“EL SENTIDO DEL ARTE”, debate del conversatorio, en la Fundación de los Pizarro en Trujillo

Conversatorio: críticos de arte Esther Plaza, Jesús Cámara, Julia Sáez-Angulo, M. Socorro MoraC, Javier Remedios y Fernando Castro Flórez. Presenta Beatriz Moreno

Foto de Grupo: Esther Plaza, Jesús Cámara, Julia Sáez-Angulo, M. Socorro MoraC, Javier Remedios y Fernando Castro Flórez

J. S. A.

        Fotos: J.L. Menéndez y L. de Lassaletta

5/4/25 .- Trujillo de Extremadura.- “El sentido del arte” ha sido el tema del debate en el conversatorio, que tuvo lugar en la Fundación de los Pizarro en Trujillo, dirigida por Hernando Orellana-Pizarro. Presentada y moderada,  redonda por la historiadora de arte Beatriz Moreno, los intervinientes fueron los críticos de arte Esther Plaza, Jesús Cámara, Julia Sáez-Angulo, M. Socorro MoraC, Javier Remedios y Fernando Castro Flórez.

    Esther Plaza señaló el sentido del arte en líneas generales para artistas, galeristas y críticos de arte en nuestros días; Jesús Cámara hizo un recorrido histórico sobre el papel del arte en las distintas culturas; Julia Sáez-Angulo expuso algunos ejemplos y declaraciones particulares sobre el papel y sentido del arte como Guillermo Saccomano, Agustín de Celis, Robert Hugues…; Socorro MoraC relacionó el arte con la neurociencia; Javier Remedios proyectó y comentó uno de sus videos con fragmentos de películas donde se afirma o niega el arte y, finalmente, Fernando Castro Flórez, con su apabullante erudición afirmó que el arte nace a partir de la Ilustración, y que el arte prehistórico y el arte aborigen nacen en el siglo XX. 

Hubo un debate encendido coloquio con el público sobre el sentido del arte, que animó el encuentro, atemperado por la foto de grupo, presidida por Hernando Orellana-Pizarro.

Algunas de las notas

de Julia Sáez-Angulo

    -El sentido del arte tiene que ver en primer lugar con la propia definición de arte

    -El arte no hace mejor a nadie. El arte no cura. No seamos tan inocentes ni nos demos ahora de virtuosos. Solo nos ayuda a sobrellevar nuestras desgracias (…) Primero no sabemos qué queremos decir cuando mencionamos la palabra arte. Es una palabra contaminada. Hay curadores. ¿Qué es eso? Si el arte cura, para qué necesitamos curadores. El arte solo nos ayuda a comprender quiénes somos. Cuando un nazi le preguntó a Picasso si él había hecho el Guernica, el pintor respondió: “No, eso lo hizo usted”. (…) (Guillermo Saccomano, novelista argentino. Entrev. Zenda 1 de abril 2025).

    -El humus de una sociedad alimenta al artista en su creatividad.

- “El lenguaje es la casa del ser”, decía Martin Heidegger. 

-Agustín de Celis: “Yo era pintor cuando fui de joven a la beca en Roma, y regresé como artista. Pintaba bien, pero no tenía un proyecto artístico de lenguaje, objetivos, etc, que uno va moldeando a lo largo de su trayectoria profesional. El arte es pensamiento y oficio al mismo tiempo.

-Robert Hughes: (“El impacto de lo nuevo” (2000, Galaxia Gutenberg), libro y serie televisiva sobre el arte del siglo XX: “si queremos una revolución inmediata en la sociedad, conviene acudir al lenguaje oral y escrito, pero si se desea una revolución menos rápida, profunda y segura, conviene ir al lenguaje del arte, porque actúa con cargas de profundidad. (No son palabras textuales, pero sí su significado).

