Alberto José Logarzo: “Cartas a María Callas (sin principio ni final)”

“Cartas a María Callas”
(sin principio ni final)
Alberto José Logarzo
Prólogo: Marcelo Arce
Vinciguerra Editorial. Buenos Aires


Julia Sáez-Angulo

“Divina, enigmática, electrizante, hermosa, hechicera, única, insustituible, fueron algunos de los tantos términos que se han empleado para intentar describir a esta mujer que cautivó multitudes”, escribe el autor del libro “Cartas a María Callas (sin principio ni final)”, el argentino Alberto José Logarzo refiriéndose a la cantante de ópera María Callas.

“María Callas es la soprano del siglo XX, que traspasó el mundo de la ópera, logrando una indiscutible popularidad, incluso en este siglo XXI nos conmueve con el sonido de su voz y el arte de su canto”, continúa Logarzo.

“A veces las cartas viven en los sueños” dice el autor que, con su libro, ha hecho un gran homenaje a la soprano helena universal, que fue amante del magnate griego Aristóteles Onasis.

“En este libro “Cartas a María Callas (sin principio ni final)” me permito entrar en el mundo irreal del poema de la vida de esta mujer, que desde la historia a la leyenda, dejó una impronta en mi apreciación operística. Mi compromiso con su arte es entregarle este ramo de rosas rojas de manera epistolar que fue escrito desde mi corazón y puedo decir una vez más con las palabras de Rilke: Las obras de arte viven en medio de la soledad. Sólo el amor alcanza a comprenderlas”.

El libro de Logarzo muestra varias fotos de la diva, alguna de ellas dedicada al propio autor. Logarzo “la ama y conoce su Arte. La amplia y variada carrera que ha desplegado en las lides escénicas le permite atravesar telones y hallar la fantasía para crear una original propuesta. María, sentada serenamente en el óleo de Ulisse Sartini en la Ópera de Atenas, releerá estas cartas que le llegan desde el imaginario!, escribe Marcelo Arce en el prólogo.

Un relámpago que iluminó la escena

Jorge Luís Borges decía que “el libro es la gran memoria de los siglos… Si tienes algo que decir o un mensaje que comunicar, escribe una carta…” Logarzo lo ha hecho a su amor platónico, capaz de escribir en unos versos: “Un relámpago iluminó la escena. Sólo la visión de lo absoluto/ surgió de su persona”.

El autor poeta toma prestada la sentida frase de Georges Sand: “Te amo para amarte y no para ser amado, puesto que nada me place tanto que verte feliz”. “mia prima donna absoluta” es su conclusión.

En suma, un libro de admiración por el arte, de amor puro a una artista diva que trasvasó su figura al mito, reconocido por entero por aquellos que la conocieron y, sobre todo, que la escucharon como Alberto José Logarzo.

Carmen Martín Gaite late en toda su obra literaria

Obras Completas
Carmen Martín Gaite
Edición de José Teruel
Galaxia Gutenberg/Círculo de Lectores
Barcelona, 2010-07-06



Julia Sáez-Angulo

Junto a Ana María, la hermana de la desaparecida escritora Carmen Martín Gaite y Juan Riambau, el profesor y editor José Teruel, ha presentado el tercer volumen de las Obras Completas de la citada autora en el Círculo de Lectores. “Una escritora que cultivó todos los géneros, sin entenderlos como compartimentos estancos. Carmen Martín Gaite late en toda su obra”, declaró el editor.

El volumen abarca la narrativa breve, poesía y teatro de Carmen Martín Gaite (Salamanca, 1925 – Madrid, 2000). Las Obras Completas cuentan con siete tomos, los dos primeros comprendían sus novelas, los tres siguientes serán de ensayo y el último de miscelánea.

El objetivo de las Obras Completas es “recuperar los eslabones perdidos e invitar a la relectura de la autora”, declaró Teruel, que acaricia la idea de escribir en un futuro la biografía de la escritora salmantina. Una vida que supo valorar la importancia del tiempo y la memoria y que estuvo atravesada por el sentido de la extrañeza, como indica su libro “Lo extraño es vivir”.

Martín Gaite era una escritora polifacética y poliédrica. Fue actriz en su juventud en la Universidad de Salamanca, de ahí su interés por el teatro. Cuando llegó a Madrid fue buena amiga, entre otros de la actriz Mayrata O´Wisiedo y de Alfonso Sastre. Supo enlazar bien las letras con la escena.

La literatura de la escritora salmantina, que estuvo casada con otro escritor, Rafael Sánchez Ferlosio, pertenece a la categoría cognitiva y retórica, basada en la experiencia. José Teruel habló del estilo excitado o “pirado” de Martín Gaite, en el que parece escaparse del lector. “Tenía atracción por el riesgo en la escritura pero sintió también el freno o la contención universitaria, de la disciplina aprendida en Salamanca”, señaló su hermana Ana María.

Transputar el tiempo ido en narrativo

El taller de la escritora está presidido por el afán de indagar en torno a una cuestión central: como convertir el tiempo ido (histórico, vivido o soñado) en tiempo narrativo. Su deseo era apresar el tiempo en la escritura trascendida en literatura.

“La poesía la visitó a rachas, si bien toda su producción literaria estuvo atravesada por la poesía”, señaló el editor. Una poesía de múltiples registros, en la que hay monólogos dramáticos, poemas descriptivos o narrativos, poemas canción y poemas desacralizados. “En la poesía no se aparta del canon generacional”, declaró Teruel.

Hay algunos títulos dispersos e inéditos que se recopilan en este tercer volumen. Entre los primeros destacan los cuentos y poemas de su etapa universitaria salmantina, y, entre los segundos, “El padre de Odilo, relato ambientado en el mismo escenario de “Las ataduras”.

Pedro Castrortega, ganador del III certamen Jesús Bárcenas en Valdepeñas

Julia Sáez-Angulo


El artista Pedro Castrortega (Piedra Buena. Ciudad Real, 1957) ha recibido el reputado premio Jesús Bárcenas, que se otorga en Valdepeñas por el conocido coleccionista y empresario de la ciudad. El galardón, dotado con dieciocho mil euros y ha recaído sobre la obra “Testigo” de este artista polifacético que trabaja la pintura, escultura, grabado, dibujo, instalaciones... Castrortega reside en Madrid, aunque como algunos otros coetáneos, alterna su taller madrileño con prolongadas estancias en Berlín y París. Al premio, en su tercer certamen, concurrieron 236 obras procedentes de diversos países.

-¿Qué ha supuesto el premio Jesús Bárcenas?
R.- Un premio de estas características, supone, estimulo, y sobre todo, reconocimiento a mi trayectoria, que con esto se enriquece un poco más.

-¿Qué está pintando ahora? ¿Qué conceptos le mueven?
R.- Siempre trabajo con ideas que me configuran hechos cercanos, o motivaciones provocadas desde la emoción. Ahora estoy trabajando en algo que llamo. “Los viajes de la Palabra”. Pretendo que en mis esculturas, pinturas y demás, entre en dialogo, la forma y la palabra, en un mismo espacio plástico, y que a la vez sean nave y navegante de un mismo deseo.

-¿Domina algún cromatismo o forma especial?
R.- Pretendo todos los colores, aunque los espacios blancos, me atrapan, debe de ser porque el dibujo me apasiona.

-¿Ha aparcado el grabado?
R.- No el grabado encierra algo especial, casi ancestral, que me vincula a lo esencial de tacto, de la acción intima.

-¿Cómo fue su experiencia en Berlín? ¿Va a seguir experimentando diversos talleres en distintas ciudades?
R.- Berlín es una ciudad maravillosa, es como vivir en un jardín cargado de sensaciones que son necesarias para crecer. Volveré con frecuencia, porque forma parte de mí y porque aquí encuentro la libertad de las cosas sencillas.

