Grupo pro Arte y Cultura expone en el Centro Cultural de Navacerrada

Julia Sáez-Angulo, Manuela Mena y la directora del Centro



Julia Sáez-Angulo

Una exposición colectiva ofrece un panorama variado del trabajo plástico de los autores que la integran. Una visión diversificada del arte de nuestros días. Un conjunto de piezas que integrarían una espléndida colección.

Los diecisiete artistas presentes en la Casa de Cultura de Navacerrada y en la Biblioteca Miguel Hernández de Collado-Villalba constituyen un espejo del Arte. Diecisiete autores, con resultado artístico muy diferente e igualmente valioso. Todos ellos pertenecen al Grupo Pro Arte y Cultura, un equipo creativo, libre y bien consolidado; un grupo en el que las figuras consagradas apoyan a los valores noveles y emergentes.

Los artistas que exponen en esta ocasión son: Mayte Spínola, lider del Grupo por Arte y Cultura; Carlos Alcázar; Linda de Sousa; Hilario Ranera; Rosa Gallego; Álvaro Torroba; Linda de Sousa; Marta Maldonadonado; Ana Vivas; Tomás Santos; Paloma Porrero; Sebastien López; Manuela Picó, Tomás López; Marina Gómez y Raul Apausa; Liane Katsuki y Cecilia Lassaleta.

El arte, agranda los límites para enseñarnos a ver lo que antes no se podía percibir con hondura. El mundo real es más recoleto que el de la imaginación que conforma el trabajo artístico. El arte, al decir de Magritte, evoca el misterio de las cosas, sin el cual el mundo no existiría. Es lenguaje, comunicación y creación.

Sólo el arte nos abstrae en la vida cotidiana y por ello se hace cada día más necesario. El arte abre horizontes en el barbecho de lo cotidiano. Es lo único capaz de romper la uniformidad de la globalización.

Entre los asistentes a la inauguración se encontraban la coordinadora de la muestra, Rocío Castro; el escultor Héctor Delgado; el pintor y experto en collage, Francisco Recuero; el dibujante Juan Jiménez y la compositora mexicana Leticia Armijo.

Agustí Centelles y las fotos de la Caja de la Memoria en FIart

Agustí Centelles
La caja de la memoria
Lugar: Fundación Fondo Internacional de las Artes. Almirante, 1, Madrid.
Fechas: Del 8 de octubre al 7 de noviembre.
Comisario: Carlos Delgado Mayordomo.


El hallazgo de las fotografías inéditas de Agustí Centelles Ossó (Grau de Vàlencia, 1909 – Barcelona, 1985) tuvo lugar el pasado año, cuando desde el Museo Nacional de Arte de Cataluña se solicitó a los hijos del fotoperiodista imágenes de Barcelona positivadas por el propio Centelles. Una exhaustiva búsqueda en el laboratorio familiar tuvo como resultado el descubrimiento de una caja de galletas en la que se conservaba numeroso material sobre la vida política y social de los años treinta y del tiempo de la posguerra.

La memoria visual que nos legó Agustí Centelles, uno de los más importantes fotoperiodistas del siglo XX, ha sido reconstruida a partir de un descubrimiento progresivo de su trabajo. Un amplio archivo de negativos con imágenes de la Segunda República y la Guerra Civil española estuvo oculto durante 37 años en Carcasona (Francia) hasta que fue recuperado por el propio Centelles en el año 1976, con Franco ya desaparecido. Este testimonio excepcional se completa ahora gracias al descubrimiento de más de un centenar de negativos y copias sobre papel ocultas durante décadas.

La exposición “La caja de la memoria” coincide con la celebración del centenario del nacimiento del Agustí Centelles, Premio Nacional de Artes Plásticas en 1984, y desvela al público madrileño el contenido de la caja de galletas. Entre las obras que integran la muestra se encuentra un importante conjunto de imágenes realizadas durante los años de la Segunda República que incluye retratos de personajes relevantes del mundo de la política o la cultura, reportajes de fiestas populares, deportes, juicios y acontecimientos culturales. La concepción eminentemente moderna de la obra de Centelles, con imágenes captadas desde puntos de vista sin precedentes en el fotoperiodismo español, hizo que su firma estuviera presente en la mayoría de los periódicos de Barcelona.

Registro de Imágenes sociopolíticas

Centelles sentía un interés especial por el registro documental de los acontecimientos de carácter socio-político y, durante la revolución de Cataluña en octubre de 1934, mostró con especial vigor la fuerza de sus imágenes. La caja de galletas nos ha desvelado estampas inéditas de aquel momento y de sus consecuencias, como la imagen de los mossos d’esquadra detenidos por la Guardia Civil o el retrato del presidente de la Generalitat Lluís Companys en un dormitorio de la cárcel Modelo de Madrid junto a cuatro consellers.

El momento culminante de la carrera como fotoperiodista de Centelles se inicia con la Guerra Civil española. Suyas fueron las mejores imágenes, las más intensas y dramáticas de algunos de los principales capítulos del conflicto, cuyo archivo se completa ahora con nuevas escenas del Frente de Aragón, de los bombardeos de Reus y Falset o de la ayuda catalana al Frente de Madrid. Como ha señalado Carlos Delgado Mayordomo, comisario de la exposición, “contemplar hoy las imágenes inéditas de Agustí Centelles nos hace reflexionar sobre la historia como algo que no es inerte, sino un lugar cambiante y significativo en la construcción de la identidad colectiva”.

