domingo, 30 de noviembre de 2025

DOLORES TOMÁS. Conferenciante sobre “Coleccionismo de Arte Ruso siglo XX” en la Tertulia Ilustrada de Madrid

Dolores Tomás, coleccionista de arte ruso siglo XX
Dolores Tomás y Marta Andreu, presidenta y directora de la Fundación Súrikov
Fotos: J.S.A. y R. T.

30/11/25.- Madrid.- Dolores Tomás, coleccionista de arte ruso del periodo 1911-2002, impartió una conferencia sobre “Coleccionismo de Arte Ruso del XX” en la Tertulia Ilustrada de Madrid, presidida por Adriana Zapisek, que dio la bienvenida como anfitriona, y dirigida por Julia Sáez-Angulo. 
La ponente contó el origen y desarrollo de su colección, con más de cuatro mil obras, adquiridas entre 1985 y 2002, en una serie sucesiva de viajes por Rusia, un país enorme y complejo, con una extensión que comprende seis veces el resto de Europa, distintas razas y culturas, amén de más de 150 lenguas.
Dolores Tomás, que acoge su colección en la Fundación Súrikov veía que los museos soviéticos se habían quedado en las vanguardias históricas rusas del XX y no mostraban el arte contemporáneo del presente. Paulatinamente fue entrando en contacto con distintos profesores y maestros de arte, al tiempo que visitaba sus talleres y estudios y adquiría sus obras. Para ello, recorrió el país en tres, por todas sus latitudes, acompañada de una intérprete.
La coleccionista adquirió y reunió así un amplio repertorio de arte ruso de distintas escuelas: Moscú, San Petersburgo, del Sur… y comprobó que la mayoría de los artistas tenían un elemento común: una pintura que reflejaba su vida íntima, privada, sus costumbres, deseos, anhelos… y toda ella con un lenguaje común: el particular “impresionismo ruso”. El retrato era otro género muy cultivado por estos autores. Todos los pintores reflejaban, en suma, la vida cotidiana del pueblo ruso. “El arte es una respuesta a cualquier acontecimiento de la realidad”, recordó la ponente.
La denominada colección Súrikov de pintura rusa, presidida por Dolores Tomás y dirigida por Marta Andreu -presente en la tertulia-, ha sido expuesta en numerosos museos y palacios de toda España, además de Moscú. Por su singularidad mereció la atención de las autoridades culturales rusas, que se interesaron particularmente por algunas de sus obras, convenientes para completar las colecciones de sus museos. Dolores Tomás acabó donando 59 piezas para dichos museos, con las que se llevó a cabo una exposición en la Galería Estatal Tretiakov de Moscú, dedicada en exclusiva al arte ruso. Este gesto mereció la condecoración Pushkin, máximo galardón oficial ruso en el campo de la cultura, para la coleccionista española.
Doce de los maestros rusos presentes en la colección de Dolores Tomás viviajaron a España en una visita organizada por la coleccionista y fueron recibidos por miembros de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, encuentro que fue muy celebrado por ambas partes. Los pintores rusos recorrieron varias ciudades y museos españoles.
Dolores Tomás, pintora, ha dedicado su energía a restaurar buena parte de la colección, realizada en muchos casos sobre soportes humildes como el cartón. La colección Súrikov ha merecido el estudio de distintos historiadores de arte en España, entre ellos, Matías Díaz Padrón, conservador del Museo del Prado.
Entre los nombres de los 180 maestros que figuran en la Colección Surikov -nombre de uno de ellos, con el que fue denominada la colección por Dolores Tomás- figuran: Alexei Borodín, Aron Buj -quien le hizo un retrato a la coleccionista-, Alexei Butov, Nadiesda Chernikova, Alexandr Chernovenko, Serguei Chirkov, Alexardr Fomkin, Ilya Glasunov, Iván Koslov, Alexei Dimistriev, Pável Jaikin, Guenadi Kuritsin, Oleg Leonov, Leonid Markov, Iván Mihailin, Lidia Nefiodova, Nikolai Romadin, Igor Shusenov, Víctor Patsrin, Yuri Sergueyev, Valeri Skuridin, Antonina Sologub, Vasili Striguin, Vladimir Stroyv, Vasili Tullin, Vadim Vellishko, Anatoli Yablokov, Anton Yastrshembskio Piotr Zverkowski...
La Tertulia Ilustrada terminó con brindis de champagne y tarta de chocolate, para finalizar la temporada anual y festejar las fiestas de Navidad que se avecinan.

    Más información

Adriana Zapisek da la bienvenida
Entrega del Diploma de la Tertulia a Dolores
Adriana y Dolores

Julia, Dolores y el historiador Carlos S. Tárrago

Asistentes a la Tertulia Ilustrada


sábado, 29 de noviembre de 2025

MUJERES ECOFEMINISTAS. DESFILE DE RECICLAJE EN ACCIÓN SOCIAL.

Comisaria: Rosa Gallego
Fotos. Adriana Zapisek
28.11.2025







“MIRÓ y los Estados Unidos” Fundació Joan Miró –Centre d´Estudis d´art Contemporari




Exposición: “MIRÓ y los Estados Unidos” 

Fundació Joan Miró –Centre d´Estudis d´art Contemporari

Parc de Montjuic-Barcelona

Del 10/10/2025 al 22/02/2026

 

Mayca NÖIS

 

28/11/2025.- Desde este enclave de la Fundación que es un esplendido mirador sobre la ciudad confluyen  dos temáticas que nos introducen y conducen sobre las actividades de la figura tan importante y señera de Joan Miró.

 Comisariada por Dolors Rodriguez Roig, Elsa Smithgall, Marko Daniel y Matthew Gale “Miró y los Estados Unidos”se ilustra sobre el reconocimiento internacional valorando el interés y entusiasmo que la obra del gran creador inspiró en los Estados Unidos al que acompañaron con su motivación personal artistas y coleccionistas sobre todo en la década de 1920. Una “motivación” que se extendió a lo largo de sesenta años haciéndole partícipe de importante encargos públicos.

