posibilidades sintácticas y matéricas del arte gráfico, actividad que compagina con su interés por la escultura, la cerámica o el cine. Su capacidad polifacética encuentra su máxima expresión en los proyectos de obras monumentales, como su intervención en la catedral de Mallorca o en la cúpula de la sala de los Derechos Humanos de la ONU. 

Cinco expertos en arte contemporáneo formaron el jurado de la XVIII edición del Premio Nacional de Arte Gráfico: Víctor Nieto, Francisco Calvo Serraller, Chema de Francisco, Jaume Plensa (Premio Nacional de Arte Gráfico 2013) y el Académico Delegado de la Calcografía Nacional, Juan Bordes. 

El jurado valoró unánimemente la trayectoria de Miquel Barceló en la práctica e investigación sobre arte gráfico durante más de treinta años. 

 La presente exposición ofrece un recorrido selectivo de la obra gráfica del autor, desde sus inicios hasta nuestros días. Figurando los múltiples talleres en los que ha trabajado. En la convocatoria de prensa en la que se presenta esta exposición se dará a conocer, como viene siendo habitual, el nombre del artista galardonado con el Premio Nacional de Arte Gráfico 2015, así como la composición del jurado que lo premia y sus motivos. 

El jurado de la nueva convocatoria estará compuesto por el propio Miquel Barceló, Antonio Bonet, Chema de Francisco, Francisco Calvo Serraller y Juan Bordes Caballero, en calidad de secretario del Premio. 

***** 

MIQUEL BARCELÓ (Felanitx, Mallorca, 1957) En 1975 comienza a estudiar Bellas Artes en Barcelona, pero abandona para iniciar una carrera pictórica independiente. A finales de los años 70 presenta sus primeras obras próximas al espíritu conceptual. Después de irrumpir en la escena internacional en la Bienal de Sâo Paulo de 1981 y en la Documenta VII de Kassel en 1982, la carrera de Miquel Barceló no ha hecho más que afianzarse cada vez más como modelo contemporáneo de artista que liga su actividad con la gran tradición de la pintura occidental desde el Barroco. Instalado entre París y Mallorca, desde mediados de los ochenta sus frecuentes viajes a África Occidental alimentan su imaginario de figuras y mitos. 

Desde comienzos de los ochenta comienza a exponer en importantes museos y galerías de Europa y Estados Unidos hasta convertirse en uno de los artistas españoles más valorados en el panorama internacional. Le han dedicado exposiciones instituciones como el CAPC de Burdeos, el IVAM, de Valencia, el Jeu de Paume , el Centre Pompidou, el Musée des Arts Décoratifs y el Museé du Louvre de París, La Galleria Nazionale d’Arte Moderna de Roma, el Museu d'Art Contemporani de Barcelona y el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid. 

Ha llevado a cabo grandes intervenciones como el recubrimiento cerámico en la Capilla de Sant Pere de la Catedral de Mallorca o la cúpula de la sala XX del Palacio de las Naciones Unidas en Ginebra. Ha recibido a lo largo de su trayectoria reconocimientos como el Premio Nacional de Artes Plásticas en 1986 el Premio Príncipe de Asturias a las Artes Plásticas en 2003 o Premio Sorolla de la Hispanic Society of America en 2007, el Premio Penagos de Dibujo 2011 o el Premio de Arte Gráfico 2014, concedido por la Calcografía Nacional. 

Miquel Barceló se adscribió desde sus comienzos, a principios de los ochenta, a la corriente expresionista de recuperación de la pintura, a la que él imprimió un sello inequívoco de mediterraneidad. Sus primeras obras de madurez, se centraban en la intimidad del artista y el acto de pintar. Posteriormente ha ampliado su campo temático a las naturalezas muertas, o a las imágenes de bibliotecas y museos, en las que plasma su interés por la Historia de la pintura, así como a paisajes saturados de flora y fauna terrestre y marítima. Produce, paralelamente, tanto obra escultórica como cerámica. Especial importancia adquieren sus dibujos, organizados como diarios de viaje, en los que realiza una exploración paralela del territorio y de los materiales de la pintura. 