-Pintura y escultura ¿Cómo las relaciona en su caso?
R.- La pintura, la escultura o la instalación, no son otra cosa que lo mismo, herramientas para contar emociones. Me siento bien usándolas a la vez.

-¿Qué libro ha leído últimamente y qué libro de arte recomienda?
R.- “La vuelta al cuerpo en cuarenta puntos”, de Alejandro Lorente. Un libro que nos hace conocernos mejor.

-¿Qué exposición de esta temporada le ha llamado más la atención?
R.- La exposición en el Reina Sofía de, Martín Ramírez. Pura esencia

-¿Qué aciertos y desajustes observa en el circuito artístico?
R.- El Circuito artístico, cada vez es más complicado, me suena a competición, carrera de cien metros lisos. Debería haber muchos circuitos de mas de cien metros, que nos permitan escaparnos del cronometro, de la dirección de carrera, y del pensamiento único.

“Seguimos sin creer en nosotros”


-¿Cree que los museos de arte contemporáneos españoles atienden a los artistas del país?
R.- No, seguimos sin creer en nosotros. Deberíamos de fijarnos en el fútbol, cuando hemos empezado a creer en nosotros, resulta que funciona, y ahora hasta los demás creen en nosotros.

-¿Existe o no existe la crítica de arte? ¿Dónde?
-R.- Claro que existe, unos críticos que hacen esfuerzos, se implican, pero no siempre se obtienen resultados. Estamos en un mundo de escenario, y es difícil escapar a los focos, a las luces de colores, a lo que se lleva. Gran Hermano, nos hace famosos.Falta espacio para la critica de arte, y el poco que hay, esta siempre ocupado, Deberíamos pretender la libertad para todos.

-Usted ha colaborado con una diseñadora ¿Por qué le interesa la moda con el arte?
R.- La moda, forma parte de la creatividad que llaga a todos. Hacer moda hoy, no es otra cosa que dibujar sobre un soporte vivo, móvil, que llega a todo el mundo, y que está en la calle.

-¿Cómo va su creación poética en palabras? ¿Dialoga con su obra plástica?
R.- Ahora lo tengo dejado, pero siempre está muy cerca.

-Algo que quiera decir y que no le haya preguntado
R.- Me gustaría decir, que a pesar de este tiempo difícil, el Arte seguirá siendo muy importante para el Hombre, no podemos dar la espalda a algo que nos ha configurado, debemos de creer que es posible ser mejores.

Damasco y Siria visto por seis artistas españoles

IIham – Inspiración
Comisario Diego Moya
Museo Nacional de Siria
Damasco. Del 3 de junio al 30 de julio de 2010-07-05

Julia Sáez-Angulo


Los artistas españoles José Luís Alexanco, Rafael Canogar, Diego Moya, Isabel Muñoz, Soledad Soldevilla y Fernando Verdugo exponen sus obras en el Museo Nacional de Siria en Damasco, en una muestra titulada “IIham – Inspiración”, comisariada por Diego Moya. La muestra ha sido patrocinada por la Sociedad Estatal para la Acción Cultural Exterior de España, SEACEX.

La exposición “es un gran ejemplo de la multiplicidad de iniciativas que se están produciendo de manera coordinada entra la sociedad española y la de los países del Mediterráneo Oriental. El encuentro en Damasco que plantea este proyecto, con el reflejo de la ciudad de Córdoba de fondo, apunta a la historia compartida entre nuestras dos naciones y a todos los valores que compartimos”, dice Charo Otegui, presidenta de SEACEX en la presentación del catálogo.

Para el comisario de la muestra, Diego Moya, “uno de los debates de mayor vigencia en nuestra cultura es el de las posibles formas de reconocimiento del “otro”, más allá de la simple buena voluntad que quedó ya puesta en entredicho con certera diana por Edward Said hace 30 años”.

(...) “Said señaló que lo que está en el fondo de la cuestión: “la visión del otro es manipulada y tergiversada para cumplir los intereses de cualquier país hegemónico, que ahora no es ni Gran Bretaña ni la Francia del siglo XIX, sino los Estados unidos de la últimas décadas, en su versión más imperial”, escribe Moya.

IIham “quiere aportar una forma de salir de aquella sensación de bloqueo creativo a la que me refería antes- continua diciendo el comisario. “No se trata en este caso de dar la voz al otro sino de recuperar la posibilidad de la nuestra, fuera del discurso hegemónico de la visión occidental”.

Fernando Verdugo, Soledad Sevilla, Isabel Muñoz...

Los artistas participantes viajaron a Damasco y se llevaron en su mente y retinas unas ideas e imágenes que han interpretado en las obras con su propio lenguaje. José Luis Alexanco muestra la ciudad “que habla de rosas, de murallas romanas, del profeta Ananías, de Ibn Arabi…”

Rafael Canogar recorrió el casco antiguo de la capital siria y se sintió viajar en el tiempo, en un mundo de colores y aromas, ante la especial arquitectura otomana de los viejos palacios, de los que tomó la idea de franjas cromáticas de sus fachadas para sus cuadros de color vivaz en rojos, negros y blancos con un lenguaje de hoy a base de arrastres del pigmento.

Diego Moya ha querido atrapar la luz rutilante de un día sin filtros, en el que se contemplaron danzas y giros hasta que el sol ardiente lo desbordó de luz y se refugió en una suerte de nocturnos hechos bellas abstracciones. Un visión espacial muy acorde a la línea pictórica del autor.

La fotógrafa Isabel Muñoz se encontró en Siria con la danza masculina y giratoria que da lugar a figuras florales, a ritmo de vértigo, a manos como estrelicias, a celosías e arabescos y geometrías. Una de sus fotos “giratorias” la hemos visto también en PhotoEspaña 2010.

Soledad Sevilla - infiel en su día a la geometría inicial del Centro de Cálculo- juega con el cuadrado dentro del cuadro –un guiño a Albers- en colores aterciopelados rojos, verdes, azules matizados por manchas y trazos automáticos… de gran sensibilidad y elegancia.

Fernando Verdugo sigue la “ruta de los Omeya”, como buen artista andaluz, y deambula por la mezquita de Córdoba hasta llegar a Damasco, comienzo del retorno. El árbol de la vida, tan presente en los zócalos de los espacios andaluces y árabes, las visiones de los suelos espigados por los alarifes… El muro y el suelo que evocan lugares y espacios en colores matizados que hacen viajar por ambas geografías

.

La Gran Vía de Madrid en las fotos del artista Alberto Pombo

L.M.A.


La Comunidad de Madrid organiza en dos de sus bibliotecas la exposición del fotógrafo, pintor y arquitecto Alberto Pombo en conmemoración del centenario de la Gran Vía. La muestra se compone de 40 fotografías de diferentes perspectivas de edificios de la Gran Vía madrileña y puede verse hasta el 29 de julio en la Biblioteca Pedro Salinas (Puerta de Toledo, 1) y, del 1 al 30 de septiembre, en la Biblioteca pública Manuel Alvar (C/Azcona, 42).

La Gran Vía, el sueño de la nueva metrópoli

La historia de la Gran Vía es la historia de un proceso de ascenso de la ciudad de Madrid a la modernidad definitiva. La Gran Vía de Madrid fue el gran proyecto urbanístico de finales del siglo XIX. Era necesario dotar de fluidez el nudo de la Puerta del Sol que se saturaba con el tráfico de carruajes. El primer proyecto de reforma es de 1886, redactado por Carlos Velasco, pero las obras no comenzaron hasta abril de 1910, con un nuevo proyecto a cargo de los arquitectos municipales José López Sallaberry y Francisco Octavio Palacios. La ciudad de Madrid atravesaba su proceso de cambio, convirtiéndose de simple receptora de provincias en motor del desarrollo, la cultura y la economía.

Fueron importantes las razones urbanísticas que llevaron a las autoridades municipales y nacionales a ejecutar tan ambicioso proyecto, pero importante fue también el empuje y la conciencia propia de ser una gran ciudad: la nueva metrópoli.