La gran capacidad de Miró para reinventarse se vió impulsada durante este periodo con encuentros con otros artistas que a su vez le “comunicaban” y trazaban nuevos caminos. Varios momentos de inflexión durante este periodo contribuyen a esta situación. Entre estos la retrospectiva organizada por el Museum of Modern Art que en 1941 le hizo una itinerancia por varios puntos de Estados Unidos. Muestra que contribuía a derribar todas las reticencias y controversias iníciales sobre su obra.

Son artistas como Jackson Pollock quienes sitúan a Miró junto a Picasso y el crítico Clement Greenberg como “un acontecimiento de una importancia incalculable para el mundo del arte americano” con motivo de la exposición en la Galeria Pierre Matisse.

El refrendo de esta situación se encuentra en la exposición con obras de más de cuarenta artistas que han sido seleccionadas, como se destaca en el precioso catalogo de la exposición, con sus apartados: Imaginar América por Marko Daniel, Cómo entró Miró en las colecciones neoyorquinas de las décadas de 1020 y 1930 por DawnAdes,Joan Miró está aquí por  Mathew Gales,Es un triunfo en toda regla el papel de la Pierre Matissre Gallery por Elisa Selaunick, Miró en Nueva York en 1947.El impacto de los intercambios artísticos por Dolors Rodriguez Roig, Miró en el MoMa: las retrospectivas de 1941 y 1959 por Anne Umland, El arte procede del arte por Elsa Smithgall, Mas allá de Nueva York: las primeras exposiciones de Miró en Chicago y California por Beatriz Cordero Martín, El deseo de un arte colectivo y anónimo: Tres murales para los Estados Unidos por Teresa Montaner. Miró en 1959: las grietas en las políticas culturales europeas y estadounidenses por Robert Lubar Messeri, Ahora veo las obras en grande: escultura monumental de Miró en los Estados Unidos por Patricia Juncosa.

En la edición del catalogo Carlos Torres Vila, presidente de la Fundación BBVA explicita “El carácter de la propia muestra pone en dialogo la obra de uno de nuestros artistas más universales con la de destacados creadores norteamericanos. La exposición amplia el foco que habitualmente se pone sobre Miró hacia un contexto geográfico distinto, destacando la relación entre el artista y los Estados Unidos.  La presencia de Miró en el panorama artístico comenzó a consolidarse a partir de la década de 1930. Aunque él no viajó al país hasta 1947, sus creaciones fueron recibidas con gran interés y ejerció una influencia significativa, tanto en artistas ya establecidos como en otros emergentes. Además de haber sido objeto de dos retrospectivas en el MoMa de Nueva York en 1941 y 1959, visitó este país en siete ocasiones entre 1947 y 1968, viajes que marcaron un hito en su obra y en su evolución artística. La exposición con sus más de 160 obras refleja el dialogo, tanto en las temáticas abordadas como en las técnicas y materiales- con grandes artistas norteamericanos del siglo XX como Louise Bourgeois, Helen Frankenthaler, Lee Krasner, Arshile Gorky, Alice Trumbull Mason, Jackson Pollock y Mark Rothko………….Esta ocasión es muy especial ya que celebramos el 50º aniversario de la Fundación Joan Miró, una conmemoración en la que tiene especial relevancia esta muestra ….”

En el recorrido expositivo se va describiendo este periplo. Desde París Pierre Matisse hijo del pintor Henry Matisse organizó la primera exposición individual de Miró en Nueva York en la Valentine Gallery a finales de 1930 y el Museum of Modern Art de Nueva York adquiere “Personaje lanzando una piedra a un pájaro” en 1937 en la que un comentarista describió “como una llamada de imaginación a la pintura”. En 1959 hace su segunda retrospectiva en el Museum of Modern Art de Nueva York con el que Miró  define  se iniciaba “un plan de acción muy serio que requeriría casi todo el resto de mi vida”.

Miró estaba impresionado por la energía y vitalidad del panorama artístico en los Estados Unidos. Explora la pintura mural y el grabado y se entusiasma cada vez más por la escultura.

La exposición exhibe y pone de manifiesto el contacto y amistad con artistas como: Alexander Calder, Yves Tanguy, Roberto Matta, Marcel Duchamp, Louise Bourgeois,  Lee Krasner, Jacson Pollock, Anne Ryan, Alice Trmbull Mason, Herbert Ferber, Elaine de Kooning, Esteban Vicente, Michael Corinne West, Grace Hartigan…… Especial mención poder contemplar las denominadas “Constelaciones” 1940-1959, la serie de gouaches que tanto relieve y repercusión tuvieron en Nueva York que fueron expuestas por primera vez por Matisse en 1945 como las primeras obras procedentes de una Europa en guerra . Copias que  hoy en sala se ven la parte anterior y la posterior explicativa del autor.

A una pregunta sobre qué pensaba de los pintores norteamericanos respondió “me gustan especialmente su entusiasmo y su frescura” y añadió  que su “fuerza y vitalidad eran potenciales influencias”.  Lo que coincide con la instalación del mural de cerámica en la Universidad de Harvard en 1960. Miró hace nuevas experimentaciones con lo que reinventa la relación entre signo y fondo por medio de estampaciones de la palma de la mano y experimentar con el goteo de pintura y trabajar con la tela plana en el suelo “decís que he influido en una generación de pintores más jóvenes” dijo en 1961 “tal vez, pero también es cierto que he estado muy influido por mi propio periodo”  con su intención de compartir con sus contemporáneos.

Los nuevos espacios de trabajo abren su intención de llegar a públicos más amplios. Los promotores de Estados Unidos mostaron muy buena disposición a convertir los proyectos de Miró en realidad aunque los procesos eran lentos. El trabajo de ampliación de “Personaje y pájaro” para Houston duró cinco años. Desde su viaje a Chicago en 1965 para plantear un encargo “Luna,sol y una estrella”  no se materializa hasta 1981.