***** 

ORGANIZA Y CONVOCA: Calcografía Nacional, Real Academia de Bellas Artes de San Fernando 

FECHAS Y HORARIO: Del 19 de noviembre de 2015 al 20 de enero de 2016 Martes a sábado de 10:00 a 14:00 y de 17:00 a 20:00 Domingos y festivos de 10:00 a 14:00 Lunes cerrado y los días 24, 25 y 31 de diciembre y el 1 y 6 de enero Precio entrada 2 euros 

REAL ACADEMIA de BELLAS ARTES de SAN FERNANDO C A L C O G R A F Í A Alcalá, 13. 28014 Madrid TEL.: + 34 91 524 08 84 ext. 215

 C A L C O G R A F Í A Alcalá, 13. 28014 Madrid TEL.: + 34 91 524 08 84 ext. 215

Libros de artistas expuestos en el Colegio de Arquitectos de Madrid

 

 Raquel de Prada

Julia Sáez-Angulo

         Muchos de ellos son obras únicas. Son libros muy especiales salidos de la mano de los artistas que cobran el relieve de un objeto casi de culto, al menos estético y artístico. “Más que Libros”, segunda edición, se titulaba la convocatoria en la que Raquel de Prada ha coordinado la exposición y despliegue de los numerosos artistas que han intervenido. "Más que libros" era el nombre del evento llevado a cabo en el Colegio de Arquitectos de Madrid, COAM.

         Pequeños stands mostraban al público las obras “más que libros” en todo tipo de materiales: papel, cartón, poliéster, bronce, hierro, aluminio, corcho… Junto a ellos una exposición de libros singulares como el libro de Clara Janés o  el de bronce de Carmen Pallarés. Además las cajas/estuches/tesoros de Hector Delgado, María Ortega con su mundo de preciosos textiles,   Carlota Cuesta y su evocaciones, los libros escultóricos de Paz Santos o los libros de cartón  y papeles de colores recortables de la rusa Inga Ivanova.

         Un recuerdo y homenaje a los libros de artista de Pilar Lara (Madrid, 1940- 2006), hechos a base de recuerdos y collages de viejas fotografías de familia o gente sin nombre, de escenas bélicas, todas ellas combinadas con acierto y sugerencia.

         Las instalaciones corrieron a cargo de Isabel Moltó. Emilio Sdum, Jesús Herrero, Kae Newcomb, Raquel de Prada, Miquel Barceló y Valle Ayvar.

         Ana Bellido conferenció sobre el grabado no tóxico y Bruto Pomeroy mostraba bellísimos papeles artísticos para los libros de arte. Las galerías Rina Bowen  y Ra del Rey figuraban entre las más interesantes.

         