El rey Alfonso XIII, junto a José Canalejas, presidente del Consejo de Ministros, dio su conformidad para el derribo de más de 300 edificios. Los derribos se prolongaron hasta 1927 en tres tramos: primero, de la confluencia con la calle de Alcalá hasta la Red de San Luis; más tarde, desde la Red de San Luis hasta la plaza del Callao y, finalmente, desde Callao hasta la Plaza de España. La última de las obras no finalizaría hasta mucho tiempo después de la Guerra Civil, en 1952, con la inauguración del edificio donde hoy está el Hotel Washington. La Gran Vía asistió a la inauguración en 1919 de la primera línea de Metro, que conectaba las estaciones de Sol y Cuatro Caminos, con parada en la Red de San Luis, diseñada la entrada con un bello templete-marquesina, obra de Antonio Palacios.

El proyecto de López Sallaberry y Palacios fue pensado como una misma vía pero con tres tramos confluyentes y, al principio, cada uno tuvo su propio nombre: Eduardo Dato, Pi y Margall y Conde de Peñalver. Poco antes de la Guerra Civil, dos de esos tramos pasaron a denominarse avenida de la CNT.

Al principio de la guerra se llamó avenida de Rusia y, posteriormente, de la Unión Soviética, mientras que el tramo de Eduardo Dato se llamó avenida de México. Con el final de la guerra, adoptó un único nombre: avenida de José Antonio. En 1981, el ayuntamiento de la ciudad cambió ese nombre por el actual (Gran Vía) que ha sido con el que se ha conocido popularmente a esta avenida desde sus orígenes, jaleada por el chotis de Agustín Lara, “Madrid”.

La Gran Vía, en una ciudad como Madrid en guerra, reunió a Ernest Hemingway, Antoine de Saint-Exupéry y John Dos Passos, alojados en el inexistente hoy Hotel Florida, cubriendo los acontecimientos que sacudieron la historia de nuestro país en los años 30. Tras la guerra, la Gran Vía recupera su esplendor: el de los años 50 recordada en blanco y negro por las imágenes de Català Roca, o en los años 60, cuando muchos se sentaban en las terrazas de sus cafés, a la espera de poder ver a alguna estrella de Hollywood, como los que acudían al local mítico Chicote: Ernest Hemingway, Ava Gardner, Gary Cooper, Orson Welles, Frank Sinatra, Rita Hayworth, Grace Kelly, y muchos otros.

Después de 100 años, la Gran Vía ha sido objetivo de la cámara de Alberto Pombo, con su mirada de arquitecto, que ha vuelto a recorrerla a pie, sin prisa alguna, evocando la esencia y el esplendor que desprenden sus edificios, realizados por los mejores arquitectos españoles de mitad del siglo XX, y la diversidad de una de las arterias más concurridas de Madrid. Alberto Pombo nos acompaña por el primer tramo de la Gran Vía realizado en los años 10, con la pretenciosa suntuosidad que quería competir con el Barrio de Salamanca, la Belle Époque de influencia francesa, para acceder a las construcciones de los años 20, con edificios multifuncionales y racionalistas de primera época con un toque todavía decó, con espacios que favorecían ser lugar de paso y paseo, el verdadero Madrid. Y finalmente la llegada desde Callao a la Plaza de España, su contexto urbanístico, su anécdota y su belleza.

Alberto Pombo, fotografo y pintor

Alberto Pombo Recondo nace en Irún el 21 de enero de 1959. Se inicia en la pintura de la mano de Bernardino Bienabe Artía, reconocido pintor y representante del movimiento impresionista del Bidasoa. Cursó estudios universitarios en la ETSAN (Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Navarra) finalizando los mismos con Matrícula de Honor en el Proyecto Fin de Carrera y siéndole concedido el Premio Extraordinario Fin de Carrera.

Ha realizado una amplia labor docente desde 1983, primero como alumno colaborador en el Departamento de Urbanismo de la ETSAN y luego como profesor ayudante de Javier Carvajal en la cátedra de Proyectos de la citada escuela.

Asimismo ha participado como ponente en varios cursos monográficos, entre ellos los celebrados en la Universidad Internacional Menéndez Pelayo. Ha recibido varios premios, nacionales e internacionales por su labor como arquitecto y su obra ha sido publicada en diversas revistas especializadas.

Fernando Larumbe, experto documental en Juegos Vascos de Pelota

Julia Sáez-Angulo


Fernando Larumbe Bidegain (Pamplona, 1947),fue campeón juvenil de pala corta en 1964 y obtuvo medalla de oro en 1970. En el VIII Campeonato Mundial (Montevideo-Uruguay)de 1974 obtuvo Medalla de Bronce en Paleta Cuero y ha sido campeón varios años en esta especialidad. En 1981 fue campeón de Euskadi (Vitoria) en Pala Corta. Es miembro de la Plataforma "Salvemos el Beti Jai". Le hemos visto recientemente en las finales de Pelota Vasca en Madrid, junto a Salvador Estébanez, delegado del Gobierno de Navarra y le abordé sobre este campo deportivo.


-Se le considera historiador del juego de pelota o pelota vasca. ¿Qué ha hecho para merecerlo?
R.- Parece ser verdad que "en el país de los tuertos el ciego es rey". No soy historiador, ni por formación ni por vocación -ni lo pretendo-. Me limito a recopilar y leer toda la documentación que puedo sobre los Juegos de Pelota. Trato de ordenar, analizar y divulgar esta información y, de paso, "desenmascarar" a los "copistas de corta y pega", que fusilan el trabajo de otros -sin citarlos siquiera- para su personal prestigio…y lucro. Soy autodidacta, "pelín" diletante, perfeccionista irredento, poco práctico…Conclusión: nunca me llega la hora de escribir sobre el tema.

-La pelota va ganando o perdiendo afición?
R. Según qué se entienda por Juego(s) de Pelota. Hay muchos. Si nos ceñimos a los Juegos Vascos de Pelota -término más real y preciso que Pelota Vasca-, hablamos de 15 especialidades que, a su vez, se subdividen en varias modalidades y se practican en 5 tipos de canchas y/o frontones distintos. Unas se mantienen como residuales -subsisten- en regiones y localidades muy concretas. Otras están en franca decadencia (pala, remonte…). Otras se mantienen dignamente, como la mano (efecto TV), incluso está resurgiendo en algunos países donde estaba prácticamente pedida. Finalmente, hay especialidades que están en auge: la paleta a cuero, la paleta a goma, el frontenis…Pero, en términos generales, sería más objetivo hablar de pérdida de afición en practicantes y un aumento en espectadores televidentes.

Canteras en en la cornisa del norte de España

-¿Dónde están las canteras más interesantes?
Donde siempre. En el Euskadi, Navarra, la Rioja, Levante, Cataluña, según especialidades. A nivel internacional, País Vascofrancés, México, Argentina, Cuba.

-¿Qué opinión le merece estas finales en Madrid?
Muy buena. Sin ser original ni nueva, este formato de competición resulta novedoso por su extensión hacia todo el territorio nacional y -esperemos- internacional. Es el camino. Pero hay que avanzar más en él.

-¿Cuál ha sido el jugado de pelota más mitificado? ¿Quiénes le siguen?
Es arriesgado pronunciarse sin distinguir especialidades. Pero desde una perspectiva histórica habría que citar a Indalecio Sarasqueta ("Chiquito de Eibar"), el mejor en su época (S. XIX) en todas las especialidades y contemporáneo nuestro Jesús Ábrego ("Ábrego I"), remontista.

