Tanzania, excavaciones arqueológicas en la cuna de la Humanidad

El próximo lunes se presentan en el Rectorado de la Universidad de Alcalá los importantes resultados de la quinta campaña de excavaciones en la Garganta de Olduvai, Tanzania, más conocida como la Cuna de la Humanidad. En este acto, organizado por la Fundación General de la Universidad de Alcalá (FGUA), intervendrán los arqueólogos Manuel Domínguez-Rodrigo y Enrique Baquedano, que junto a Audax Mabulla y Henry T. Bunn codirigen The Olduvai Paleoanthropological and Paleoecological Project (TOPPP), esencial para comprender cómo surgieron los primeros comportamientos humanos en el origen mismo del género Homo.

La investigación se centra en los diferentes lechos de la Garganta –el lugar arqueológicamente más codiciado dentro de la comunidad científica-, con una edad aproximada de casi dos millones de años, que registra asentamientos con una industria lítica muy primitiva y huesos fosilizados. La importancia del sitio para comprender los orígenes del comportamiento sofisticado de los homínidos se documenta por abundantes huesos de animales y pruebas de transportes repetidos de porciones de grandes mamíferos muertos en este lugar de paisaje paleolítico.

Los yacimientos de Olduvai –cuyos trabajos de excavación fueron iniciados por el matrimonio Louis y Mary Leakey en los años 1950- se encuentra en la garganta del mismo nombre, una gran hendidura en el terreno de casi 50 kilómetros de longitud. Este accidente geográfico se sitúa dentro del Área Protegida del Cráter del Ngorongoro, en la provincia del Serengeti, al Norte de Tanzania.

La quinta campaña de excavación en la Garganta de Olduvai ha sido gestionada desde la FGUA, a la espera de la constitución del Instituto de Evolución en África (IDEA), centro de investigación que coordinará todos los trabajos y creará las infraestructuras necesarias para su normal desarrollo.

También acudirán a este acto representantes de los Ministerios de Cultura y de Asuntos Exteriores y Cooperación, que han venido apoyando económica y políticamente el proyecto, así como la Dirección General de Cooperación de la Comunidad de Madrid que, a través de la ONGD Cives Mundi, está construyendo una estación de investigación en la Garganta de Olduvai, para su uso por el equipo y por la población local

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Laura Mira, coleccionista de arte e "interventora" de libros

Julia Sáez-Angulo

Nacida en Madrid en 1966, Laura Mira Prieto-Moreno es licenciada en Derecho. Trabajó como abogada cuatro años en un despacho inglés. A continuación estudió Restauración de Pintura y empezó Historia del Arte. Tras un breve paso por el mundo de la restauración, se dedicó a los cuadernos y libros de dibujos y collages. Es aficionada al arte, la música, los libros, los viajes y el senderismo. Recientemente ha presentado un libro de collages titulado “La casa del coleccionista”

-¿Cómo definiría el collage?

Técnica artística consistente en pegar (“coller” en francés) sobre el soporte trozos de papeles (también telas, objetos pequeños…) ya sea encontrados por el artista o deliberadamente preparados/coloreados por él. Personalmente me gusta mucho porque se crean asociaciones sorprendentes, muy sugerentes (misteriosas en algunos casos) y porque me atrae mucho visualmente la diferencia de calidad, grosor y textura de los distintos papeles.

-¿Le mueve el color o el concepto a la hora de hacer los suyos?

Predomina el concepto pero en general guardo y uso papeles cuya estética (color, textura ,tipografía…) me resulta atractiva e inspiradora y por ello los recorto y conservo.

-El collage nació en 1910 con Picasso ¿Es su vanguardia preferida?.

Más que vanguardia me interesan ciertos artistas individualmente. En particular los que trabajan o trabajaron el “collage” (Cornell, Max Ernst, Schwitters…), el “assemblage” (cajas de Cornell) y el fotomontaje (Grete Stern, Hannah Hoch, Heartfield…) y los artistas rusos de vanguardia.

-¿Qué opinión le merece Kurt Schwitters?

Creo que es el gran creador insuperable de los “collages” abstractos (el otro sería Max Ernst pero sus collages son más narrativos). Me gustan especialmente y me parecen perfectos los collages “Merz” de pequeño formato, exquisitos en composición, colorido y elección de los recortes.

-¿Qué maestros del arte le interesan?

Los artistas italianos del Renacimiento, los primitivos flamencos, Goya, Velázquez, Rembrandt, Vermeer, los impresionistas, Matisse, Hopper y los mencionados en la pregunta 3.

-¿Que tiempo le llevó hacer “La Casa del Coleccionista”?

Aproximadamente dos años.

-¿Qué elementos dominan en ella?