EL INSTITUTO CERVANTES ABRE EN SU SEDE DE ALCALÁ DE HENARES LA MUESTRA PERMANENTE “LUGARES DE INSPIRACIÓN” Rafael Rodríguez-Ponga ha presentado además una escultura en bronce del artista norteamericano Greg Wyatt                                                                                      El secretario general del Instituto Cervantes, Rafael Rodríguez-Ponga, ha abierto hoy en la sede de la institución en Alcalá de Henares (Madrid) la exposición permanente "Lugares de Inspiración", con obras de 14 grandes artistas contemporáneos como Saura, Arroyo, Barceló, Chillida o Gordillo. Además, ha presentado la escultura en bronce "Cervantes/Shakespeare", que ha creado y donado al Cervantes el artista norteamericano Greg Wyatt. A la inauguración han asistido el alcalde de Alcalá, Javier Bello; el rector de la Universidad de Alcalá, Fernando Galván; el diplomático, escritor y exdirector del Cervantes Santiago de Mora-Figueroa, y otros invitados. A partir de hoy, el público podrá visitar la muestra permanente, de martes a domingo, en el Colegio del Rey, el histórico edificio que alberga el Instituto en la ciudad que vio nacer a Miguel de Cervantes. Es la primera vez que el Instituto pone a disposición de cualquier visitante su "muy valiosa" colección de arte contemporáneo, según ha destacado el secretario general. Búsqueda de influencias La muestra "Lugares de Inspiración. Arte del siglo XX en español" se compone de 74 grabados realizados por algunos de los más prestigiosos artistas españoles e hispanoamericanos que han trabajado en la segunda mitad del siglo anterior, principalmente en las décadas de los años 70 y 80. El hilo argumental es la búsqueda de influencias de unos artistas en otros, sus ascendentes y referencias. Los autores se han inspirado en obras pictóricas y literarias como El Quijote, la poesía de García Lorca o los grandes maestros del Museo del Prado (Goya, Velázquez, El Greco o Rubens, entre otros). La exposición se estructura en tres partes. En la primera, el Museo del Prado inspira los trabajos de 12 nombres fundamentales del arte español contemporáneo: Antonio Saura, Luis Gordillo, Andreu Alfaro, Eduardo Arroyo, Guillermo Pérez Villalta, Albert Ràfols-Casamada, Eduardo Chillida, Gerardo Rueda, Miquel Barceló, Manuel Rivera, Gustavo Torner y Ramón Gaya. Todos ellos fueron invitados por la Fundación Amigos del Museo del Prado a reflexionar y plantear con sus pinceles la relación que les unía con algunas de las obras del museo, en un ciclo que dirigió Francisco Calvo Serraller. Fruto de esa experiencia fueron las 48 obras -cuatro de cada uno de ellos- que se muestran desde hoy. La segunda parte la forman 25 obras de Roberto Matta inspiradas en Don Quijote y el "lugar de La Mancha". El gran artista chileno (1911-2002) donó al Cervantes esos coloristas cuadros en los que traducía gráficamente El Quijote, del que era un gran conocedor. A lo largo de varias series de imágenes, Matta dejó patente su admiración por la voluntad de justicia y el amor a la libertad del personaje cervantino. Finalmente, el artista madrileño Lucio Muñoz (1929-98) eligió el poema de Federico García Lorca "Llanto por Ignacio Sánchez Mejías" como fuente de inspiración para cuatro grabados, de los cuales se expone uno en el Cervantes. Escultura en bronce También se ha presentado la escultura en bronce "Cervantes/Shakespeare", creada por el artista Greg Wyatt, que ha asistido a la presentación. El escultor norteamericano, la Academia de Arte de Hasting-on-Hudson y la Fundación Newington-Cropsey han donado la escultura al Instituto para su exposición permanente en la sede alcalaína. La obra, una composición de doble espiral que representa a los personajes de ambos autores -Don Quijote y el Rey Lear-, ofrece una interpretación de la cordura/locura literaria. Tras las palabras de Rodríguez-Ponga y del alcalde alcalaíno, el secretario general y el artista han firmado el convenio de donación de la escultura. Visitas a la exposición "Lugares de Inspiración" y la escultura "Cervantes/Shakespeare": • Todos los días excepto los lunes. o De martes a sábado: de 11 a 14 h. y de 17 a 20 h. o Domingos y festivos: de 11 a 14 h. • Lugar: Instituto Cervantes (c/ Libreros, 23, Alcalá de Henares)

Museo Würth La Rioja, Un lustro de arte contemporáneo y pasión coleccioni

Julia Sáez-Angulo

11.10.2012.- Logroño.- El Museo Würth La Rioja, que acaba de cumplir un lustro de andadura, va a recibir en breve la cifra de doscientos mil visitantes. La exposición “El coleccionista, la empresa y su colección”, que estará abierta al público hasta abril de 2013, da cuenta del recorrido del arte con obras que van desde 1935 a nuestros días. Un total de 75 piezas expuestas, con un claro rigor expositivo con cartelas bien documentadas.

         La colección Würth, que cuenta con quince mil obras de arte, es una de las más numerosas e importantes colecciones privadas del mundo en arte moderno y contemporáneo, si bien cuenta igualmente en su seno con piezas medievales. En cuanto a fondos monográficos de artistas en la colección, cabe destacar las de Hans Arp, Robert Jacobsen, Max Erns, Georges Baselitz, Eduardo Chillida, Max Bill, Amsel Jiefer, Christo o Guimaraes, entre otros.

         Aunque la colección es una unidad, cabe hablar de colección  Würth española, por cuanto las obras se han adquirido por o para el Museo Würth La Rioja en España, “el 75 por ciento de las piezas son de artistas españoles, de las que un 20 por ciento son mujeres”, según ha declarado Silvia Lindner, directora del museo español, que se encuentra en el polígono industrial de Agoncillo (La Rioja).