    -Siempre se ha dicho que los artistas, los buenos artistas, tienen mucho de profetas, de ir por delante de lo que vendrá y lo que será. Ellos van por delante y como creativos, nos abren caminos y ofrecen una nueva estética, que envuelve la sensibilidad y la sociedad de su tiempo. En suma, los artistas abrieron nuevos discursos de pensamiento, nuevas vías plásticas, estéticas…

    Algunos historiadores especulan con que los bisontes de las cuevas de Altamira tenían la función mágica de concebir y catalizar su caza, algo importante para su alimento. Pues ahí tenemos un sentido del arte.

    Otros colectivos sociales a lo largo de la historia han querido el arte, para representar lo espiritual, lo metafísico… Aunque, el arte fuera una representación concebida, más o menos idealizada sobre el objeto representado, esa representación ayuda como metáfora de la realidad.

  -El arte es pensamiento, estética, indagación, discurso reflexivo... llevado a la materia, pero no hay que olvidar su valor o sentido de la representación y ornamentación, que ha acompañado a la obra artística desde tiempo inmemorial.

    -El arte debe despertar pasión y emociones en el espectador, reclaman algunos artistas. Yo no lo veo tan necesario, pero he ahí otro sentido del arte que buscan tanto el autor como el espectador. Algo similar cabe decir de la búsqueda de la belleza. Para muchos artistas de hoy no es un objetivo la búsqueda de la belleza, sino el asombro de algo nuevo que impacte o abra caminos… El feísmo, con arreglo a los cánones clásicos, es también un discurso, que a veces se enlaza con lo monstruoso, lo terrible, lo sublime, el mal… lo que no quiere decir que la buena plasmación de estos conceptos, no sea también un logro artístico.

    El arte puede ser también estética e información de algo que se desconoce en latitudes opuestas y así se muestran humanos, flora, fauna, edificios o paisajes que se desconocen en otro lugar.

    -El arte puede buscar representarse a sí mismo, sin más, como el caso de la pintura que habla de la pintura y no busca representación alguna.

 -También se podría hablar del arte como manifestación de su creador plástico y terapia propia y ajena.     

-El arte sana, la belleza cura o aflige…puede producir mareo o malestar hasta enfermar como le ocurrió a Stendhal al contemplar la belleza indudable del urbanismo palaciego y acuático de Venecia.

    -“Esto es arte porque lo he hecho yo que soy un artista”, de igual manera que Valle Inclán dijo esa palabra es español porque la he escrito yo, que yo escritor y si no está en el Diccionario de la RAE, ya estará”.

    -Otros dijeron, en un momento dado, que era arte aquello que los museos sancionaban como tal, desde unas piedras del land-art a una fila de ladrillos apilados, por un artista minimalista o de objeto encontrado. Ese era todo su sentido del arte.

    El arte es estética, lenguaje y comunicación, dinamiza la imaginación, la destreza, la creatividad… crea riqueza y mueve mercados. Su objetivo es clave en la educación y en la economía. 

    En suma, el sentido del arte entre los hombres y mujeres, en la sociedad en que aparece, tiene conceptos, funciones y objetivos variados, diferentes, que con frecuencia se solapan.

    -Para muchos artistas el arte es una necesidad vital, necesitan hacerlo, porque es una pulsión más fuerte que ellos mismos. Se reconocen “incapaces” de tener otra actividad distinta en la vida y a ella se sacrifican para concentrarse en él. 

-El arte es terapéutico, ayuda a expresarse y sanar.

-Canalizar las emociones a través del arte, la música, la escritura o cualquier forma de expresión creativa artística es una excelente manera de liberar tensiones. La actividad artística ofrece un espacio seguro para externalizar sentimientos y sentirnos más relajados.

-Para Marcel Proust: Una vida se justifica si se deja un buen trabajo artístico en la sociedad.

-Ángel Pedro Gómez: "La creatividad es un acto de lealtad al progreso".

Inmaculada Amor, Julia Sáez y Felipe Alarcón unto a a escultura de la primera.