-El ganador del año pasado, le operaron de las venas en los dedos. ¿Es demasiado duro este deporte?
Refiriéndonos a la pelota a mano, sí. No me parece correcto el término "duro" pues es extensible a todo deporte de alta competición. La lesión del "dedo blanco" a la que te refieres, es un tanto novedosa en el espectro de los traumatismos del "mal de manos". Pero van apareciendo lesiones nuevas. Todas ellas vinculadas al material: la pelota. Es necesario investigar en la línea de los materiales que la componen, en su confección y, posiblemente, en algún tipo de "guante" protector para la mano. Al parecer hay algunas líneas abiertas en este sentido, pero están todavía lejos de la solución.

-¿Qué porcentaje lleva de destreza, astucia o inteligencia?
En todo deporte, a partir, claro está, de una excelente condición física, lo diferencial es el factor específicamente humano: sentimiento e inteligencia. Como dijo Zubiri -antes que D. Goleman- "inteligencia sentiente". Técnica, táctica y estrategia van directamente vinculadas a ellos. Yo siempre digo: "a la pelota no se le pega con la mano, sino con la cabeza".


"La culpa la tiene siempre el mayor"

-¿Por qué Madrid ha perdido esa vieja afición a la pelota?
¡Uf!, responsabilidades a repartir y compartir. Pero como decía mi tía María -maestra, y refiriéndose a las peleas entre niños-"La culpa la tiene el mayor" da igual quién origina el conflicto. En este caso, son los dirigentes -al nivel que sea y en el ámbito que sea- los máximos responsables de la promoción, planificación y gestión del deporte.

-¿Le hacen la competencia la pala o cesta punta?
Si te refieres a la pelota a mano, ahora no. Sería al revés. Técnicamente, hoy día, la mano es lo único televisable. Y sabemos lo que significan las "audiencias" de TV para la promoción de un deporte. Desde el punto de vista de la práctica, cualquier especialidad con herramienta tendría ventaja sobre pala, remonte y cesta. Y esto por la dificultad de encontrar instalaciones adecuadas y accesibles y por el costo de las herramientas y materiales para su práctica.

-¿Cómo se recupera una afición?
Con mucha dedicación a la promoción por parte de los dirigentes (escuelas de pelota). Con una seria planificación de las competiciones (tanto de aficionados como de profesionales). Y con mucho diálogo ente los estamentos implicados en su desarrollo: el "mundillo de la pelota" es, lamentablemente, una pequeña Babel de intereses contrapuestos. En todos los niveles. Otro tema largo de hablar sería el papel decisivo que desempeñan los medios de comunicación. Pero esto es como "la pescadilla que se muerde la cola"...

-Internacionalmente ¿como se encuentra este deporte?
Tengo entendido que, por primera vez, se está haciendo un intento serio de planificación estratégica sobre el futuro de la pelota a nivel internacional, por parte de la Federación Internacional de Pelota Vasca (FIPV). ¡Ya era hora! El trabajo es mucho y muy amplio. Hay que tomar decisiones para reducir tipo de frontón, especialidades y materiales. Para ello hay que dialogar y ponerse de acuerdo en muchos puntos y llegar a un razonable y realista consenso ¿Para cuándo el "1º Congreso Mundial de Pelota"? En 80 años todavía no se ha celebrado uno.

-En América Latina ¿como está situado?
Al parecer, van a entrar algunas modalidades de pelota en la competición oficial de los próximos Juegos Panamericanos. Esto supone un salto cualitativo en el reconocimiento e implantación del deporte de la pelota en Sudamérica. Puede ser el comienzo de una etapa esperanzadora para el futuro de la pelota.

-¿Mueve mucho dinero? ¿Muchas apuestas públicas?
No puedo responderte con exactitud. Ahora se apuesta también por Internet. Pero es difícil obtener datos al respecto. Sólo quiero apuntar que el eje de la expansión internacional de la pelota a sido su vertiente de espectáculo deportivo "industrial" mediante el sistema de "apuestas". Esta ha sido su limitación y su condena. No conozco un negocio en el mundo que siga entendiéndose y gestionándose sobre la misma concepción, la misma base y de la misma manera, sin apenas evolución, desde hace 130 años. Bueno, perdón, hay otro todavía más antiguo: el de la vida eterna. Pero este es otro tema

.

Rafael Botí, octogenario y gran coleccionista de pintura de Vázquez Díaz

Julia Sáez-Angulo


Rafael Botí Torres, coleccionista de pintura de Daniel Vázquez Díaz, ha cumplido 80 años y la ciudad de Córdoba y sus amigos le han obsequiado con un encuentro de reconocimiento y una afectiva placa por su generosidad ante la Fundación Rafael Botí (nombre igual de su padre pintor), sita en la mencionada ciudad andaluza.

Personaje habitual en los circuitos artísticos españoles junto a su esposa Deli Blanco, Rafael Botí Torres (Madrid, 1930 y cordobés de corazón) ha llegado a coleccionar casi un centenar de obras del pintor Vázquez Díaz (Huelva, 1882, Madrid, 1969), al que conoció desde niño porque era amigo de su padre, el pintor Rafael Botí, con el que pintara los mismos paisajes en numerosas ocasiones.

Algunos de los cuadros de Vázquez Díaz fueron regalo del artista a la familia Botí, pero las grandes piezas del pintor onubense las ha ido adquiriendo Rafael Botí hijo a lo largo de cincuenta años. Entre ellas destacan los retratos del poeta Adriano del Valle, de su esposa Eva Preetsman Aggerholm, escultora danesa o del Conde de Romanones, así como numerosos paisajes principalmente del norte de España.

“He adquirido bastantes obras de Vázquez Díaz en las subastas. Las casas de subastas me conocían y algunos se aprovechaban para subir precios; ciertos coleccionistas se retiraban porque sabían que yo acabaría rematando la pieza”, explica Rafael Botí. “También he comprado unas cuantas obras a la propia familia de Vázquez Díaz, a la que conozco desde muy pronto”.

Posado para torero en los cuadros

Rafael Botí hijo posó numerosas veces para Vázquez Díaz, sobre todo para torero de cuadrilla. “El no contrataba modelos y nos hacía posara a amigos y vecinos”, cuenta.

El coleccionista adquirió una amplia colección de dibujos del pintor de Huelva, y de ellos vendió a la Fundación MAPFRE 40 cabezas dibujadas de escritores, artistas y personajes públicos coetáneos al dibujante.

No se concibe una exposición de Vázquez Díaz sin contar con el coleccionista Rafael Botí, quien recientemente ha prestado sus dibujos para una exposición patrocinada por la Fundación Cajasur en Córdoba, itinerante por otras ciudades andaluzas.

De los dibujos y bocetos sobre la serie de los frescos sobre el Descubrimiento de América que Vázquez Díaz hizo para el monasterio de La Rábida en Palos de la Frontera, el coleccionista cuenta con varios de ellos. Fue una obra ambiciosa, en la que el pintor puso mucha energía y esperanzas.

Con motivo del centenario del nacimiento de su padre Rafael Botí Gaitán (Córdoba, 1900 –Madrid, 1995) la Fundación organizó una gran muestra sobre los pintores Julio Romero de Torres y Daniel Vázquez Díaz, en la que el coleccionista estuvo muy cerca.

“A mi padre Rafael Botí le hubiera gustado dedicarse por entero a la pintura, pero para sostener a la familia trabajaba como músico de viola y violín en la Orquesta Nacional”, explica el hijo coleccionista, al tiempo que muestra lss obras de su progenitor–más del centenar- que conserva en su casa. “Llegó a pintar una 500 obras, de la que el Museo Reina Sofía tiene dos”.

Además de Rafael Botí y de Vázquez Díaz, el coleccionista de arte octogenario cuenta también con otras obras singulares en su haber, como “La Tauromaquia” de Rafael Alberti, que ha mostrado en la Fundación cordobesa que lleva el nombre de su padre y diversos cuadros de Pepe Caballero, Ucelay y Juan Antonio Morales entre otros. Este último hizo un magnífico retrato a su esposa Deli.