         La colección Würth en España se focaliza en la obra de cinco grandes nombres del arte internacional: Miquel Barceló, Richard Deacon, Miquel Navarro, Jaume Plensa y Manolo Valdés. Una buena elección sin duda, aunque siguen faltando nombres femeninos y hay cierta ausencia de la fotografía, expresión plástica clave en la actualidad.

         No olvidemos que la colección Würth --llevada a cabo por el alemán Reinhhold Würth, que ha cumplido 75 años, y su empresa, la Adolf Würth cuenta con 65 años de actividad –se reparte en varios museos en diversos países de Europa como Alemania, Austria, Francia, Italia, Suiza, Noruega y otros, todos ellos bien instalados en polígonos industriales, cercanos por tanto a los trabajadores.

40 años de coleccionismo

         Cuarenta años de coleccionismo y veinte años de exposiciones dan crédito de una acción cultural y social por parte de un acaudalado industrial que se dedica a la distribución de tornillería industrial y ha hecho fortuna. Reinhhold Würth viaja con frecuencia a La Rioja en su avión privado hasta la base aérea de Agoncillo, a donde llegó la semana pasada con un grupo de antiguos directores jubilados de la empresa para celebrarlo con gastronomía riojana.

         El Museo Würth La Rioja es uno de los elegidos por la Biblioteca Nacional para mostrar una de sus obras durante la celebración de su tercer centenario. En este caso ha expuesto la obra “Carte la plus Generale et qui comprende la Chine, la Tartarie Chinoise et le Thibet”, de 1734.

         El artista Ricard Salvatierra (1969) es también objeto de una exposición en la actualidad: “It never rains in postcards” (cada vez más son más los artistas plásticos nos colonizan con sus títulos en inglés). La muestra es una reflexión sobre la forma, el sentido y la construcción de las imágenes en 50 obras comprendidas entre 2008 y 2011.

         (NOTA BENE: Pese al evidente interés del Museo Würth La Rioja, llegar a él es casi una odisea debido a dos factores: primero, a que el autobús M7, dispuesto por el Gobierno riojano, deja lejos de la parada, pese a que esa parada se denomina Museo Würth; segundo, a la nula señalización de entrada al Museo desde esa parada, lo que obliga en algunos casos, por desorientación y mala indicación oral, a atravesar un tomillar para llegar al edificio, sin poder seguir, a su vez una vez dentro, una indicación de flechas que marquen la definitiva entrada.Nunca hay que dar nada por sabido.

         Según la dirección estos factores se van a subsanar en breve y así es de esperar a favor de todos, si bien sorprende que no se haya hecho hasta ahora).

Edith Mbella abre una galería de Arte tribal Africano en Madrid

Edith Mbella Gallery

Marqués de Cubas, 8

28014 Madrid

www.edithembella.com

Julia Sáez-Angulo

Empezó como coleccionista de arte africano en París, ciudad donde residió y estudió. Después de su paso por Barcelona decidió abrir una céntrica galería de arte tribal africano en Madrid bajo su nombre, Edith Mbella Gallery. Su ambición es buscar coleccionismo entre la gente joven, como ella lo hizo desde los dieciocho años, incluso pagando a plazos.

“La próxima exposición de la galería, que se inaugura en breve, se titula “Formas” y será de objetos cotidianos tribales de gran belleza que van desde reposa-nucas a asientos, pasando por joyas de Ghana, Etiopía, Congo, Magreb... Los precios oscilan entre trescientos y diez mil euros, muy asequible para gente joven”, explica Edith Mbella (Camerún).

La galerista dice que no sólo va a llevar a cabo exposiciones de arte tribal sino de artistas africanos contemporáneos cotizados en el mercado como Cheri Samba (Congo); Samuel Fotso, fotógrafo de Camerún o Angèle Etoundi, también fotógrafa de Camerún residente en Ámsterdam, “buena amiga mía”, añade. Igualmente está dispuesta a exponer otros artistas siempre que su obra tenga alguna conexión con África.

La exposición que expone actualmente en su magnífico espacio blanco exhibe esculturas de diversas procedencias, máscaras fang, joyas de Ghana... La “Maternidad Bamleké” de Camerún es una maravilla de respetable altura en la que una mujer muestra el varón heredero a la tribu. Vale cincuenta mil euros. “Proviene de Bruselas y estuvo expuesta en Nueva York. Es una verdadera joya”, dice la galerista.

