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martes, 15 de abril de 2014
ÁNGEL-LUIS PUJANTE, EL SONETO ISABELINO Y LOS SONETOS DE SHAKESPEARE
*MARTES 22: CONFERENCIA DE ÁNGEL-LUIS PUJANTE
EL SONETO ISABELINO Y LOS SONETOS
DE SHAKESPEARE
*JUEVES 24: SELECCIÓN DE SONETOS
PRESENTADOS POR ÁNGEL-LUIS PUJANTE
Y RECITADOS POR LOS ACTORES TRISTÁN
ULLOA Y ELVIRA MÍNGUEZ
L.M.A.
Coincidiendo con esa fecha que en el calendario
literario de las letras inglesas y españolas, por no decir
universales, es festivo, el 23 de abril, día en que fallecieron
dos escritores cumbres como Miguel de Cervantes y
William Shakespeare, la Fundación Juan March
www.march.es, Facebook, @fundacionmarch;
+fundacionmarch) ha organizado una doble sesión
dedicada al autor dramático inglés, que fue un notable
poeta, con especial dedicación al soneto, y que como tal,
como poeta, aspiraba a ser reconocido en la posteridad.
El catedrático de Filología Inglesa de la Universidad de Murcia
Ángel-Luis Pujante, Premio Nacional de Traducción (1998) por su
versión de La tempestad, de Shakespeare y traductor del Teatro
selecto de William Shakespeare (dos volúmenes, 2008), además de
varios libros sobre el dramaturgo y poeta inglés dará, el martes 22
de abril, una conferencia (El soneto isabelino y los Sonetos de
Shakespeare), y el jueves 24 presentará una selección de sonetos
que recitarán los actores Tristán Ulloa y Elvira Mínguez.
Explica Ángel-Luis Pujante que “el soneto, excelsamente
cultivado por Dante y luego por Petrarca, llegó a Inglaterra en la primera
mitad del siglo XVI. De la mano de Sir Thomas Wyatt y del Conde de
Surrey, experimentó transformaciones que darían por resultado lo que
se conoce como soneto isabelino o soneto inglés. La distinta estructura
resultante afectaría igualmente a la expresión del argumento o
sentimiento del soneto, que, con algunas excepciones, retenía la
premisa fundamental petrarquista: un hombre ama y desea a una bella
mujer consagrada a la castidad, entendida ésta como virginidad o como
la “castidad de la casada”. Pero no fue hasta finales del siglo XVI
cuando, siguiendo el ejemplo de Astrophil and Stella, de Sir Philip
Sidney, se pusieron de moda en Inglaterra las series de sonetos en los
que el poeta expresa su amor por una dama.
Shakespeare escribió su propia serie de sonetos, pero, de los
ciento cincuenta y cuatro que la componen, la mayor parte no están
dirigidos a una mujer, sino que conciernen o están dirigidos a un bello
joven, oponiéndose de este modo a la corriente petrarquista. Además,
sus sonetos no son distintos sólo en esto, sino por su manera tan
explícita de expresar el deseo. Por lo demás, su serie no presenta la
unidad ni uniformidad que observamos en la de Sidney o las demás:
Shakespeare abordó en sus sonetos temas diversos que se expresan
con una gran variedad de tonos y emociones. Algunos son reflexiones
sin relación con la realidad cotidiana, pero la mayor parte parecen
derivar de sucesos de la vida real, y bastantes de sus detalles nos
sugieren una base personal. Por eso, sus sonetos son para algunos,
una creación autobiográfica. Otros, sin embargo, estiman que son una
ficción literaria que refleja los valores y convenciones de su época. Y
muchos creen que son la expresión de una voz singular que sugiere
una presencia muy cercana e invita a la identificación. Quizá por eso
estos sonetos les siguen hablando a muchos a través de los siglos y
han encontrado en nuestros días un eco extraordinario en momentos de
dolor o de penuria personal o social.”
Ángel-Luis Pujante es catedrático de Filología Inglesa de la
Universidad de Murcia. Licenciado en Filología Moderna (Inglesa y
Alemana) por la Universidad de Barcelona y doctor por la de Salamanca,
amplió estudios y desarrolló investigación en Inglaterra y Estados
Unidos. Ha dado conferencias en diversas universidades e instituciones
superiores de España, Inglaterra, Portugal, Italia, México, Bélgica,
Luxemburgo y Rumanía.