En su retrospectiva de 1959 en Nueva York dijo que se “permitía “una autocritica rigurosa de mi obra”, proceso que se repitió en 1974 cuando contempló su retrospectiva en el Grand Palais de Paris. Algunas de las obras más ambiciosas de Miró se probaron en París. Entre ellas el “Sobreteixim de los ocho paraguas” 1973 y “Manos volando hacia las constelaciones” 1974. El tapiz creado para la National Gallery de Washingtin se vió allí por primera vez igual al que hoy cuelga en la pared de la Fundación que son preparatorios para el tapiz realizado para el World Trade Center de Nueva York que se perdió en 2001.

La relación de Miró entre personas con la escultura, pintura y arquitectura aumenta cuando empieza a trabajar para espacios públicos ya que quería además de llegar a un público amplio, mejorar la vida cotidiana de las personas en lo que la actual Fundación se convirtió en la  potente expresión de su deseo.

Miró daba nuevos usos a objetos cotidianos de lo que Sert contaba en 1976 “iba recogiendo fragmentos de objetos seleccionados, recogidos a las orillas de los caminos…humildes, sencillos… a menudo deteriorados” los que repintaba o fundía  para dotarlos de otra calidad más noble y atemporal. En 1961 el comisario William Seitz trazó el mapa de esta práctica para el Museum of Moderm Art de Nueva York en la exposición “The Art of Assemblage” con una selección que incluía desde Miró hasta escultores más jóvenes como John Chamberlain.

La importante exposición en conexión con Estados Unidos unida a la transversal coetánea en las salas próximas de la Fundación titulada “La poesía acaba de empezar:50 años de la Miró” expresan que la obra de Miró tiene el sentido inspirador de la “alegría” de hacer arte con una finalidad pública.







"PINTURA CUZQUEÑA. CENTRO Y PERIFERIA, en el Museo de América

 

El director del Museo de América, Hernando de Orellana-Pizarro y Patricia Larrea

L.M.A.

29/11/25.- Madrid.- Desde el Museo de América se ofrece  una exposición temporal que revela la riqueza del arte virreinal del Cuzco, Perú.
Gracias a la cuidadosa selección del comisario e investigador Francisco Montes, al apoyo de la Fundación Carl&Marilyn Thoma y otras instituciones prestadoras, y al trabajo de restauración de las piezas que se ha llevado a cabo, esta muestra permite apreciar la evolución de la pintura cuzqueña y comprender los procesos culturales, sociales, espirituales e ideológicos que le dieron forma. 
Además, gracias a la colaboración particular de la empresa Around Art S.L. y la Colección Petrus y Verónica Fernandini han sido posible la restauración y el traslado del retablo portátil de la Virgen de Copacabana del monasterio de madres clarisas de Nájera (La Rioja).
Las pinturas creadas en los talleres cuzqueños son el resultado de un significativo encuentro entre las tradiciones locales y las influencias europeas, una producción visual que transformó la manera de entender el poder de las imágenes.
Durante el periodo colonial, el Cuzco se convirtió en un vibrante centro artístico y religioso. En iglesias, conventos y hogares, la pintura sirvió no solo para ornamentar, sino también para persuadir y adoctrinar. Aunque muchas obras surgieron de talleres anónimos, su valor artístico y simbólico es inmenso: escenas religiosas se llenan de detalles locales, colores intensos y suntuosos brocateados.
    Andrés Gutiérrez Usillos (Gijón, 1967), actual director del MUSEO DE AMÉRICA en Madrid, es doctor en Geografía e Historia, especialidad en Antropología Americana por la Universidad Complutense de Madrid, máster en ‘Museografía y exposiciones’ y especialista universitario en Archivística.

Es un profesional de larga y reconocida trayectoria en museos. Comenzó su carrera profesional en el cuerpo facultativo de conservadores de museos en 1999 y desde entonces ha formado parte de los equipos del Museo Nacional del Prado y del Museo del Ejército. Fue nombrado subdirector general adjunto de Museos Estatales en la Dirección General de Bellas Artes del Ministerio de Cultura en 2008, cargo que desempeñó hasta 2010 cuando se incorporó al Museo de América como responsable del desarrollo de proyectos e investigación y posteriormente del Departamento de América Precolombina, donde ha permanecido hasta hace poco más de 2 años en que tomó posesión como Director del propio Museo de América.

Patricia Larrea y el director del Museo de América, Andrés G. Usillos

Mesa redonda en la Fundación Ortega-Marañón


Víctor Morales Lezcano

El viernes 28 de noviembre ha tenido lugar la última sesión del ciclo “La vocación en Ortega y Marañón”. Fernando Bandrés (catedrático de Medicina Legal en la Universidad Complutense de Madrid) e Ignacio Blanco (catedrático de Periodismo en la Universidad San Pablo-CEU) fueron los responsables de una mesa redonda que la profesora Bandrés Hernández supo encauzar desde un principio.

Sospecho que podría resultar ocioso subrayar aquí el interés que suscitó este acto cultural en su conjunto, hilvanado en torno al tema de la importancia de la dimensión vocacional (y no solo en los campos de la medicina y de la filosofía) de los hombres y mujeres de siempre.