Algunos Apuntes sobre la situación del Arte latinoamericano

Julia Sáez-Angulo


Pese a que los movimientos artísticos en arquitectura, pintura y escultura han tendido siempre a prolongarse y homologarse de alguna manera en Europa y América, -ámbitos clave de Occidente-, lo cierto es que siempre se han podido rastrear ciertas “invariables castizas”, por utilizar la terminología del profesor Chueca Goitia. El argentino Damián Bayón, crítico y estudioso del Arte, así lo reconocía igualmente en nuestras entrevistas y conversaciones en el París de los años 70 y 80, en el que artistas como Antonio Seguí y Fernando Botero también residían en la capital francesa.

Ciñéndonos al arte latinoamericano moderno y contemporáneo se ha podido comprobar con más intensidad esa línea firme de comunicación entre los artistas latinoamericanos y los europeos, vía París fundamentalmente, pero también Madrid y Barcelona a primeros del XX. El contacto con el arte norteamericano de los Estados Unidos, en líneas generales, vendría algo más tarde.

Claro que, al mismo tiempo que el artista latinoamericano profesional se formaba y miraba a los grandes maestros del pasado inmediato o del presente, contemplaba su geografía y circunstancia, lo que le llevaba a gestar una obra conectada con la sociedad inmediata en la que se encontraba inmerso. Todo ello, más allá de los lenguajes identitarios, es lo que los hacía singulares. La reivindicación política y social ha sido una de las constantes de buena parte del arte que nos ocupa.

Ahí está el caso de los muralistas mexicanos, Diego Rivera, José Clemente Orozco o David Alfaro Sequeiros -alguno de ellos como Rivera estuvo en Madrid y París. Su trabajo en el campo del mural reivindicativo en lo social y en lo político, en lo revolucionario de las primeras décadas del XX, les otorga una diferenciación y gran valía testimonial, además de estética, formal y ética. El muralismo mexicano fue tan potente, que, por fuerza, tuvo que ser “asesinado” por la siguiente generación de artistas, obligados a “matar al padre” para hacer un quiebro necesario en la continua metamorfosis del arte. Rufino Tamayo y Juan Soriano, serían el exponente más claro de ese escape al mismo tiempo que enlace y continuidad. El caso de Frida Khalo es aparte y su cotización –quizás hiper-valorada- responde a otros parámetros de interés en lo auto-referencial.

Ni que decir tiene, que dentro de las corrientes generales de los movimientos artísticos, los nombres propios del arte latinoamericano han alcanzado reconocimiento internacional en el circuito artístico. El constructivismo geométrico dio un alto do de pecho en las artes plásticas. Argentina, Venezuela, Colombia y Brasil han aportado nombres célebres como Julio Le Parc, Jesús Soto, Negret, Gego... Un movimiento con certeras raíces en la escuela del Sur del catalán/uruguayo Joaquín Torres García.

Damián Bayón subrayaba la importancia de las subastas especializadas de arte latinoamericano en las grandes firmas de licitación en Nueva York; era una manera clara de informar y potenciar el arte de los artistas latinos de cara a coleccionistas públicos y privados especializados en este campo. No le daba miedo la posible idea de gueto que pudieran sufrir estos artistas, subrayaba más bien la llamada de atención hacia los mismos, para un circuito interesado en el concepto y la forma de los creadores latinos.

Bayón admiraba las diversas colecciones norteamericanas de arte latino, especializadas o no en algún movimiento concreto y se sorprendía de que en España no se hiciera una colección institucional semejante, algo así como un anexo al Museo de América con los artistas de nuestros días.

Dos colecciones de interés: Daros en Zurich, FEMSA en México

Ciertamente el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, que absorbió las colecciones del anterior del Museo Arte Moderno sito junto a la Biblioteca Nacional, cuenta hoy con un buen plantel de obras de artistas latinos, que paulatinamente van cobrando el protagonismo de primer rango que merecen en la Historia del Arte y en el presente, por creatividad y pensamiento. Dos de los premios Velázquez, concedidos por el Ministerio de Cultura los han obtenido nombres señeros como el mexicano Juan Soriano (2005), el brasileño Cildo Mereiles (2008) y la colombiana Doris Salcedo (2010), que ha expuesto recientemente en la Tate Gallery de Londres.

España presta una atención cada vez más intensa al arte latinoamericano y sus manifestaciones pueden verse sistemáticamente en la Casa de América o en las distintas fundaciones como Telefónica, BBVA o Santander, que traen conjuntos de obras de arte latinoamericano articulados en exposiciones. Recientemente se han podido ver piezas, procedentes de la colección Daros de Zurich o de la colección FEMSA de México, ambas centradas en el arte latino. La Feria de Arte Contemporáneo ARCO en Madrid ha llevado a cabo ediciones con atención primordial al arte latino, e incluso con invitaciones singulares a ciertos países de la región, como fue el caso de México. También la alemaa Colección Würth, con varios museos en Europa, cuenta con buenas firmas latinoamericanas y prepara una exposición sobre "La modernidad mexicana" para 2012, dado que son numeosos los artistas de México que figuran en sus fondos.

La Sala Zuloaga de Fuendetodos (Zaragoza) también ha presentado en 2010 una muestra de artistas y grabadores de Guatemala, realizados en el taller madrileño de Juan Carlos Melero, donde se han llevado a cabo dos hermosas series de grabados del genial octogenario guatemalteco Efraín Recinos: Murales censurados y Murales cubistas.

En galerías privadas españolas se han podido ver otros muchos nombres latinoamericanos que van desde el pintor brasileño Paternosto al fotógrafo Julio Grimblat o Los Carpinteros cubanos, por citar algunos de los más recientes. Lo mismo cabe decir de las ferias Art Madrid, JustMad/MadMadrid; ArteFaim, Estampa –donde arrasa la argentina Cristina Santander- y otras, además de la principal ARCO.

En 2001 se creó el Museo Latinoamericano de Buenos Aires, MALBA- Fundación Constantini, una apuesta clara y sin complejos para poner de relieve el arte contemporáneo de una gran zona geográfica, que comparte inquietudes y lenguajes, en la más absoluta diversidad. Con vocación abierta, acoge movimientos y tendencias de distinto orden, con materiales y soportes sin límite: pintura, escultura, collage, dibujo, obra gráfica, fotografía, arte del objeto o instalaciones. La región que abarca, va desde Argentina a los Estados Unidos de México en el norte del continente americano, pasando por el Caribe. También la obra de artistas latinoamericanos que se lleva a cabo fuera de la zona. Una apuesta regional amplia y centrada que permite hacer un museo con un hilo conductor propio, como recomienda últimamente el ICOM a los museos, para que no se parezcan unos a otros como dos gotas de agua.

Nueva York y Londres, dos ciudades interesadas

A las subastas con cifras elevadas en los remates de arte latinoamericano (Wilfredo Lam, Roberto Matta, amén de los muralistas y Khalo), Nueva York ha añadido la Feria de Arte Latinoamericano , reconocida como la más importante en su género por el mismo MOMA y a ella se ha sumado Londres, por vez primera en 2010, con otra Feria de Arte Latinoamericano de 35 stands, dirigida por Diego Costa Peuser, Mauro Herlitzka y Alejandro Zaia. No deja de ser curioso que las dos ferias se den en las dos ciudades con más mercado para el arte contemporáneo.

Entre los nombres que se han visto en estas ferias, además de los modernos –-clásicos y citados- se han podido ver los más recientes o emergentes de Leopoldo Maler, Marta Minujin, Esteban Lisa, Magdalena Murúa, Ricardo Cinalli, Arturo Herrera, Fabián Marcaccio, Damián Ortega, Alexandre Arrechea, Emilio Chapela, Paternosto o Lucía Maldonado.