Sobre Shakespeare y su época, ha publicado, entre otros,
El manuscrito shakespeariano de Manuel Herrera Bustamante (2001), y
coeditado Teatro clásico en traducción: texto, representación, recepción
con Keith Gregor (1996), Four Hundred Years of Shakespeare in Europe
con Ton Hoenselaars (2003), y Shakespeare en España. Textos 1764-
1916 con Laura Campillo (2007). Es también autor de una traducción
española anotada de A Game at Chess (Una partida de ajedrez) de
Thomas Middleton, y ha publicado varias traducciones españolas
anotadas de obras de Shakespeare, entre ellas Los dos nobles
parientes, de Shakespeare y Fletcher, en colaboración con Salvador
Oliva e inédita en España. En 1998 fue galardonado con el Premio
Nacional a la mejor traducción por su versión castellana de La
tempestad de Shakespeare. Sus traducciones se recogen en Teatro
selecto de William Shakespeare (dos volúmenes, 2008); y
recientemente ha publicado las obras completas de las Tragedias
(Teatro completo I) (2010) y las Comedias y tragicomedias (Teatro
completo II), de Shakespeare (2012).
En la actualidad trabaja la recepción de Shakespeare en España y
Europa. Desde 2000 a 2008 ha dirigido un proyecto de investigación del
Ministerio de Educación sobre la presencia de Shakespeare en España
en el marco de la cultura europea, en el que continúa participando
(www.um.es/shakespeare).
Es presidente honorario de ESRA (European Shakespeare
Research Association) (www.um.es/shakespeare/esra).
Tristán Ulloa es actor de cine, teatro y televisión. Goya como
Ruiz, 1998). Ha codirigido con su hermano David Ulloa la
actor revelación por Mensaka (de Salvador García
película Pudor (2007) y ha dirigido la obra teatral En construcción.
Como actor de teatro recientemente ha participado en
Julio César de Shakespeare.
Elvira Mínguez es actriz de cine, teatro y televisión. En cine, con
Tapas (de Juan Cruz y José Corbacho, 2005) consiguió
la Biznaga de Plata a la mejor actriz y el Goya a la mejor
de Plata obtuvo por Pudor (de los hermanos Ulloa).
actriz de reparto. Una segunda Biznaga
En teatro y televisión ha actuado
en Clara Campoamor: la mujer olvidada,
El tiempo entre costuras y Hermanos.
lunes, 14 de abril de 2014
Jorge Rando, autor del libro "Pensamiento y reflexiones" sobre el arte y la vida
Julia Sáez-Angulo
Al
tiempo que ultima los detalles de su Museum Jorge Rando en Málaga, el pintor presenta su libro Pensamiento y reflexiones, donde recoge una selección de sus textos
escritos a lo largo de su trayectoria artística y vital desde que comenzara el
tercer milenio.
Se trata de una edición trilingüe, en español, inglés y
alemán, en serie limitada con motivo de la inauguración del Museo, que tendrá
lugar el 28 de mayo de 2014. El libro de Jorge Rando (Málaga, 1941) va
encuadernado con pastas duras, garantía de pervivencia, al decir de los
ingleses.
El
arte, la pintura, la espiritualidad, el amor, la búsqueda, el despojamiento, la
creación, el alma, el color, la historia, la andadura, la belleza y la fealdad,
la expresión, el actor y el espectador, el instinto, la Cuaresma, la filosofía…
son algunos de los conceptos abordados en el libro.
“El
pintor es el poeta de la expresión. El pintor no se debe limitar a observar la
naturaleza con todo lo que la conforma y copiarla, sino que debe expresar desde
su interior los sentimientos que le producen y dejar en plena libertad a su instinto para que exprese las sensaciones que recibe y quiere a la vez
transmitir”, dice Rando en uno de sus textos.
Jorge
Rando afirma que “el artista no es un creador, sino un re-creador de lo que
observa. Si yo pinto árboles es porque estos están ahí, porque ya han sido antes creados por
Dios. Yo aporto mi lenguaje, mi estilo, mi manera de ver las formas, las
cosas…”
La
aspiración del pintor malagueño es “lograr la quinta dimensión en la pintura,
la máxima espiritualidad; sería un concepto en la teología de la recreación…”
Al artista le interesa la representación de figurar bíblicas, como los dos apostolarios que se muestran en su museo, uno pintado y otro esculpido. Son
apóstoles sin atributos identificadores, “que cada espectador interprete quién
es quien a su propio juicio”.