Patricia Larrea Almeida, escultora

Exposición #locosporlageometría en el espacio Ad Hoc de Madrid, comisariada por Jesús Cámara

Exposición #locosporlageometría 

        L.M.A.

        11.02.2025.- Madrid.- El pasado sábado, 9 de febrero se inauguró la exposición #locosporlageometria en la sala de exposiciones de La Cafebrería Ad Hoc, que dirige Lola Vivas, presentando pinturas y/o esculturas de Pedro María Asensio, Aurora Cid, Antonio Rojas y Pablo Maojo y una instalación "site specific" para este espacio de Roberto Chartam.

    El evento resultó un éxito. Congregó, amén de los artistas participantes, a una muy numerosa presencia de galeristas, gestores culturales, críticos de arte, coleccionistas  y creadores visuales como María Antonia García de la Vega, Pedro García-Ramos, Marita Segovia, Luis Pérez Calvo, Mónica Lloret, Teresa Esteban, Javier Astudillo, Leticia Sánchez del Río, Alvar Haro y Nieves García, Adrián Piera y María Llorente, Mareta Espinosa y Carlos Jiménez, Julieta de Haro y Javier de Juan,  Isabelle Alric y Pedro Castrortega, Blanca Monzú y Luis Magaz, Cristina Sánchez Cardoso y David Fernández Cuesta, Patricia López Landabaso y  Luis Rodrigo de Aspiazu, Luis Francisco Pérez, Patricia Mayoral, Jesús Gironés, Ana de la Calle Gijón, Maria de la Calle Olmedilla, Eduardo Movilla,  Enrique Salamanca, Ana María de Vargas, Martín Tolosa,, Florencia Kettner, Gerardo López, Vicky Wharrier Palacios, Joaquín Gallego, Pilar Novo,  Perico Simón,  Elena Jiménez, Carlos Regueira, Agar Blasco, Isabel Carnicer, Teresa Peñuelas, María José Alcocer Miralles, Charo Maseda, Diego Canogar, Pedro José Pradillo... 

La geometría es el lenguaje

 del Universo Pitágoras

    Jesús Cámara ha escrito para la publicación de la muestra: "Las formas geométricas son absolutas, eternas y, filosóficamente, necesarias. Nos hacen dueños del espacio y señores del tiempo. En su quietud ensimismada encierran el principio y el fin del cosmos, desde el átomo primigenio hasta la última constelación. Están omnipresentes en el origen y en el destino de la vida.

    Uno, a veces, piensa que la geometría es una suerte de constructo humano, gracias al cual obtenemos la sensación de haber racionalizado el infinito. La geometría mitiga ese vértigo ante el vacío; nos hace sentirnos cómodos en nuestra pequeñez. Y es que con la geometría el hombre juega un poco -y a su manera- a ser Dios, ordenando el caos, poniendo en su lugar a la materia y a la forma, y dando nombre a lo que de otro modo seguiría formando parte de lo inefable. Acariciando la perfección divina, con ella somos capaces de sublimar la belleza.

    La geometría es un trascender la realidad que el hombre re-crea para sí con el fin de entenderla, y dominarla en un apasionante viaje desde la metafísica a la estética.

    Tan antigua como la civilización, la geometría nació en Sumeria para posibilitar el nacimiento de una arquitectura monumental, en la Grecia clásica fue la garante de la belleza y la perfección, y para Roma resultó ser la mejor aliada de su ingeniería imperial. Y aunque nunca fue olvidada -¿cómo no pensar en las catedrales góticas?- , su redescubrimiento en el Renacimiento como base de la perspectiva, le dio un lugar en el arte que nunca perdió, hasta que con las Vanguardias viviera su consagración al pasar de técnica a tema, convirtiéndose en un género en sí misma.