Odalys Casa de Subastas, con sedes en Caracas y Madrid tiene en su filosofía incluir siempre un buen plantel de artistas latinoamericanos, conciente de su valor en alza. Por su parte, el artista dominicano Fernando Ureña ha creado el Museo de Arte Latinoamericano, un catálogo extenso de nombres, que responde a una voluntad informativa amplia de los creadores latinos de distintas nacionalidades. ( http://www.latinartmuseum.com/ )

España es residencia continuada de muchos artistas latinoamericanos, que desean pasar unos años en este país, origen en más de un caso de sus propios ancestros. La mayoría de ellos goza de la doble nacionalidad como la colombiana Consuelo Vinchira; los venezolanos Pedro Sandoval y Raúl Fuentes; la argentina Lidia Buente; los cubanos Andrés Puig, Waldo Ballard y Carlos Boix; el chileno Muñoz Vera; el panameño Julio Zachrisson; el guatemalteco Juan Francisco Yoc… entre otros.

Estos son algunos apuntes sueltos sobre la importancia que va cobrando el arte latinoamericano en el circuito artístico internacional y en el de España en particular.

La exposición Sinergias, con su adecuado planteamiento, se suma a ese escaparate y reconocimiento de un arte que cada día se integra más y mejor en las corrientes internacionales, si bien merece una atención pormenorizada para rastrear esas “invariables” apuntadas, para conformar colecciones públicas y privadas con características regionales propias o, simplemente para poner foco en unos creadores muy particulares llenos de talento en sus indagaciones y obras.

La Fundación Fondo Internacional de las Artes, FiART y la Secretaria General Iberoamericana, SEGIB, han estado acertadas al concebir y apoyar Sinergias, así como los museos MEIAC y MACUF de Badajoz y A Coruña, respectivamente al mostra la exposición.

Tirso de Molina, alegre y jovial en el Teatro de La Guindalera

“La mujer por fuerza”
Tirso de Molina
Teatro la Guindalera. Julio 2010
Martínez Izquierdo, 20; 28028 Madrid.
http://www.guindalera.com/





Julia Sáez-Angulo

No hay mejor gracia, donaire y humor que en los dramaturgos españoles clásicos, por eso otras literaturas, sobre todo la francesa, entró a saco en ellos y llegó incluso a reinterpretarlos como el “Don Juan” de Molière. El Teatro de La Guindalera nos ofrece la obra “La mujer por fuerza” de Tirso de Molina en una interpretación divertida y jovial, siendo fiel al texto.

Es el teatro de la palabra puro y respetuoso, pero actualizado sin drama o sin el “sentido tragico de la vida” que diría Unamuno. Un Tirso lúdico y animado casi como un vodeville, dirigido por José Maya, fundador de la compañía de teatro clásico Zampanó Teatro, que pone en escena a los autores del siglo del Oro con magisterio y animación.

Honra al Teatro de La Guindalera el que esté dispuesto a ofrecer su programación durante el mes de julio, cosa que no hacen algunos teatros oficiales e institucionales con mucho más presupuesto.

“La mujer por fuerza” conlleva el tema amoroso del conde Federico, enviado por el rey de Nápoles a Hungría, que se hospeda en casa de Alberto, quien le oculta la presencia de su hermana Finea, que se ha enamorado de Federico observándolo a escondidas. Al volver a Nápoles, Finea entra en su servicio como criado y ahí comienza los avatares graciosos y dramáticos al mismo tiempo, que llevan al conde a la locura por la persistencia en el engaño y malentendido.

Gestos pícaros en la escena despojada

Beatriz Ortega hace el papel de Finea con garbo; Alex Tormo un magistral doble papel de Alberto y de marqués Ludovico; José Bustos hace de conde Federico, y su interpretación de la locura es soberbia, bien dirigida en un momento extraordinario en que todos los personajes lo rodean con sus afirmaciones rotundas en torno a una situación que él desconoce.

Ana Alonso, como sastre “parisina” y Fenisa, realiza un buen papel y Alicia González espléndida como Fiorella, la novia casi histérica del conde. Chiqui Maya cumple en el papel del rey de Nápoles y Toni Madigán como músico y compositor acompaña de fondo, con su música de guitarra y vihuela, una puesta en escena despojada, en la que la palabra es la protagonista en voz de excelentes intérpretes.

Los movimientos y gestos picaros como palpara los glúteos o genitales, así como el gesto de carnudo, buscan una hilaridad en el público y lo consiguen en la obra representada.

“Estamos ante un personaje femenino tremendamente trasgresor y que con su comportamiento va a poner patas arriba todas las leyes cortesanas a las que están sometidos todos los hombres de esta comedia por mor de su reputación”, dice el director de la obra José Maya. Transgredí y hiere al mismo tiempo.

Hay juego y hay drama en esta obra de Tirso de Molina (Fray Gabriel Téllez, 1579 – 1648), un autor del que se conservan 60 obras dramáticas de primer orden.

Tanzania, excavaciones arqueológicas en la cuna de la Humanidad

El próximo lunes se presentan en el Rectorado de la Universidad de Alcalá los importantes resultados de la quinta campaña de excavaciones en la Garganta de Olduvai, Tanzania, más conocida como la Cuna de la Humanidad. En este acto, organizado por la Fundación General de la Universidad de Alcalá (FGUA), intervendrán los arqueólogos Manuel Domínguez-Rodrigo y Enrique Baquedano, que junto a Audax Mabulla y Henry T. Bunn codirigen The Olduvai Paleoanthropological and Paleoecological Project (TOPPP), esencial para comprender cómo surgieron los primeros comportamientos humanos en el origen mismo del género Homo.

La investigación se centra en los diferentes lechos de la Garganta –el lugar arqueológicamente más codiciado dentro de la comunidad científica-, con una edad aproximada de casi dos millones de años, que registra asentamientos con una industria lítica muy primitiva y huesos fosilizados. La importancia del sitio para comprender los orígenes del comportamiento sofisticado de los homínidos se documenta por abundantes huesos de animales y pruebas de transportes repetidos de porciones de grandes mamíferos muertos en este lugar de paisaje paleolítico.

Los yacimientos de Olduvai –cuyos trabajos de excavación fueron iniciados por el matrimonio Louis y Mary Leakey en los años 1950- se encuentra en la garganta del mismo nombre, una gran hendidura en el terreno de casi 50 kilómetros de longitud. Este accidente geográfico se sitúa dentro del Área Protegida del Cráter del Ngorongoro, en la provincia del Serengeti, al Norte de Tanzania.

La quinta campaña de excavación en la Garganta de Olduvai ha sido gestionada desde la FGUA, a la espera de la constitución del Instituto de Evolución en África (IDEA), centro de investigación que coordinará todos los trabajos y creará las infraestructuras necesarias para su normal desarrollo.

También acudirán a este acto representantes de los Ministerios de Cultura y de Asuntos Exteriores y Cooperación, que han venido apoyando económica y políticamente el proyecto, así como la Dirección General de Cooperación de la Comunidad de Madrid que, a través de la ONGD Cives Mundi, está construyendo una estación de investigación en la Garganta de Olduvai, para su uso por el equipo y por la población local

.

Laura Mira, coleccionista de arte e "interventora" de libros

Julia Sáez-Angulo



Nacida en Madrid en 1966, Laura Mira Prieto-Moreno es licenciada en Derecho. Trabajó como abogada cuatro años en un despacho inglés. A continuación estudió Restauración de Pintura y empezó Historia del Arte. Tras un breve paso por el mundo de la restauración, se dedicó a los cuadernos y libros de dibujos y collages. Es aficionada al arte, la música, los libros, los viajes y el senderismo. Recientemente ha presentado un libro de collages titulado “La casa del coleccionista”

-¿Cómo definiría el collage?

Técnica artística consistente en pegar (“coller” en francés) sobre el soporte trozos de papeles (también telas, objetos pequeños…) ya sea encontrados por el artista o deliberadamente preparados/coloreados por él. Personalmente me gusta mucho porque se crean asociaciones sorprendentes, muy sugerentes (misteriosas en algunos casos) y porque me atrae mucho visualmente la diferencia de calidad, grosor y textura de los distintos papeles.