El grado de compromiso de Centelles con la Segunda República le valió el exilio a principios de 1939 y su internamiento en el campo de concentración de Bram (Francia). En 1944 regresó a Barcelona y, a los dos años, fue juzgado e inhabilitado como fotoperiodista, dedicándose a partir de entonces a la fotografía publicitaria e industrial. Este periodo queda reflejado en la exposición a través de fotografías realizadas durante los años cincuenta donde Centelles recoge las visitas de distintas personalidades (el pintor Salvador Dalí, el ciclista francés Louison Bobet o los integrantes de la IV Flota americana) a las cavas de la empresa Canals & Nubiola.

El Museo Würth La Rioja se prepara para los cien mil visitantes

Museo Würth


El hito de los cien mil visitantes desde la inauguración oficial del Museo Würth La Rioja el 7 de septiembre de 2007 se espera en breve. Actualmente casi 99.000 personas han cruzado las puertas del centro cultural ubicado en el polígono industrial de Agoncillo, en las proximidades de Logroño. El acceso a las exposiciones es gratuito así como a las actividades que se programan constantemente, las visitas guiadas, las propuestas para escolares y hasta el transporte diario desde Logroño.

El domingo día 8 de noviembre se clausura la muestra CORPVS de los artistas procedentes de Madeira, DDiARTE, en el Museo Würth La Rioja con un recital de la Orquesta Sinfónica de La Rioja. A partir de las 13:00h, la Orquesta al completo, dirigida por José Luis Barrio Bastida, junto con el Coro Sinfónico de La Rioja, ofrecerá un concierto, con repertorio de Puccini, en las instalaciones del Museo Würth La Rioja, coincidiendo con dicha jornada.

La muestra de DDiARTE es fruto de la colaboración del Museo Würth La Rioja con la colección Berardo de Portugal. La obra "Welcome" de DDiARTE pasa a formar parte de los fondos propios de Würth España, que ya contiene obras de Barceló, Manoló Valdés, Jaume Plensa, Miquel Navarro, Gao Xingjian y Richard Deacon, entre otras muchas firmas, muchas de ellas de artistas emergentes.

Relevo con Sabala y F.M.G.

Los artistas Sabala y F.M.G. tomarán el relevo de DDiARTE con pinturas y esculturas. La exposición se inaugurará el próximo 21 de noviembre con el título "2 en 1" y servirá para conocer la trayectoria y la esencia de estilos de la pareja de artistas. Entre tanto, la muestra dedicada a Christo y Jeanne-Claude permancerá en cartel hasta el 31 de marzo de 2010.

CORPVS ha reunido, desde su inauguración el pasado 16 de julio, obra sobre lienzo, papel fotográfico y poliestileno expandido de la Colección Berardo de Portugal, cuyo artífice, el comendador José Berardo, originario de Madeira (Portugal) es poseedor de una de las principales colecciones de arte contemporáneo europea, con obras de Warhol, Picasso, Dalí y Francis Bacon. La obra "Welcome" (2009), impresión digital sobre lienzo en caja de luz, 105x200 cm, pasa a formar parte de los fondos integrantes de la Colección de Würth España.

En CORPVS se muestran 19 fotografías impresas sobre diferentes formatos en las cuales, reinterpretando a artistas como Tiziano, Caravaggio o Dalí, personajes mitológicos e iconos religiosos son reinventados y desvinculados de su sentido inicial para dar cabida a una nueva realidad: la visión del mundo de estos artistas-fotógrafos.

DDiArte, la pareja artística formada por los artistas originarios de la isla portuguesa de Madeira, Diamantino Jesús y Zé Diogo, refleja en sus obras una pasión desatada por explorar las posibilidades expresivas del cuerpo humano en entornos oníricos a través de un complejísimo y lento proceso de postproducción.

Ismaíl Kadaré, "Principe de Asturias 2009", publica su novela "El accidente"

El accidente
Ismaíl Kadaré
Traducción del albanés de Ramón Sánchez Lizarralde
Alianza Editorial
Madrid, 2009 (319 pags)


Julia Sáez-Angulo


Premio Príncipe de Asturias 2009, el escritor albanés Ismaíl Kadaré (1936), repetidamente señalado como posible Premio Nobel –sería el primero en lengua albanesa- ha publicado en España su novela “El accidente”, una interesante intriga policíaca, al tiempo que novela amorosa.

Un taxi se sale extrañamente de la calzada y fallecen los dos albaneses que iban hacia el aeropuerto de Viena. La policía austriaca archiva el expediente aunque lo califica de “extraño”. Son más bien los servicios secretos de Serbia y Albania los que investigan y descubren lo que late detrás del accidente.

El protagonista, experto en asuntos balcánicos en el Consejo de Europa, que sigue con atención el proceso de descomposición de Yugoslavia y la guerra de Kosovo, ha tenido diversos encuentros en diferentes hoteles europeos con Rovena, la antagonista.

Ismael Kadaré retrata la psicología de ambos personajes, la dinámica como pareja amorosa y se detiene en sus reflexiones sobre el amor humano y sus avatares en el alma. En suma, una de las mejores novelas del autor, muy en línea con la preferencia policíaca de los lectores de hoy.

Kadaré es la figura literaria más importante de Albania, que vivió largos años exiliado en París hasta que en 1999, caído el muro del Este, regresó a Albania. Recibió en 2005 el Premio Booker Internacional. Alianza Editorial ha publicado en España buena parte de su narrativa.