El
Museo Jorge Rando está situado en el centro de Málaga en una gran parte del
convento decimonónico de La Merced, donde se exponen las distintos ciclos de la obra del
artista malagueño con series que llevan nombres como La Pasión de Käthe Kollwitz, África Adiós, Maternidades, Prostitución y
otras. En la larga serie de la pintura
de Rando hay paisajes de muy hermosa factura o variada animalítica.
Rando
dice que pinta principalmente con brocha y que el pincel lo utiliza
raramente. “Pinto de cerca, unido al cuadro, casi como un ciego”.
La museografía y el montaje del Museum Jorge Rando permitirá al espectador un
seguimiento estructurado de la obra. El museo cuenta con una sala de exposiciones temporales, biblioteca, talleres y patio como ágora y/o sala de descanso.
La Noche de los Libros: lectura de Dibaxu, con Juan Gelman en la memoria
· Centro Sefarad-Israel, con la colaboración de Foro Clavijo y Ayuntamiento de Madrid, participa en La Noche de los Libros con un homenaje a Juan Gelman en el año del fallecimiento del poeta judeo-argentino. En concreto se leerán los poemas en lengua judeo-española de su célebre poemario “Dibaxu”.
· Marifé Santiago coordina y presenta un acto que titula lectura-ofrenda poética. Entre otros participarán los poetas Juan Carlos Mestre, José Ramón Ripoll, Teresa Sebastián, Fanny Rubio, Lourdes de Abajo, Luis Luna, Elisa Martín, Marifé Santiago, Cecilia Quílez, Miguel Losada, Fernando M.-Vara de Rey o Juana Vázquez.
· A ellos se sumará el canto de Mª José Cordero, la guitarra de Juan José Collado, las fotografías de Daniel Mordzinski.
Hora | ||
Centro Sefarad-Israel
(Mayor, 69)
Acceso gratuito
|
23 Abril
|
19 horas
|
'Ignominia', el temblor de Auschwitz en la poesía de Renée Ferrer
L.M.A.
· Renée Ferrer, Directora de la Academia Paraguaya de la Lengua Española y jurado de la presente edición del Premio Cervantes leerá en la sede de Centro Sefarad-Israel los poemas de su libro 'Ignominia' compuesto tras su visita a Auschwitz. El acto será presentado por Marifé de Santiago -escritora y profesora de Estética y Teoría de las Artes– quien también consagró uno de sus poemarios al impacto de Auschwitz. El acto contará con la presencia de José Manuel Blecua, Director General de la Real Academia Española, y los diplomáticos de la Embajada de Paraguay Gustavo Gómez Casas y María Amarilla.
· Cuento, novela, dramaturgia, poesía, son algunos de los territorios literarios por los que se adentra Renée Ferrer, una autora premiada en certámenes desde París a Beirut y desde Asturias a Buenos Aires. Nacida en Asunción (Paraguay), Renée Ferrer es miembro de la Academia Paraguaya de la Lengua Española, a la que representó en el Jurado del Premio Miguel de Cervantes 2013 que recayó en Elena Poniatowska.
Centro Sefarad-Israel
(Mayor, 69)
Acceso gratuito
|
21 Abril
|
19.30 horas
|
Conferencia: Las Cuatro Sinagogas de la Ciudad Vieja de Jerusalén: el corazón de la comunidad sefardí
L.M.A.
Conferencia: Las Cuatro Sinagogas de la Ciudad Vieja de Jerusalén: el corazón de la comunidad sefardí. Tendrá lugar en el Centro Sefarad-Israel en Madrid, el próximo día 24 de abril a las 19,30
· Abraham Haim, sefardí nacido en Jerusalén donde se licenció en Historia del Medio Oriente y en Lengua y Literatura Árabe, dictará una conferencia acerca de “Las Cuatro Sinagogas". Entre otras dignidades Abraham Haim es Presidente del Consejo de la Comunidad Sefardí de Jerusalén, Asesor de la Autoridad Nacional del Ladino y su Cultura y Coordinador de la Comisión del Premio Samuel Toledano.