    Cuando la geometría como proceso de ordenación del espacio se traslada al centro de la creación artística, las esculturas, pinturas o dibujos que genera tienen un innegable poder de atracción: el que nos propone un reto intelectual en paralelo al goce estético.. Quien interprete el arte geométrico como algo aséptico e inane, cae en el pecado del que juzga por las apariencias: entre líneas, polígonos y planos siempre bulle la emoción y el sentimiento, toda la fuerza de la creación voluntariamente contenida de la expresión plástica sometida adrede a la leyes de la ciencia. El resultado indefectiblemente provoca la reflexión, y muchas veces abre la puerta de la pasión. Una pasión que, sin perder nunca la formas, fácilmente deriva en locura.

    Existen #locosporlageometría tanto entre los artistas como entre los amantes del arte. Para los que la padecen, y para los que no, esta exposición pretende ser un mínimo punto de luz, un humilde ojo de cerradura a través del que poder descubrir maravillas: Aurora Cid, Pablo Maojo, Pedro María Asensio, Roberto Chartam y Antonio Rojas forman un pentágono mágico en el que la geometría supera la técnica o el recurso artístico para convertirse, de frente, y por derecho, en lo único: el color, la forma y la materia, vienen luego y siempre a su servicio. Sus laberintos ordenados, sus formas puras, les hacen poseedores de la tercera dimensión; que sea un constructo o no, no es nuestro problema, ni el suyo tampoco.

RAFAEL CANOGAR expone su pintura reciente en el Espacio Mira de Pozuelo

Acto de inauguración

L.M.A.

Fotos: Luis Magán y Rosa Gallego

    16.03.2023.- Pozuelo de Alarcón. Madrid.- El Espacio MIRA presenta “Huellas”, una treintena de obras de Rafael Canogar (Toledo, 1935) creadas en  los tres últimos años , de 2020 hasta hoy.

Rafael Canogar es una referencia internacional desde hace casi setenta años. Formó parte del grupo El Paso en 1957 - integrado por Manuel Rivera, Antonio Saura, Pablo Serrano, Juana Francés, Manuel Viola, Luis Feito, Antonio Suárez, Manuel Millares, Martín Chirino - de quien el Espacio MIRA presentó una individual en 2019-y los críticos José Ayllón y Manuel Conde. Desde entonces, su persona y su creatividad son una constante como ejemplo de humanismo y de artista.

La fuerza del color, el trazo lleno de energía y unos grandes formatos, transmiten una vitalidad creadora que es  evidente para el visitante. 

    El montaje de las obras en la sala es claro y transparente.

    Esta muestra, comisariada por el crítico de arte Jesús Cámara, es continuación de la llevada a cabo en 2021 en Tomelloso (Ciudad Real), comisariada por Alfonso de la Torre. 

    Entre los asistentes al acto de inauguración, además de los concejales del municipio, numerosos artistas como Patricia Larrea, Gloria Vázquez, Rosa Gallego, Manuela Picó, María Jesús de Frutos, Cuchi de Osma... y los críticos de arte Tomás Paredes, Alfonso de la Torre, Lola Rodríguez, Carlos Jiménez, Julia Sáez-Angulo, Luis Magán...

Fecha:

Del 16 de marzo al 16 de julio de 2023.

Hora:

De miércoles a domingo, de 11:00 a 14:00 y de 17:00 a 20:00 h.

Lugar:

Espacio MIRA.

Acto de inauguración

Canogar firma su catálogo a los asistentes

Alfonso de la Torre y Julia Sáez-Angulo

Asistentes al acto

La hija de escultor Martín Chirino que expondrá en otoño

Concejala de Cultura con la nueva alcaldesa de Pozuelo

PEDRO CASTRORTEGA expone “Tiempo Roto”, pintura, en la Casa del Reloj de Madrid

Pedro Castrortega, artista visual

L.M.A.