Paco Pepe Posada, Libro de artista "Desde la arena"

Julia Sáez-Angulo


El pintor Paco Pepe Posada ha presentado en la plaza de toros de Las Ventas en Madrid y en Estampa, feria internacional del grabado, su libro “Desde la arena”, compuesto de doce estampas a base de collage, recortables de hermosos papeles, algunos hechos de manera artesanal y doce poemas escritos a mano, en una tirada limitada de 50 ejemplares. La presentación corrió a cargo de José Pedro Gómez Ballesteros y la galerista Rina Bowen, nombre del espacio madrileño donde expone el artista.

Las doce estampas recorren las suertes y situaciones taurinas: Puertas; Madre; La plaza; Chiqueros; Tonda; Tarde negra; Muerte; Miedo; Triunfo; Toro. “No he querido huir nada en lo que al toreo se refiere desde el éxito a la tarde negra, incluso la muerte, porque todo es vida real en el mundo taurino. También la muerte”, explica Paco Pepe Posada, hijo de torero.

“Esta serie se la brindo a mi padre”, añade el autor, quien añade: “Todos somos un poquito toreros al enfocar nuestra vida” dice el artista Posada.

En su poema “Triunfo”, el poeta dice:

Rápido y banal
Corto, emocionante
Superfluo e instantáneo
Se saborea a través del tiempo.

En "Chiqueros"

La plaza enmudece, espera
Escondido entre la seda
mira a través de sus cejas
él enseña su cara
el recorrido canta
sale a la arena
silencio!!

Paco Pepe Posada ha participado en algunos eventos culturales junto al Grupo por Arte y Cultura, liderado por Mayte Spínola.“Triunfo”

Isabel la Católica, Creación de una cátedra con su nombre en la UCAV de Ávila

L.M.A.

El Capítulo de Nobles Caballeros y Damas de Isabel la Católica ha firmado un convenio con la Universidad Católica de Ávila, UCAV, para la creación y colaboración de ambas entidades en una nueva cátedra universitaria denominada Isabel la Católica, que llevará a cabo estudios históricos sobre la citada Reina y su periodo histórico.

El acto tuvo lugar el 4 de noviembre pasado y en él estuvieron presentes el Gran Maestre del Capítulo, José María Gómez; la rectora de la UCAV, Rosario Sáez Yubero y el presidente de la Academia de la Hispanidad, Jesús Sevilla.

Tras la firma del convenio, se llevó a cabo una mesa redonda denominada “Isabel la Católica y su tiempo”, organizada por la Academia de la Hispanidad en el Palacio de los Serranos, perteneciente a la Obra Social Caja de Ávila. En ella participaron, además de las citadas personalidades, el catedrático y director de la Real Academia de la Historia, Gonzalo Anes y el fundador y director honorario de la Academia de la Hispanidad, Fernando Delgado Mesoneros. La mesa estuvo presidida por el alcalde de Ávila, Miguel Ángel García Nieto.

Todos los intervinientes glosaron la figura egregia de Isabel I de Castilla, como mujer inteligente, aguda y sagaz en el gobierno de sus territorios, así como su figura de santa por sus notables virtudes. La conferencia magistral –muy elogiada por los asistentes- corrió a cargo del profesor Gonzalo Anes que habló de “Isabel la Católica y la equiparación de inteligencia entre mujeres y hombres en la Historia”.

Concierto de María Rosa Calvo Manzano

El acto cultural terminó con un concierto de arpa de María Rosa Calvo Manzano, Dama del Capítulo de Isabel la Católica, que interpretó música del siglo XV, así como algunas composiciones propias.

Entre los asistentes se encontraban los duques de Veragua, los profesores Alfredo Pastor Ugena, y Arturo Vinuesa, los escritores Manuel Muñoz Hidalgo, Julia Sáez-Angulo, Claudio Becerro de Bengoa; José María Carnero y Carmen de Pastrana.

Consuelo Vinchira expone sus "Refugios" escultóricos en Estampa y otros espacios artísticos

Julia Sáez-Angulo


La colombiana/española residente en Madrid Consuelo Vinchira (Bogotá, 1955) pertenece a la saga de los artistas contemporáneos más conspicuos en la punta de lanza de la investigación plástica. Sus piezas, denominadas “Refugios”, están desarrolladas en buena parte en la tercera dimensión, con diversos materiales como grabados, dibujos, fotografías, cartones y papeles son de una singularidad y audacia únicas. En esta temporada vimos su obra de la autora en la exposición “Fibras”, en el Museo del Traje de Madrid. La artista estudió Bellas Artes en su país natal y actualmente ejerce la docencia en España.

Recientemente Vinchira ha expuesto en tres espacios madrileños: el Espacio Cultura de Ramón y Cajal Abogados, en el Hotel Santo Mauro y en la Librería de la Vida, además de hacerlo en Estampa la Feria Internacional del Grabado.

“Refugios” es el tema de mi obra de los últimos años y en ella recurro a diferentes técnicas que a lo largo de mi recorrido en el campo artístico he utilizado y experimentado”, explica Consuelo Vinchira. “El dibujo me ha llevado a la pintura, desde la que he llegado al grabado, en el cual me he detenido un poco más de tiempo, luego decidí unir ambos medios para incorporar después, tímidamente al comienzo, la fotografía, la cual va teniendo mayor presencia. Todas estas técnicas se han ido configurando en estructuras (esculturas) y en mis últimos trabajos en video instalación”.