Un vino español vino a redondear las lúcidas reflexiones que se prodigaron, una vez más en la sede de la FOM.


viernes, 28 de noviembre de 2025

"TRANSFIGURACIÓN". Presentación del tercer número de la revista de arte sacro en la cripta de San Miguel



Julia Sáez-Angulo
Fotos: Carmen Valero

29/11/25.- Madrid.- El tercer número de la revista de arte sacro “Transfiguración” se ha presentado al público en el transcurso de una gala en la cripta de la basílica de san Miguel, en la que hubo música coral y de flautas, poesía y proyección audiovisual. El director de la revista es Luis Meseguer Mira.
    "Transfiguración" es una revista anual que incluye disciplinas artísticas muy dispares. Responde a una cuestión fundamental: ¿Cuál es el lenguaje de lo sagrado en la cultura actual? La revista “Transfiguración” es un proyecto de la Fundación Vía del Arte bajo el sello editorial Observatorio de lo Invisible en colaboración con la Editorial Rialp. Su director, Javier Viver
    La Fundación Vía del Arte tiene como objeto la promoción del patrimonio artístico mediante la integración del arte contemporáneo en el arte sacro. Sus fundadores son el compositor Guzmán Yepes, el arquitecto Benjamín Cano, la pintora María Tarruella y el escultor Javier Viver. Su patrono de honor es el pintor y escultor Antonio López. 
    Algunas de sus iniciativas son el Observatorio de lo Invisible, escuela de verano de arte y espiritualidad; los Encuentros de Artistas y Teólogos en Roma y los Retiros del Duende, a través de la contemplación artística.
    En la gala de presentación intervino el coro “Auditorio del silencio”, dirigido por Guzmán Yepes, que interpretó la Cantiga 179 de Alfonso X el Sabio.
    La lectura poética corrió a cargo de Beatriz Gallástegui, María Calvo, Jorge G. San Martín, Juan Ignacio Sonia Losada y María José Miranda.
    La revista “Transfiguración” es de edición anual, monográfica en torno a un concepto. Los números anteriores fueron sobre la luz y el agua. En próximo número cuatro será sobre el aire. La artista visual María Tarruella Oriol habló de "la acción de Dios, a través de la belleza".
        Más información

Coro "Auditorio del silencio"

MESA ABIERTA sobre "ARTE E INTELIGENCIA ARTIFICIAL", organizada por la Asociación Madrileña de Críticos de Arte, AMCA


Esther Plaza, presidenta de AMCA

Julia Sáez-Angulo
Fotos: Adriana Zapisek

28/11/25.- Madrid.- La mesa abierta sobre "Arte e Inteligencia Artificial" IA, organizada por la Asociación Madrileña de Críticos de Arte, AMCA , ha tenido lugar en la sede de la prestigiosa Sociedad Matritense de Madrid, mesa presidida por Luis Albero Payá. De la Matritense . En la misma han intervenido, además de Esther Plaza, presidenta de AMCA, los expertos en IA: Luis Moreno Ortiz, Marina Núñez y Víctor Velasco, Viktor.

La Sociedad Matritense de Amigos del País, fue fundada en 1775, cumple este año el 250 aniversario.
Los ponentes fueron exhautivos, apasionados y apasionantes sobre la IA , así como el intenso coloquio sobre la misma entre los asistentes. De todos ellos volaron algunas afirmaciones o reflexiones como:
- El fenómeno global de la IA provoca una inquietud a favor o en contra, ante la crisis existencial del creador. La IA va a una velocidad de vértigo. Los medios de producción están cambiando a velocidad increíble. Con la IA se puede ser más creativo que antes, porque es una herramienta que ayuda. El célebre fotógrafo Aise Beng Chia ha sido capaz de crear con la IA fotos que acogen sus recuerdos de infancia. (Luis Moreno)
- La memoria siempre es creativa Marina Núñez expuso con claridad que su creatividad es híbrida. Ella tiene 30 años de trayectoria y la IA es su herramienta, su equipo de trabajo, un medio que facilita la creatividad, "porque sigue mis órdenes", al tiempo que ofrece ideas. La revolución de la IA es más importante que la de la fotografía. Hay un arte postconceptual, ante la habilidad técnica del propio artista. "Con la IA es como si tuviera a 40 ayudantes junto a mí". Soñar lo que te sueñen. El algoritmo no busca la originalidad, sino la repetición. (Presentó imágenes de su serie “Mujeres botánicas”) La IA tiene una capacidad increíble de componer datos. La creación es una cuestión de sintaxis. Resta un trabajo sin valor añadido, que resulta abrumador. La IA, a veces no entiende una orden y hay que clarificársela. Después se aplica el Photoshop, el collage y otros programas que van ayudando a definir la obra de arte. 
- Viktor Velasco ofrece su revista “CreAtIva”, un ejemplar físico después de que un jurado elija las imágenes de artista logradas con IA. El producto físico último y definitivo es importante. Tiene un comisariado previo que selecciona. Lo físico acaba teniendo un valor en el formato impreso. La IA llegó en 2002. Hay artistas puristas y artistas IA, que nunca compite, sino que va en paralelo. La parte física se necesita. “Estamos en un contexto tan radical, que es un cambio de paradigma, después de la revolución industrial y la llegada de la electricidad”, señaló Viktor.
-
COLOQUIO
- No hay revolución sin drama para algunos.
- La pregunta importante es si la IA puede ser original o tan solo imita patrones humanos (apropiacionismo). Se verá con el futuro. Los artistas de hoy también se han apropiado de las imágenes de la Historia del Arte. Están en su mente.  “Lo que no es tradición es plagio”, dejó dicho don Eugenio D´Ors, gran crítico de arte.
- Roland Barthes señaló que “no hay imagen que o venga de otros, del pasado. No hay nada humano original, todo viene de su conocimiento previo". De momento la IA no está creando, pero quizás sea cuestión de tiempo. La IA puede crear imágenes con identidad única.
- Comercialización.- Los guiones televisivos y fílmicos pasan por la IA. Los NFT fueron los primeros que llegaron con formato básico para comercializarse. Es necesario abordar el discurso. La copia múltiple seriada es lo que se puede comercializar también. 
- La IA es más que una herramienta, porque esto ha evolucionado de otra manera.
- Con los nuevos programas no se sabe ya qué porcentaje está tomado del conocimiento anterior.
- La IA es muy democrática con el conocimiento.
- De la IA, “bocazas que siempre responde”, el artista toma, deja, corrige lo que quiera con programas de photoshop, collage y otros programas. Los artistas suelen trabajar con cinco o seis programas diferentes a la hora de presentar su obra de arte.