6/6/22.- Madrid.- El pintor Pedro Castrortega (Piedrabuena, Ciudad Real, 1956) residente en Madrid, expone una veintena de pinturas en la Casa del Reloj, en Matadero, Madrid, bajo el título de “Tiempo Roto”. El comisario de la exposición Jesús Cámara escribE en el catálogo:

“Si algo caracteriza la obra de Pedro Castrortega, tanto en pintura como en escultura, es su particularísima iconografía centrada en la presencia constante, y casi totémica, de extraños seres y de elementos de la naturaleza: animales, lunas, soles, árboles, ojos, sombras, agua... y los espíritus que ineludiblemente la conforman.

Esos seres que pueblan sus lienzos, no son sólo un recurso estético, ni una solución expresiva. Son, ante todo y después de todo, los protagonistas de su propio universo y de un mundo creado por él muy pronto, arraigado en él muy profundo. Con seis décadas de vida, e intensas experiencias cosmopolitas, en Nueva York, Berlín, o París, Castrortega ante el lienzo, vuelve a ser el niño nacido en un pueblo en las estribaciones de los Montes de Toledo. El hijo del llano implacable y de la sierra agreste, donde todo es verdadero, y sin embargo, donde caben todos los sueños.

Creció sin apenas contacto exterior civilizado: sin juguetes, sin televisión ni radio. Así conformó su propia cosmogonía y forjó su personalidad. Aprendió a pintar como de la nada, el arte nació en él, o de él, como nació en el hombre, dibujos sobre la tierra hechos con un palo. Lo que hubiera podido ser su cayado de pastor se trastocó como por encanto en pinceles, quizás por eso en sus lienzos todavía quede tanta magia.

El mundo del que viene, y al que siempre vuelve, es otro: el del aullido de los lobos rasgando la noche, el grito ronco de la berrea retumbando en las sierras, o el caliente jadeo de Linda, la perrilla con la que aprendió a andar primero, y a nadar luego en el río. Un mundo del color de la luz, de la luna partiendo la noche, del rojo de la sangre en su lucha por la vida, del blanco resplandor de la jara en lo oscuro del monte, el mundo de azules infinitos del agua flotando inmaculada sobre el lodo, o el reino del violeta, cuando atardecen los cerrillos de piedra que alguna vez fueron volcanes en el ignoto Campo de Calatrava.

El suyo es el mundo de las sensaciones, siempre habitado por sombras que crecen y se transforman. Según el momento o el lugar, inquietan o dan cobijo; a veces son monstruos, y otras, manos amigas; sombras que son materia, más que juegos de luz, como las nubes que, cuando están, semejan algo diferente cada rato. Ese rato es la medida del tiempo para un hombre sin más reloj que el andar del sol por la cúpula celeste. Un tiempo que la distancia, la pandemia y la muerte han roto. Este es el TIEMPO ROTO de Castrortega. Algo que como un vidrio caído, ya no se puede recomponer, pero que genera toda una galaxia de nuevas formas que ahora se plasman en sus lienzos.

Eso, que tanto merece ser contado, es lo que ahora se nos muestra.

Todo en la vida y en la obra de Pedro Castrortega es como un pequeño milagro, un sueño hecho realidad, como lo que se nos viene a la mente ante la primera apreciación de muchas de sus obras. En efecto, es un pequeño milagro que aquel hijo de un perrero de rehala saliera de Piedrabuena para conquistar Manhattan y lo consiguiera. Es igualmente, un pequeño milagro que los recursos del expresionismo alemán, o el lenguaje plástico de la transvanguardia italiana y los Caprichos y la Pinturas Negras de Goya, converjan en los ojos de esas lechuzas, que sin embargo son, también, las de los campos manchegos, las de sus noches, las de los miedos y las certezas de un niño en cuya casa no había un solo libro, y en cuya pintura hay tanto de literario.