Los recortes de obras de arte (puesto que es la casa de un coleccionista) relacionados con los espacios de una casa y que cumplieran una de estas dos condiciones: que fueran de un artista que me gusta mucho. Por ejemplo, Duchamp y su “eau de toilette” (para el cuarto de baño) o los frascos de Cornell (para la cocina) y que encajaran en el concepto del libro aunque fueran de un artista que no me interese especialmente. Es el caso de las obras de Murakami o Jeff Koons que están en “el cuarto de juegos” pues parecen (y en origen, lo son) juguetes.

Laura Lío, S. Balkenhol, D.Nash, Feliciano...

-¿Es usted coleccionista de arte?¿Que artistas le acompañan en su casa?

Sí, de escultura, pintura, collages, cajas y solo algunas fotografías (Chema Madoz, Gilbert Garcin, Grete Stern y Rafael Lobato) relacionadas con un montaje previo.

Entre los pintores: A.Corujeira, Mompó, A.Avia, Ráfols-Casamada, D.Verbis, Farreras, Campano... Esculturas de Laura Lío, S. Balkenhol, D.Nash, Feliciano, R.Díaz… Cajas y collages de M. Ernst, J. Cornell, G.Brecht, M. Bouzo, Sean Mackaoui,, C. Calvo, S. Huete, P. Carrió, C. Pazos, A. Alcaín, G. Rueda, A. Bofarull…

- Es amiga de Laura Lío, ¿cómo definiría o describiría su arte?

Me parece una artista muy sensible y refinada. Sus esculturas y dibujos, a medio camino entre figuración y abstracción establecen conexiones entre la casa (nidos, jaulas…), la naturaleza, el cuerpo, la escritura… muy sutiles y de una gran belleza. Me gustan mucho sus colores (fundamentalmente blanco y negro) y los materiales (alambre, escayola, madera, mimbres, tarlatanas). Toda su trayectoria, desde las primeras esculturas musicales hasta las obras más recientes me parece muy interesante, coherente y muy personal.

- ¿Qué prepara ahora?

Acabo justo de terminar un libro pequeño de collages titulado “LINKS”. Son conexiones entre recortes de imágenes y recortes de palabras. Ahora estoy con otros dos libros de dibujos y collages: uno sobre el color (es un libro “intervenido”, que ya existe, lo he comprado y yo lo completo) y otro grande sobre Italia, país por el que me siento muy atraída.

-¿Qué libro de arte le ha gustado más y recomienda?

Para leer me gustaron mucho las memorias de Balthus y la biografía de Joseph Cornell, escrita por D. Salomon. Y para mirar, hay dos libros grandes recientemente editados por Taschen sobre Caravaggio y Matisse que son espectaculares.

-Describa una colección ideal

Aquella que tenga una obra significativa (aunque sea pequeña) de todos los artistas “deseados” y que pueda estar expuesta en su totalidad en la casa del propietario .¡Nada de obras guardadas en cajas y almacenes!

-¿Qué exposición de arte le ha interesado más últimamente?

Me gustó mucho la de fotografías de Rodchenko en el Canal de Isabel II

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Antonio de la Muela, pintor de figura y abstracción con alusiones a la mitología clásica

Julia Sáez-Angulo

Desde el primer momento lo tuvo claro en la Escuela de Bellas Artes; lo suyo era el mundo de las imágenes, la pintura figurativa. Tomó el óleo como pigmento para los retratos libres que lleva a cabo, por su interés en la figura humana y el temple al huevo para su última serie de “manchas” en las que está actualmente investigando.

Bebe en las fuentes de los grandes: Velázquez, Holbein, El Greco… “Ahora quiero volver al Museo del Prado para estudiar a fondo los negros de Velázquez. Es asombroso como el pintor sevillano diferencia las texturas de las lanas o las sedas de la medias”, explica Antonio de la Muela, al tiempo que muestra sus retratos de torsos masculinos sentados o desnudos con arnés.

Le gusta hacer retratos con modelos de personajes cercanos, amigos o vecinos. Trabaja el desnudo masculino, sobre todo en verano porque le gusta trabajar con luz natural más prolongada. Otros retratos masculinos los interpreta en actividades tradicionalmente de mujeres como coser, bordar o hacer petit-point para relajarse. “Me gusta pintar del natural porque del encuentro en vivo nacen más sugerencias plásticas”

En su “Autorretrato”, Antonio de la Muela se presenta casi de cuerpo entero, con doble figura porque “es asombroso lo que uno cambia si se contempla desde un ángulo u otro, desde la derecha o desde la izquierda”, afirma el autor. Le gusta el retrato en libertad, por eso agradeció mucho a una madre que le encargó el retrato de su hija y le dijo: “quiero más un buen cuadro que el simple parecido de mi hija”. Se lo agradecí porque me permitió una composición más suelta”.