-¿Le mueve el color o el concepto a la hora de hacer los suyos?

Predomina el concepto pero en general guardo y uso papeles cuya estética (color, textura ,tipografía…) me resulta atractiva e inspiradora y por ello los recorto y conservo.

-El collage nació en 1910 con Picasso ¿Es su vanguardia preferida?.

Más que vanguardia me interesan ciertos artistas individualmente. En particular los que trabajan o trabajaron el “collage” (Cornell, Max Ernst, Schwitters…), el “assemblage” (cajas de Cornell) y el fotomontaje (Grete Stern, Hannah Hoch, Heartfield…) y los artistas rusos de vanguardia.

-¿Qué opinión le merece Kurt Schwitters?

Creo que es el gran creador insuperable de los “collages” abstractos (el otro sería Max Ernst pero sus collages son más narrativos). Me gustan especialmente y me parecen perfectos los collages “Merz” de pequeño formato, exquisitos en composición, colorido y elección de los recortes.

-¿Qué maestros del arte le interesan?

Los artistas italianos del Renacimiento, los primitivos flamencos, Goya, Velázquez, Rembrandt, Vermeer, los impresionistas, Matisse, Hopper y los mencionados en la pregunta 3.

-¿Que tiempo le llevó hacer “La Casa del Coleccionista”?

Aproximadamente dos años.

-¿Qué elementos dominan en ella?

Los recortes de obras de arte (puesto que es la casa de un coleccionista) relacionados con los espacios de una casa y que cumplieran una de estas dos condiciones: que fueran de un artista que me gusta mucho. Por ejemplo, Duchamp y su “eau de toilette” (para el cuarto de baño) o los frascos de Cornell (para la cocina) y que encajaran en el concepto del libro aunque fueran de un artista que no me interese especialmente. Es el caso de las obras de Murakami o Jeff Koons que están en “el cuarto de juegos” pues parecen (y en origen, lo son) juguetes.

Laura Lío, S. Balkenhol, D.Nash, Feliciano...

-¿Es usted coleccionista de arte?¿Que artistas le acompañan en su casa?

Sí, de escultura, pintura, collages, cajas y solo algunas fotografías (Chema Madoz, Gilbert Garcin, Grete Stern y Rafael Lobato) relacionadas con un montaje previo.

Entre los pintores: A.Corujeira, Mompó, A.Avia, Ráfols-Casamada, D.Verbis, Farreras, Campano... Esculturas de Laura Lío, S. Balkenhol, D.Nash, Feliciano, R.Díaz… Cajas y collages de M. Ernst, J. Cornell, G.Brecht, M. Bouzo, Sean Mackaoui,, C. Calvo, S. Huete, P. Carrió, C. Pazos, A. Alcaín, G. Rueda, A. Bofarull…

- Es amiga de Laura Lío, ¿cómo definiría o describiría su arte?

Me parece una artista muy sensible y refinada. Sus esculturas y dibujos, a medio camino entre figuración y abstracción establecen conexiones entre la casa (nidos, jaulas…), la naturaleza, el cuerpo, la escritura… muy sutiles y de una gran belleza. Me gustan mucho sus colores (fundamentalmente blanco y negro) y los materiales (alambre, escayola, madera, mimbres, tarlatanas). Toda su trayectoria, desde las primeras esculturas musicales hasta las obras más recientes me parece muy interesante, coherente y muy personal.

- ¿Qué prepara ahora?

Acabo justo de terminar un libro pequeño de collages titulado “LINKS”. Son conexiones entre recortes de imágenes y recortes de palabras. Ahora estoy con otros dos libros de dibujos y collages: uno sobre el color (es un libro “intervenido”, que ya existe, lo he comprado y yo lo completo) y otro grande sobre Italia, país por el que me siento muy atraída.

-¿Qué libro de arte le ha gustado más y recomienda?

Para leer me gustaron mucho las memorias de Balthus y la biografía de Joseph Cornell, escrita por D. Salomon. Y para mirar, hay dos libros grandes recientemente editados por Taschen sobre Caravaggio y Matisse que son espectaculares.

-Describa una colección ideal

Aquella que tenga una obra significativa (aunque sea pequeña) de todos los artistas “deseados” y que pueda estar expuesta en su totalidad en la casa del propietario .¡Nada de obras guardadas en cajas y almacenes!

-¿Qué exposición de arte le ha interesado más últimamente?

Me gustó mucho la de fotografías de Rodchenko en el Canal de Isabel II

.

Antonio de la Muela, pintor de figura y abstracción con alusiones a la mitología clásica

Julia Sáez-Angulo


Desde el primer momento lo tuvo claro en la Escuela de Bellas Artes; lo suyo era el mundo de las imágenes, la pintura figurativa. Tomó el óleo como pigmento para los retratos libres que lleva a cabo, por su interés en la figura humana y el temple al huevo para su última serie de “manchas” en las que está actualmente investigando.

Bebe en las fuentes de los grandes: Velázquez, Holbein, El Greco… “Ahora quiero volver al Museo del Prado para estudiar a fondo los negros de Velázquez. Es asombroso como el pintor sevillano diferencia las texturas de las lanas o las sedas de la medias”, explica Antonio de la Muela, al tiempo que muestra sus retratos de torsos masculinos sentados o desnudos con arnés.

Le gusta hacer retratos con modelos de personajes cercanos, amigos o vecinos. Trabaja el desnudo masculino, sobre todo en verano porque le gusta trabajar con luz natural más prolongada. Otros retratos masculinos los interpreta en actividades tradicionalmente de mujeres como coser, bordar o hacer petit-point para relajarse. “Me gusta pintar del natural porque del encuentro en vivo nacen más sugerencias plásticas”

En su “Autorretrato”, Antonio de la Muela se presenta casi de cuerpo entero, con doble figura porque “es asombroso lo que uno cambia si se contempla desde un ángulo u otro, desde la derecha o desde la izquierda”, afirma el autor. Le gusta el retrato en libertad, por eso agradeció mucho a una madre que le encargó el retrato de su hija y le dijo: “quiero más un buen cuadro que el simple parecido de mi hija”. Se lo agradecí porque me permitió una composición más suelta”.

Le gusta citar la mitología greco-romana en los títulos de sus cuadros por su gran poder evocador. Ha llevado a cabo una serie de retratos de mujeres embarazadas –por la fuerte carga emocional o expresiva que tiene las madres gestantes y los cuadros llevan los nombres de Medea, Hécuba, Penélope, Ariadna, Andrómaca…”Es una imagen de fuerte mensaje; algunas de las modelos son mujeres de mi familia”, explica el pintor.

Los tondos como escudos de guerreros

Los tondos constituyen una de las líneas trabajadas por Antonio de la Muela. “Me gusta la forma redonda porque con ella interpreto la idea de escudo de guerrero”. Dos de ellos llevan por título “escudo de Héctor”, en gran formato, resuelto en azules y, el otro, en ocres y amarillos, de tamaño más reducido. “Me gusta la obra de “Las troyanas” –dice Antonio. –Siempre me siento al lado de Troya y no de Atenas”.

Los tondos están pintados utilizando el muñón izquierdo de su brazo izquierdo, casi a la altura de la mano, como una plantilla que estampa manchas a modo de mariposas sobre el soporte. “Me gusta el resultado y lo hago con temple al huevo porque este pigmento se adapta mejor al manejo de mi brazo que el óleo o el acrílico que resulta imposible. El pintor José Hernández me dio la receta del temple en Plasencia”.

La serie de manchas la denomina “Las caricias de Anteo”, el gigante que mató Hércules cuando lo levantó en el aire, al descubrir que su fuerza venía de tocar la madre tierra. “Esta serie será la que presente la próxima temporada en una exposición prevista para un centro cultural de la sierra madrileña.”