”Tanto en las técnicas manuales, como en el uso del soporte informático utilizado, existe la misma necesidad, la búsqueda de la unidad. Pero antes de llegar a la materialización he tenido que buscar en el interior y responder al por qué y para qué. Convocar los sentidos, las sensaciones, y el entendimiento de lo cercano, el espacio vivido y vivenciado. Desde el primer Refugio en que estamos inmersos, todos los espacios no son sino reminiscencias de éste”, añade la artista.

El desarraigo del abandono de espacios familiares

”Pertenece al drama de la vida el que haya que abandonar espacios en los que uno esta inmerso y seguro, sin saber si se va a encontrar en lo nuevo un lugar habitable. Cantidades de población, tanto en el centro como en la periferia, tiene que ser evacuadas de sus “Refugios” y expuestos a un desarraigo”.

“El mundo globalizado, como todo lo concerniente al mundo, tiene su polo positivo, pero también su polo negativo. Según palabras del filósofo Italiano Toni Negri, la sociedad posmoderna posee una herramienta más intelectual, y en su mano está hacer uso de ella para afrontar el polo negativo que es el consumo desmedido (consumo de productos, de imágenes, de propiedades, consumo de bienes artísticos, etc.). Buscar en el refugio, tanto interior, como material, una reflexión que nos lleve a que nuestras vivencias se mantengan en un equilibrio, y que el afán de poseer no nos aleje de nuestros orígenes y de nuestro fin”, concluye Vinchira.

“El filósofo Alemán, Peter Sloterdijk, ve a los hombres y mujeres en el momento actual, como personas aseguradas, que no viven en casa sino en pisos prolongación de la piel humana. Individuos que viven cómodos en el interior de una burbuja en una sociedad individualista en al que se da un corto circuito narcisista, el hombre que no necesita recurrir al otro, creándose la idea de hacer pareja consigo mismo”.

En la feria de Estampa hemos podido ver también obra de diversos grabadores como Miguel Alberquilla en la Galería Quórum; Juan Alcalde, Manuel Oyonarte y Pablo Carnero en el Taller del Prado; Paco Pepe Posada o Raquel de Prada en la galería Rina Bowen.

"Lagrimas de Eros", una llamativa exposición en el Museo Thyssen-Bornemisza

Lágrimas de Eros
Museo Thyssen Bornemisza
Paseo del Prado, 8; 28014 Madrid
Comisario: Guillermo Solana

Fundación Caja Madrid
Plaza de San Martín, 1
28013 Madrid

Julia Sáez-Angulo


Toda la estética parece derivar hacia la erótica y al sexo parece desprenderse de esta singular exposición, con un título tomado del texto del último libro del pensador francés George Bataille titulado “Les larmes d´Eros” (1961). Comisariada por Guillermo Solana, conservador-jefe del Museo Thyssen-Bornemisza, la muestra aborda la eterna relación de Eros y Tánatos, como haz y envés de la vida, como componentes de un mismo ser, como una experiencia sagrada.

El erotismo es atracción, deseo, prohibición, tabú y su consumación engendra transgresión y conocimiento. “Conocer”, llama la Biblia a la entrega mutua de la pareja amorosa. La experiencia erótica de la consumación tiene cierta sacralidad que acerca en su intensidad de pérdida a la muerte.

La exposición del Museo Thyssen acoge 119 obras de distintos autores y procedencias para abundar la tesis del comisario, que según confesó buscó un tema de cierto impacto ante el hecho de que algunos proyectos no alcanzaban las expectativas esperadas. El proyecto fue acogido por la baronesa Carmen Thyssen-Bornemisza que le apoyó desde el comienzo.

El recorrido de la muestra se parcela en las distintas visiones de la cultura clásica y cristiana, nuestra raíces e imaginario común, como son los temas de la Esfinge seductora; Eva y la serpiente en el paraíso; Andrómeda y el martirio de San Esteban como versiones femenina y masculino de desnudos atormentados; El Beso como unión y vampirismo.

El sueño y la muerte erotizada con Endimión y Ofelia

En Caja Madrid podemos contemplar la visión del sueño y la muerte erotizada con figuras como Ofelia, joven muerta en el lago; Endimión, dormido para contemplación eterna de Selene; Jacinto… Finalmente la calavera junto a la desnudez penitente de María Magdalena; Judit y Holofernes; Salomé y el Bautista… El belga Paul Delvaux, con sus obsesiones de las nínfulas o Lolitas, no podía faltar. Balthus estaría en la onda y no digamos su hermano.


Entre las piezas que se pueden contemplar se encuentran la “Eva” naive del aduanero Hanri Rousseau; “La Mujer en las olas” (1868) de Gustave Courvet; el “San Sebastián” (1615), escultura de Lorenzo Bernini; “La fuente” (1869 – 1870) de Camille Corot… Y obras más recientes como Rineke Dijkstra con “Hilton Head Island” (1992); “El beso” (Bela Lugosi), 1963, de Andy Warhol, así como diversas visiones del cine, un video de David Beckham.

Eros, voyeurismo, mirada mórbida; pedofilia; necrofilia, exhibicionismo, sadomasoquismo, canibalismo, somnofilia… El arte no es inocuo. El deseo siempre es complejo; la sexualidad, individualizada… Si el Museo Thyssen-Bornemisza busca sobre todo masiva afluencia en sus exposiciones, esta sería el prototipo. Pero los museos públicos debieran de estar más allá de esta sola aspiración.