A pesar de la pulsión creativa que empapa su obra, nada es casual ni superfluo en el arte de Castrortega. Como si se tratase de un bestiario neo-románico todo tiene su símbolo y su referente. Lenguaje y mensaje, significante y significado se funden en esa suerte de quimeras anfibias e imposibles, figuras universales del mal, la libertad, o la lucha por la supervivencia. Castrortega, más que nunca, abre el corral del pudor y de la consciencia a todo un zoológico de seres míticos, que frecuentemente sucumben a la tentación antropomórfica, en el reflejo de la identidad de uno mismo. Hablo de esas caras sin rostro, o de esos cuerpos sin carne, que se mezclan con lobos de cabeza cuadrada, de seres de niebla que suben al cielo como las almitas en los retablos góticos. Toda una recherche ontológica circundada de una charca donde toman vida sueños y obsesiones. Su zodíaco reinventado en cada lienzo le convierte en un buscador de formas, en un intérprete de la materia. Son bichos que flotan en un no-espacio sagrado, ingrávidamente cósmico, un magma cromático, denso y atemperado como debió ser esa sopa primigenia de la que nació la vida. Todo ello trasladado al lienzo, a veces muestra su trama desnuda, apenas velada o al contrario, cargado de materia que refuerza su contundencia expresiva.

Tratar de taxonomizar su obra nos conduce a un divertido juego léxico-historiográfico en el que cabe todo, desde la boutade a la herejía. Podríamos hablar de naturalismo onírico, de abstracción mística, de expresionismo psíquico o de posmodernidad poética. En su diversidad todo vale, pero no existe movimiento, tendencia o lenguaje en la que su alegoría plástica se sienta como en un traje a medida.

El suyo es un universo personal, que sin embargo nos es cercano, tal vez porque también son nuestros sus héroes y sus villanos, quizá porque sus temores son los nuestros, y seguramente porque nos inquietan las mismas amenazas y compartimos los mismos anhelos. La comunión de Castrortega va más allá del espectador de su obra, del público o de la crítica. Su mensaje, caótico, contenido y esperanzado alcanza al género humano; nos trasciende.

Esa es su propuesta. Y su riqueza".

Pintura de Castrortega

Obra de Castrortega

Pedro Castrortega

Pedro Castrortega, exposición "Tiempo roto" en el Patio de Comedias de Torralba de Calatrava

 

L.M.A.

17/7/21.- Madrid.- El pintor Pedro Castrortega, manchego, residente en Madrid, expone este verano en su tierra, en el Patio de Comedias de Torralba de Calatrava (Ciudad Real. La muestra se inaugura el 31 de julio próximo y permanecerá abierta durante el verano. El comisario de la exposición es el crítico de arte Jesús Cámara.

“A mediados de junio del pasado año, recién terminado el severo, pero imprescindible confinamiento, la primera visita que realicé a un estudio de artista, fue al de mi querido amigo de Piedrabuena, Pedro Castrortega. Durante los tres meses anteriores habíamos hablado con cierta frecuencia sobre nuestro estado de salud y de ánimo, y aún más sabiendo de la triste desaparición de su padre al comienzo de la pandemia y de más de un amigo común que había o estaba pasando por momentos críticos en hospitales o en su domicilio. Me contaba de su quehacer diario y de sus últimas producciones a modo de superación, y en cierta manera como terapia de los momentos que atravesábamos. Nuestro reencuentro no pudo ser más emocionante al contemplar por primera vez estas treinta ocho pinturas de tan acertado título: “Tiempo Roto”.

Obras con un carácter marcadamente autobiográfico, una iconografía más que nunca llena de símbolos y significantes, en ocasiones duros, y en otras de esperanza, que le hacen al artista dejar lastre, y que en cierto modo le liberan de sus monstruos interiores.

Aquella emoción en el estudio de Pedro, dio paso al entusiasmo, porque ambos teníamos muy claro y convenimos que había que mostrarlas y sacarlas a la luz. Con la incertidumbre de la situación del otoño y el repunte invernal, no pudo ser hasta la pasada primavera, cuando una serie de factores convergieron en un muy breve tiempo para hacer posible esta primera exposición. 

