MANOLO OYONARTE y la búsqueda de la objetividad en el arte. Exposición en la Galería Bat de Madrid

Manolo Oyonarte, pintor junto a su obra

El pintor junto al galerista Alberto Cornejo

Julia Sáez-Angulo

https://www.youtube.com/watch?v=LLbUTkayBZI&ab_channel=manolooyonarte

22/4/23.- Madrid.- En la misma Galería Bat de Madrid, que hace unos meses los críticos de arte Fernando Castro Flórez y Enrique Maeztu presentaron el  libro “Realidades sin nombre, en parte, la tesis doctoral de Manolo Oyonarte, se muestra actualmente la exposición del mismo pintor, bajo el título de “Abstracción fluida”, dentro de los Diálogos XIII, junto al escultor, igualmente abstracto Rafael Amorós.

Una veintena de cuadros de grande y mediano formato en los que la pintura de Oyonarte circula con libertad de gesto y cromatismo en una armonía asombrosa. Dejados de lado los antiguos personajes que emergían con una historia, emoción o sentimiento latente, que siempre arrastra la figura humana, por más que el artista la despoje de su anatomía total, la pintura de Oyonarte ha cobrado una libertad absoluta y campa por sus fueros con la naturalidad de quien tiene el dominio del espacio y el color. De quien se ha desprendido del yo, del ego. Es la abstracción fluida. La plenitud.

Mancha y gesto, color y vibraciones de líneas sin sometimiento a la geometría, ausentes de forma o referencia a la naturaleza. Si hubiera que buscar paternidad a esta pintura, se podría rastrear en Cy Twonbly o más lejanamente en Mompo.

Oyonarte es un investigador nato, y lo ha sido, casi obsesivo, sobre la búsqueda de la objetividad en el arte. Parece haberlo logrado a su modo y manera. El resultado es digno de aplauso, porque el espectador puede percibir también esa libertad y objetividad en su pintura plenamente abstracta, gozosa y equilibrada. Llena de belleza.

DATOS BIOGRÁFICOS.- Manolo Oyonarte (Madrid, 1957) empezó su carrera profesional como un destacado arquitecto de su promoción, por lo que decidió cursar un Master por la E.T.S. de Arquitectura de Madrid. Después se doctoró en Bellas Artes por la U.C.M. de Madrid y en el 98 funda el grupo artístico “Tres en realidad”, en 2009, el espacio de arte “Ra del Rey”, y en 2010, el grupo de arte “El Emperador Desnudo” que gestiona Al Marge Espai d´art en Jávea.

Es miembro de la Asociación de Artistas Plásticos de Madrid (AVAM), de la asociación VEGAP y de Artistas sin fronteras de Madrid. De 2011 a 2017, desempeña un trabajo de investigación sobre la objetividad de la obra de arte, que concluye con un nuevo modelo de experiencia estética creativa basado en el de los pensadores vitalistas y existencialistas. Su proceso exige que el artista aparta su ego para desencadenar una libertad creativa infinita.

La inauguración de la exposición estuvo a rebosar de pùblico, entre los que se encontraban Tomás Paredes, Adolfo Asmat, Socorro Morac, Julio Ovejero,  Carmen Valero, Guía Boix, AnaVivas, Alfonso Sebastián, Oscar Méndez Lobo …y, por supuesto, el galerista Alberto Cornejo.

Más información

https://lamiradaactual.blogspot.com/2023/01/manuel-oyonarte-realidades-sin-nombre.html

Alfonso Sebastián y Adolfo Asmat, pintores en la inauguración

Asmat ante un cuadro de Manolo Oyonarte

MANUEL OYONARTE. “Realidades sin nombre”, libro presentado por Fernando Castro Flórez y Enrique Maeztu en la Galería Bat

Amparo Ayllón, Oyonarte, Rosa Moreno de Castro y Julia Sáez-Angulo

Julia Sáez-Angulo

18/1/23.- Madrid.- Fernando Castro Flórez y Enrique Maeztu presentaron el libro del pintor Manuel Oyonarte “Realidades sin nombre”, El viaje de un artista en busca de lo propio del arte. Ambos participan con sus textos en el libro. El acto, que ha tenido lugar en la madrileña Galería Bat, estuvo muy concurrido de oyentes, principalmente artistas, y fue abierto por el galerista Alberto Cornejo.