“Yo, el Gato”, un filósofo que analiza la sociedad nipona

“Yo, el Gato”
Natsume Soseski
Edición y traducción de Jesús González Valles
Editorial Trotta. Madrid, 2010; (454 pags)


Julia Sáez-Angulo

El gato siempre ha sido considerado un animal felino astuto, inteligente, observador y escurridizo, quizás por ello el autor japonés Natsume Soseki lo ha elegido como personaje narrador y protagonista en una novela que critica la situación social japonesa.

“Soseki es una figura señera en la historia de la literatura japonesa y resalta como hechicero de la prosa japonesa e iniciador de un modelo de novela realista que, aunque inspirados en modelos extranjeros, echaría luego raíces en la literatura nipona”, escribe el editor y traductor Jesús González Valles, en la introducción del libro.

“El gato metido a filósofo realiza en la novela, el papel de inquisidor de estilos de vida, hábitos sociales y modos de pensamiento llegados a Japón al amparo de la apertura patrocinada por el emperador Meiji”, explica el traductor. “Papel que el gato realiza desde posiciones intransigentes que le mueven a pasar por el tamiz de su crítica implacable tolo lo que considera conflictivo o simplemente reñido con el sentido común”.

Por otro lado, la misma editorial Trotta ha publicado “Cuentos de Ise”, una obra anónima elaborada seguramente por uno o más autores a partir de una antología de Ariwara no Narihira, una de las grandes voces de la poesía japonesa de todos los tiempos, adoptó su forma actual durante la primera mitad del siglo X y fue considerada un referente inexcusable de las letras de aquel país hasta la revolución Meiji.

Su traductor, Jordi Mas López es doctor en traducción por la Universidad autónoma de Barcelona, donde ejerce como profesor de lengua y cultura japonesa. Ha publicado estudios sobre formas poéticas japonesas y a su vez ha publicado diversos poemarios en catalán.

Eduardo Sanz y Hokusai Katsushira ante el monte Fuji y la Gran Ola

Julia Sáez-Angulo

Es un artista que ha pintado como nadie el mar y los faros de toda la península ibérica. Una serie que dio mucho que hablar y que escribir. El pintor Eduardo Sanz (Santander, 1948) bebió el mar en las retinas desde su nacimiento y no se ha separado de él aunque resida en el corazón de la meseta. Recientemente, el artista ha expuesto sus últimos trabajos “Homenaje a Hokusai Katsushira” en las galerías Juan Gris y Rayuela de Madrid.

Hokusai (Edo. Japón, 1760-1849) fue pintor y grabador del período Edo, adscrito a la escuela Ukiyo-e de pintura japonesa. Acuñó el término manga en 1814. Pintor y grabador, también conocido por los diversos nombres que utilizó a lo largo de su carrera profesional, Shunro, Sori, Kako, Taito, Gakyonjin, Iitsu y Manji. Se dice de Hokusai que hizo más de treinta mil dibujos y que ilustró quinientos volúmenes.

El artista japonés tuvo empeño hasta el final de su vida para representar el monte Fuji una y mil veces, como hiciera Cezanne con la montaña de Saint Victoire en la Provenza francesa. Harukami es célebre por su autoría de “La gran ola”, obra que emparienta muy de cerca con el trabajo del santanderino Eduardo Sanz.

El Cantábrico es demasiado poderoso para olvidarlo y sus olas se hacen protagonistas rotundas en los cuadros de Eduardo Sanz, hasta hacerse visiones casi abstractas de azules, verdes, grises y blancos, siguiendo el pulso cromático del mar que refleja el cielo. Y ese mar lo ha recreado Eduardo San con la bravura y la cercanía que le caracteriza.

Pero en esta última muestra, ha sido el célebre japonés monte Fuji el que ha cobrado protagonismo junto al mar y la niebla en muchos de sus cuadros, así como las olas de Kanazawa. Los guiños al manga no se hacen esperar en un cuadro titulado “Hokusai y Eduardo”. Hermoso el cuadro titulado “Rayo y temporal” o “Fuji en erupción”.

La iconografía habitual del pintor se rompe en el cuadro titulado “Hacia el Fuji”, un cuadrado de 100 x 100 cm, pintura sobre lienzo, que representa a una multitud de viajeros peregrinos al Fuji, resuelto en un sin fin de pequeñas figuras humanas con túnicas de diversos colores, en una composición de ritmo ágil y alegre.

Pocas veces dos artistas como Hokusai y Eduardo Sanz podrían estar más relacionados, por eso el homenaje de uno al otro cobra un sentido de ritual perfecto, de continuidad sin solución alguna, de guiño y de reconocimiento, de referencia plástica concreta dentro de ese gran cordón umbilical que es la Historia del Arte.

Juan Carlos Búrdalo, lectura poética en el Casino de Madrid

Julia Sáez-Angulo


El poeta Juan Carlos Rodríguez Búrdalo (Cáceres, 1946), miembro de las Academias de las Letras de Toledo y Córdoba, ha llevado a cabo un recital poético en el Casino de Madrid, que ha sido un recorrido por sus libros y los temas claves de su obra: la infancia, la geografía personal, el amor y desamor, el paso del tiempo y el destino inexorable de la muerte.

Alfredo Gómez Gil, director del Aula Poética del Casino, hizo la presentación del poeta que pasó su infancia en Piedras Albas, un pequeño pueblo cacereño de trescientos habitantes. Búrdalo ha publicado dieciocho libros en treinta años, de los que sólo once son originales y el resto selección de poemas o antologías.

Para el autor toda la obra es, de un modo otro autobiográfica o auto-referencial, ya que sigue el pulso y los avatares de la propia vida del hombre y el poeta, “exactamente mi vida”, como señala Pinto d´Amaral. Búrdalo está considerado un poeta elegíaco que canta lo que ha perdido, sin bien el profesor Jaime Gil de Biedma, de la Universidad Complutense, lo considera más bien memorialista. “Vivir y no vivir es un instante”, dice uno de sus versos”

“La luz ardida”, publicada en 2006 es la gran antología del poeta cacereño, un hombre castrense, general de la guardia civil ya retirado, que se une a la ilustre saga de la pluma y la espada en las letras españolas, de Jorge Manrique a Garcilaso de la Vega o Cervantes. Para Búrdalo la formación militar de hoy ha cedido, por necesidades del oficio, a la ingeniería técnica y la ciencia, por lo que ha tenido que ceder en las Humanidades. “El militar y el médico son profesiones que comparten cierta espiritualidad, lo que explica que de ambas hayan nacido escritores y poetas”.

Programa de lecturas para un poeta

El poeta cacereño, residente en Madrid, declaró que después de ocho años de sequía o página en blanco, ha vuelto a escribir poemas y comenzó por el titulado “Hussmann”, en honor a un generoso mendigo neoyorquino que conoció. Antes del poema “Ciudades”, explicó que, por su carrera militar, ha debido residir en distintas ciudades y de todas ellas guarda un excelente vínculo y recuerdo.

Búrdalo se considera un poeta sin grupo o generación, si bien ha estado unido a poetas como Ángel García López, su profesor, que le ayudó a ordenar los poemas de su primer libro para que no fueran una simple carpeta; también se ha relacionado con Luís López Anglada o Leopoldo de Luís. Expresó su opinión en torno a los poetas de vocación y los profesores-poetas – que no poetas profesores como Salinas- que vienen del campo de la Filología o la docencia.

Su programa de lecturas de formación como poeta, después de Lope, Góngora, Quevedo, Juan Ramón Jiménez y el “descubrimiento” de Bécquer durante el bachillerato, pasó por los Machado, Jorge Salinas, Francisco Brines, Claudio Rodríguez y otros contemporáneos. “El poeta es un hombre con hiperestesia y dominio de la estética de la palabra”, concluyó.

Entre los asistentes al acto, diversos artistas como Lynda de Sousa, María Antonia Román Prado o Juan Jiménez o escritores como, Luís Español Bouchéo Alejandro Riera Guignet.