Ponentes y algunos asistentes
Marina Núñez (artista)
Viktor Velasco (artista y editor)
LUIS MORENO ORTÍZ (publicista)

jueves, 27 de noviembre de 2025

MARÍA GUERRERO: una vida al servicio del teatro español

* Crónica de la conferencia impartida por Carlos Sánchez Tárrago en el ciclo “Mujeres con alma española e iberoamericana”

Carlos S.Tárrago y Cristina Hermida     


L.M.A.

Fotos: Adriana Zapisek

    27.11.2025.- Madrid.- El pasado martes 25 de noviembre tuvo lugar una conferencia del historiador Carlos Sánchez Tárrago dentro del ciclo Mujeres con alma española e iberoamericana, coordinado por la catedrática de Filosofía del Derecho de la Universidad Rey Juan Carlos (URJC), Dra. Cristina Hermida del Llano.

    Este ciclo, que alcanza su novena edición, ha reunido ya cerca de ochenta ponencias dedicadas a mujeres relevantes, pioneras y decisivas en la historia cultural y artística del mundo hispánico. Entre ellas figuran Antonia Mercé, Ernestina de Champourcín, Victoria Kent, Clotilde de Sorolla, la Madre Covadonga, María Luisa Caturla, Concepción Arenal, María Goyri, María de Maeztu, Jimena Menéndez Pidal o Maruja Mallo, a título de ejemplo.

        Tras la presentación, el Dr. Sánchez Tárrago agradeció la invitación y destacó la importancia de este ciclo para rescatar figuras femeninas frecuentemente relegadas por la historiografía y acercarlas al ámbito académico y al público general.

    El conferenciante centró su intervención en María Guerrero, nacida en Madrid el 17 de abril de 1867, cuyo talento y disciplina la situaron entre las grandes figuras del teatro español. Subrayó la influencia decisiva de su padre, Ramón Guerrero, reconocido ebanista y decorador vinculado a teatros como el Español o La Zarzuela, quien alentó su temprana vocación.

    María Guerrero estudió en el Colegio San Luis de los Franceses, donde aprendió francés antes que castellano, circunstancia que más tarde le permitió formarse en Francia con el prestigioso actor Constant Coquelin. Su sólida preparación y su temprana profesionalización marcaron el inicio de una carrera excepcional.

    El Dr. Sánchez Tárrago destacó la estrecha relación de la actriz con destacados intelectuales de su época —entre ellos José de Echegaray, Jacinto Benavente y José Ortega Munilla—, así como su capacidad para llevar a escena tanto a los grandes autores clásicos como a los contemporáneos del momento.

    Un punto esencial de la conferencia fue la creación del Teatro Cervantes de Buenos Aires, impulsado por María Guerrero y su esposo, el actor y aristócrata Fernando Díaz de Mendoza. Este proyecto monumental se convirtió en un verdadero puente cultural entre España y Argentina y reflejó la visión internacional de la actriz.

    La exposición, apoyada en abundantes imágenes, mostró a una artista cuya influencia trascendió fronteras. María Guerrero fue reconocida con la Orden de Isabel la Católica y como Hija Adoptiva de Madrid, honores que compartió con su esposo en reconocimiento a su contribución al arte dramático y a la proyección cultural de España.

    La conferencia evidenció que su figura continúa siendo fundamental para comprender la modernización del teatro español y el extraordinario alcance de su legado.

    Entre los numerosos asistentes, que llenaron la sala, se encontraban José Belló Aliaga, periodista y divulgador cultural; la pintora Adriana Zapisek; Carmen Román Llorente; Andry Sierra Arroyo; Fernando Gutiérrez Prieto; la actriz Katy Abakha; Pilar del Llano; el actor Carlos Heredia, actualmente en la cartelera del Teatro Lara,  así como un nutrido grupo de alumnos de la URJC.



MAITE CARRANZA, autora de la novela juvenil “La película de la vida”, Con ilustraciones de Iratxe López de Muñáin



J.S.A.

27/11/25.- Madrid.- Maite Carranza es la autora de la novela juvenil “La película de la vida”, con ilustraciones de Iratxe López de Muniaín, publicada por la editorial SM que forma parte de la colección "El barco de vapor", serie Roja.
Sinopsis.- Olivia es una niña normal: tiene una madre actriz, un hermano miedoso, unas amigas un poco tiquismiquis y un piso con orientación sur. Pero un día, todo se desmorona. Hay terremotos que no se oyen, pero arrasan con todo igualmente. Lo bueno es que siempre habrá una mano amiga para ayudarte a salir de entre los escombros.
    Maite Carranza es una autora juvenil española, licenciada en Antropología y con experiencia como profesora de lengua y literatura, que ha escrito más de sesenta títulos para público infantil y juvenil. Es conocida por su trilogía fantástica La guerra de las brujas, el thriller Palabras envenenadas y obras que abordan temas sociales con una perspectiva crítica. Su trabajo ha sido reconocido con numerosos premios, entre ellos el Premio Nacional de Literatura Juvenil. 



miércoles, 26 de noviembre de 2025

FIÓDOR DOSTOIEVSKI, autor de "Noches blancas", libro con ilustraciones y pastas duras