Le gusta citar la mitología greco-romana en los títulos de sus cuadros por su gran poder evocador. Ha llevado a cabo una serie de retratos de mujeres embarazadas –por la fuerte carga emocional o expresiva que tiene las madres gestantes y los cuadros llevan los nombres de Medea, Hécuba, Penélope, Ariadna, Andrómaca…”Es una imagen de fuerte mensaje; algunas de las modelos son mujeres de mi familia”, explica el pintor.

Los tondos como escudos de guerreros

Los tondos constituyen una de las líneas trabajadas por Antonio de la Muela. “Me gusta la forma redonda porque con ella interpreto la idea de escudo de guerrero”. Dos de ellos llevan por título “escudo de Héctor”, en gran formato, resuelto en azules y, el otro, en ocres y amarillos, de tamaño más reducido. “Me gusta la obra de “Las troyanas” –dice Antonio. –Siempre me siento al lado de Troya y no de Atenas”.

Los tondos están pintados utilizando el muñón izquierdo de su brazo izquierdo, casi a la altura de la mano, como una plantilla que estampa manchas a modo de mariposas sobre el soporte. “Me gusta el resultado y lo hago con temple al huevo porque este pigmento se adapta mejor al manejo de mi brazo que el óleo o el acrílico que resulta imposible. El pintor José Hernández me dio la receta del temple en Plasencia”.

La serie de manchas la denomina “Las caricias de Anteo”, el gigante que mató Hércules cuando lo levantó en el aire, al descubrir que su fuerza venía de tocar la madre tierra. “Esta serie será la que presente la próxima temporada en una exposición prevista para un centro cultural de la sierra madrileña.”

“Yo, el Gato”, un filósofo que analiza la sociedad nipona

“Yo, el Gato”
Natsume Soseski
Edición y traducción de Jesús González Valles
Editorial Trotta. Madrid, 2010; (454 pags)


Julia Sáez-Angulo

El gato siempre ha sido considerado un animal felino astuto, inteligente, observador y escurridizo, quizás por ello el autor japonés Natsume Soseki lo ha elegido como personaje narrador y protagonista en una novela que critica la situación social japonesa.

“Soseki es una figura señera en la historia de la literatura japonesa y resalta como hechicero de la prosa japonesa e iniciador de un modelo de novela realista que, aunque inspirados en modelos extranjeros, echaría luego raíces en la literatura nipona”, escribe el editor y traductor Jesús González Valles, en la introducción del libro.

“El gato metido a filósofo realiza en la novela, el papel de inquisidor de estilos de vida, hábitos sociales y modos de pensamiento llegados a Japón al amparo de la apertura patrocinada por el emperador Meiji”, explica el traductor. “Papel que el gato realiza desde posiciones intransigentes que le mueven a pasar por el tamiz de su crítica implacable tolo lo que considera conflictivo o simplemente reñido con el sentido común”.

Por otro lado, la misma editorial Trotta ha publicado “Cuentos de Ise”, una obra anónima elaborada seguramente por uno o más autores a partir de una antología de Ariwara no Narihira, una de las grandes voces de la poesía japonesa de todos los tiempos, adoptó su forma actual durante la primera mitad del siglo X y fue considerada un referente inexcusable de las letras de aquel país hasta la revolución Meiji.

Su traductor, Jordi Mas López es doctor en traducción por la Universidad autónoma de Barcelona, donde ejerce como profesor de lengua y cultura japonesa. Ha publicado estudios sobre formas poéticas japonesas y a su vez ha publicado diversos poemarios en catalán.

Eduardo Sanz y Hokusai Katsushira ante el monte Fuji y la Gran Ola

Julia Sáez-Angulo

         01.07.10 .- Es un artista que ha pintado como nadie el mar y los faros de toda la península ibérica. Una serie que dio mucho que hablar y que escribir. El pintor Eduardo Sanz (Santander, 1948) bebió el mar en las retinas desde su nacimiento y no se ha separado de él aunque resida en el corazón de la meseta. Recientemente, el artista ha expuesto sus últimos trabajos “Homenaje a Hokusai Katsushira” en las galerías Juan Gris y Rayuela de Madrid.

Hokusai (Edo. Japón, 1760-1849) fue pintor y grabador del período Edo, adscrito a la escuela Ukiyo-e de pintura japonesa. Acuñó el término manga en 1814. Pintor y grabador, también conocido por los diversos nombres que utilizó a lo largo de su carrera profesional, Shunro, Sori, Kako, Taito, Gakyonjin, Iitsu y Manji. Se dice de Hokusai que hizo más de treinta mil dibujos y que ilustró quinientos volúmenes.

El artista japonés tuvo empeño hasta el final de su vida para representar el monte Fuji una y mil veces, como hiciera Cezanne con la montaña de Saint Victoire en la Provenza francesa. Harukami es célebre por su autoría de “La gran ola”, obra que emparienta muy de cerca con el trabajo del santanderino Eduardo Sanz.