· La numerosa comunidad sefardí de Jerusalén tenía bajo su cargo instituciones religiosas, educativas, y de caridad. El corazón y centro de la vida comunitaria residía en cuatro sinagogas que estaban unidas entre sí, formando un solo conjunto y a las que se conocía por el nombre de la principal y más importante: la Sinagoga de Rabán Yohanan Ben Zakay o Cahal Cadosh Gadol (Santa Sinagoga Mayor). La Sinagoga de Rabán Yohanan Ben Zakay adquirió preponderancia sobre los numerosos templos de Jerusalén y su importancia fue creciendo, no sólo para la comunidad jerosolimitana sino para todas las comunidades sefarditas del país.
El público valora con un notable la experiencia de la visita a los museos estatales
Algo
más que cifras: Informe del Laboratorio Permanente de Público de Museos
·
El estudio supera
la visión de la efectividad de un museo únicamente por sus cifras de usuarios y
analiza la calidad de la visita a través de 13 tipos de experiencias
·
Las visitas
tranquilas y más largas, en grupos familiares o con amigos, son las que mejores
resultados obtienen para los visitantes
·
El Museo Sorolla es
el que mejor experiencia global genera entre los usuarios
L.M.A.
El Laboratorio Permanente de
Público de Museos, iniciativa de la Subdirección de Museos Estatales, ha
publicado un nuevo informe en el que intenta profundizar en la experiencia
vivida por los visitantes de los museos estatales dependientes del Ministerio
de Educación, Cultura y Deporte.
Para ello se ha preguntado
a los visitantes de doce museos cómo valoraban su vivencia en el museo en
términos tanto cognitivos como psicológicos y emocionales, analizando variables
relativas al confort de la visita, al aprendizaje obtenido en la misma, la
relajación lograda, la fascinación experimentada, la diversión, el
ensimismamiento o la felicidad sentida durante su estancia en el museo y la
relación de todo ello con la satisfacción final de la visita al museo.
Los resultados globales del
informe ofrecen una media de 7,4 sobre 10 en términos de satisfacción de la
experiencia vivida en los museos estatales, superando la media el Museo
Sorolla, el Museo Nacional de Arte Romano de Mérida o el Museo del Traje, con
resultados y experiencias altamente gratificantes para quienes los visitan.
Son varias las formas de
medir el impacto o la efectividad de los museos como instituciones culturales.
La más utilizada hasta ahora es conocer el número de visitantes, sin embargo,
este no debe ser considerado el único indicador de éxito de un museo. El
análisis de la experiencia de la visita supone una aproximación novedosa al
conocimiento de los factores que configuran una experiencia de la visita
percibida como valiosa parte del público visitante, más allá de los datos
cuantitativos. Para este estudio se han recabado respuestas de 7.680 personas.
Las
experiencias más positivas se dan en museos que potencian una atmósfera de
tranquilidad, recogimiento y serenidad
La intención última del
estudio es identificar las sensaciones que hay que favorecer o provocar, y de
todos los demás estímulos que pueden componer la visita al museo, para que el
visitante salga satisfecho, reafirmado, con el convencimiento o el sentimiento
de que acaba de vivir una experiencia grata y placentera y con el deseo de
volver al museo.
El Museo Sorolla es el que
proporciona a su público una experiencia global más satisfactoria, alcanzando
la nota más alta de los doce en los que se realizado el informe conjunto: el
equivalente a un 7,9 sobre 10. También aparecen otros museos que destacan muy
positivamente por las distintas sensaciones que provocan en el público: el
Museo Casa de Cervantes produce una elevada experiencia de relajación, el Museo
del Traje C.I.P.E. es el que mayor sensación de diversión provoca entre su
público, el Museo Nacional de Arte Romano tiene un elevado porcentaje de
visitantes que experimentan un alto grado de fascinación en la visita, y en cuanto
al aprendizaje experimentado, de nuevo es el Museo Sorolla el que aparece en
primer lugar.
Las experiencias positivas
más frecuentes en casi todos los museos fueron la relajación, la significación
o sensación de estar realizando algo de interés para el individuo, la capacidad
necesaria para seguir el discurso y propuestas del museo, la orientación y el
confort. Aunque estas sensaciones las tiene la mayoría de los visitantes de
todos los museos analizados, en algunos de ellos aparecen con más facilidad.