Enrique Maeztu recordó a Manuel Ortega, padre de Oyonarte, quien resaltaba el romanticismo del genio y la importancia del artista, que debía desconfiar siempre de las modas en el arte y en el mercado, porque cada artista es solo él mismo, que encuentra un lenguaje, pero tampoco se aferra a él para no repetirse. En Manuel Oyonarte ha habido siempre una constante: la investigación artística y filosófica, la necesidad de expresarse, dejándose llevar por su propia reflexión interior. En la actualidad ha abandonado la figura y la representación.

Castro Flórez, crítico de arte, subrayó la obsesión filosófica de Oyonarte a lo largo de su trayectoria y en el amplio texto que recoge el libro “Realidades sin nombre”, para fijar sus meditaciones sobre el arte y la pintura. Recordó las conversaciones de Francis Bacon con Silvester sobre composición pictórica y subjetividad, ideas que igualmente interesan a Oyonarte. El tema de la realidad es algo importante para el pintor, algo que está más allá de los algoritmos. La realidad fenoménica, la estética como teoría de la sensibilidad.

El pensamiento de Kant y Schopenhauer están muy presentes en las reflexiones de Oyonarte. El mundo como voluntad y representación, influido por el pensamiento de Oriente. “La filosofía no viene de Grecia, sino de Jonia”, señaló Castro Flórez. De Oriente. Lo pulsional interviene creando la realidad como drama y angustia, dinamiza la actividad.

“Cuando no soy consciente de lo que ha sucedido es que la obra es muy buena”, señala Oyonarte en el libro. Una relación entre el inconsciente y la profundidad. “Lo más profundo es la piel”, señalaba Valery. 

Oyonarte escribió su tesis doctoral “El objetivo bipolar de Jorge Oteiza”, un artista muy interesado en Martin Heidegger y su obra “Ser y tiempo”, por la mística del vacío de Eckhart, “el vacío como plenitud” que señala el zen. Oyonarte proyecta su vida en la pintura.

Manuel Oyonarte cerró la presentación diciendo que “Realidades sin nombre” es tres libros en uno: pensamiento estético y filosófico; la acogida de la obra actual, como catálogo, y el viaje del pintor a lo largo de los últimos ocho años, según lo había estructurado Marina Ortega.

Señaló que su obsesión había sido encontrar el ”límite de la subjetividad y hallar lo propio del arte”. “La razón en el arte puede llevar a la banalidad y me quedé con el inconsciente próximo. Todo un camino que hay que recorrer. Un recorrido a través de ti mismo, hasta llegar a lo propio del arte. Se trasciende al artista y se llega a lo común, al todos. Trabajo con todo lo que no soy yo, y los cuadros van funcionando solos. Cuando dejas de ser tú, y de ser todo sin necesidad de lucha. No hay que librar batalla y es entonces cuando se gana la batalla al arte”.