Fiódor Dostoievski (1821-1881)
J.S.A.
27/11/25.- Madrid.- "Noches blancas", libro del escritor ruso Fiódor Dostoievski, con ilustraciones y pastas duras, publicado por Nordica Libros,  ha aparecido en este periodo prenavideño, para sumergirnos en la hermosa literatura rusa del XIX. Un libro traducido por Marta Sánchez-Nieves e ilustrado por Nicolai Troshinsky.
          Sinopsis.- San Petersburgo, su luz, sus casas y sus avenidas son el escenario de esta apasionada novela. En una de esas «noches blancas» que se dan en la ciudad rusa durante la época del solsticio de verano, un joven solitario e introvertido narra cómo conoce de forma accidental a una muchacha a la orilla del canal. Tras el primer encuentro, la pareja de desconocidos se citará las tres noches siguientes, noches en las que ella, de nombre Nástenka, relatará su triste historia y en las que harán acto de presencia, de forma sutil y envolvente, las grandes pasiones que mueven al ser humano: el amor, la ilusión, la esperanza, el desamor, el desengaño.
    Fiódor Dostoievski (1821-1881) fue un influyente escritor ruso conocido por sus profundas exploraciones psicológicas y filosóficas. Nació en Moscú y, tras un inicio prometedor con su novela "Pobres gentes", su vida estuvo marcada por el sufrimiento, incluyendo una condena a trabajos forzados en Siberia tras un arresto por su participación en un grupo liberal. Su obra más célebre incluye títulos como "Crimen y castigo", "El idiota" y "Los hermanos Karamázov". 
    Nicolai Troshinsky (Moscú, 1985). Nacido en Moscú en 1985. Estudió ilustración en Madrid y más tarde asistió a cursos intensivos con Józef Wilkon y Linda Wolfsgruber en Italia. En 2009 terminó sus estudios de realización de cine de animación en la escuela francesa «La Poudrière». Desde 2006 lleva realizando proyectos de literatura infantil y juvenil, principalmente con editoriales españolas y en ocasiones siendo también autor del texto. En 2013 realiza el cortometraje de animación Astigmatismo que le merece numerosos premios y menciones en festivales internacionales. Desde 2010 realiza también una actividad paralela como diseñador de videojuegos experimentales.

Noches blancas
Dostoievski, Fiódor
Ilustrado por: Troshinsky, Nicolai
Traducido por: Sánchez-Nieves, Marta
XI Premio de Traducción Esther Benítez


"MICHEL HOUELLEBECQ. La corrosión de lo humano", libro de Rodrigo Breto



    J.S.A.

27/11/25.- Madrid.- “Michel Houellebecq. LA CORROSIÓN DE LO HUMANO” es un ensayo interesante sobre el escritor francés más reconocido y polémico, no solo en Francia, sino en Europa. El libro ha sido publicado por Ediciones del Subsuelo. Su autor: José Carlos Rodrigo Breto.
    Sinopsis de Michel Houellebecq. LA CORROSIÓN DE LO HUMANO". Michel Houellebecq se ha ganado una reputación diabólica como agente provocador, pero lo cierto es que produce un deslumbramiento literario como muy pocos han conseguido en los últimos tiempos. Afrontar la obra de este autor descomunal —de los mejores de la literatura francesa de todos los tiempos, y eso es mucho decir— desde su imagen pública o desde los prejuicios personales de cada uno es otro error que se comete con demasiada facilidad. 
    Muchos se aproximan a la obra de Houellebecq sin comprenderla. Sin entender que el planteamiento general del escritor francés es la decadencia del ser humano, en concreto, el individuo de la segunda mitad del siglo XX y el de comienzos del XXI. Lo acusan, por tanto, y lo odian, por los temas que trata: sexo explícito, violencia, machismo, racismo, islamofobia… Pero todos ellos son elementos con los que construye una obra que se interconecta y desemboca en un solo punto: la distopía cercana, próxima, porque mucho de lo que anuncia como apocalíptico ya convive con nosotros. Odiar a Houellebecq y criticarlo es lo sencillo. Lo complejo es prestarle atención y estudiarlo.
    José Carlos Rodrigo Breto (Madrid, 1967) es licenciado en Periodismo, Teoría de la Literatura y Literatura Comparada, y doctor en Estudios Literarios. Autor de las novelas "Noche y Niebla", "Los pequeños caballos azules", "El vaso Canope", "Kafkarama" y "Casillero del diablo", en Ediciones del Subsuelo ha publicado los ensayos "Ismaíl Kadaré: la Gran Estratagema" (2018), "Mircea Cartarescu. El hacedor de insomnios" (2023) y la novela "Ficción Gramatical" (2020).
Más información

Editorial:Subsuelo
ISBN:9788412974737
Idioma:Castellano
Número de páginas:365
Encuadernación:Tapa blanda
Año de edición:2025



MARCELO GULLO, autor del libro "Lepanto". Cuando España salvó a Europa


EL M.A.C.A DE ECUADOR ABRIRÁ EN 2026 LA “SALA KUNANMI” GRACIAS AL CONVENIO CON EL MUSEO LA NEOMUDEJAR DE MADRID

Arte ecuatoriano aborigen


        L.M.A.

    Madrid 24 de 2025.- Carmen Lucia Cordero directora del Museo Arqueológico de Culturas Aborígenes de Cuenca en Ecuador, activa un convenio internacional para dar a conocer el fabuloso acervo arqueológico del museo M.A.C.A (Museo Arqueológico de Culturas Aborígenes) Fruto de este acuerdo el Museo La Neomudejar apadrinará una sala de exposiciones temporales que llevará el nombre “Sala Kunanmi” que se destinará íntegramente a convocatorias para artistas visuales.

    El museo La Neomudejar abre así, un programa decolonial con el apadrinamiento de una sala de exposiciones temporales en el MACA Museo Arqueológico de las Culturas Aborígenes en la ciudad de Cuenca, Ecuador. La iniciativa parte del interés que siempre ha tenido el museo LNM por las culturas originarias y las políticas decoloniales que desde el 2013 han acompañado su programa expositivo en Madrid. 

    La sala Kunanmi, abrirá sus puertas en 2026 tras una convocatoria pública para la producción de obras que investiguen una temática definida en sus bases y que profundizará sobre algún aspecto o temática que base su propuesta en los fondos arqueológicos del M.A.C.A. 

    Este proyecto opera en una doble vía, visualizar las culturas originarias de Ecuador, a través de su arqueología preincaica y brindar a los artistas ecuatorianos una fuente de inspiración en su producción de artes visuales. Las disciplinas que apoyan estas convocatorias serán de un rango muy amplio según comentan los directores de ambos museos y se favorecerán aquellas que produzcan lenguajes en la vanguardia del arte actual.