“En Francia y Bélgica, países que tuvieron presencia en África, hay más coleccionismo de arte africano que en España. Esto es algo que sorprende, máxime cuando España estuvo en Guinea, país que cuenta con magníficos ejemplares de arte de la tribu fang”, dice Mbella.

Colecciones públicas y privadas
La galerista recuerda las colecciones de arte africano en el Museo Nacional de Etnografía; la Fundación Alberto Jiménez-Arellano Alonso en Valladolid; la Fundación Folch en Cataluña o la de Ana y Antonio Casanova en Madrid, pero estima que deben crearse muchas más en un país como España.

Le pregunto por los célebres bronces de Benín y dice que es muy difícil de encontrar los auténticos que llegan a costas los trescientos mil euros. “La mayoría de los bronces de Benin que circulan por el mercado son meras copias de los originales históricos”, afirma Mbella.

La galerista camerunesa, que habla español con fluidez, quiere difundir la cultura africana y para ello pone a disposición del público su biblioteca de más de dos mil libros especializados en ese campo y que guarda en la galería.

Recordemos que Miquel Barceló ha expuesto recientemente sus obras sobre o realizadas en Mali; el venezolano/español, Pedro Sandoval, su serie denominada “África” y el cubano/español Andrés Puig, la exposición “Una mirada sobre África” en la Sala Maruja Mallo de Las Rozas.

La sala de exposiciones del Teatro Fernán Gómez exponen a partir del próximo jueves, 27 de enero, la muestra "África. Objetos y Sujetos", en colaboración con Cajastur.

Miquel Barceló (1983 -2009), exposición “La soledad organizativa”

Miquel Barceló (1983 -2009), “La soledad organizativa”

CaixaForum Madrid

Del 10 de febrero al 13 de junio de 2010

Julia Sáez-Angulo

El desaparecido galerista neoyorquino Leo Castelli decía en una entrevista que le hicieron en la revista “Formas Plásticas” de los años 80 que el pintor mallorquín –exponía en su galería después de su descubrimiento en la Feria de Basilea- era un pintor clásico. Esa misma idea podría deducirse tras el recorrido de su exposición Miquel Barceló (1983 -2009), “La soledad organizativa” en CaixaForum Madrid.

El título de la muestra se debe al del cuadro en el que pinta un gran gorila en un espacio amplio blanquecino y sucio, que muestra en la última de las siete salas del recorrido, denominada “Retratos”, en la que también se encuentran los de Dore Ashton y John Berger, dos reconocidos críticos de arte. El primero de ellos con la clara influencia expresionista de Kokoschka, después de visitar su museo vienés con Aston. También destacan, en este apartadi, los retratos de los africanos de Mali, amigos suyos.

Barceló es un gran pintor como se pone de manifiesto en las 180 piezas que componen la exposición. Un artista que conoce las vanguardias pero viene de la tradición en su dominio del color, del pigmento, de la narratividad, de la plasticidad… “Mi vida se parece a la superficie de mis cuadros”, confiesa el autor ante este gran planteamiento de su obra y con un catálogo seleccionado en sus textos por él mismo.

El mar, la tierra, la fragilidad del planeta

Junto a la tradición de la pintura occidental, Barceló se interesa por la caligrafía china y otros lenguajes más alejados, pero tarde o temprano regresa a sus temas reiterados clásicos: el mar la tierra o la fragilidad del planeta.

Los distintos espacios que llevan la pintura de Barceló se denominan: El mar, el museo, la biblioteca y el estudio; Un repertorio de la esperanza humana; Todos estos cuadros pertenecen al mundo terrenal, Huir del exceso; Un diario; Chemin de lumière y, Retratos.

En las pinturas de Barceló hay viajes, lecturas –es un buen lector-, misterio, adrenalina, incertidumbre… El registro de su trabajo es muy amplio. No es un artita de torre de marfil, aunque se retire y encierre en sus estudios mallorquín, africano o parisino. En la capital del Sena ocupó una iglesia con bóveda y hornacinas que le hicieron sentirse dueño del amplio espacio, algo que refleja en su cuadro “Museo del Louvre. Grande Galerie”.

Barceló en un mirón de la vida y sabe abstraer las cosas para su arte, lo que no quiere decir específicamente sus formas sino el concepto que palpita detrás de ellas.