    El editor Roberto Ferrer fue el primer incentivo para publicar un libro que recogiera estas pinturas, e inmediatamente nos pusimos en contacto con nuestro querido amigo, el crítico de arte Luis Francisco Pérez quien no dudó en aportar un texto sobre estas creaciones de confinamiento para acercarnos mejor al artista, alumbrando y enriqueciendo su comprensión. Posteriormente María Teresa González y Luis García Villaraco, amigos personales de Castrortega desde hace varias décadas y muy buenos conocedores del artista se desplazaron a Madrid en representación de la Asociación de Amigos del Patio de Comedias de Torralba de Calatrava para conocer de primera mano el proyecto y lo propusieron al Ayuntamiento de Torralba de Calatrava recibiendo todo el apoyo por parte de la institución municipal. 

    Pedro Castrortega tiene una estrecha vinculación con todos los habitantes de Torralba de Calatrava. Su monumental “Abrazo de Calatrava” preside una de las entradas a la población y también es el autor de un grabado de edición limitada que cada año se entrega al Socio de Honor de la Asociación de Amigos del Patio de Comedias.

    Para concluir, quiero reiterar mi agradecimiento a todos los actores que han intervenido con su trabajo y estímulo para hacer posible esta representación en la sala de exposiciones del Patio de Comedias, y especialmente al Ayuntamiento de Torralba de Calatrava y a la Asociación Amigos del Patio de Comedias, sin cuya sensibilidad no hubiera sido posible. Torralba como tantos pueblos y ciudades de España ha sufrido el terrible zarpazo de esta pandemia. Sirvan estas obras pictóricas como el mejor homenaje a la memoria de los torralbeños que se fueron y como testimonio de gratitud a cuantos dieron en esta lucha lo mejor de sí mismos. Que el ARTE haga eterno su recuerdo y nuestra gratitud.”

Jesús Cámara

Comisario de la exposición

Guillermo Muñoz Vera expone su nueva serie pictórica en la Fundación Arauco

Cuadro de Muñoz Vera

Julia Sáez-Angulo

         El pintor chileno Guillermo Muñoz Vera residente en España (Concepción, Chile, 1956) ha inaugurado la exposición pictórica de su nueva serie pictórica en la Fundación Arauco en Madrid, que dirige Carmen Spínola. La muestra vuelve a recrear en buena parte el mundo del mar, como lo hiciera en su serie anterior denominada “El Descubrimiento de América”, donde las carabelas y fragatas vuelven a ser motivo iconográfico.

         El cuadro denominado “Terra Nova The British Antartic Expedition” (160 x 183 cm) se muestra en el muro final del espacio expositivo y es una marina de gran belleza donde el viejo barco aparece con un celaje abierto en dos campos de luz.

         La inauguración muy concurrida contó con la presencia de diversos coleccionistas y personajes del mundo de la cultura como Mayte Spínola, Pina Sánchez Errazuriz, presidenta de Nuevo Futuro, que junto a la presidenta de honor, S.A.R. Doña Pilar de Borbón, inauguró el Ratrillo que está abierto actualmente en el Pabellón de la Pipa de la Casa de Campo de Madrid; Jesús Cámara, Rocío Báez, Jaime Jaume, Marta Spínola y otros.

         En esta ocasión estuvo presente el pintor, autor de las obras, Guillermo Muñoz Vera, no siempre en las inauguraciones de su pintura. Satisfecho y de humor excelente dijo que no tenía otro mensaje que el de la “apuesta por la pintura en tiempos de crisis”.  “Quizás sea un mensaje al vacío, pero yo sigo y seguiré pintando, porque aunque faltara la energía eléctrica, yo cuento con la luz del día para seguir haciéndolo”.

         Fallecido el chileno Claudio Bravo, Muñoz Vera es hoy primera figura del hiperrealismo, por el refinamiento y buena factura de su pintura. Con un cromatismo sutil, el autor ha apostado en los últimos años por los temas del agua –mar y cataratas-, las selvas amazónicas, árboles  y los guiños a la cultura clásica como en el cuadro titulado “La libertad y las cariátides”.