    El museo La Neomudejar siempre se ha caracterizado por una impronta vanguardista tanto en su programa expositivo como en su reflexión y acción teórica. El Arte nuevo ha de nutrirse del arte antiguo, solo así lograremos la modernidad, comentan los directores Nestor Prieto y Francisco Brives. Este nuevo abordaje a la decolonialidad, no parte de un vacío, es la consecuencia de años de trabajo y diálogo con artistas latinoamericanos, que han desarrollado su obra, conectando ancestralidad, ritualidad o tensiones políticas de memorias originarias a través del arte contemporáneo, la performance o el videoarte. 

    Su foco especial con Centroamérica que viene desarrollando desde hace ya 10 años, da prueba de ello, así como los encuentros “Pukui Tumekeke”que realizaron en el 2020 con el pueblo Huarpe Pinkanta y 35 pueblos originarios desde Argentina hasta Mexico, gracias al proceso de transferencia artística de la doctora Maria Gray en territorio Huarpe.

    En esta ocasión todo sucedió como un flechazo, en una visita casual al MACA en la ciudad de Cuenca (Ecuador) Los directores acudieron a la exposición “Ritos funerarios” que se exhibe actualmente en el museo Cuencano y en un encuentro casual con la directora del MACA Carmen Lucia Cordero, establecieron un dialogo que ha desembocado en una alianza intermuseal. El Museo abrió sus puertas hace 33 años, fue fundado por el matrimonio conformado por Anita López Moreno y Juan Cordero Iñiguez, que con extrema dedicación adquirieron objetos desde el año 1970, un acervo único de arqueología preincaica de todas las sociedades de las distintas regiones que componen el Ecuador. El fondo del Museo atesora más de 14000 objetos, desde el neolítico hasta el periodo Incaico. La figura del historiador Cordero es un referente nacional, además de su labor filantrópica y de investigador. Ha publicado más de treinta obras de diversos temas en especial temas históricos y arqueológicos, cuenta con un archivo propio de su labor como historiador que custodia el propio museo entre otros archivos.

    Este museo comenta los directores de La Neomudejar, es un tesoro de incalculable valor, pero además es la constatación de que hay una huella a investigar sobre las culturas antecesoras a la irrupción del contacto con el Imperio Inca y su sometimiento de los pueblos preexistentes. Este convenio va a permitirnos conocer, investigar y abrir las puertas de un universo de creatividad y singularidad excepcional para el mundo del arte.

    La directora del Museo Carmen Lucía Cordero López, es una amante del patrimonio, estudió museología en diferentes países y desde hace unos años ha comenzado una labor titánica de actualización y renovación del discurso arqueológico de los fondos del museo. Esta labor ha sido la que ha enamorado a la dirección del museo La Neomudejar, que ha visto en sus programas de acompañamiento a comunidades originarias en territorios ecuatorianos, una fuente de inspiración, conocimiento, e investigación que abren un campo de posibilidades para que los artistas creadores, apoyen la difusión del conocimiento y sabiduría ancestral a favor de nuevos lenguajes para las artes visuales.

    Cuando hablamos de decolonialidad en Europa, seguimos operando en las mismas lógicas colonialistas de pensamiento eurocéntrico, sin ninguna escucha ni participación de aquellos que decimos querer defender. 

    Este proyecto cocreado se enfoca en una perspectiva de investigación sobre la huella precolombina que custodia el museo de Cuenca (Ecuador) y que será el eje central del programa de exposiciones temporales. Decolonizar según palabras de las direcciones, no es revisitar el discurso museal heredado, sino innovar, y dar voz a las culturas preexistentes. De nada sirve descolonizar sino hay un trabajo previo de investigación, difusión y restitución de las memorias prehispánicas. Favorecer el conocimiento, con nuevas lecturas de un legado de quince mil años que ha llegado a nuestros días, abriendo caminos a cosmovisiones que se alían con la realidad de un presente vivo y plural que existe en muchos territorios del Ecuador actual.

    Queremos dar foco a este museo arqueológico de culturas aborígenes y favorecer a que los artistas pongan interés en estas magnificas piezas y que produzcan obras que reflexionen sobre multiplicidad de enfoques desde una óptica actual de las artes visuales, comentan los directores de La Neomudejar.

    La directora del museo M.A.C.A ha manifestado su interés en actualizar su programa de exposiciones temporales y este convenio abarca no solo líneas expositivas, sino de residencias de investigación y estrategias de financiación. Una de sus primeras acciones es crear una sala de exposiciones temporales que abre un programa expositivo financiado por el Museo La Neomudéjar, que empezará a programar en febrero del año 2026. El Museo M.A.C.A. ha acordado llamarla espacio “Sala Kunanmi” que en lenguaje Quichua alude a modernidad, actualidad. Esta sala tendrá una programación trimestral, que sacará a convocatoria pública ayudas a la producción de obra, que luego se expondrán en el M.A.C.A. La convocatoria en un 80 % será enfocada para artista Ecuatorianos, aunque una vez al año, habrá una convocatoria de carácter internacional.

    Las culturas aborígenes de Ecuador son parte y todo de una identidad nacional que tiene una acción directa e inspiradora tanto legislativamente como a nivel de acción política en la defensa de la tierra, el agua y la biodiversidad. Temáticas con las que el Museo La Neomudejar y el MACA han estado alineadas desde hace años. Esta es una oportunidad de hermanar territorios bajo un interés común. Defender las lenguas, la cultura y el bien común que custodian los museos.

SOLIMÁN LÓPEZ, creador del proyecto «Aeolia», durante la visita guiada a la exposición en el Instituto Cervantes

Foto: Instituto Cervantes / Nuria Iniesta Sepúlveda.

 

   L.M. A.

    Madrid, 26 de noviembre de 2025.- El Instituto Cervantes abrirá a partir de mañana jueves 27 de noviembre la exposición «Aeolia», del artista Solimán López (Burgos, 1981), que permitirá a los visitantes reescribir pasajes del Quijote desde perspectivas ecológicas, de género o distópicas a través de una herramienta de IA.