Oyonarte y Ángela Palomeque

MANOLO OYONARTE presenta su libro en la Galeria de Arte Bat, el 18 de eber

José Ramón Lozano expone "Esencias" en la galería Bat de Madrid       "Esencias" Martes 21 de mayo a las 20 horas (del 21 de mayo al 20 de julio de 2013)       Fernando Rodríguez Salas escribe en la presentación de la exposición del artista: Lo primero que llama la atención al ver la pintura de José Ramón Lozano es la fragmentación de sus figuras, y no desde el punto de vista compositivo porque en su caso no es el encuadre el que las delimita sino el que se muestren o no a vista del espectador. Así, unas veces nos encontramos con lo que podría ser un cuerpo entero que, sin embargo,  está desprovisto de cabeza y en su lugar hay un borrón, como si el espacio se hubiera, nunca mejor dicho, comido esa parte de la figura. Y digo figura porque el pintor no pinta personas humanas sino tan sólo recuerdos de ellas en un mundo donde los humanos se han extinguido y solo quedan esas imágenes borrosas que no siempre se dejan ver en su totalidad. Esa inquietud nos paraliza al contemplar sus visualizaciones y nos hace concebir sus cuadros figurativos como pinturas abstractas plagadas de contenido existencialista. Otras veces nos encontramos con rostros de amplia magnitud en actitud pensante o ensimismada, que cruzan su mirada con la del espectador, conscientes de que están siendo observados. Incluso podemos ver lo que piensan, perdidos como estamos en la superficie del lienzo.  Nos sorprende su expresión y nos preguntamos ¿por qué nos miran? Dentro de la eternidad en la que están atrapadas sentimos miedo de la sola idea de permanecer para siempre anclados en el tiempo y la leve idea de la muerte, la ruptura, el fin nos tranquiliza. En definitiva la duración, lo que empieza y lo que acaba, como esa pincelada dinámica que modela las formas pero que contradice el estatismo de las figuras transformadas en ensoñaciones, pensamientos dibujados en el lienzo del tiempo.   El espacio es neutro pero no plano, convirtiéndose en el magma del que surgen las evocaciones del artista, esas figuras que parecen nacer por iniciativa propia al mezclarse la pintura con la tela. Una atmósfera que modela las formas y decide que mostrar, concibiendo el conjunto como una unidad, como elemento orgánico, ya que es imposible pararse en los detalles. El fondo crea la figura y al mismo tiempo la abstrae de la realidad más inmediata transportándola a mundos más etéreos en una volubilidad remarcada por la débil delimitación de los bordes de las formas transparentes. Efigies de colores pálidos como los tintes del pensamiento.

Miguel Condé expone Acuarelas y Dibujos en la Galería Bat de Madrid

Miguel Condé. Dibujos y Acuarelas. Galería Bat Alberto Cornejo María de Guzmán, 61 28003 Madrid Del 5 de noviembre al 12 de diciembre 

Julia Sáez-Angulo 

    16.11.2023.- Madrid.-  En sentido estricto Miguel Condé es un artista cosmopolita, nacido en Pittsburg (1939) de padre mexicano del que guarda su nacionalidad, pero está radicado entre Madrid y Sitges. Pintor, dibujante y grabador, Condé es un artista singular por su iconografía onírica, con acentos surrealistas y formas renacentistas.                     Actualmente expone dibujos y acuarelas sobre papel en la galería Bat Alberto Cornejo de Madrid. En su cromatismo refinado entre rojizos, negros y azules acoge una serie de figuras inquietantes, unas veces de parejas amorosas y otras de personajes en medio de una conversación que interroga, al propio espectador. 

    Un mundo propio el de Miguel Condé; una iconografía singular que lo hace inmediatamente reconocible, porque le otorga unas señas de identidad únicas. Su obra figura en museos de primer orden.          Un autodidacta bien formado en Anatomía y Grabado Entre las piezas presentadas figuran: “Trialogue mediterráneo”, en carbón y grafito; “Efebo y mentor”, acuarela y gouache; “El canto”; “El atardecer, amantes”; “Poeta diminuto ante gigantes”; “Colombina y Arlequín”; “Filósofos”, etc.          Un arte sugerente, seductor, de un maestro que sabe dibujar y crear una atmósfera, un mundo de imágenes superpuestas en algunos casos, lo que lleva a conseguir la simultaneidad de tiempos y espacios, algo que sólo la pintura consigue de modo magistral.      Miguel Condé se considera autodidacta, si bien hizo estudios de anatomía con Stephen Rogers Peck en Nueva York y técnicas de grabado en el Atelier 17 de Stanley William Hayter en París. Becario de la Fundación Guggenheim para América Latina y del Gobierno Francés, Condé ha recibido diversos premios internacionales.

    El artista es miembro titular de la Societé des Peintres-Graveurs Français y su obra está representada en diferentes museos y colecciones como The Museum of Modern Art en Nueva York, Cleveland Museum of Art, Blanton Museum of Art en Austin, University of Essex Collection of Latin American Art, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en Madrid, Albertina en Viena, Bibliothèque Nationale de France en París y otros.

Mas información 

http://www.miguelconde.info/