Doña Ana de Orleans y otros seis artistas exponen en Paz Feliz

Galería Paz Feliz

Claudio Coello, 17

28001 Madrid



Julia Sáez-Angulo

Siete artistas del Grupo Pro Arte y Cultura presentan su obra en una muestra colectiva en la galería madrileña Paz Feliz: Doña Ana de Orleáns, presidenta de honor del citado Grupo; José Jesús Lorenzo; Paulina Parra; Ana Zulaica; Rocío Báez; José María Orgaz y Mapi Chacón.

Algunos críticos afirman que los coleccionistas de arte son las figuras esforzadas y heroicas del circuito artístico porque, con su fe y adquisición, apoyan como mecenas a los creadores plásticos. Seguramente se trata de una afirmación arriesgada, porque el punto de arranque del arte está en el empeño solitario del artista en el estudio o el taller, para llevar a cabo una obra en la que se cree y por la que se entrega la energía y el tiempo necesarios. Pero nadie duda de que el artista espera seguidamente al espectador y al coleccionista que apuesten por su trabajo, una vez realizado.

“Una buena colección... no siempre se hace con el mejor Picasso. Es el placer de comprar y también el de poseer”, afirma Charles Saatchi, uno de los grandes coleccionistas del mundo. Todos ellos reconocen que nunca se arrepintieron de comprar una obra de arte y sí de haber dejado escapar otras, por vacilación o demora.

Coleccionar es un deseo que compensa siempre. No hay que olvidar que el arte como la ciencia, proporciona no sólo placer, sino un fundamento teórico indispensable sobre la vida. El arte es una representación del mundo a través de una mente creadora y una destreza profesional.

Arte como belleza, expresión y comunicación

El arte nos hace más llevadera la existencia. Tiene poderes terapéuticos, señalaba el alemán Joseph Beuys. Arte como belleza, como expresión, como comunicación... Su poder alquímico para transmutar la materia y hacer de ella una metáfora plástica es asombroso.

En esta exposición se cuenta con siete artistas del Grupo por Arte y Cultura, donde los nombres acendrados acogen a los nuevos valores que emergen. Su trabajo y estilo es muy variado, desde la figuración realista a la abstracción; con materiales que van desde el óleo o el acrílico a la acuarela de S.A.R. Doña Ana de Orleáns. Una ocasión excelente para el disfrute y enriquecimiento de los coleccionistas.

Doña Ana de Orleans muestra principalmente paisajes; Paulina Parra, abstracciones sobre sus series "Estados del Corazón" y "Diosas madres del Paleolítico"; José Jesús de Lorenzo, visiones del mundo árabe y paisajes del Cantábrico; Rocío Baez, un hermoso cuadro de libros y rollos...

Carmen Feijóo prepara una exposición sobre el Camino de Santiago

Carmen Feijóo, pintora


Julia Sáez-Angulo

        02.11.09.- Madrid.- La artista Carmen Feijóo parte de la mancha más que del dibujo para pintar. Manchas que van conformando las formas de los objetos o modelos de la naturaleza para insinuar sin perfilar. Una manera sutil de plasmar en el soporte –lienzo, tabla o papel- sin la rotundidad cerrada de la línea. Nace así una obra en la que el óleo se empasta con maestría dentro de atmósferas densas, misteriosas, en la que suelen aparecer los distintos verdes del boscaje que dotan de fondos suntuosos al alborozo cromático de las flores o frutos.

La pintora vallisoletana, que tituló “Las Flores” la exposición de óleos expuestos en la Fundación Apóstol Santiago de Madrid, prepara una nueva sobre el “Camino de Santiago” para el 2010, que es Año Jacobeo . Flores cortadas, solas o en jarrones; flores en fachadas o arriates de jardín; flores en bodegones… No olvidemos que Carmen Fijóo está considerada una de las mejores bodegonistas en el circuito artístico de hoy. La autora enlaza sui generis con la escuela de los grandes plenairistas que buscan la naturaleza de las flores y la reflejan en sus cuadros: Sorolla, Rusignol, Monet, Manet, Roault… Las flores son siempre el mejor pretexto para aplicar el color en el arte, en definitiva, para apresar la luz sobre la materia.

Futura retrospectiva en Valladolid

Carmen Feijóo trabaja igualmente el retrato, la naturaleza viva más rotunda, al decir de algunos críticos de arte. Enfrentarse al rostro humano para apresar su visión y su expresión es siempre un reto de gran artista. La escuela española del arte no se entiende sin el retrato; el Museo del Prado no se concibe sin la gran galería de retratos que reflejan los artífices de la historia creativa. El retrato para nuestra artista es un género querido en el que cada día muestra su buen saber hacer. Para la exposición ha querido mostrar un autorretrato de 2007.

Finalmente el dibujo. Carmen Feijóo practica el dibujo, sobre todo en el madrileño Círculo de Bellas Artes, donde el desnudo es un ejercicio habitual en sus talleres, sea estático o en movimiento para apuntes rápidos de dos a tres minutos. También lleva a cabo academias de las grandes obras escultóricas en escayola, como la Santa Teresa de Bernini. La Biblioteca Nacional adquirió recientemente dos dibujos de diferentes series de la autora: Carnaval y Academia.