    Con «Aeolia», se inaugura un nuevo ciclo expositivo —«Paisajes intangibles», comisariado por la experta en arte contemporáneo y cultura digital Roberta Bosco— como un nuevo espacio de experimentación artística y tecnológica: Banca Cervantes. Este espacio, instalado en la antigua zona bancaria del edificio histórico, se concibe como un laboratorio de arte, pensamiento, lengua y cultura digital, destinado a acoger proyectos que integren creación contemporánea, literatura y tecnología.

    «Aeolia» es una instalación interactiva que convierte al público «en catalizador del proceso creativo», en palabras de la comisaria. La pieza principal es una escultura interactiva con IA autogenerativa presente en el vestíbulo de la sede cervantina —que acoge la muestra hasta el próximo 8 de marzo de 2026—, y que ha sido entrenada a partir del texto original del Quijote y los escritos cervantinos, además de otra abundante bibliografía.

    Se trata de un aerogenerador de textos que transforma la energía del viento de los molinos de Campo de Criptana (Ciudad Real) en lenguaje, invitando al público a participar activamente en la creación de nuevos relatos. La IA, entrenada con bibliografía cervantina y de pensadores contemporáneos, produce variaciones del clásico universal desde perspectivas ecológicas, de género o filosóficas.

    El objetivo ha sido cubrir los 400 años transcurridos desde la publicación del Quijote, enfatizando en aspectos particulares y temáticas actuales que inviten a la reflexión de la IA sobre problemáticas contemporáneas como la sociología, la cibernética, la sostenibilidad, el medioambiente, la transición ecológica, las perspectivas de género, la desobediencia civil, el pacifismo o la crítica anticapitalista.

    «Quería poner en tela de juicio la relación entre artista y público y su intervención en los procesos creativos y, a la vez, mostrar una obra de arte sin que sea creada por el artista», ha señalado Solimán López durante una visita guiada a la muestra esta mañana. El resultado de esta intermediación en el proceso creativo serán cinco textos generados por IA, que ya cuentan con una primera versión.

    «En un lugar de la red...»

    En ella se puede leer este comienzo, en el capítulo I, bajo el título «La Performance Perpetua del Hidalgo Digital»: «En un lugar de la red, cuyo dominio no quiero acordarme, vivía hoy un hombre de los de lanza en astillero, criptografía antigua, computadora flaca y algoritmo corredor (…)».

    El público también se encontrará con un circuito cerrado de imagen, que se genera a partir de una cámara colocada en posición cenital respeto a la escultura principal con aerogeneradores, y que hará girar virtualmente a los visitantes junto a la propia obra.

    «Es un proyecto que vive de la tradición literaria española, pero con cuestiones cruciales y urgentes que vienen a colación de la explosión de la IA en nuestras vidas. Además, Cervantes ya tenía una actitud avanzada para su época y se adelantó a la metanarrativa del siglo XXI», ha apuntado la comisaria, Roberta Bosco.

    Un Quijote para la eternidad

    A lo largo de la exposición, la interacción con los visitantes dará lugar a varios libros digitales, que estarán a disposición del público para su lectura en el espacio expositivo y para su descarga en la web del proyecto.

    La muestra incluye un libro de artista que alberga el Quijote 2.0 codificado en ADN sintético, una tecnología que permite conservar información durante milenios. Su estructura se ha diseñado a partir de la representación tridimensional de la red de aerogeneradores distribuida por todo el territorio de Castilla-La Mancha.

    Además de estas propuestas, la exposición también cuenta con otra novedad: una entrevista, generada con inteligencia artificial, con Miguel de Cervantes. Este texto estará disponible en el catálogo de la exposición junto con el texto curatorial, que también incluye una entrevista con Solimán López.

    Escultura con aerogeneradores, cortometrajes y mapas visuales del Quijote

    Entre el resto de piezas de la muestra, se incluye el cortometraje «Aeoliaxis de un viento», que narra el viaje de Solimán López para «capturar aire» en tierras manchegas y, a lo largo de su recorrido, se entrelazan paisajes, momentos performativos, reflexiones literarias, entrevistas con el artista, la comisaria Roberta Bosco y profesionales del ámbito de la energía eólica, así como diálogos con una IA que encarna la voz de Cervantes.

    Peligros medioambientales

    López también ha usado un compresor de aire industrial para recolectar el aire en Campo de Criptana (Ciudad Real) e introducirlo dentro de la escultura principal, y una imagen sintética de alta resolución de un águila imperial ibérica, especie en peligro de extinción en la Península Ibérica y una de las más afectadas por los parques eólicos.

    Asimismo, «Aeolia» incluye una escultura digital animada, que recoge exactamente 3.140 posiciones geográficas de los aerogeneradores de Castilla- La Mancha y las representa a través de sus coordenadas, añadiendo una dimensión tridimensional.

    El vestíbulo cervantino acogerá también una videoanimación realizada con IA que parte del grabado de Gustave Doré sobre el capítulo VIII del Quijote, con la que el artista realiza múltiples ensayos en busca del monstruo que Alonso Quijano creyó ver en los molinos de viento.

    Banca Cervantes

    La directora de Cultura del Instituto Cervantes, Raquel Caleya, ha explicado durante una visita guiada a la muestra que el proyecto Banca Cervantes será un laboratorio de ideas (con sede física como el vestíbulo de la sede o espacios en los centros, pero también virtual) que servirá para establecer un diálogo entre arte tecnológico y la lengua española.

    «Queremos dar cabida muchos proyectos que en espacios tradicionales no son tan evidentes», ha remarcado Caleya, quien además ha avanzado que la idea es la de contar al menos con un ciclo de este proyecto cada año.

    «Aeolia» tendrá su inauguración oficial el próximo jueves 27 de noviembre a las 19.30 h en un acto en el que participarán Luis García Montero, director del Instituto Cervantes, junto al artista Solimán López y la comisaria de la exposición, Roberta Bosco.