El Cantábrico es demasiado poderoso para olvidarlo y sus olas se hacen protagonistas rotundas en los cuadros de Eduardo Sanz, hasta hacerse visiones casi abstractas de azules, verdes, grises y blancos, siguiendo el pulso cromático del mar que refleja el cielo. Y ese mar lo ha recreado Eduardo San con la bravura y la cercanía que le caracteriza.

Pero en esta última muestra, ha sido el célebre japonés monte Fuji el que ha cobrado protagonismo junto al mar y la niebla en muchos de sus cuadros, así como las olas de Kanazawa. Los guiños al manga no se hacen esperar en un cuadro titulado “Hokusai y Eduardo”. Hermoso el cuadro titulado “Rayo y temporal” o “Fuji en erupción”.

La iconografía habitual del pintor se rompe en el cuadro titulado “Hacia el Fuji”, un cuadrado de 100 x 100 cm, pintura sobre lienzo, que representa a una multitud de viajeros peregrinos al Fuji, resuelto en un sin fin de pequeñas figuras humanas con túnicas de diversos colores, en una composición de ritmo ágil y alegre.

Pocas veces dos artistas como Hokusai y Eduardo Sanz podrían estar más relacionados, por eso el homenaje de uno al otro cobra un sentido de ritual perfecto, de continuidad sin solución alguna, de guiño y de reconocimiento, de referencia plástica concreta dentro de ese gran cordón umbilical que es la Historia del Arte.

Juan Carlos Búrdalo, lectura poética en el Casino de Madrid

Julia Sáez-Angulo


El poeta Juan Carlos Rodríguez Búrdalo (Cáceres, 1946), miembro de las Academias de las Letras de Toledo y Córdoba, ha llevado a cabo un recital poético en el Casino de Madrid, que ha sido un recorrido por sus libros y los temas claves de su obra: la infancia, la geografía personal, el amor y desamor, el paso del tiempo y el destino inexorable de la muerte.

Alfredo Gómez Gil, director del Aula Poética del Casino, hizo la presentación del poeta que pasó su infancia en Piedras Albas, un pequeño pueblo cacereño de trescientos habitantes. Búrdalo ha publicado dieciocho libros en treinta años, de los que sólo once son originales y el resto selección de poemas o antologías.

Para el autor toda la obra es, de un modo otro autobiográfica o auto-referencial, ya que sigue el pulso y los avatares de la propia vida del hombre y el poeta, “exactamente mi vida”, como señala Pinto d´Amaral. Búrdalo está considerado un poeta elegíaco que canta lo que ha perdido, sin bien el profesor Jaime Gil de Biedma, de la Universidad Complutense, lo considera más bien memorialista. “Vivir y no vivir es un instante”, dice uno de sus versos”

“La luz ardida”, publicada en 2006 es la gran antología del poeta cacereño, un hombre castrense, general de la guardia civil ya retirado, que se une a la ilustre saga de la pluma y la espada en las letras españolas, de Jorge Manrique a Garcilaso de la Vega o Cervantes. Para Búrdalo la formación militar de hoy ha cedido, por necesidades del oficio, a la ingeniería técnica y la ciencia, por lo que ha tenido que ceder en las Humanidades. “El militar y el médico son profesiones que comparten cierta espiritualidad, lo que explica que de ambas hayan nacido escritores y poetas”.

Programa de lecturas para un poeta

El poeta cacereño, residente en Madrid, declaró que después de ocho años de sequía o página en blanco, ha vuelto a escribir poemas y comenzó por el titulado “Hussmann”, en honor a un generoso mendigo neoyorquino que conoció. Antes del poema “Ciudades”, explicó que, por su carrera militar, ha debido residir en distintas ciudades y de todas ellas guarda un excelente vínculo y recuerdo.

Búrdalo se considera un poeta sin grupo o generación, si bien ha estado unido a poetas como Ángel García López, su profesor, que le ayudó a ordenar los poemas de su primer libro para que no fueran una simple carpeta; también se ha relacionado con Luís López Anglada o Leopoldo de Luís. Expresó su opinión en torno a los poetas de vocación y los profesores-poetas – que no poetas profesores como Salinas- que vienen del campo de la Filología o la docencia.

Su programa de lecturas de formación como poeta, después de Lope, Góngora, Quevedo, Juan Ramón Jiménez y el “descubrimiento” de Bécquer durante el bachillerato, pasó por los Machado, Jorge Salinas, Francisco Brines, Claudio Rodríguez y otros contemporáneos. “El poeta es un hombre con hiperestesia y dominio de la estética de la palabra”, concluyó.

Entre los asistentes al acto, diversos artistas como Lynda de Sousa, María Antonia Román Prado o Juan Jiménez o escritores como, Luís Español Bouchéo Alejandro Riera Guignet.