Feijóo prepara una exposición retrospectiva para Valladolid, su ciudad natal.

Arturo Elena, Ilustrador de Moda en el Museo del Traje

Arturo Elena, 25 Años de Ilustración

Museo del Traje . Madrid

Hasta el 10 de enero de 2010

Julia Sáez-Angulo

Una mujer sofisticada, es la imagen que desprenden las ilustraciones de Arturo Elena (Teruel, 1957), que se exponen en el Museo del Traje de Madrid, con motivo de los 25 años que celebra en su trabajo. Cincuenta y dos piezas a la vista de los espectadores, en las que se aprecian las buenas dotes de dibujante así como su gran sentido del color y del estilo. Un reflejo de lo que pide y espera el cliente. El ilustrador ha trabajado para distintos diseñadores de moda como Roberto Verino, Victorio & Lucchino, Loëwe, The Extreme Collection, Lemoniez, Tejidos Rafael Matías, Río Dayne y Custo Barcelona. Arturo Elena ha comisariado la muestra.

La exposición, que permanecerá abierta hasta el 10 de enero de 2010, cuenta con un buen catálogo y textos de Enrique Loëwe, Pedro Mansilla, Fernando Lemoniez, Juan Manez, Chanel o Sara Glattsein. Arte y moda sobre distintos soportes que da cuenta de la evolución estética que tiñe la vida de la ciudad. Para el artista ilustrador, su trabajo parte del realismo de la prenda o del desfile de modelos que contempla.

Además de ilustraciones para diseños de moda, A. Elena ha trabajado en revistas femeninas como Telva, Cosmopolitan (España), Mujer Hoy, Elle, Romantique & Chic, Beadlife, Maxima (Portugal), Angeline´s (Francia), Snitt (Noruega), X-Funs (Taiwán) y Visión (China). También ha llevado a cabo campañas de empresas como Citroën, Reynolds, Lucky Strike, Bodegas Viñas del Vero y otras.

Glamour y femineidad en la esbeltez de sus iconos

Arturo Elena ofrece otra silueta femenina que dinamiza el imaginario de muchas mujeres, aunque quizás no alcancen la esbeltez y elegancia de sus iconos, al fin y al cabo se trata sólo de ilustraciones. Glamour y feminidad de unas mujeres a las que gusta vestir bien y que apuestan por la moda actual; mujeres que supuran un punto de frivolidad e intrascendencia, como las célebres chicas de Kiraz en las célebres bandas dibujadas de humor. Sus damas con perrito, leopardo o caballo constituyen uno de sus géneros habituales.

Arturo Elena ha sido reconocido como un primer nombre en el mundo de la ilustración y ha conocido el éxito a manos llenas, desde su humilde origen, ya que estudió con beca en Barcelona. La docencia de Ilustración la ha llevado acabo en el Instituto Europeo de Diseño en Madrid desde 1998.

Los rotuladores de colores son su pigmento clave y el cartón su soporte preferido, con ellos logra dibujos luminosos de mujeres elegantes y hermosas. Para A. Elena, un ilustrador es aquel que “refleja gráficamente la filosofía de una firma, el diseño de un creador, la atmósfera de una colección o la intención de un reportaje de moda”. El ilustrador cita sus fuentes de inspiración en el arte de Velázquez, Mengs, Silver Sargent, Boldini, Sorolla o Sert; también admira los trabajos de ilustradores como René Gruau o Stefano Canulli.

Ana Bellido expone sus esculturas de papel en el Instituto Cervantes de Marruecos

Julia Sáez-Angulo

Ana Bellido, artista gaditana, tiene una obra hermosa, exquisita, minimalista, de ecos orientales... en la que el papel y el grafismo cobran un protagonismo decisivo, sobre todo en la tercera dimensión. Sus esculturas en papel son formidables. Uno guarda todavía en las retinas sus hermosas “Chimeneas noruegas”, presentadas en Madrid. La artista ha expuesto en Pekín, Madrid, recientemente en el Instituto Cervantes de Marruecos y ha escrito un interesante libro sobre el grabado no tóxico. Después de terminar la carrera de Bellas Artes en Santa Isabel de Hungría –Sevilla- se dedicó a viajar y conocer museos y galerías de arte de toda Europa. Quería impregnarse en directo de lo estudiado en los libros. “Me causó especial impresión la primera vez que tuve delante un cuadro de Van Gogh”, cuenta.

Su estilo refinado ha requerido, “horas, días y años de trabajo”. Empezó por la figuración, luego pasó al expresionismo, para llegar al expresionismo abstracto y minimalismo actual. Sus esculturas de papel traen ecos de Extremo Oriente.

Del grabado le atrajo “Su dificultad. El reto que supone. La mezcla de taller, con su alquimia, y el proceso creativo.¿Sabe el placer que supone ese momento en el que se levanta el papel y se ve el resultado final de la estampa?”, pregunta retóricamente con asombro.

El grabado no-tóxico en la escuela


Hablamos del placer de la docencia: “Por un lado la investigación que supone escribir un libro como El Grabado no- tóxico en la escuela, en una España donde la mayoría de los talleres seguía los procesos tradicionales y poco ecológicos en la realización de los grabados. Por otro, el placer de transmitir conocimientos a personas que los reciben con entusiasmo. Cuando uno da clases – lo aseguro- también aprende”.