         En pequeño formato, algunos faros y un delicioso cuadro titulado “Aceñas de olivares en el Duero (Zamora).

José Caballero, Exposición de cuatro décadas en el Círculo de Bellas Artes

“Caminos de papel” (1951 – 1991)
José Caballero
Círculo de Bellas Artes
Madrid.
Marzo-Abril, 1911



Julia Sáez-Angulo

José Caballero es uno de los artistas más reconocidos de la abstracción española, aunque también practico en algunas etapas una figuración singular ajena a la realidad. La exposición que se ha inaugurado en el Círculo de Bellas Artes de Madrid, acoge gran parte de la obra sobre papel de este artista andaluz que hizo su carrera pictórica fundamentalmente en Madrid. La muestra está comisariaza por el crítico de arte Jesús Cámara.

María Fernanda Thomas de Carranza, viuda del pintor José Caballero (Huelva, 1915 – Madrid, 1991) conserva muy bien la obra del prolífico artista y desde su muerte se han llevado a cabo más de cuarenta exposiciones en Europa y América. En el año 2000 se instituyó un premio de grabado en Las Rozas Madrid) que lleva su nombre y en 2006 se crea la fundación José Caballero dirigida por Thomas de Carranza.

En la actual exposición del Círculo de Bellas Artes se muestran dibujos y grabados de este artista, que fue gran amigo de Federico García Lorca, y el último al que vio en Madrid, poco antes de viajar a Granada donde le esperaba la muerte. “Eran grandes amigos, porque ambos conectaban muy bien. Los dos eran andaluces y cultos, lo que entonces se consideraban “señoritos”. De izquierdas. pero señoritos de familias acomodadas", ha declarado María Fernanda Thomas de Carranza en alguna ocasión.

“Los ´caminos de papel´ de Caballero transcurren en paralelo al devenir de su pintura”, dice Juan Miguel Hernández León, en el catálogo.”En estos dos ámbitos se percibe el alejamiento del impulso figurativo y un gusto cada vez más acentuado por la abstracción, dominio en el que nunca dejó de experimentar.

“José Caballero y la Poesía” ha sido motivo de una exposición reciente en el Centro Blas Infante de Málaga. El pintor se interesó siempre por el aliento de los poetas y él mismo hizo alguna incursión: Un lienzo blanco/ recientemente blanco/ atinado, impoluto/ esperando establecer un coloquio/ a partir de la nada. Saber como hay que desmembrar ese espacio/ en qué sentido, partirá el primer paso”.

No es posible separar investigación e invención
Jesús Cámara recuerda el abandono del surrealismo por José Caballero en los años 50 y destaca la versatilidad infinita de sus papeles blancos que “dan cuerpo y materia a las paredes de su Andalucía natal, cuyos colores provocados por el sol “Muro blanco”, pintura de 1961), el tiempo o las sombras, fascinan al artista”. “Para José Caballero es difícil separar la investigación y la creación”, apunta en otro momento el comisario.

“La reinvención de José Caballero” titula el profesor Francisco Calvo Serraller el texto que escribe sobre el artista de Huelva. “José Caballero no solo logró sobrevivir a la noche oscura de España sino que aportó su luz. Porque reinventarse es la iluminación de los artistas, que lo son de una vez y hasta el final”, dice el profesor.

Ha habido contactos con diversas instituciones para llevar a cabo un museo monográfico con la obra abundante de José Caballero. Ninguna ha cuajado hasta la fecha, ni en Alcalá de Henares ni en Madrid. No están ahora los tiempos para museos monográficos a la vista de lo sucedido con los de Chillida y José Guerrero. Quizás haya que rebajar las exigencias por parte de todos y no cargar a la ciudadanía con exceso de mantenimientos para solo beneficios personales de ediles u otros personajes. Hay que partir de patrimonios consolidados. En todo caso, José Caballero bien merece un museo o centro especializado en su obra.