Generalmente son los museos de dimensiones reducidas los que potencian una
atmósfera de tranquilidad, recogimiento y serenidad que favorece una
experiencia agradable: el Museo Sorolla, el Sefardí, la Casa de Cervantes o el
Museo Nacional de Antropología se señalan sobre los demás en estos aspectos. La
sensación de significación de la experiencia vivida es destacada además de en
estos museos, en el Museo Nacional de Arte Romano, el de Artes Decorativas y en
el Museo Nacional de Escultura, en los que la visita se convierte para muchos
visitantes en una experiencia memorable y enriquecedora.
Otras sensaciones
analizadas y diferentes son la confianza, la sensación de control sobre las
propias decisiones, la diversión, la felicidad y el aprendizaje. Los visitantes
reconocen experimentarlas de modo destacado en todos los museos, pero es en
algunos de ellos (Museo Nacional de Arte Romano, Museo Sorolla, Museo del
Traje, Museo Nacional de Escultura y Museo de Altamira) donde la experiencia de
aprendizaje parece que es percibida por el visitante como una de las más
patentes y relevantes, que de alguna manera ayuda a potenciar otras como la
experiencia de diversión.
Menos comunes resultan
experiencias como la fascinación o el asombro, el ensimismamiento o la inmersión,
un estado de concentración tal en lo que se está realizando que hace perder la
noción del tiempo. Este tipo de experiencias representa el máximo nivel de
interacción entre la exposición y el visitante, y es esta última la más intensa
de todas ellas. Este grupo de sensaciones lo llegó a alcanzar una tercera parte
de los visitantes destacando por encima de la media algunos museos como el del
Traje, el Sorolla y Museo Nacional de Arte Romano.
El análisis global
realizado no deja de ser una evaluación indirecta de la capacidad de los museos
de provocar reacciones dirigidas a la activación de sentimientos, la
imaginación, los recuerdos o los conocimientos previos, entre otros aspectos,
para favorecer el aprendizaje y el espíritu crítico. Estos resultados ponen de
manifiesto que los museos estudiados se han volcado más -y así lo ha percibido
también el público-, en la transmisión de información que en el estímulo de
experiencias globales que tuvieran en cuenta aspectos emotivos o emocionales.
Estos últimos son, sin duda, más estudiados hoy por la museología que en el
momento de creación de estos museos, cuando la transmisión de contenidos a
través de la exposición era el objetivo fundamental de estas instituciones para
con su público.
La publicación de este
estudio resulta pertinente en estos momentos en los que los museos saben que
han de procurar experiencias más enriquecedoras que la mera contemplación, y
que han de favorecer el conocimiento y el aprendizaje significativo, no solo a
través de la transmisión de información, sino por medio de la generación de
experiencias gratas que hagan de la visita y de la relación con el museo algo
relevante para el individuo desde el punto de vista de la experiencia vivida.
Más información: http://www.mcu.es/museos
domingo, 13 de abril de 2014
Ha fallecido el pintor madrileño Manuel Ortega, ganador del Concurso Internacional de Vidrieras en la catedral de la Almudena
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18.04.14.- MADRID .- El pintor Manuel Ortega ha
fallecido hoy en Madrid a los 92 años de edad. Ganador del Concurso
Internacional de Vidrieras de la Almudena, el pintor ha permanecido activo
hasta la semana pasada, pintando un paisaje de Toledo, por encargo de un
coleccionista. Es padre de dos hijos también pintores: Manolo Oyonarte y Carlos
Ortega.
Manuel Ortega
Biografía
ORTEGA Y PÉREZ
DE MONFORTE, Manuel. Madrid, 1921 - 2014. Pintor,
muralista, escultor, diseñador, retratista, grabador.
Hijo del periodista y escritor Manuel Luis Ortega Pichardo.
Estudió en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando, Madrid, 1944 – 1949. Obtuvo
el Primer Premio de Pintura Mural Vázquez Díaz 1949 y Primer Premio Fin de
Carrera de Pintura en Escuela de Bellas Artes de San Fernando. Consiguió las
becas de posgrado de Plazas y Provincias Africanas 1959 y de la Fundación Juan
March 1960, por lo que tuvo prolongadas
estancias en Italia, Francia y Guinea Ecuatorial. Su exposición inaugural de la
sala de exposiciones del Ateneo de Madrid en 1951, fue presentada por don
Daniel Vázquez Díaz. Seguidamente expuso en la galería Biosca y en el Círculo de
Bellas Artes.