“El libro El Grabado no- tóxico en la escuela surgió de la idea de poder impartir clases de grabado dentro de cualquier tipo de escuela, sin los inconvenientes que para los alumnos conllevaba el uso de materiales peligrosos para la salud y el medio ambiente. En el libro se explican las distintas técnicas de grabado usando materiales no tóxicos. La mayoría de ellas son novedosas, otras en cambio, aún siendo tradicionales están contempladas en el mismo debido a que su buen uso no reporta daño alguno para la salud. Lo he escrito con un lenguaje claro y sencillo con el fin de que pueda ser comprendido por aquel que se interese por el mundo del grabado, sin que sea necesario tener ningún conocimiento previo en la materia”.

El cambio de Ana Bellido (Cádiz, 1966) desde Andalucía a Madrid el 2000 tuvo sus matices plásticos “aunque, no existe un cambio realmente. Mi vida, en los últimos años es un devenir. He trabajado en distintos lugares y me he adueñado de la luz y la energía de cada uno de ellos”. Málaga, Arshila (Marruecos), La Habana, Berlín, Madrid... lugares que tienen eco en los títulos de sus obras como Cartas de amor desde La Habana o Cartas de amor desde Berlín.

China ha sido factor clave en su última serie y exposición. Bellido ha aprendido de Oriente “que la vida es un río que fluye, y hay que dejarse llevar por él. Mi estancia en China me ha proporcionado calma y una nueva visión plástica de la realidad”.

Caligrafía misteriosa en China

A la disyuntiva de la caligrafía o el color dice: “Déjeme que te cuente algo. Allá en la galería de Pekín, buena parte de mi público, chino por supuesto, se quedaba absorta y perpleja intentando descifrar qué mensaje escondía aquella caligrafía posiblemente de una zona remota de China. Era mi lenguaje inventado”.

Algunos comentaristas dicen que el futuro de los coleccionistas y museos está en China, pero Ana Bellido replica: “Confío en que no. Es verdad que ahora hay una moda por el consumo de obras de autores chinos contemporáneos, pero supongo que con el tiempo esto se calmará. Los escasos coleccionistas chinos están comprando obra a sus paisanos. Supongo que en China faltan colecciones de arte chino para chinos”.

Sobre proyectos futuros cree que “aún me queda por destilar lo aprendido en Pekín. De aquí al 2010 presento dos individuales, una en Madrid y otra en China. En lo personal, Juan, mi bebé es mi mejor obra. Esa que surge de la espontaneidad”. Ana Bellido está casada con el actor Bruto Pomeroy y el mundo del cine le resulta cercano. Algunos de sus cuadros figuran en películas.

Entre las reflexiones que le merecen los museos estima que “les sobra público. El museo ha pasado de ser un sitio muerto, a un lugar masificado por la moda. El Museo del Prado sigue siendo mi favorito”. Y entre los cuadros que le han absorbido la visión y la mente, la autora selecciona “La tempestad” de Oscar Kokoschka.

Ana Bellido cree en la interacción de las artes como algo “muy positivo. Ha dirigido una serie de documentales sobre pintores de primera línea, españoles vivos. Mi relación con ellos me esta haciendo crecer mucho. La lectura es también fuente de enriquecimiento y la pintora destaca varios títulos, entre otros, Narciso y Goldmundo o Sidharta, ambos de Herman Hesse, y también Sinué el egipcio de Mika Waltari.

Han pasado algunos años desde la primera exposición de Ana Bellido: “con once años hice la primera. La sutileza y levedad de la pintura y escultura de Ana Bellido hace de ella uno de los nombres más a tener en cuenta en el panorama del arte.

Victor Morales y Javier Ponce, Visión africanista desde Canarias

Una visión del Islam en África y desde Canarias. Historia de una frontera
Universidad de las Palmas de Gran Canaria

Victor Morales Lezcano y Javier Ponce

Coordinadores

Las Palmas, 2008

España, Marruecos y el mar

Actas del Coloquio

Prólogo Mohamed Benaïssa

Centro Marroquí de Estudios Islámicos

Larache-Marruecos, 2009



Víctor Morales

Julia Sáez-Angulo



Dos publicaciones, que recogen las actas de simposios y coloquios en Canarias, la frontera española más cercana al África, dan cuenta de la visión y posición de unas islas y una mirada al continente cercano. Los profesores Víctor Morales Lezcano y Javier Ponce Marrero han coordinado “Una visión del Islam en África y desde Canarias. Historia de una frontera”, publicados por Cuadernos de Estudio Canario-Africanos. El profesor de Historia Contemporánea de la UNED, Morales Lezcano ha participado igualmente en la publicación de las Actas del Coloquio sobre “España, Marruecos y la Mar”, que tuvo lugar en Larache en 2008, editadas ahora con un prólogo de Mohamed Benaïssa, subsecretario general de la Fundación del Foro de Arcila y ex ministro de Asuntos Exteriores de Marruecos.

“Marruecos, fuente de inspiración africana para el orientalismo de Fortuny” fue la ponencia de Morales Lezcano en la que cita la plana mayor del orientalismo pictórico: Horace Vernet; David Roberts; Eugène Delacroix; John Frederick Lewis; Genaro Pérez Villamil; Eugène Fromentin; Jean-Léon Géróme; Joseph Tapiro i Baró; Mariano Fortuny; Henri Regnault y Georges Clarín.