Un año
antes de casarse con la diseñadora de moda Carmina Oyonarte estuvo en la República Dominicana, contratado por los
pintores Vela Zanetti y Juan Alcalde para trabajar en una gran feria
internacional en la que tenía gran interés el presidente Rafael Leonidas Trujillo. Viajó
entre otros junto al pintor Ricardo Zamorano. Allí pintó el retrato de Ranfis
Trujillo, hijo de gobernante.
Es autor de más de doscientos murales y
vidrieras en numerosas catedrales, iglesias, seminarios, palacios, hoteles y
urbanizaciones de España. Fue el ganador del concurso internacional para hacer
las vidrieras de la catedral de la Almudena en Madrid en 1998 y las llevó a
cabo, si bien el cardenal Rouco hizo sustituir unilateralmente las del ábside
por las de Kiko Argüello, fundador de los Neocatecumenales. Igualmente hizo los
murales de la iglesia del Cristo de la Victoria (Madrid); la parroquia de
Nuestra Señora de las Nieves, en Somosierra; el Palacio de Neptuno y el Hotel
Colón en Madrid, así como los del Seminario Conciliar de Vinuesa y las iglesias
Santa María de Huerta y Nuestra Señora de los Ángeles (Soria). En sus murales
utiliza indistintamente materiales como pintura, cerámica, cemento, forja o
vidrio, además del fresco.
A partir de 1970 realizó numerosas
exposiciones en galerías e instituciones, como el Centro Cultural Galileo,
donde realizó una muestra retrospectiva de su obra en 1994 y en el Palacio de
Saldaña en 2000 junto a sus hijos pintores Manolo Oyonarte y Carlos Ortega y su nieta Irene. Su
trayectoria pictórica estuvo vinculada a partir de entonces a la galería
Macarrón de Madrid.
Su obra se
encuentra en diversas instituciones como la Biblioteca Nacional, Ateneo de
Madrid, Círculo de Bellas Artes, Fundación Juan March y Fundación Álvaro Mutis
o en museos como el Reina Sofía, Municipal y Taurino de Madrid, de Aránzazu en
Guipúzcoa, Nacional de Guinea, de Arte Contemporáneo de la República
Dominicana, Municipal de Jaén, del Dibujo en el Castillo de Larrés (Huesca),
del Grabado en Marbella… y en numerosas colecciones privadas de España, República
Dominicana, Francia, Italia y otros países, principalmente en Alemania, debido
a su galerista Doris Hard de aquel país.
Su labor
como pintor de caballete ha sido abundante en series como Deportes, Tauromaquia, La Movida Madrileña, Músicos callejeros, Metro madrileño y, entre los retratos, que
ha pintado destacan prohombres del mundo de la cultura y la ciencia como el
poeta Adriano del Valle, el científico Severo Ochoa, los doctores Fernández
Cruz, Usón, Elola o Aparicio, el
escritor Marino Gómez Santos o los profesores Íñigo de Aranzadi y Asunción
Jordán de Urríes, así como empresarios y financieros: Ignacio Fierro, Mayte Aguado
del Castillo o Juan Aparicio. Cuenta con tres autorretratos en 1951,
1984 y 1990.
En el diseño llevó a cabo, entre
otros, el mobiliario y la estructura arquitectónica del Campo de Entrenamiento de Golf en Alcobendas (1958). Y como
grabador, dos series de cuatro estampas: Tauromaquia (1995) y de dos, sobre
África (1996).
Ha sido
distinguido con diversos homenajes y premios como Primer Premio del Concurso
Internacional de la catedral de la Almudena, Primer Premio de Pintura Pintores
de África 1959, por el Consejo Superior de Investigaciones Ciéntíficas, CSIC;
el del Salón de los 13 de Madrid; Ibérico 2000; el de la Asociación de Críticos
de Arte de Madrid, AMCA, 2007; Fundación Álvaro Mutis 2009; Tertulia Ilustrada
2007; Peñaltar
2010; etc.
Ha sido finalista del concurso de la basílica de Aránzazu (1962); del concurso del Techo del Teatro Real (1955). Madrid; de L´Oreal 1985 y otros.
Ha sido finalista del concurso de la basílica de Aránzazu (1962); del concurso del Techo del Teatro Real (1955). Madrid; de L´Oreal 1985 y otros.
En las Universidad Complutense y
Autónoma de Madrid (2004) se han realizado sendas tesis doctorales sobre su
obra, en 1990 y en 2004. La primera por
J. D´Ors.
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