“Cuando Fortuny vuelve a Marruecos en 1861 (...) la primera impresión que le había causado Marruecos en el año 60 no hace sino fortalecerse en su retina de pintor mediterráneo, amigo de la luz y del color y nada indiferente al panorama abigarrado del norte de Marruecos. Ahora bien, a partir de entonces, y aunque el maestro de Reus sigue atribulado durante algunos años por la deuda contraída con la Diputación (lienzo titulado “La batalla de Tetuán”, hoy en el Museo del Parque de la Ciudadela en Barcelona), ello no le impide aquilatar lo que sin falso recato procede designar aquí como el “Marruecos profundo” que Fortuny hizo aflorar con su paleta a través de la Galería de tipos populares; el estudio de las costumbres más cotidianas o más festivas de la sociedad tribal del Marruecos de entonces, y la tipología de la figura del guerrero, de los guardias cherifianos y del caballo o noble bruto”.

Fiestas de Moros y Cristianos en Levante

En la ponencia “El fantasma cultural del Islam norteafricano desde España (1860 – 2007), el profesor González Alcantud, de la Universidad de Granada escribe: “Las fiestas de moros y cristianos que de ser una fuente de inspiración para un supuesto “folclore marroquí” inserto en la península, han pasado a ser rechazada por algunos ideólogos del multiculturalismo. Sin embargo los musulmanes españoles han eludido intervenir en la polémica sobre la idoneidad de su celebración, denunciada por los sectores más islamistas con el coro de los intelectuales de izquierda laicos partidarios del multiculturalismo. Tampoco lo hicieron con la fiesta de la Toma de Granada, que comenzó a ser cuestionada hará tres lustros por estos últimos”.

Son muchos los temas que se abordan en estas publicaciones universitarias que debaten con inteligencia unas situaciones socio-culturales de gran alcance para dos lugares fronterizos como son España (sobre todo vista desde Canarias) y Marruecos, el primero con fuerte presencia inmigratoria del segundo. El debate universitario abre la visión al recoger hechos y plantear posturas y posibles actuaciones de futuro a modo de soluciones. Las raíces de la historia y la tradición cuentan a la hora de enfocar, entender y analizar los hechos. “La mejor política exterior pasa por entenderse en primer lugar con los vecinos”, dice una máxima diplomática, para ello se requiere conocimiento mutuo, respeto y, sobre todo, voluntad recíproca. Las imposiciones solo generan rencor.

Cuchi de Osma, Exposición de Pintura en el Hotel Castellana Intercontinental

Julia Sáez-Angulo

Hija del gran acuarelista Ismael de Osma, la pintora Cuchi de Osma (Madrid, 1940) expone sus último strabajos, en su mayoría de bodegones y temática floral en el Hotel Castellana Intercontinental de Madrid. Con este motivo hacemos hecho esta entrevista:

¿Qué es la pintura para usted?
Algo que me embriaga, me apasiona y como toda vocación llena gran parte de mi vida.

¿Por qué utiliza el óleo?
Las ricas tonalidades que me dan los oleos y su envejecimiento que con el tiempo adquiere este tipo de pigmentos es lo que me lleva a trabajar con ellos.

¿Qué maestros le han influido más y en qué aspectos?
Influirme, Monet, Degas, Turner y muchos más, pero siempre por la sutileza y delicada manera de pintar.

¿Por qué en su temática dominan las flores?
El cielo, el mar, las puestas de sol, los jardines, las flores, en concreto la Naturaleza, son el principal tema de mis cuadros, quizá por el gran colorido que las cuatro estaciones encierran.

¿Cómo concibe la figura?
La concibo cuando está espléndidamente dibujada y la composición no está desequilibrada. El dibujo sin acierto puede ensombrecer la obra.

¿Le gusta que la traten de romántica en el arte?
Sí, por supuesto.

La imaginación más que la realidad está en sus paisajes ¿Por qué?
Quizás veo más fantasía en el paisaje que realidades. Pinto jardines abandonados porque es donde veo más encanto, más embrujo…

¿Qué museos le atraen y visita más?
Como vivo en Madrid, me encanta pasearme y muy a menudo lo hago por esas casas palaciegas, hoy museos, como el Lázaro Galdiano, el museo Cerralbo, el museo romántico… Envidio a esos coleccionistas que todo lo precioso que caía en sus manos y por su gran poder adquisitivo, lo compraban y lo cuidaban al máximo, muebles, cuadros, joyas, abanicos, monedas, etc.

¿Qué cuadro de museo le impactó y por qué?
Del gran maestro holandés Rembrandt, ese grandioso cuadro “la ronda nocturna”. Me senté delante de esa gran obra maestra y tuve la sensación de estar entre esos personajes. Me rodeó ese ambiente tan misterioso que envuelve el cuadro.

¿Qué libro de arte le ha interesado más o le ha hecho reflexionar?
Muchos, pero quizás tengo uno de Monet que me apasiona por su exquisitez. Vivió rodeado de buen gusto en su villa de Guiverny en Francia, preciosa casa de campo de donde salieron sus más bellos cuadros. Allí cocinaba, decoraba las mesas conjugando vajillas, flores, tapetes, recibía a sus amigos, pintaba sus lagos, nenúfares y hermosos rincones. En sus obras veo esa serenidad que me emociona profundamente.

¿Qué proyectos tiene?
Seguir siendo feliz delante de un lienzo y sobre todo tener tiempo libre para actuar.


* Más información 
www.cuchideosma.es